O Teatro Nacional de São João (TNSJ) existe desde 1992 e é uma Entidade Pública Empresarial que integra, para além do seu edifício-sede, o Teatro Carlos Alberto (TeCA) e o Mosteiro de São Bento da Vitória (MSBV). Este Teatro tem como objetivo principal a criação e apresentação de espetáculos de vários géneros, tendo como missão fundamental a prestação de serviço público, uma vez que se trata de um dos três Teatros nacionais existentes em Portugal, tendo também como foco a captação e formação de novos públicos. É por este motivo que faz sentido estudá-los, o seu perfil e hábitos de consumo e comportamentos na instituição, sendo este o foco de desenvolvimento desta dissertação: Qual o público do Teatro Nacional de São João? Esta é a questão a que este trabalho se propõe responder. Nesse sentido, foram desenvolvidos 600 questionários ao público frequentador do TNSJ, durante quatro meses. Com este estudo, chegou-se a um perfil do público da instituição e concluiu-se que detém uma imagem extremamente positiva da instituição, associando-lhe qualidade, prestígio, excelência, e considerando a divulgação da casa criativa/artística, dando valor à obra na qual a peça se baseia.

Tese (doutorado) - Universidade do Estado de Santa Catarina, Centro de Artes, Programa de Pós-Graduação em Teatro, Florianópolis, 2016. / Made available in DSpace on 2017-08-28T16:23:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 344927.pdf: 2909076 bytes, checksum: 666194cea86c842436e4e4be78564a7c (MD5) Previous issue date: 2016 / Esta tese aborda o Sistema de Stanislávski como uma base de sustentação da arte da atuação e da encenação teatral. O Sistema é aqui tratado como um espaço de princípios moventes, capazes de gerar potências de vida cênica. Esse conhecimento é compreendido como forma de possibilitar ao/à ator/atriz a conquista de sua vivência na cena pela criação de ações físicas reais, independentemente da proposta estética da encenação. Na tentativa de problematizar as compreensões que relacionam o Sistema de Stanislávski à estética realista, mas também à forma dramática, um processo criativo, pedagógico e investigativo foi realizado. Para a montagem, foi escolhida uma dramaturgia que à primeira vista parece avessa à aplicabilidade dos princípios stanislavskianos. O Homem, a Mulher, o Pássaro e a chave é, pois, resultado dessa pesquisa prático-teórica, que teve como material textual Descrição de Imagem, de Heiner Müller, e como forma de operar a poética do espetáculo, o Sistema de Stanislávski.<br> / Abstract : This thesis approaches the Stanislavski System as a basis to support the art of acting and staging. The System is here regarded as a space of moving principles that are able to generate forces of scenic life. Such knowledge is understood as a way to enable the actor or actress to achieve his or her experience on the stage through the creation of real physical actions, independently on the aesthetical proposal of the staging. In an attempt to problematize the understandings that have related the Stanislavski System to the realistic aesthetics, but also to the dramatic form, a creative, pedagogical, investigative process was carried out. For the theatrical production, we chose a dramaturgy that at first glance seems to be opposed to the applicability of Stanislavski s principles. The Man, the Woman, the Bird, and the key has resulted from this theoretical-practical research that had Description of a Picture by Heiner Muller as textual material, and the Stanislavski System as a way to run the poetics of the theatrical spectacle.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Educação, 2009. / Submitted by Allan Wanick Motta (allan_wanick@hotmail.com) on 2010-04-01T11:50:47Z No. of bitstreams: 1 2009_FranciscoGuilhermeOliveiraJunior.pdf: 3813018 bytes, checksum: ff66f2a366459134519d35d4532829ce (MD5) / Approved for entry into archive by Daniel Ribeiro(daniel@bce.unb.br) on 2010-04-06T00:55:10Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2009_FranciscoGuilhermeOliveiraJunior.pdf: 3813018 bytes, checksum: ff66f2a366459134519d35d4532829ce (MD5) / Made available in DSpace on 2010-04-06T00:55:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2009_FranciscoGuilhermeOliveiraJunior.pdf: 3813018 bytes, checksum: ff66f2a366459134519d35d4532829ce (MD5) Previous issue date: 2009-03 / Este estudo verifica e descreve como a materialidade se constitui no Teatro de Animação a partir da observação de duas montagens cênicas, A mala de Ofélia e Pode Ser ou Dá Na Mesma, uma voltada para o Teatro de Bonecos