ALVES, Renata da Costa. Reescritura de Ensaio sobre a cegueira ao cinema: ressignificações das imagens. 2012. 136f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Letras, Fortaleza (CE), 2012. / Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2014-05-19T11:14:29Z No. of bitstreams: 1 2012_dis_rcalves.pdf: 2053747 bytes, checksum: 56d9f4e301da88339a8c3872fa57c068 (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo(marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2014-05-19T11:43:11Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2012_dis_rcalves.pdf: 2053747 bytes, checksum: 56d9f4e301da88339a8c3872fa57c068 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-05-19T11:43:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2012_dis_rcalves.pdf: 2053747 bytes, checksum: 56d9f4e301da88339a8c3872fa57c068 (MD5) Previous issue date: 2012 / This dissertation proposes, through the analysis of the novel Ensaio sobre a cegueira (1995), by Jose Saramago and its filmic rewriting (2008), by Fernando Meirelles, to investigate translation strategies, delineating mainly how images of the literary text (the blindness, the abjection, the chaos, the solidarity, and the plot itself) were rewritten in the cinematographic language, creating, this way, new images of the literary universe for new audiences. In order to do so, we seek to understand the way converging and diverging features in relation to the two works contribute to give both the novel and the movie a singular aspect, considering the particularities of each language (literature and cinema). First, we will reflect on translation studies, since some of their principles give support to ideas followed in this research, as the concept of rewriting by André Lefevere (1992). Afterwards, some questions on the construction of Saramago’s narrative project will be focused on. Allegory will be analyzed as a literary device used to resignify the images of the “white blindness” – the leitmotif of the narrative. It will be also taken into account internal and external elements of the plot, such as the analysis of characters, and the context of production and reception in which the novel was written. Finally, it will be analyzed the filmic rewriting of the literary work, presenting some translation strategies used by the director in his composition, as well as aspects of the poetics of the film and its intertextualities. The results show that the filmic text by the Brazilian director was not in the shade of the novel by the Portuguese author, given that the film got a particular characteristic, constrained by cultural, ideological, semiotic and authorial issues. Being the movie a new fictional work, it is also a new reflection on the value of each human being inside the collective entity called society. / Este trabalho propõe-se, por meio da análise do romance Ensaio sobre a cegueira (1995), de José Saramago, e de sua reescritura fílmica (2008), por Fernando Meirelles, investigar as estratégias de tradução, delineando, principalmente, como imagens do texto literário (a cegueira, a abjeção, o caos, a solidariedade e a própria trama.) foram ressignificadas na linguagem cinematográfica, gerando, assim, novas imagens do universo literário para novos públicos. Para tal, procuramos compreender como os traços convergentes e divergentes entre as duas obras contribuíram para singularizar tanto o romance quanto o filme, considerando as particularidades inerentes a cada signo (literatura e cinema). Inicialmente, fizemos algumas reflexões acerca dos estudos da tradução, em vista desses estudos, em parte, servirem de apoio às ideias seguidas neste trabalho, como o conceito de reescritura, de André Lefevere (1992). Posteriormente, serão focadas algumas questões elencadas por Saramago na construção do projeto narrativo de seu romance. Analisaremos a alegoria como recurso literário utilizado na ressignificação das imagens do mal branco— fio condutor do enredo. Serão levantadas questões internas e externas ao enredo, como o estudo da personagem e o contexto de produção e recepção o qual foi escrito o romance. No último capítulo, analisaremos como se deu a reescritura fílmica da obra, elencando algumas estratégias de tradução utilizadas pelo diretor em sua composição, além dos aspectos da poética fílmica e das intertextualidades. Os resultados mostram que a obra fílmica do diretor brasileiro não ficou à sombra do romance do autor português, pois adquiriu um caráter próprio, condicionado por fatores culturais, ideológicos, semióticos e autorais. O filme, sendo uma nova obra de ficção, é também uma nova reflexão sobre o valor de cada ser humano em meio ao coletivo chamado sociedade.

