Este projeto tem como objetivo investigar duas obras teatrais que poderiam ser pensadas como uma expressão do trágico no mundo contemporâneo. Tal investigação parte da tentativa de compreender o que seria essa tragicidade pesquisando o que haveria de intrínseco à tragédia na Grécia a partir de diferentes olhares filosóficos, e de que modo esse trágico poderia ainda existir hoje. Para delinear os parâmetros do que será chamado de trágico se partirá da conceituação do que é a tragédia feita pelos helenistas Vernant e Vidal-Naquet, para posteriormente entender como pensadores modernos olharam de modo particular para esta questão. Então se tomará como base a ideia de trágico definida por Steiner e os estudos filosóficos de Nietzsche e Agamben sobre tragédia e contemporaneidade. Paralelamente se investigará a teoria antropológica de René Girard sobre como a possibilidade da tragédia pode estar associada ao mecanismo da vítima expiatória. Em seguida será feita a análise das obras teatrais escolhidas justamente porque foram elaboradas a partir de uma pesquisa artística sobre o trágico e se terá como objetivo investigar como os seus criadores compreendem essa retomada da tragicidade e de que modo eles dialogam com os pensadores estudados. Os espetáculos contemporâneos escolhidos para análise são: Tragedia Endogonidia, uma série de episódios teatrais realizados pelo grupo Socìetas Rafaello Sanzio (2002-2004), e a peça Mantenha Fora do Alcance de Crianças, escrita em processo colaborativo com o coletivo [PH²] - estado de teatro (2009). / This project has as an objective investigates two theater works that might be thought like an expression of tragic in the contemporary world. That investigation begins with the tentative of understand what could be that tragic researching what have intrinsic in tragedy from Greece starting with different philosophical views, and how that tragic could still exist today. For outline the parameters that we will call tragic, we begins with the conceptualization of what is the tragedy made by Hellenists Vernant and Vidal-Naquet, for after understand how the modern theorists have a particular look for that question. So, we will build on the idea about tragic defended by Steiner and the philosophical studies from Nietzsche and Agamben about tragedy and contemporaneity. At the same time we will investigate the anthropological theory from René Girard of how the possibility of the tragedy could be associated with expiatory victim mechanism. After that, we will analyst the theatre plays chosen right because were created from an artistic research about tragic and we will have with objective investigate how yours creators understand that resumption of the tragic and how they talk with the theorists studied. The contemporary plays chosen for the analyze are: Tragedia Endogonidia, one series of theater episodes realized by the group Socìetas Rafaello Sanzio (2002-2004), and the play Mantenha Fora do Alcance de Crianças, written in collaborative process with the collective [PH²] - estado de teatro (2009).

Os diálogos possíveis entre a prática e o ensino da Cenografia no Brasil aqui identificados são resultantes da investigação e da reflexão sobre a formação do cenógrafo contemporâneo a partir da perspectiva de experiências na prática teatral. O cenógrafo é aqui tratado como artista, responsável pela identidade visual do acontecimento teatral e colaborador no processo de sua criação. A Cenografia é encarada como linguagem situada no contexto teatral sem, no entanto, excluir os seus desdobramentos na prática atual, entendendo que, a partir da sua origem, que é o Teatro, podemos transpor boa parte desta experiência para as demais áreas. O desenvolvimento desta pesquisa baseia-se no acompanhamento in loco de processos vivenciados e metodologias aplicadas nas principais instituições brasileiras de ensino da Cenografia. Os procedimentos são analisados diante do objetivo de reconhecer e apontar caminhos produtivos para a formação do futuro artista cenógrafo. Esta investigação busca indicar rumos que de fato contribuam para o desenvolvimento da qualidade artística e técnica do cenógrafo, de forma que não o restrinja apenas a responder com segurança às suas atribuições, mas que o prepare para atuar e colaborar, efetivamente, como artista criador, nos processos e realizações contemporâneas, participando do desenvolvimento das Artes Cênicas. / The possible dialogues between the practice and teaching of scenography in Brazil, identified herein, are the result of the investigation and reflection about the development of the contemporary scenographer originating from the perception from my experience in theatre practice. Here the scenographer is treated as an artist, responsible for the visual identity of the theatrical event and collaborator in the process of its creation. Scenography is taken as a language within the theatrical context, taking care to not ignore scenography?s expansion into other areas, understanding that starting from its theatre origins we can carry a good part of this experience to these other related areas. The development of this research is based on the processes experienced and methodologies applied in major Brazilian academic institutions that offer bachelor degree level scenography courses. These proceedings are analysed with the objective of recognizing and appointing productive directions for the training of future scenographic artists. This investigation aims to indicate guidelines that contribute to the development of the artistic and technical qualities of the scenographer, not just the capacity to execute their acquired attributes, but to prepare an active collaborator, a creative artist in the process of contemporary productions, participating in the development of the Scenic Arts.

