O presente trabalho tem como objetivo investigar as possíveis interpretações para as indicações metafóricas de partitura do Noturno para Piano nº12 de Almeida Prado. A leitura de teorias sobre metáfora, aliada à pesquisa em outras obras do compositor e outros compositores pianistas, ampararam a reflexão sobre a interpretação das indicações metafóricas. Entrevistas com Almeida Prado foram consultadas em busca da compreensão do processo de evocação de imagens do compositor. Concluiu-se que o estudo aprofundado da obra, voltado para a busca de significados para as indicações metafóricas através da metodologia proposta, favoreceu a coerência e embasamento da interpretação juntamente à compreensão da individualidade e relatividade da interpretação musical. / The objective of the present stud is to investigate the possible interpretations of the metaphorical indications of Almeida Prado‟s Piano Nocturne nº12. The reading of theories about metaphor, allied with the research of other works by this composer and other pianist composers supported the reflection of the interpretation of the metaphorical indications. Interviews with Almeida Prado were consulted in pursuit of the comprehension of the image evocation process of the composer. It was concluded that a more profound study of the work, regarding the search of meanings of the metaphorical indications through the proposed methodology, favored the coherence and foundation of the interpretation, along with the comprehension of the individuality of musical interpretation.

Submitted by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2017-08-11T13:45:46Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Stefânia Coppo Ribeiro Benatti - 2017.pdf: 4460944 bytes, checksum: f77a0b07b7c0327afed96785f4b1fa88 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2017-08-11T13:46:53Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Stefânia Coppo Ribeiro Benatti - 2017.pdf: 4460944 bytes, checksum: f77a0b07b7c0327afed96785f4b1fa88 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-08-11T13:46:53Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Stefânia Coppo Ribeiro Benatti - 2017.pdf: 4460944 bytes, checksum: f77a0b07b7c0327afed96785f4b1fa88 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2017-03-31 / The piccolo has been used just recently for recitals and chamber music all around the world. Therefore, its presence in the orchestral scene became notable mostly on 20th c. composers, such as Shostakovich. With the recent use of the instrument as a soloist within and without the orchestra, raises the necessity of a specific formation for piccolo, regardless of the flute. Lately, orchestras search for professional piccolo players, not flute players that can eventually play the piccolo when they are required. There is an extensive market out there for a good piccolo player, but it requires a deep knowledge about the instrument. On this paper, I display an investigation of the parameters of the embouchure, sonority, articulation and intonation, grounded in the methods for flute Méthode Complète de Flûte (1958) by Paul Taffanel and Phillipe Gaubert, De La Sonorite: Art et Technique (1934), by Marcel Moyse, and for piccolo The Mazzanti Method (2011), by Nicola Mazzanti and Practice Book for the Piccolo (1988), by Patricia Morris e Trevor Wye. After the research, made by this author, about the difference presented in the methods between the piccolo and flute parameters, were defined the differences in the application of these elements in the piccolo. The partial result was a study of excerpts of selected works for piccolo, considering the particularities found about the execution of the instrument. This research has as goal to help the flutist having a specific piccolo study, respecting its execution particularities and making possible a development that is both effective and independent of the flute. / O flautim é um instrumento de uso recente nos palcos de recitais e música de câmara de todo o mundo. Já a sua presença no quadro orquestral passou a ganhar destaque principalmente com compositores do século XX, como Shostakovich. Com a recente utilização do instrumento como solista dentro e fora da orquestra, surge a necessidade de uma formação específica do flautim independente da flauta. Atualmente, orquestras procuram flautinistas profissionais e não mais flautistas que tocam flautim quando necessário. O mercado de trabalho para um bom flautinista é muito extenso, mas isso exige que ele tenha um profundo conhecimento sobre o instrumento. Neste trabalho, apresento uma investigação a partir dos parâmetros embocadura, sonoridade, articulação e afinação, amparada pelos métodos de flauta Méthode Complète de Flûte (1958), de Paul Taffanel e Phillipe Gaubert, De La Sonorite: Art et Technique (1934), de Marcel Moyse, e de flautim The Mazzanti Method (2011), de Nicola Mazzanti e Practice Book for the Piccolo (1988), de Patricia Morris e Trevor Wye. Após análise das diferenças descritas nos métodos entre os parâmetros do flautim e da flauta, definiram-se as diferenças da aplicação desses elementos no flautim. O resultado parcial foi um estudo de trechos de obras selecionadas para flautim, levando-se em conta as particularidades encontradas sobre a execução do instrumento. Essa pesquisa tem como objetivo ajudar o flautista a um estudo específico do flautim respeitando suas particularidades de execução e possibilitando um desenvolvimento eficaz e independente da flauta.

