The play One Man's Vision covers the period 1963 to 1966 when Jorn Utzon, the Danish architect of the Sydney Opera House, resided in Sydney until his resignation or dismissal in February 1966. The play draws on the tensions and hostility towards Utzon, which builds in the government of the day, cultural groups, press, and also with some senior architects. Rowdy scenes in the N.S.W. Legislative Assembly paint a broad canvas of construction, funding, and political problems. These further escalate with a change of government. Utzon's daily work features interaction between his assistant, consulting engineers, and Public Works Department inspectors, as pressures develop to overcome operational and financial problems. His forced dismissal, resulting in a public rally and march, puts in doubt the completion of the opera house. The exegesis takes Arthur Miller's argument for the playwright as an interpreter of history as its starting point, in order to examine the issues of balancing history with drama in the writing of my play, One Man's Vision. To bring unity to existing reports and to construct a play capable of holding an audience, a playwright must make many choices shaped by the conventions of the theatre and of the genre of the work being attempted. A historical play based on existing records will also draw on the imagination of the playwright. The playwright, therefore, makes decisions as to the blend of history and imagination which will be used to serve the story and represent ideas and concepts through dialogue. In making these artistic decisions history becomes just one component rather than the predominant one.

Thèse (M. A.)--Université Laval, 2008. / Bibliogr.: f. 136-147. Publié aussi en version électronique dans la Collection Mémoires et thèses électroniques.

Dans ce mémoire, nous proposons d'étudier les phénomènes liés au métissage dans la trilogie Sangen for livet (1984-86 [Le chant pour celui qui désire vivre, 1995]) de Jorn Riel, une notion abordée dans chacune des nombreuses oeuvres de cet auteur danois. Chez Riel, le métissage, qu'il soit biologique ou culturel, est valorisé et présenté comme un mode de conservation des traditions, un principe de survie et un processus créateur. Riel raconte l'histoire d'une famille inuite, un récit qui s'étale sur plus de mille ans d'histoire et dont les principaux personnages sont animés par le désir de conserver leurs spécificités biologiques et culturelles. Ce désir de conservation est toutefois comblé par des phénomènes de métissage, tant biologique que culturel. Riel valorise le métissage en le présentant comme mode de conservation et d'affirmation identitaire. Reflétant ce récit, l'écriture de Riel se réclame également du métissage, tant du point de vue de la forme que du processus créateur à partir duquel la trilogie est élaborée. La prose particulière de Riel se situe à mi-chemin entre l'écriture et l'oralité, ce qui lui confère une voix de conteur. De plus, il réactualise des grands thèmes de la littérature orale inuite et construit sa trilogie sous la forme d'un conte, réconciliant ainsi, le temps d'une trilogie, la tradition orale et la tradition écrite. L'omniprésence des phénomènes de métissage dans la diégèse et hors de cette dernière, ainsi que le lien étroit que Riel tisse entre l'écriture, le métissage et le nomadisme (l'écriture prend le relais du nomadisme dans le dernier tome en occupant les mêmes fonctions que ce mode de vie pour les personnages inuits: résurgence de la mémoire, conservation de la tradition, diffusion d'un savoir) nous permet de constater que son écriture est comme ses personnages, métisse et nomade, d'où le titre de ce mémoire: «L'écriture nomade. Analyse des phénomènes de métissage dans Le chant pour celui qui désire vivre de Jorn Riel.» ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Métissage, Nomadisme, Transfert culturel, Identité, Culture, Nord, Oralité, Écriture, Altérté, Conte, Conteur, Tradition orale, Inuit, Groenland, Littérature Scandinave, Danemark.

Il y eut deux grandes suites de peintures détournées par Asger Jorn, les Modifications de 1959 et les Nouvelles Défigurations de 1962. Dans les deux cas il s'agissait de tableaux quelconques repeints par Jorn à sa manière. Chaque tableau , vivement réinterprété dans sa singularité expressive, était relancé dans la modification de sa valeur même. Ces modifications relevaient tout autant du détournement tel qu'il fut avancé par les situationnistes que d'une critique centrale du caractère limité de l'activité artistique moderne. À la suite d'une esquisse critique de l'antinomie aporétique inhérente à la pratique artistique dite autoréférentielle, l'auteur aborde dans leur particularité signifiante quelques peintures détournées par Jorn. Le détournement est alors considéré comme méthode de propagande et comme procédé expérimental dominé par la dialectique dévalorisation-revalorisation de l'élément détourné dont la perspective réelle est le dépassement de l'art et le mobile le renversement de la société de classes modernes. / Montréal Trigonix inc. 2018

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2007-2008. / Par l'étude de la polémique qui l'oppose en 1954 à Max Bill (1908-1994), architecte suisse et premier recteur de la Hochschule fur Gestaltung à Ulm, l'auteur tente de retracer les origines historiques, les prémisses idéologiques et les cadres conceptuels du discours d'Asger Jorn (1914-1973) sur l'art et l'architecture modernes, en général, et sur la question du fonctionnalisme, en particulier. Développant son analyse en replaçant ce débat à la fois dans le parcours individuel des artistes, dans le contexte spécifique de l'après-guerre et en continuité avec l'histoire de l'avant-garde et du modernisme européen, l'auteur essaie d'interpréter de manière critique la position «contre-fonctionnaliste » d'Asger Jorn à la lumière de ses articles parus dans des périodiques Scandinaves et des essais compilés dans Pour la forme : ébauche d'une méthodologie des arts, anthologie publiée en 1957 au terme d'une intense période d'expérimentation artistique et de réflexion théorique sous l'égide du Mouvement International pour un Bauhaus Imaginiste

The overall aim of the thesis is to discuss cultural significations and notions of colour in Swedish post-war architecture. More specifically, the purpose is to analyse the question of colour in architecture linked to the polychrome walls of Årsta Community Centre, including background, intentions, cultural context and debate. Årsta Community Centre, situated just south of Stockholm, was built in 1947-53. The buildings as well as the colourful paintings covering the walls facing the square were designed by architects and brothers Erik and Tore Ahlsén. Newspapers and journals showed a clear indignation concerning the colourful exterior walls. Why did the polychrome walls at Årsta raise so much attention and cause such criticism? And how are these reactions related to contemporary ideas of colour in architecture in general? The thesis is divided into six chapters. The introductory chapter is followed by a historical retrospect with examples of use and notions of colour in architecture, in order to present a prelude to post-war thoughts and design. This text leads up to two central concepts developed for this thesis: Structural and independent colour effect. The third chapter presents Årsta Community Centre with focus on the polychrome walls at Årsta square, analysing the role of the architects and the cultural and social environment in which they were interacting. Special attention is paid to the important inspiration provided by the thoughts of the Danish artist and writer Asger Jorn. The forth chapter deals with the critique of Årsta square as well as arguments in contemporary debates concerning colour in architecture (as for example in the Apollo and Dionysus-debate). Chapter five discusses the role of independent colour effect in art and architecture of the 1940´s and 50´s related to examples of contemporary ideas and use of history. The conclusions of the study are presented in the sixth chapter. It contains an interpretation of the polychrome space, mainly focusing on two themes: The first is the understanding of the square as a theatre, based on historical social and urban patterns. The second is the suggestion of a modernistic language of colour and architecture for common man that is universal and time-less, challenging established social and material hierarchies. The thesis finishes with an analysis and a summary point by point of the critique directed at the colours of Årsta Community Centre with main emphasis on the underlaying political motives. / <p>QC 20101112</p>