O trabalho visa investigar certa produção teatral realizada em São Paulo desde 2009, ou seja, depois do que foi visto como um esgotamento do ciclo de politização da cena paulistana começado com o Movimento Arte Contra a Barbárie na década de 90. Ao mesmo tempo continuando e criticando certo teatro político de moldes brechtianos, as peças aqui analisadas se caracterizam pela autorreflexão cênica, pelo questionamento do teatro dramático e textocêntrico e pelo confronto com o fracasso das vanguardas políticas e artísticas. Na tentativa de compreensão crítica da relação entre estética e política nesse recorte do atual teatro paulistano, busca-se aqui promover o embate entre essas obras e as formulações teóricas de Jacques Rancière, Theodor Adorno, Hans-Thies Lehmann e outros pensadores que localizam e discutem um sentido político da arte para além do engajamento. / This work attempts to investigate a certain theatrical body of works created in São Paulo since 2009, that is, after what was seen as an exhaustion of the cycle of politicization of the stage that began with Movimento Arte Contra a Barbárie (Art Against Barbarism Movement) in the nineties. Establishing simultaneously a continuation and a critique of a certain political theatre of Brechtian influence, the works here analysed are characterized by their scenic self-reflection, by the questioning of dramatic and text-centered theatre, and by the confrontation with the political and artistic avant-gardes failure. In the endeavour to comprehend critically the relationship between aesthetics and politics in this frame of contemporary plays, we try to promote the debate between these works and theoretical formulations by Jacques Rancière, Theodor Adorno, Hans-Thies Lehmann and other thinkers who localize and discuss a political sense in art beyond engagement.

L'art millénaire du Théâtre d'Animation possède des spécificités propres dont la métafictionnalité est une composante pertinente. Cette réflection, examinant le concept de métalangage présent dans le travail de Roman Jakobson et son déplacement vers les phénomènes littéraires, découle des études introduites par Gérard Genette et Roland Barthes qui ont analysé profondément la transtextualité. Elle vise à réhabiliter l'art de l'animation, métafictionnel par excellence, dans le contexte des arts postmodernes. Nous présentons un premier chapitre qui met en lumière les conventions utilisées dans le Théâtre d'Animation en précisant leur définition, leurs propriétés intrinsèques et un peu de leur histoire. Nous avons essayé d’affirmer et d'étendre l'idée que le Théâtre d'Animation est métafictionnel par nature, et que, malgré cela, cette métafictionnalité en tant que présupposition esthétique a seulement commencé à être explorée au début de la postmodernité. Le second chapitre aborde la présence du métafictionnel dans le Théâtre d'Animation à partir de l'étude de quelques spectacles contemporains réalisés dans l’Etat du Rio Grande do Sul (Brésil). Nous y verrons les transformations enregistrées dans le Théâtre d'Animation à partir du début de la seconde moitié du XXe siècle, qui mettent en question, comme dans d’autres formes d’expression artistique, des thèmes comme la légitimation de la connaissance, l'originalité ou encore l'existence d'une vérité absolue. Pour cela, la postmodernité utilise les stratégies montrées par Linda Hutcheon, tel que l'exacerbation de l’autoréflexivité et la parodie. / A milenar arte do Teatro de Animação possui especificidades próprias à sua linguagem. Dentre essas especificidades, a metaficcionalidade é um relevante componente. Este trabalho, examinando o conceito de metalinguagem presente na obra de Roman Jakobson e seu deslocamento para fenômenos literários, derivado dos estudos introduzidos por Gérard Genette e Roland Barthes, os quais analisaram profundamente questões como a transtextualidade, aponta para o resgate da arte da animação no contexto das artes pós-modernas, por tratar-se de uma arte metaficcional por excelência. A estrutura do trabalho consta de uma primeira parte que esclarece sobre o funcionamento das convenções utilizadas no Teatro de Animação, sua definição, suas propriedades intrínsecas e um pouco de sua história, bem como procuramos estender e afirmar a idéia de que o Teatro de Animação é metaficcional por natureza, sendo que, apesar disso, a metaficcionalidade como pressuposto estético apenas começou a ser amplamente explorada a partir do início da pós-modernidade. A segunda parte aborda a presença dos metaficcionais no Teatro de Animação, analisados a partir do estudo de alguns espetáculos contemporâneos realizados no Rio Grande do Sul. Na análise desses espetáculos, discorreremos sobre as transformações que ocorreram no Teatro de Animação a partir da segunda metade do século XX, as quais colocaram em cheque, bem como as outras artes, questões como a legitimação do saber, a originalidade e a existência de uma verdade absoluta, utilizando, para isso, as estratégias apontadas por Linda Hutcheon, tais como a exacerbação da auto-reflexividade e a paródia.