VERONESI, Raquel Barros. A reescritura das personagens 'womanistas' de The Color Purple para o Cinema. 2015. 160f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Letras, Fortaleza (CE), 2015. / Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2015-03-31T12:54:43Z No. of bitstreams: 1 2015_dis_rbveronesi.pdf: 1893379 bytes, checksum: 8be8e578c998b24565a9290d5f0bf9ce (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo(marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2015-03-31T14:27:31Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2015_dis_rbveronesi.pdf: 1893379 bytes, checksum: 8be8e578c998b24565a9290d5f0bf9ce (MD5) / Made available in DSpace on 2015-03-31T14:27:31Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2015_dis_rbveronesi.pdf: 1893379 bytes, checksum: 8be8e578c998b24565a9290d5f0bf9ce (MD5) Previous issue date: 2015 / The present dissertation analyses the translation of womanism in The Color Purple (1982), by Alice Walker, into its homonymous film adaptation in 1985, directed by Steven Spielberg. The term womanism, although it also refers to the black feminism, relates to a movement that transcends the social aspect; it is, therefore, a spiritual movement, committed to the survival and welfare of all people, independent on race, sex, religion, among others. The novel The Color Purple tells Celie’s story, a semi-illiterate black teenager who writes letters to God, telling situations about her life. Through friendship with other women and, consequently, the discovery of new ways of being and feeling, the character tries to overcome the trauma caused by the separation of her sister and her children, and the physical and psychological rapes she had suffered. In this research, we investigate, specifically, the rewriting of four female characters – Celie, Nettie, Sofia and Shug – since we perceive them as the main representative of womanism in the novel. Our hypothesis is that some womanist aspects, such as religion and homosexuality, were softened in the translation, due to contextual issues, whereas others were emphasized because they were adapted into both the poetics of the cinema of the 80’s, and of the director. As theoretical background, we take Even-Zohar’s postulates (1990), about the polysystem theory, and Toury’s assumptions (2012), which understand the studies of translation emphasizing the cultural factor, and considering the influence that the target culture has on the translation process. We also take Lefevere’s concept of rewriting (2007), which emphasizes the historical and cultural nature of the translated texts. Concerning the translation of literary works into the cinema, we use the studies by Cattrysse (1992), and the considerations of authors, such as Stam (2008; 2011) and Hutcheon (2013), who discuss the relationship between the two language systems. Finally, about womanism, the reflections by Maparyan (2012) and Walker (1983) are critical in conducting the analysis. The results showed that the strategies of softening and emphasis on the translation of the female characters’ womanist traits concern the translators’ poetic, as well as the specificities of the cinematic system. Therefore, in the adaptation, they reflect much more the poetics of Hollywood cinema of the 80’s, and of the director, than the womanism observed in the literary work. / A presente dissertação analisa a tradução do “womanismo” em The Color Purple (1982), da escritora Alice Walker, para o filme homônimo de 1985, dirigido por Steven Spielberg. O termo womanism, embora se refira também ao feminismo negro, diz respeito a um movimento que transcende o social; ele é, portanto, um movimento espiritual, comprometido com a sobrevivência e o bem-estar de todas as pessoas, independente de raça, sexo, religião, entre outros aspectos. O romance The Color Purple narra a história de Celie, uma adolescente negra semiletrada, que escreve cartas a Deus, contando sobre sua vida. Por meio da amizade com outras mulheres e, consequentemente, da descoberta de novas formas de ser e sentir, a personagem tenta superar os traumas causados pela separação da irmã e de seus filhos e pelos estupros físicos e psicológicos que sofreu. Nesta pesquisa, investigamos, especificamente, a reescritura de quatro personagens femininas – Celie, Nettie, Sofia e Shug – uma vez que as percebemos como as principais representantes do “womanismo” no romance. Partimos da hipótese de que alguns aspectos “womanistas”, tais como religião e homossexualidade, foram suavizados na tradução, devido a questões contextuais, enquanto outros foram enfatizados porque se adequavam à poética, tanto do diretor, quanto do cinema da década de oitenta. Como fundamentação teórica, recorremos aos postulados de Even-Zohar (1990), sobre a teoria dos polissistemas, e aos pressupostos de Toury (2012), que entendem os estudos da tradução com ênfase no fator cultural, considerando a influência que a cultura de chegada exerce sobre o processo tradutório. Baseamo-nos também no conceito de reescritura, de Lefevere (2007), que enfatiza o caráter histórico e cultural dos textos traduzidos. Sobre as questões de tradução de obras literárias para o cinema, empregamos os estudos de Cattrysse (1992), e as considerações de autores, tais como Stam (2008; 2011) e Hutcheon (2013), que discutem sobre a relação entre os dois sistemas de linguagem. Por fim, no que se refere ao “womanismo”, as reflexões de Maparyan (2012), bem como da própria Walker (1983) são fundamentais na condução da análise. Os resultados mostraram que as estratégias de suavização e ênfase na tradução dos traços “womanistas” das personagens femininas dizem respeito à poética dos tradutores, bem como às especificidades do sistema cinematográfico. Por isso, na adaptação, elas refletem muito mais a poética do diretor e do cinema hollywoodiano dos anos oitenta, do que o “womanismo” observado na obra literária.