Este estudo analisa o Trio op. 97, escrito por Ludwig van Beethoven, mediante uma abordagem ligada às práticas interpretativas com um enfoque histórico, estético e musicológico. A pesquisa objetivou reconhecer, nessa composição, os procedimentos técnicos, sonoros e interpretativos para alcançar unidade sonora e um pensamento musical comum a uma formação camerística composta por piano, violino e violoncelo. Do ponto de vista metodológico, a pesquisa se valeu de um estudo prático-interpretativo ao piano, da revisão bibliográfica de estudos analíticos da concepção e dos aspectos interpretativos da obra, da escuta analítico-apreciativa de gravações da obra e de uma leitura de sua escrita. O trabalho de interpretação se apoiou, sobremaneira, na leitura analítica das fontes de pesquisa: manuscrito autógrafo, edições posteriores da partitura, cartas de Beethoven a seus editores e textos de comentadores de contemporâneos do compositor. Os resultados da pesquisa mostram, dentre outros pontos, que Beethoven buscou desenvolver uma parceria em que as características de cada instrumento são reconhecidas e valorizadas, mas sempre colocadas à disposição do conjunto. Também mostram que Trio op. 97 reserva ao violino papel menos proeminente que o do violoncelo; e que, com uma escrita pianística que privilegia acordes e as mais variadas figuras, o equilíbrio camerístico requer atenção especial nos quatro movimentos da obra. Enfim, os resultados apontam que as idiossincrasias são fundamentais para interpretar a notação e as intenções musicais de Beethoven. A sistematização das análises e reflexões aqui descritas permitiu clarear, aprofundar e sedimentar conhecimentos sobre a obra; mas de modo algum apontam uma direção única ou uma \"verdade absoluta\". / This study analyzes Trio op. 97, written by Ludwig van Beethoven. It does so by approaching it in connection with performance practice and with a focus on historical, aesthetic, and musicological aspects. The research aimed to recognize technical, sound, and interpretative procedures in this composition in order to achieve a sound unit and a musical thought peculiar to the chamber music formation made of piano, violin and cello. From a methodological point of view, the research relied upon a practical and interpretive study on the piano, a reading of analytical studies on the conception and interpretive aspects of Trio op. 97, an analytic and appreciative listening to recordings of this composition and a reading of its musical score. The interpretive work recurred greatly to the analytical reading of research sources such as autograph manuscript, later editions of its musical score, Beethoven\'s letters to his publishers, and of texts on Beethoven\'s life and music by contemporary commentators of him. Research results show, among other aspects, that Beethoven sought to develop a kind of work in which each instrument\'s characteristics are recognized and valued but it always serves the group. Besides, they show point that Trio op. 97 attributes to the violin a role less prominent than cello\'s; and that with a piano writing focused on chords and varied figures, chamber music\'s balance demands special attention as to the four movements of the Trio. Finally, results indicate that the idiosyncrasies are fundamental to interpret Beethoven\'s notation and musical intentions. That said, systematizing analyzes and making some thoughts on this thesis made possible to clarify, deepen and consolidate certain knowledge on Trio op. 97. But it doesn\'t meant prescribing a direction or an \"absolute truth\" regarding a forma of understanding and valuing it.