e a outra para o Teatro de Sombras. Os objetivos desta pesquisa são: a identificação dos elementos que compõem a materialidade do objeto animado seja ele o boneco ou a silhueta; a investigação de como esta materialidade está relacionada ao fazer teatral do ator bonequeiro, do ator manipulador e, por fim, ao jogo cênico. A Metodologia Triangular foi empregada nesta pesquisa em conjunto com os princípios da Observação Participante, daí o envolvimento do pesquisador com os grupos observados. Integrando os movimentos do Contextualizar arte, do Fazer arte e do Fruir arte, tanto às montagens analisadas como à produção desta Dissertação. O que possibilitou as seguintes conclusões: A materialidade se refere, em um primeiro momento, às qualidades expressivas dos materiais que compõem o boneco e as silhuetas, como um objeto concreto. O que distingue este objeto no Teatro de Animação é a sua intermediação no processo de comunicação entre o ator e o espectador e o fato de que, para isto, é necessário que o objeto seja imbuído do valor ânima, a partir de sua manipulação e das convenções que se estabelecem durante o jogo cênico, conferindo-lhe o status de personagem. Este Status de personagem insere a materialidade em outro patamar, posto que já não se trate apenas de uma qualidade referente ao material utilizado no objeto animado e sim a um conjunto de ações, que têm início com o bonequeiro no ato da construção deste objeto, ao eleger técnicas e materiais de confecção, perpassa pelo diálogo entre o objeto construído e o seu manipulador, a partir da escuta sensível e do princípio da reciprocidade, onde um corpo interage com o outro. Até o momento do jogo cênico quando o espectador se inclui como jogador. Assim, observou-se que a Materialidade no Teatro de Animação se constitui pela sobreposição de camadas e subcamadas de ordem materiais, formais e atitudinais. O primeiro grupo de camadas surge pela ação do bonequeiro no momento da construção do boneco. O segundo na relação estabelecida entre o ator e o objeto animado e a terceira camada com a instituição do jogo cênico, quando o espectador assume a condição de jogador. _____________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This study verifies and describes how it is the materiality of the Animation Theater from the observation of two mounted scenic, “A mala de Ofélia” and “Pode Ser ou Dá Na Mesma”, facing one of the Puppetry Theater and the other for the Theater of Shadows. The objectives of this research are: the identification of the elements of the materiality of the object is animated it the puppet or the silhouette, the investigation of how this is related to the materiality of the theater of puppetry’s actor and the puppeteer, and finally the game scenic. The Triangular Method was used in this study together with the principles of Participant Observation, thus the researcher's involvement with the groups observed. Integrating the art movements of the context art, making art and enjoy art, both the mounted and analyzed the production of this Dissertation. What enabled the following conclusions: materiality refers, in a first moment, the expressive qualities of the materials that make up the puppet and the silhouettes, as a concrete object. What distinguishes this object in the Animation Theater is its intermediation in the process of communication between the actor and spectator and the fact that for this it is necessary that the object is embedded value of anima, from his manipulation of the conventions and that are established during the scenic game, giving it the status of character. This figure includes the status of materiality in another level, since it is no longer just a quality material used in referring to the animated object, but a set of actions, beginning with the of puppeteer upon the construction of this object, the choose techniques and materials of construction, permeates the dialogue between built object and its puppeteer from the sensitive listening and the principle of reciprocity, where a body interacts with the other. So far the game scenic, when the viewer is included as a player. It was found that the material in the Animation Theater is constituted by overlapping layers and sublayer of a material, formal and attitudinal. The first group of layers is by the action of puppeteer at the time of construction of the puppet. The second, in the relationship between the actor and the animated object and the third layer with the institution of the theatrical game, where the spectator assumes the condition of players.