Esta dissertação se propõe a discutir o conceito de teatro sem-espetáculo a partir da produção artística e teórica de Carmelo Bene, de conceitos-chave do teatro contemporâneo e das filosofias da diferença, especialmente a obra dos autores Gilles Deleuze e Félix Guattari. O teatro sem-espetáculo é o título de um livro publicado por Carmelo Bene logo após sua atuação como curador da seção teatro da Bienal de Veneza 1989. Na ocasião, Bene realizou uma série de experimentações cênicas a portas fechadas, sem a presença de público, contando com a participação de vários convidados, como atores, músicos, técnicos de som, escritores. O livro é constituído de uma série de ensaios escritos por Bene e por intelectuais convidados a participar destas experimentações. A dissertação não tem o objetivo de definir o que é um teatro sem espetáculo, mas sim investigar as singularidades da obra do pluriartista italiano a partir desse conceito e, assim, dialogar com outros conceitos-chave do teatro contemporâneo, tais como representação, presença, acontecimento, performatividade. Ao final, há a constituição de uma aliança por parte do mestrando em relação a Carmelo Bene e Antonin Artaud, especialmente naquilo que Jacques Derrida definiu como “a impossibilidade de representação do pensamento”.

L'art millénaire du Théâtre d'Animation possède des spécificités propres dont la métafictionnalité est une composante pertinente. Cette réflection, examinant le concept de métalangage présent dans le travail de Roman Jakobson et son déplacement vers les phénomènes littéraires, découle des études introduites par Gérard Genette et Roland Barthes qui ont analysé profondément la transtextualité. Elle vise à réhabiliter l'art de l'animation, métafictionnel par excellence, dans le contexte des arts postmodernes. Nous présentons un premier chapitre qui met en lumière les conventions utilisées dans le Théâtre d'Animation en précisant leur définition, leurs propriétés intrinsèques et un peu de leur histoire. Nous avons essayé d’affirmer et d'étendre l'idée que le Théâtre d'Animation est métafictionnel par nature, et que, malgré cela, cette métafictionnalité en tant que présupposition esthétique a seulement commencé à être explorée au début de la postmodernité. Le second chapitre aborde la présence du métafictionnel dans le Théâtre d'Animation à partir de l'étude de quelques spectacles contemporains réalisés dans l’Etat du Rio Grande do Sul (Brésil). Nous y verrons les transformations enregistrées dans le Théâtre d'Animation à partir du début de la seconde moitié du XXe siècle, qui mettent en question, comme dans d’autres formes d’expression artistique, des thèmes comme la légitimation de la connaissance, l'originalité ou encore l'existence d'une vérité absolue. Pour cela, la postmodernité utilise les stratégies montrées par Linda Hutcheon, tel que l'exacerbation de l’autoréflexivité et la parodie. / A milenar arte do Teatro de Animação possui especificidades próprias à sua linguagem. Dentre essas especificidades, a metaficcionalidade é um relevante componente. Este trabalho, examinando o conceito de metalinguagem presente na obra de Roman Jakobson e seu deslocamento para fenômenos literários, derivado dos estudos introduzidos por Gérard Genette e Roland Barthes, os quais analisaram profundamente questões como a transtextualidade, aponta para o resgate da arte da animação no contexto das artes pós-modernas, por tratar-se de uma arte metaficcional por excelência. A estrutura do trabalho consta de uma primeira parte que esclarece sobre o funcionamento das convenções utilizadas no Teatro de Animação, sua definição, suas propriedades intrínsecas e um pouco de sua história, bem como procuramos estender e afirmar a idéia de que o Teatro de Animação é metaficcional por natureza, sendo que, apesar disso, a metaficcionalidade como pressuposto estético apenas começou a ser amplamente explorada a partir do início da pós-modernidade. A segunda parte aborda a presença dos metaficcionais no Teatro de Animação, analisados a partir do estudo de alguns espetáculos contemporâneos realizados no Rio Grande do Sul. Na análise desses espetáculos, discorreremos sobre as transformações que ocorreram no Teatro de Animação a partir da segunda metade do século XX, as quais colocaram em cheque, bem como as outras artes, questões como a legitimação do saber, a originalidade e a existência de uma verdade absoluta, utilizando, para isso, as estratégias apontadas por Linda Hutcheon, tais como a exacerbação da auto-reflexividade e a paródia.