NUNES, Francisco Romário. The Road: o tema da violência da escrita para as telas. 2015. 150f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Letras, Fortaleza (CE), 2015. / Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2015-06-05T17:30:27Z No. of bitstreams: 1 2015_dis_frnunes.pdf: 1763515 bytes, checksum: 26e4f72fd2473493106e1461b45eba59 (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo(marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2015-06-08T12:54:35Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2015_dis_frnunes.pdf: 1763515 bytes, checksum: 26e4f72fd2473493106e1461b45eba59 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-06-08T12:54:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2015_dis_frnunes.pdf: 1763515 bytes, checksum: 26e4f72fd2473493106e1461b45eba59 (MD5) Previous issue date: 2015 / This paper analyzes the translation of the book The Road (2006), by Cormac McCarthy, to cinema, focusing on the theme of violence and the way it was translated to film. The Road tells the story of a father and his son; both are survivors of a disaster on Earth. They walk towards the south coast of the United States. During this journey, the characters remake the American History, a country that obtained its territorial expansion from north to south. Nevertheless, there is nothing to be conquered because the West lives post-apocalyptic days. On this regard, the characters wander among corpses seeking protection from the groups that practice cannibalism. Having this plot, the novel achieved popularity in its home country, as well as it obtained academic prestige, which culminated with the Pulitzer Prize for fiction. Three years after its release, The Road was adapted to a film with the same tittle, directed by John Hillcoat. Our main aim, then, is to investigate which strategies the director used to translate the theme of violence in cinema. We assume that the film translated violence according to the patterns of Hollywood melodrama, through a narrative construction that intends to make the spectator have affection for the characters. For this purpose, we based our research on some authors of Translation Studies: Lefevere (1992), Toury (1995) and Even-Zohar (1990). Thereafter, we studied some theories concerning adaptation from literature to screen according to Cattrysse (1992), Stam (2008) and Hutcheon (2013). Related to cinema theory, we studied Machado (2011), Xavier (2003, 2012) and Bordwell (1985). We also investigated the depiction of violence in literature and in the film, according to the authors Leenhardt (1990), Lins (1990), Ginzburg (2012), Abel (2007), Hikiji (2012) and Mongin (1999). Finally, we discussed some critical essays on McCarthy, pointing out Cant (2009), Ellis (2006), Walsh (2009), and Hage (2010), among others. The results showed that the adaptation translated violence in a way it reinforced the melodrama, highlighting the characters’ hazardous condition in both the time and the space of this narrative film, and incorporating narrative strategies which could make the spectator identify with the father and his son. / Este trabalho analisa a tradução da obra The Road (2006), de Cormac McCarthy, para o cinema, com foco na temática da violência e a forma como foi traduzida na narrativa fílmica. The Road narra a história de um pai e seu filho, ambos sobreviventes de uma catástrofe ocorrida na terra. Juntos caminham em direção à costa sul dos Estados Unidos. Durante a jornada, os personagens reescrevem a História americana, país que obteve sua expansão territorial do norte para o sul. No entanto, não há nada para conquistar, pois o Oeste vive dias pós-apocalípticos. Dessa forma, os personagens vagueiam entre cadáveres e buscam protegerse de grupos que praticam canibalismo. O romance, com esse enredo, alcançou popularidade no seu país de origem, assim como obteve prestígio da academia, que culminou com o prêmio Pulitzer de ficção. Três anos depois de seu lançamento, The Road foi adaptado para o cinema com o título homônimo, dirigido por John Hillcoat. Nosso principal objetivo, portanto, é investigar quais as estratégias usadas pelo diretor para