O presente estudo investigou a realização de atividades de leitura à primeira vista em diferentes contextos acadêmicos. Três estudos realizados entre 2014 e 2015 investigaram a implantação de exercícios preparatórios em tarefas de leitura à primeira vista de excertos retirados da literatura do violão. Os estudos, intitulados Estudos A, B e C, contaram com a participação de estudantes de cursos de nível básico, superior e pós-graduação. A incipiência aural afetou no resultado de tarefas de transcrição e execução de um trecho melódico e de composição melódica, sugerindo que os melhores desempenhos estiveram mais baseados na memória motora de localização das notas (Estudo A). A experiência musical e com o estudo de repertório por partituras demonstrou maior influência com os desempenhos, principalmente com a questão do componente aural (Estudo B). Atividades que influenciam no desenvolvimento da leitura à primeira vista foram relatadas pelos participantes, como tocar de ouvido e improvisar. No entanto, relataram não praticar a habilidade de forma sistemática. Um aspecto não considerado como influente afetou na percepção visual de um dos participantes (diferença de escrita entre o exercício e o excerto musical). Mesmo assim, sugere-se ter ocorrido transferência da informação motora armazenada na memória do exercício para o excerto. Participantes com melhores desempenhos apresentaram um equilíbrio de entre experiência musical e experiência de estudo de repertório por partituras (Estudo C). Ainda assim, diferentes níveis de execução da habilidade foram verificados, o que sugere a importância de um treinamento específico. Os participantes pertencentes à amostragem de curso superior demonstraram maior capacidade de otimização do tempo das sessões de estudo, bem como maior autonomia na execução dos mesmos. Isto sugere forte relação com o aumento da capacidade de retenção e decodificação da informação de entrada pelo aumento da experiência geral. / The present study investigated the application of sight-reading activities on different academic contexts. Three case studies, between 2014-2015, investigated the application of preparatory exercises prior to the task of sight-reading excerpts taken from the guitar literature. The participants in the studies, named Studies A, B and C, were high school, undergraduate and graduate students. Aural incipience impacted the result of transcription of a melodic line and melodic composition. It suggests that the best performances were based more on motor memory for note location (Study A). Musical experience in association with repertoire study by scores showed more influential on the performance, especially with the aural component (Study B). Participants related activities which influenced their development of sight-reading, such as playing by ear and improvising music. However, they admitted to not practicing sight-reading in a systematic manner. Differences between an exercise of one excerpt was an aspect not considered previously. Nevertheless, it was suggested that transfer of motor information stored in the memory occurred from the exercise to the excerpt. Participants with better sight- reading results demonstrated balance between musical experience and repertoire study by scores (Study C). However, different levels of skill performance were verified, suggesting the importance of specific training. College level participants showed more ability to optimize time in study sessions, as well as more autonomy to perform it. This suggests a strong relationship between the increase of the ability to retain and decode input data by increasing the general level of experience.