Esta pesquisa tem por objetivo refletir sobre jovens e teatro na sociedade contemporânea. A partir de questionamentos como "quem são os jovens?" e "o que os leva a fazer ou assistir teatro?", a presente dissertação caminha na tentativa de desvelar e compreender as relações entre os jovens (atores, alunos ou espectadores) com o teatro. Para tanto, fiz uso dos mais diversos referenciais teóricos (em destaque: PAIS e BOAL), sustentados por uma metodologia e análise respaldada por autores filiados a Escola de Frankfurt (ADORNO e HORKHEIMER). Estes, por sua vez, permitiram uma perspectiva crítica sobre a indústria cultural e possibilidades apontadas pela formação de emancipação e autonomia. Para este estudo foram realizadas entrevistas e observações participantes com jovens inseridos no meio teatral. As análises foram feitas com base no material empírico registrado à luz do quadro teórico descrito anteriormente. Esta dissertação, mais do que respostas, visa suscitar questionamentos a partir das falas significativas dos jovens acerca do teatro, levando em consideração a sociedade em que estamos inseridos. / This research aims to think about the youths in the contemporary society. From questions such as "who are the youths?" and "what brings them to theatre, as actors or spectators?", the present dissertation makes the effort and tries to uncover and comprehend the relations between the youths (actors, students or spectators) and theatre. Therefore I employed the most diverse theoretical references (specially: PAIS and BOAL) supported by a methodology and analysis based in authors proceeded from the Frankfurt School (ADORNO and HORKHEIMER). They, in turn, allowed a critical viewpoint about the cultural industry and the possibility indicated by the constitution of emancipation and autonomy. In such case, observations and interviews have been done with the youths who are inserted in the theatrical surroundings. The analysis have been done, thus, based in the registered empirical material through the theoretical roll earlier described. More than answers, this work angles to evoke questions from the significant discourse of the youths concerning theatre, considering the society in which we are inserted.

Submitted by Romano Olívia Camboim (camboim.olivia@gmail.com) on 2018-02-15T00:01:36Z No. of bitstreams: 1 TESE - arquivo completo -COMPACTO - Olivia versão final fev 2018.pdf: 14062556 bytes, checksum: 9061a550297e1638f222495028886c13 (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-02-20T13:00:28Z (GMT) No. of bitstreams: 1 TESE - arquivo completo -COMPACTO - Olivia versão final fev 2018.pdf: 14062556 bytes, checksum: 9061a550297e1638f222495028886c13 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-02-20T13:00:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 TESE - arquivo completo -COMPACTO - Olivia versão final fev 2018.pdf: 14062556 bytes, checksum: 9061a550297e1638f222495028886c13 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (Capes) / Nesta tese apresento os resultados da pesquisa de doutorado desenvolvida no Programa de Pósgraduação em Artes Cênicas da Universidade Federal da Bahia sobre os procedimentos metodológicos de mediação teatral utilizados com espectadores adultos no ensino não formal, especialmente na Escuela de Espectadores de Buenos Aires (EEBA). A EEBA, fundada em 2001, dirigida por Jorge Dubatti e coordenada por Nora Lía Sormani, é um espaço onde os assistentes estudam e refletem sobre parte dos espetáculos em cartaz na cidade onde está sediada, sob a mediação de um especialista e com a presença de diferentes artistas convidados (atores, diretores, cenógrafos, entre outros) envolvidos nas obras recomendadas pela escola. A EEBA tem se destacado no cenário teatral latino-americano, pois, desde o seu surgimento, vem servindo de modelo para criação de espaços semelhantes em diversos países, como México, Uruguai, Bolívia, Colômbia, Peru e Brasil. A metodologia da pesquisa, cuja análise dos dados é prioritariamente qualitativa, está inserida na perspectiva da etnografia. Assim, esse trabalho foi construído não só com uma ampla pesquisa bibliográfica sobre os temas que atravessam esta investigação, que está ancorada nos estudos de autores como Flávio Desgranges, Jorge Dubatti, Marie-Madeleine Mervant-Roux, Nadia