traduzir o tema da violência no cinema. Partimos da hipótese de que o filme traduziu a violência, seguindo parâmetros do melodrama hollywoodiano, por meio de uma construção narrativa que busca fazer com que o espectador crie identificação com os personagens. Para tal, recorremos à leitura das obras dos seguintes teóricos dos Estudos da Tradução: Lefevere (1992), Toury (1995) e Even-Zohar (1990). Por conseguinte, realizamos a leitura de teóricos que discutem a respeito de adaptações literárias para o cinema como: Cattrysse (1992), Stam (2008) e Hutcheon (2013). Embasamonos ainda nos críticos de cinema: Machado (2011), Xavier (2003, 2012) e Bordwell (1985). Sobre a representação da violência na literatura e no cinema, optamos por Leenhardt (1990), Lins (1990), Ginzburg (2012), Abel (2007), Hikiji (2012), e Mongin (1999). Por fim, acerca da fortuna crítica de McCarthy, destacamos Cant (2009), Ellis (2006), Walsh (2009) e Hage (2010), entre outros. Os resultados mostraram que a adaptação fílmica traduziu a violência de modo que ela acentuasse o melodrama, reforçando a condição precária dos personagens no tempo-espaço da narrativa e incorporando estratégias narrativas que reproduzissem no espectador certa identificação com os personagens pai e filho.

BARBOSA, Bruno de Paula. Factotum: a tradução de Bukowski para o cinema. 2015. 112f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Letras, Fortaleza (CE), 2015. / Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2016-03-28T15:20:57Z No. of bitstreams: 1 2015_dis_bpbarbosa.pdf: 1046696 bytes, checksum: 90835849301d34ffb2bf89eba8ab3754 (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo(marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2016-03-29T10:23:15Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2015_dis_bpbarbosa.pdf: 1046696 bytes, checksum: 90835849301d34ffb2bf89eba8ab3754 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-03-29T10:23:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2015_dis_bpbarbosa.pdf: 1046696 bytes, checksum: 90835849301d34ffb2bf89eba8ab3754 (MD5) Previous issue date: 2015 / Adaptações fílmicas de textos literários são frequentes no meio cinematográfico na contemporaneidade e possuem grande alcance midiático sendo capaz de levar a imagem do autor e sua obra a públicos variados Sob essa perspectiva a adaptação fílmica age como uma tradução ao reescrever um texto produzido em determinada linguagem para outra Nesse sentido esta pesquisa visa analisar o processo de adaptação do romance Factotum (1975) do escritor norte-americano Charles Bukowski com foco na construção da personagem principal Henry Chinaski alter-ego do autor e herói de vários de seus contos e romances A obra foi adaptada para o cinema em uma produção homônima franco-norueguesa, escrita e dirigida pelo cineasta norueguês Bent Hamer em 2005 Partimos da ideia que a mudança de focalização entre os meios e o apagamento de determinadas características da escrita do autor como o humor e a ironia acarretam uma ressignificação do texto traduzido Para a análise utilizam-se principalmente fundamentos teóricos da teoria dos Polissistemas de Even-Zohar (1995) acerca dos fatores culturais envolvidos no processo de tradução e as relações do objeto resultado desse processo no meio que se insere assim como as discussões teóricas de Toury (1995) e Lefevere (2007) sobre os estudos de tradução Para as questões literárias (teórico e práticas) apresentadas são utilizadas as discussões de Bahktin (1988) Maingueneau (2001) Rosenfeld (1974) e Lejeune (2008) acerca da escrita autobiográfica No que diz respeito à fortuna crítica de Bukowski utilizam-se ainda biografias, compilações de cartas e entrevistas revisões críticas de seu trabalho assim como seus poemas contos e romances Conclui-se que houve perceptíveis mudanças de informação enquanto estratégia de tradução para adequar o produto traduzido ao texto de chegada como a mudança no ethos do personagem e a inserção de um tom sentimental nas suas relações amorosas, entre outros Dessa forma a tradução cinematográfica ressignificou para o espectador traços importantes do universo literário de Bukowski.