Esta pesquisa tem como objetivo investigar e traçar o perfil dos trabalhos referentes a Práticas Interpretativas, no contexto dos cursos de pós-graduação stricto sensu em Música, das universidades estaduais paulistas. Considera a forma de inserção de Práticas Interpretativas na estrutura dos programas dos referidos cursos, bem como o histórico da implantação dos programas, e analisa uma amostragem da produção acadêmica resultante, no período de 2002 a 2007, buscando estabelecer as tendências quanto a objeto de estudo e procedimentos metodológicos. Entre os procedimentos, procura demonstrar como e até que ponto a análise do material musical está sendo utilizada como ferramenta em prol da interpretação, bem como a escolha de abordagens mais apropriadas à especificidade das Práticas Interpretativas. Faz alusão, portanto, às discussões sobre as relações que podem se estabelecer entre interpretação e análise musical. Constata encontrar-se o segmento de Práticas Interpretativas ainda em processo de consolidação entre as áreas de concentração e linhas de pesquisa dos programas, e, por outro lado, a existência de uma produção significativa e crescente, a validar e acelerar essa consolidação. / The objective of this study is to examine and outline Performance Practices studies carried out in stricto sensu graduate music courses in State funded universities in the State of São Paulo. It looks at the place attributed to Performance Practices in the curricula of such courses and the historic development thereof, analyzing a sample of the resulting research and publications between 2002 and 2007, and trying to establish existing trends between the study object and methodological procedures. Within the context of procedures, the work attempts at demonstrating how and in how far the musical material employed is being used as a tool favoring interpretation, as well as choosing more appropriate approaches considering the specificity of Performance Practices. It refers therefore to the discussion about the relationship that may exist between interpretation and musical analysis. It can be said that the Performance Practices segment is still in a process of consolidating the main areas of studies and research, and on the other hand there is clear evidence of significant and growing production thus validating and accelerating the consolidation process.

Esta pesquisa tem como objetivo investigar e traçar o perfil dos trabalhos referentes a Práticas Interpretativas, no contexto dos cursos de pós-graduação stricto sensu em Música, das universidades estaduais paulistas. Considera a forma de inserção de Práticas Interpretativas na estrutura dos programas dos referidos cursos, bem como o histórico da implantação dos programas, e analisa uma amostragem da produção acadêmica resultante, no período de 2002 a 2007, buscando estabelecer as tendências quanto a objeto de estudo e procedimentos metodológicos. Entre os procedimentos, procura demonstrar como e até que ponto a análise do material musical está sendo utilizada como ferramenta em prol da interpretação, bem como a escolha de abordagens mais apropriadas à especificidade das Práticas Interpretativas. Faz alusão, portanto, às discussões sobre as relações que podem se estabelecer entre interpretação e análise musical. Constata encontrar-se o segmento de Práticas Interpretativas ainda em processo de consolidação entre as áreas de concentração e linhas de pesquisa dos programas, e, por outro lado, a existência de uma produção significativa e crescente, a validar e acelerar essa consolidação. / The objective of this study is to examine and outline Performance Practices studies carried out in stricto sensu graduate music courses in State funded universities in the State of São Paulo. It looks at the place attributed to Performance Practices in the curricula of such courses and the historic development thereof, analyzing a sample of the resulting research and publications between 2002 and 2007, and trying to establish existing trends between the study object and methodological procedures. Within the context of procedures, the work attempts at demonstrating how and in how far the musical material employed is being used as a tool favoring interpretation, as well as choosing more appropriate approaches considering the specificity of Performance Practices. It refers therefore to the discussion about the relationship that may exist between interpretation and musical analysis. It can be said that the Performance Practices segment is still in a process of consolidating the main areas of studies and research, and on the other hand there is clear evidence of significant and growing production thus validating and accelerating the consolidation process.