Champesme, entre outros, mas também pautado no trabalho de campo efetuado em diferentes etapas em Buenos Aires e Porto Alegre, em 2015 e 2017. Especialmente a partir desse trabalho de campo, constatei que na EEBA o principal procedimento de mediação teatral é uma entrevista realizada pelo mediador com o teatreiro (ou grupo) convidado e o enfoque das aulas está na escuta desse convidado, sendo que, esse exercício de escuta pode motivar a ida dos assistentes aos espetáculos recomendados; pois, sem dúvida, a escola estimula o desejo por teatro e influencia tanto o acesso físico como o acesso linguístico do espectador ao teatro. Considerando a longevidade e o potencial da EEBA, concluo que seja válido que ela seja tomada como modelo e/ou inspiração para a criação de outras escolas de espectadores, desde que esses projetos sejam adaptados aos contextos nos quais estão inseridos.

Esta dissertação se propõe a discutir o conceito de teatro sem-espetáculo a partir da produção artística e teórica de Carmelo Bene, de conceitos-chave do teatro contemporâneo e das filosofias da diferença, especialmente a obra dos autores Gilles Deleuze e Félix Guattari. O teatro sem-espetáculo é o título de um livro publicado por Carmelo Bene logo após sua atuação como curador da seção teatro da Bienal de Veneza 1989. Na ocasião, Bene realizou uma série de experimentações cênicas a portas fechadas, sem a presença de público, contando com a participação de vários convidados, como atores, músicos, técnicos de som, escritores. O livro é constituído de uma série de ensaios escritos por Bene e por intelectuais convidados a participar destas experimentações. A dissertação não tem o objetivo de definir o que é um teatro sem espetáculo, mas sim investigar as singularidades da obra do pluriartista italiano a partir desse conceito e, assim, dialogar com outros conceitos-chave do teatro contemporâneo, tais como representação, presença, acontecimento, performatividade. Ao final, há a constituição de uma aliança por parte do mestrando em relação a Carmelo Bene e Antonin Artaud, especialmente naquilo que Jacques Derrida definiu como “a impossibilidade de representação do pensamento”.

Submitted by Vinícius Lírio (vinicius.lirio@gmail.com) on 2014-08-05T00:22:38Z No. of bitstreams: 1 Tese - Vinícius_Lírio.pdf: 4176343 bytes, checksum: d8f60e7c70598d53b51d5a726bf2824b (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2014-08-05T11:37:19Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Tese - Vinícius_Lírio.pdf: 4176343 bytes, checksum: d8f60e7c70598d53b51d5a726bf2824b (MD5) / Made available in DSpace on 2014-08-05T11:37:19Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese - Vinícius_Lírio.pdf: 4176343 bytes, checksum: d8f60e7c70598d53b51d5a726bf2824b (MD5) / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico (CNPq) / O presente estudo apresenta uma série de reflexões deflagradas no contato com a poética do espetáculo DÔ, do Bando de Teatro Olodum com direção do mestre de butô Tadashi Endo. Desenvolvido durante o ano de 2012, esse processo criativo constituiu-se como espaço-tempo de entrecruzamento e atualização de matizes culturais diversos, por meio de um projeto dinâmico que hibridizou princípios de uma prática específica de butô, a de Tadashi Endo, e os traços de uma teatralidade profundamente marcada pelas culturas que a atravessam, aquela do Bando. Considerando essa rede transcultural, as articulações desenvolvidas no decorrer dessa tese sinalizam alguns traços e desdobramentos daquilo que se reconheceu, aqui, como Poéticas Híbridas. Para tanto, foi realizada uma abordagem dessa poética enquanto ato criativo em processo, a partir da apreciação dos rastros da criação, sua maior parte em registro audiovisual, entrevistas com os sujeitos dessa obra, materiais publicados pelos mesmos e expectação do espetáculo em si, a fim de identificar os fenômenos implicados nessa montagem. Junto a isso, os pensamentos de alguns estudiosos das Artes Cênicas, dos campos das culturas e Ciências Humanas, bem como, filósofos, foram basilares para a abordagem e os desdobramentos reflexivos implicados nesta tese, a citar: Christine Greiner (1998; 2000; 2005), no que tange aos estudos do corpo e do butô; Sônia Azevedo (2009) e Lúcia Romano (2008), no que se refere às discussões acerca do lugar