SILVA, Ricelly Jáder Bezerra da. A tradução da personagem Elizabeth Bennet, de Pride & Prejudice, para o cinema. 2014. 123f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Letras, Fortaleza (CE), 2014. / Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2014-08-08T17:31:13Z No. of bitstreams: 1 2014_dis_rjbsilva.pdf: 1467738 bytes, checksum: 9759e052fab69a1d5a79e9bba2afcf35 (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo(marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2014-08-08T17:40:42Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2014_dis_rjbsilva.pdf: 1467738 bytes, checksum: 9759e052fab69a1d5a79e9bba2afcf35 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-08-08T17:40:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2014_dis_rjbsilva.pdf: 1467738 bytes, checksum: 9759e052fab69a1d5a79e9bba2afcf35 (MD5) Previous issue date: 2014 / This dissertation aims at analyzing the process of translating the character of Elizabeth Bennet, protagonist of the novel Pride & Prejudice, first published in 1813 by the English author, Jane Austen, into the film version Pride & Prejudice (1940), by Robert Z. Leonard. In her novel, Austen criticizes sociocultural patters which relegate women to an inferior position in relation to the male sex. Such criticism is subtlety present in the narrative and, especially, in the character of Elizabeth Bennet, who is seen as an intelligent, ironic and decisive woman. These qualities differ from the moral idea of women in nineteenth-century England. The presentation of this type of female character assures her of a timeless quality which is transmitted to posterity by means of translations. Pride & Prejudice was first translated for the Hollywood film in 1940, in the above mentioned Leonard’s version. Since the cinema is a medium that reaches a large audience of both readers and non-readers of literary works, one may question the strategies that are implied in the translation process of such character to the silver screen. It may be correctly assumed that when thus translated, any social criticism presented by the principal literary character tends to give way to a narrative which proposes entertainment, focusing on the love and comical relationship between the protagonists of the novel. The theoretic basis for the present analysis is based on the following concepts of translation: Lefevere’s translation rewriting (2007) and Cattrysse’s postulate (1995) which conceives film adaptation as a type of translation. Concerning film adaptation, Martin (2005), Eisenstein (2002) and McFarlane’s (2010) studies, which regard cinema as a linguistic art in its own right, were incorporated into our analysis as were those of Candido (2011), Rosenfeld (2011), Bakhtin (2011), Gomes (2011) and Forster (2004), all of whom discuss the structure of the fictional character. Such studies have resulted in a new configuration of the cinematographic character. Based on the criteria on the target system, this configuration permits the deleting of the critical level found in the universe of the novel and introduces the original work to a wider audience, as can be proved by the republishing of the novel in various editions after the release of the film version in 1940. / O objetivo deste trabalho é analisar o processo de tradução da personagem Elizabeth Bennet, protagonista do romance Pride & Prejudice, publicado em 1813, de autoria da escritora inglesa Jane Austen, para o filme Pride and Prejudice (1940), de Robert