Este estudo analisa o Trio op. 97, escrito por Ludwig van Beethoven, mediante uma abordagem ligada às práticas interpretativas com um enfoque histórico, estético e musicológico. A pesquisa objetivou reconhecer, nessa composição, os procedimentos técnicos, sonoros e interpretativos para alcançar unidade sonora e um pensamento musical comum a uma formação camerística composta por piano, violino e violoncelo. Do ponto de vista metodológico, a pesquisa se valeu de um estudo prático-interpretativo ao piano, da revisão bibliográfica de estudos analíticos da concepção e dos aspectos interpretativos da obra, da escuta analítico-apreciativa de gravações da obra e de uma leitura de sua escrita. O trabalho de interpretação se apoiou, sobremaneira, na leitura analítica das fontes de pesquisa: manuscrito autógrafo, edições posteriores da partitura, cartas de Beethoven a seus editores e textos de comentadores de contemporâneos do compositor. Os resultados da pesquisa mostram, dentre outros pontos, que Beethoven buscou desenvolver uma parceria em que as características de cada instrumento são reconhecidas e valorizadas, mas sempre colocadas à disposição do conjunto. Também mostram que Trio op. 97 reserva ao violino papel menos proeminente que o do violoncelo; e que, com uma escrita pianística que privilegia acordes e as mais variadas figuras, o equilíbrio camerístico requer atenção especial nos quatro movimentos da obra. Enfim, os resultados apontam que as idiossincrasias são fundamentais para interpretar a notação e as intenções musicais de Beethoven. A sistematização das análises e reflexões aqui descritas permitiu clarear, aprofundar e sedimentar conhecimentos sobre a obra; mas de modo algum apontam uma direção única ou uma \"verdade absoluta\". / This study analyzes Trio op. 97, written by Ludwig van Beethoven. It does so by approaching it in connection with performance practice and with a focus on historical, aesthetic, and musicological aspects. The research aimed to recognize technical, sound, and interpretative procedures in this composition in order to achieve a sound unit and a musical thought peculiar to the chamber music formation made of piano, violin and cello. From a methodological point of view, the research relied upon a practical and interpretive study on the piano, a reading of analytical studies on the conception and interpretive aspects of Trio op. 97, an analytic and appreciative listening to recordings of this composition and a reading of its musical score. The interpretive work recurred greatly to the analytical reading of research sources such as autograph manuscript, later editions of its musical score, Beethoven\'s letters to his publishers, and of texts on Beethoven\'s life and music by contemporary commentators of him. Research results show, among other aspects, that Beethoven sought to develop a kind of work in which each instrument\'s characteristics are recognized and valued but it always serves the group. Besides, they show point that Trio op. 97 attributes to the violin a role less prominent than cello\'s; and that with a piano writing focused on chords and varied figures, chamber music\'s balance demands special attention as to the four movements of the Trio. Finally, results indicate that the idiosyncrasies are fundamental to interpret Beethoven\'s notation and musical intentions. That said, systematizing analyzes and making some thoughts on this thesis made possible to clarify, deepen and consolidate certain knowledge on Trio op. 97. But it doesn\'t meant prescribing a direction or an \"absolute truth\" regarding a forma of understanding and valuing it.

Neste trabalho discutimos três estudos de caso com o objetivo de investigar empiricamente a modelagem como ferramenta de estudo no desenvolvimento musical e pianístico de alunos do Bacharelado em Instrumento/Piano da UFRGS. Durante a pesquisa, cada um dos três participantes foi instruído a ouvir atentamente uma gravação de pianista de renome internacional como modelo a ser seguido. Na etapa da coleta de dados, os participantes realizaram três gravações de dois trechos contrastantes de uma obra do seu repertório e gravaram cinco entrevistas semiestruturadas. A análise dos dados baseou-se nos relatos sobre as preocupações referentes aos trechos escolhidos, nas reflexões sobre os efeitos da modelagem, na observação das características de suas interpretações após a modelagem e na análise do andamento e da condução do tempo musical. Para isso, utilizamos o software Sonic Visualiser. A análise de dados juntamente com o conjunto de entrevistas individuais comprovam nossa hipótese de que a modelagem incrementa e amplia os recursos expressivos dos participantes, incentiva a autonomia e individualidade de suas interpretações e potencializa a audição crítica e a reflexão sobre processos de estudo. / This research presents three case studies aiming at empirically investigating modeling as a learning tool for the musical and pianistic development of undergraduate students. Each one of the three students was instructed to critically listen to the recording of a famous pianist as a model to be followed. Data collection combined three recording sessions of two contrasting excerpts already in the students repertoire and five semi- structured interviews. The analysis of the resulting data was based on individual reports concerning the selected musical segments as well as their reflection on learning processes in relation to the model, observations of interpretive characteristics after the modeling and analysis of timing and choices of musical tempo. The chosen software was Sonic Visualiser. Data analysis in combination with the sets of individual interviews confirmed our initial hypothesis that modeling increases and widens the their interpretations, potentiates critical listening and promotes reflection on learning processes.