do corpo e de seus fenômenos na cena; Stuart Hall (2003a; 2003b; 2006), Homi Bhabha (1996; 2010) e Nestor G. Canclini (1982; 2011), cujos estudos versam sobre os processos identitários e culturais no contexto dos campos híbridos e das nações pós-modernas; Michel Maffesoli (2008; 2007), cujo pensamento sugere diferentes formas de lidar com os fenômenos socioculturais; estudiosos como Jean-Pierre Ryngaert (1995; 1998), Patrice Pavis (2010a; 2010b; 2008) e Sílvia Fernandes (2010), que trazem reflexões importantes para pensar os projetos poéticos na cena contemporânea; por fim, dentre outros, vale citar o nome de Cecília de Almeida Salles (2008; 2009), cujos estudos contribuíram em muito para a abordagem metodológica dessa pesquisa. As articulações desenvolvidas no corpo dessa tese foram desencadeadas a partir de questões relacionadas à poética em si, isto é, seus processos e procedimentos, seu espaço-tempo e os sujeitos nela envolvidos, com o intuito de construir uma rede de pensamentos considerando o modo como foram estabelecidas as conexões, os agenciamentos e mediações entre os desejos, discursos e culturas envolvidas no processo criativo. Esse estudo acabou por mapear os vetores (procedimentos, movimentos, memórias, discursos, práticas, etc.) que, articulados, constituíram essa poética do Bando e de Tadashi. Nesse caminho, foram realizadas uma série de reflexões sem, no entanto, encerrá-las, o que faz deste um estudo de ideias provisórias. / ABSTRACT: This study presents a series of reflections triggered by contact with the DÔ poetics, spectacle of Bando de Teatro Olodum under the direction of the Butoh master Tadashi Endo. Developed during the year 2012, this creative process was established as a space-time of crisscross and update of cultural nuances various through a dynamic project that hybridized principles of a specific practice of Butoh, the one of Tadashi Endo, and traces of a theatricality deeply marked by cultures that cross it, that one of Bando. Considering this transcultural space, the articulations developed during this thesis indicate certain traits and developments of what is recognized here as Hybrid Poetics. Therefore, an approach of this poetic as a creative act in process, from the enjoyment of creating tracks, mostly in audiovisual recordings, interviews with the participants in that work, materials published by them and expectation of the show itself, to identify the phenomena involved in this poetic. In addition, some theoretical thoughts of Performing Arts, fields of cultures and Humanities, as well as philosophers, were fundamental to the approach and reflective developments implicated in this thesis, among them: Christine Greiner (1998, 2000, 2005), in regard to studies of the body and Butoh; Sônia Azevedo (2009) and Lúcia Romano (2008), in relation to discussions on the place of the body and its phenomena in the perfomance; Stuart Hall (2003a, 2003b, 2006), Homi Bhabha (1996, 2010) and Nestor G. Canclini (1982, 2011), whose studies are related to the identity and cultural processes in the context of hybrid fields and post-modern nations; Michel Maffesoli (2008, 2007), whose ideas suggests different ways of dealing with the socio-cultural phenomena; scholars such as Jean-Pierre Ryngaert (1995, 1998), Patrice Pavis (2010a, 2010b, 2008) and Sílvia Fernandes (2010), which bring important insights to think the poetic projects in the contemporary theatre; Finally, among others, it is worth mentioning the name of Cecilia de Almeida Salles (2008; 2009), whose studies have contributed much to the methodological approach of this research. The articulations developed in the body of this thesis were triggered from issues related to the poetic itself, in other words, its processes and procedures, its space-time and the participants involved in it, aiming to build a network of thoughts considering how connections, negotiations and mediations between the desires, discourses and cultures involved were established in the creative process. This study turned out to map the vectors (procedures, movements, memories, discourses, practices, etc.) which, articulated, constituted this poetics of Bando and Tadashi. In this way, a series of reflections were performed without, however, close them, which makes this a study of provisional ideas.