Z. Leonard. Em sua obra, Austen constrói uma crítica a padrões socioculturais que relegam posição inferior à mulher do século XIX em relação ao sexo masculino. Tal crítica está presente de maneira sutil em sua narrativa, principalmente, centrada na personagem Elizabeth Bennet, pois Austen a apresenta como uma mulher inteligente, irônica, decidida e ousada; qualidades que não eram associadas ao comportamento feminino durante o século XIX. Por apresentar personagens femininas de caráter decidido, suas criações ganham qualidade atemporal, sendo projetadas à posteridade por meio de traduções. Pride & Prejudice foi adaptado pela primeira vez para o cinema hollywoodiano em 1940, na versão supracitada de Leonard. E, sendo o cinema um meio que atinge grande público formado por leitores e não leitores de obras literárias, indagamo-nos quais estratégias foram empregadas no processo tradutório da referida personagem para a narrativa fílmica. Portanto, partimos da hipótese de que, ao ser traduzida para as telas, a personagem é reestruturada e a crítica é apagada para ceder lugar a uma narrativa cômica e romântica. Como base teórica, utilizamos princípios de Estudos da Tradução: Lefevere (2007), com o conceito de tradução como Reescritura e Cattrysse (1995), que concebe a adaptação fílmica como tradução. Quanto aos estudos de cinema e literatura, utilizamos Martin (2005), Eisenstein (2002) e McFarlane (2010); e no que diz respeito a questões literárias, utilizamos Candido (2011), Rosenfeld (2011), Bakhtin (2011), Gomes (2011) e Forster (2004). Os resultados mostraram que ocorreram mudanças na configuração da personagem cinematográfica, obedecendo aos critérios do sistema receptor e apagando o teor crítico encontrado no romance de Austen. Mostraram ainda que a obra fílmica projetou o universo literário do romance para um público mais amplo, dada as reedições do romance durante aquela década, em decorrência da exibição do filme.

BRAGA, Mariana Fontenele. Poesia talhada em madeira: João Guimarães Rosa e Arlindo Daibert. 2014. 112f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Comunicação Social, Fortaleza (CE), 2014. / Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2015-01-20T12:22:53Z No. of bitstreams: 1 2014_dis_mfbraga.pdf: 13218534 bytes, checksum: b9f9c9bcec531cfb9bdca030eae04fe9 (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo(marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2015-01-20T13:22:30Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2014_dis_mfbraga.pdf: 13218534 bytes, checksum: b9f9c9bcec531cfb9bdca030eae04fe9 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-01-20T13:22:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2014_dis_mfbraga.pdf: 13218534 bytes, checksum: b9f9c9bcec531cfb9bdca030eae04fe9 (MD5) Previous issue date: 2014 / Em 1982, o artista plástico Arlindo Daibert elabora uma série de vinte xilogravuras inspiradas no romance Grande Sertão: veredas, de João Guimarães Rosa. Adotando uma postura de tradutor, Arlindo Daibert investiga as possibilidades de recriação a partir do ponto de vista da mudança de linguagens. As tensões entre palavra e imagem, escritura e oralidade, tão latentes na obra de Rosa, ganham relevo nas gravuras de Daibert. Nesta pesquisa, buscamos explorar essas relações no sentido de percebê-las em suas confluências. As imagens de Daibert não tem caráter meramente ilustrativo, mas dialogam com a obra rosiana fazendo ecoar outros níveis de leitura e interpretação do texto.