The role of the first violinist in a professional symphony orchestra is rarely only to perform. The position of concertmaster, at the professional level, generally constitutes a wide range of responsibilities and activities, not necessarily restricted to the realm of music-making. The present research utilized interviews with five concertmasters of professional Brazilian symphony orchestras in order to respond to the following questions: What is the role of the professional concertmaster? What musical and educational experiences defined the paths of current professional concertmasters in Brazil? What is the scope of their responsibilities as concertmaster? Lastly, what are the expectations of these concertmasters for the future of their own careers, of their Orchestras and of professional Brazilian symphony orchestras in general? After a systematic categorization, twenty-eight professional Brazilian symphony orchestras were identified. The concertmasters of fifteen of these twenty-eight orchestras were contacted with an invitation to participate in a recorded interview. Ultimately, the invitation was accepted by two current and three former professional concertmasters. Analysis of the information gathered through the interviews was further expanded by an investigation into the careers of 16 additional professional concertmasters from various countries who were cited in the present research but not personally interviewed. Several trends were revealed within the life paths and professional perspectives of the concertmasters. Of the five concertmasters interviewed in Brazil, four received musical training outside of South America during their formative years. All five serve or served as music educators in addition to their orchestral work: three at the university level and two with younger students. Only one of the five interviewees passed through a strictly traditional audition process in order to assume the position of concertmaster. Of the 21 professional concertmasters about whom data was collected (including the five interviewees), at least sixteen held the position of concertmaster several times before assuming the role in a prominent orchestra. Five of the 21 concertmasters (including two of the five interviewees) eventually branched into the realm of symphonic conducting, while at least twelve of the 21 did not. Seventeen are or were employed as music professors at the university level. All 21 of the violinists cited within the present research performed solo and/or chamber music regularly throughout their orchestral careers. Ultimately, the interviewees emphasized the following four characteristics as the basic requirements of effective concertmastership at the professional level: (1) technical ability, (2) two-way respect of colleagues, (3) natural leadership/firmness, and (4) a supportive relationship with the conductor.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:52:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Arquivototal.pdf: 3367733 bytes, checksum: 6bf04a4853c4b58bb74f3893826aba70 (MD5) Previous issue date: 2011-08-08 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Playing an instrument is turning on muscular, affective and mental mechanisms that are closely related. Therefore, in a performance preparation, it is expected from the instrumentalist not just the understanding of the musical speech, but the assimilation and perfection of the motor patterns that will be part of the needed corporal action for the technical accomplishment of this speech as well. In this process, one of the goals of the instrumentalist is to become aware of tension points in their body that can potentially prevent a more free technical execution, looking for ways to minimize or eliminate them. According to the Bioenergetics Analysis, a psychotherapy approach created by Alexander Lowe in 1956, the muscle tensions are the result of emotional blocks, being created most of the times since childhood and developed throughout life. These tensions work as armours , which protect the individuals from experiences that could be painful and threatening, turning into an obstacle to the human being capacity to relate to their sensations and emotions and, consequently, of feeling free, whole and in contact with the world around them. Going beyond the investigation about human psyche that, before the middle of last century, focused mainly on mind exploration, the Bioenergetics takes the patients, through exercises, to reunite with their body, acquiring a sense of well-being and inner peace. Based on this knowledge and understanding that the violin student starts his instrument learning having already some muscle tensions due to emotional matters and that these tensions could hinder their musical expressivity on the same way they can interrupt his spontaneity in