SILVA, Jardas de Sousa. A transmutação da personagem Lolita de Nabokov da literatura para as telas. 2015. 93f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Letras, Fortaleza (CE), 2015. / Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2015-06-08T11:06:55Z No. of bitstreams: 1 2015_dis_jssilva.pdf: 1951774 bytes, checksum: b9e030e75645a5793d4448ec4ab3ae15 (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo(marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2015-06-08T12:55:38Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2015_dis_jssilva.pdf: 1951774 bytes, checksum: b9e030e75645a5793d4448ec4ab3ae15 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-06-08T12:55:38Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2015_dis_jssilva.pdf: 1951774 bytes, checksum: b9e030e75645a5793d4448ec4ab3ae15 (MD5) Previous issue date: 2015 / This dissertation analyzes the translation of Lolita character, by Vladimir Nabokov, to the eponymous film made in 1997, directed by Adrian Lyne. In the novel Lolita (1955), the man character is a 12 year-old girl whose life changed when she had started being stalked by Humbert Humbert, a grown-up and much more experienced man who soon becomes stepfather of hers. By facing this situation, Lolita is seen as a character who has some behavioral traits that give us an ideia of ambivalence about her presentation in the novel. Many of Lolita‟s attitudes can be interpreted either the result of a childish naivety or as kinds of games created by a cunning mind. In this study, we investigate, specifically, the strategies used by the director to transmute Lolita‟s ambiguities from the novel Lolita to the cinema. Our hypothesis is that the protagonist as a symbol of nymphet, that is, the seductive girl, was the most emphasized aspect in the film adaptation due to the inherent issues both related to the director‟s poetic and the types of Hollywood productions in the nineties. As theoretical background, we take the Even-Zohar‟s assumptions (1978), on the theory of polysystem, and the Toury‟s ones (1995), which refer to translation studies with emphasis on cultural factor, considering the influence of the target culture has on the translation process. We also work with the concept of rewriting by Lefevere (2007), which emphasizes the historical and cultural context of the translated texts. On the relationship between literature and film, we deal with the studies by Cattrysse (1992), Stam (2008) and Xavier (2003). Finally, we also rely on postulates by Candido (2007) and Gomes (2007), regarding to the construction of literary and filmic characters, and Lolita previous studies, such as those by Agueros (2005) and Lazarin (2010). The results pointed that the strategies to present the character Lolita on screen intensify the myth of the nymph, the femme fatale, which permeates its name from its first translations. Therefore, in the adaptation, Lolita can be interpreted as the anti-heroine of her own story while Humbert becomes the passionate hero. / A presente dissertação analisa a tradução da personagem Lolita, de Vladimir Nabokov, para o filme homônimo de 1997, dirigido por Adrian Lyne. No romance Lolita (1955), a protagonista é uma menina de 12 anos que tem sua vida transformada após ser alvo de uma paixão obsessiva por parte de Humbert Humbert, um homem adulto e bem mais experiente do que ela e que logo se torna seu padrasto. Diante de tal situação, a personagem apresenta alguns traços de comportamento que podem gerar certo grau de ambivalência quanto à composição de seu caráter na narrativa literária, as quais muitas de suas atitudes podem ser interpretadas tanto como fruto de uma ingenuidade infantil quanto como jogos de atributos sedutores de uma mente ardilosa. Nesta pesquisa, investigamos, especificamente, as estratégias do diretor na transmutação das ambiguidades da personagem Lolita do romance para o cinema. Partimos da hipótese de que a protagonista como símbolo da ninfeta, isto é, da garota sedutora, foi a faceta mais enfatizada na adaptação fílmica, devido às questões inerentes tanto à poética do diretor, quanto às produções hollywoodianas da década de noventa. Como fundamentação teórica, recorremos aos pressupostos de Even-Zohar (1978), sobre a teoria dos polissistemas, e àqueles de Toury (1995), que se referem aos estudos da tradução com ênfase no fator cultural, considerando a influência que a cultura de chegada exerce sobre o processo tradutório. Trabalhamos também com o conceito de reescritura de Lefevere (2007), que enfatiza o contexto histórico e cultural dos textos traduzidos. Sobre a relação entre literatura e cinema, empregamos os estudos de Cattrysse (1992), Stam (2008) e Xavier (2003). Por fim, baseamo-nos também nos postulados de Cândido (2007) e Gomes (2007), no que se refere à construção de personagens literárias e fílmicas, além de estudos prévios sobre Lolita, tais como aqueles de Agueros (2005) e Lazarin (2010). Os resultados mostraram que as estratégias utilizadas para apresentar a personagem Lolita nas telas intensificam o mito da ninfeta, da femme fatale, que permeia seu nome desde suas primeiras traduções. Por isso, na adaptação, Lolita pode ser interpretada como a anti-heróina de sua própria história enquanto Humbert se torna o herói apaixonado.