life, this work presents, analyses and discusses the contributions of Bioenergetics exercises to the development of the technical-expressive capacity of violin students, based on the application of exercises of this field to violinists during their formation process and performance. In order to do so, initially, questionnaires were applied and interviews with the participants of this research were conducted, collecting information about their physical condition and, more specifically, about their muscle tensions. Having this information, Biogenetics exercises, both in their original format or specifically adapted to violin learners, were applied to these participants throughout several meetings. The results of these exercises have been verified through participant observation and constant reports from the participants containing their own perceptions and sensations throughout this work. An interview was conducted two months after the research, according to which it was possible to conclude that most of the participants became more aware of their own body, emotions and sensations, both on their daily life and in the act of performance. Having also been effective in raising awareness and reducing several of the muscle tensions in the participants, the Bioenergetics exercises gave these individuals a looser body that is connected to the instrument, besides a deeper body-mind integration in the act of performance. And that has naturally facilitated their technical and expressive capacity. / Tocar um instrumento é acionar mecanismos musculares, afetivos e mentais, estando eles intimamente relacionados. Na preparação de uma performance, portanto, espera-se do instrumentista não apenas o entendimento do significado do discurso musical, mas também a assimilação e aperfeiçoamento de padrões motores que irão se constituir na ação corporal necessária para a realização técnica deste discurso. Nesse processo, uma das metas do instrumentista é se conscientizar dos pontos de tensão em seu corpo que potencialmente lhe impedem uma execução técnica mais livre, buscando então meios para minimizá-los ou mesmo eliminá-los. Segundo a Análise Bioenergética, abordagem psicoterápica criada por Alexander Lowen em 1956, as tensões musculares são decorrentes de bloqueios emocionais, sendo criadas na maioria das vezes desde a própria infância e desenvolvidas ao longo da vida. Essas tensões funcionam como couraças , que servem para proteger o indivíduo de experiências que possam vir a ser dolorosas e ameaçadoras, tornando-se um obstáculo à capacidade do ser humano de se entregar às sensações e emoções e conseqüentemente de se sentir livre, inteiro e em contato com o mundo à sua volta. Ultrapassando as investigações sobre a psique humana que, antes de meados do século passado, concentravam-se principalmente nas explorações da mente, a Bioenergética leva o paciente, através de exercícios, a reencontrar-se com seu corpo, adquirindo então, uma sensação de bem-estar e paz interior. Baseado nesse conhecimento e entendendo que o aluno de violino inicia o aprendizado de seu instrumento tendo já presentes algumas tensões musculares advindas de questões emocionais e que tais tensões poderiam dificultar sua expressividade na música da mesma forma que impedem sua espontaneidade na vida, este trabalho apresenta, analisa e discute contribuições da Bioenergética para o desenvolvimento da capacidade técnico-expressiva dos estudantes de violino, tendo como base a aplicação de exercícios desse campo no processo de formação e performance do violinista. Para isso, foram, inicialmente, aplicados questionários e realizadas entrevistas com os participantes da pesquisa, coletando informações principalmente sobre seu estado físico, mais especificamente no que se referia às suas tensões musculares. De posse destas informações, foram aplicados nesses participantes, durante vários encontros, exercícios da Bioenergética, tanto em seu formato original, como adaptados às especificidades do aprendizado violinístico. Os resultados desses exercícios foram sendo verificados através de observação participante e de constantes relatórios dos próprios participantes contendo suas percepções e sensações ao longo do trabalho. Uma entrevista final foi realizada após dois meses de pesquisa, onde foi possível concluir que a grande maioria dos participantes se encontrava mais consciente de seu corpo e de suas sensações e emoções, tanto em seu cotidiano, como no ato da performance. Tendo também sido eficazes na conscientização e diminuição de várias das tensões musculares dos participantes, os exercícios da Bioenergética possibilitaram a esses indivíduos um corpo mais solto e conectado ao instrumento, além de uma maior integração corpo-mente no ato da performance. E isso, naturalmente, facilitou sua capacidade tanto técnica quanto expressiva.