Orientador: Marcio Aurelio Pires de Almeida / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-12T12:00:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 D'Abronzo_ThaisHelena_M.pdf: 13822273 bytes, checksum: 77a8dc9e522386cd8546fc5ed047a27a (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: Este trabalho realiza uma reflexão sobre o processo de criação do espetáculo teatral intitulado Foi Tarde. Investiga alguns modos pelos quais a construção da imagem comparece em procedimentos de criação da cena teatral. Na construção do espetáculo, buscaram-se possíveis relações entre o Teatro da Morte (1975-1990) de Tadeusz Kantor e o texto dramatúrgico A Morta (1937) de Oswald de Andrade, principalmente quanto à "presença da morte" como condução poética. Um terceiro material a somar-se nesta relação viria a ser "o aspecto de exposição à morte em um ambiente hospitalar". À estruturação da cena pelas vias da imagem e à colisão dos materiais do processo criativo chamou-se, neste estudo, de artifícios da morte. No desenvolvimento, ocorre a descrição do processo criativo, e são apresentados o memorial e a escritura do espetáculo. O trabalho com as poéticas de Tadeusz Kantor e Oswald de Andrade solicitou uma abordagem sobre a relação entre o texto dramático e a escritura cênica, a partir do embate iniciado no final do séc. XIX e início do séc. XX. Para tanto, fez-se necessário o resgate de informações sobre o movimento simbolista e sobre as vanguardas históricas, como precursores de novos comportamentos artísticos e de paradigmas de construção teatral e dramática para o século XX e para a atualidade. Por fim, entende-se, que Tadeusz Kantor e Oswald de Andrade revelam, em seus trabalhos, influências e divergências com o simbolismo e com as vanguardas históricas, em nome de uma poética caracterizada pela presença da morte e pela autonomia da cena teatral pelas vias da imagem. Esta reflexão embasa, portanto, a poética de construção do espetáculo Foi Tarde, apresentado publicamente em montagem consonante aos princípios estéticos pretendidos / Abstract: This project accomplishes a reflection about the process of creation of the Foi Tarde (Gone Late) play. It investigates some ways trough which is present in procedures of the theatrical scene creation. In the construction of the spectacle, possible relation between the Teatro da Morte (Death Theatre) (1975-2000) of Tadeusz Kantor and the dramaturgic text A Morta (The Dead Woman)(1937) from Oswald de Andrade were searched, mainly about the "presence of the death" as a poetic conduction. A third material to be added to this relation happened to be "the aspect of the exposition to death in a hospital environment". The structuring of the scenes through the image pathways, and the collision of the materials of the creative process were called, in this project, death artifices. In the development, happens the description of the creative process, and are presented the memorial and the script of the spectacle. The work with Tadeusz Kantor and Oswald de Andrade poetics demanded an approach about the relation between the dramatic text and the performing arts scripts, from the clash started in the end of the XIX Century and early XX Century. For it, the rescue of the information about the symbolist movement and about the historical vanguard were made necessary, as precursors of new artistic behaviors and of paradigms of theatric and dramatic constructions for the XX Century and for the present time. At last, it is understood, that Tadeusz Kantor and Oswald de Andrade reveal, in their works, influences and divergences with the symbolism and with the historical vanguards, in the name of a poetics characterized by the presence of death and by the autonomy of the theatric scene through the image pathways. This reflection sustains, hence, the poetic of construction of the spectacle Foi Tarde(Gone Late), presented publicly in an assembling corresponding to the intended aesthetics principles / Mestrado / Mestre em Artes

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-12-09T15:09:24Z No. of bitstreams: 1 2016_MônicaTavaresPereira.pdf: 5262143 bytes, checksum: b0f98050eb42de7ffb5ca78d2ae7e072 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2017-01-10T19:17:31Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_MônicaTavaresPereira.pdf: 5262143 bytes, checksum: b0f98050eb42de7ffb5ca78d2ae7e072 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-01-10T19:17:31Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_MônicaTavaresPereira.pdf: 5262143 bytes, checksum: b0f98050eb42de7ffb5ca78d2ae7e072 (MD5) / Esta dissertação tem como objetivo fundamentar os princípios que estruturam a oficina “Jogos de Improvisação Cênica”, direcionada aos apresentadores de telejornal, e analisar as percepções de jornalistas e fonoaudiólogos com relação ao material organizado, vindo de recursos das Artes Cênicas para o Telejornalismo. O interesse esteve em investigar se o trabalho realizado com a oficina contribui para a expressividade dos apresentadores de telejornal, podendo ser um agregador ao trabalho vocal realizado pelos fonoaudiólogos. A conclusão para a questão foi positiva. No caminho da pesquisa, foi traçado um percurso em direção à história do telejornalismo brasileiro, com suas mudanças que refletiram na movimentação corporal dos apresentadores. A trajetória do trabalho parte das relações entre Jornalismo e Artes Cênicas e, pela formação da pesquisadora, estabelecemse os princípios pedagógicos da oficina para, então, se chegar à sua fundamentação prática. Para servir aos objetivos da pesquisa, foram realizadas entrevistas, observação do ambiente de trabalho de apresentadores, questionários sobre os módulos para análise do aproveitamento da oficina para a prática do telejornalismo e a prática de dois módulos com os jogos de improvisação. A costura de toda pesquisa se deu pelo viés do corpo e para o corpo, na possibilidade de estabelecer a sua preparação por meio dos jogos de improvisação. __________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This dissertation aims at highlighting the principles behind “Physical and Theater Improvisation Games” for TV broadcast journalists, based on the Performing Arts resources, and at analyzing feedback coming from journalists and audiology/speech-language pathologists. The purpose is to investigate if the techniques involved in the games help improve overall visual expressiveness and consequently contribute positively to the vocal work done by audiology/speech-language pathologists. The study concludes that the contribution towards these goals is positive. This research also shows the historical evolution of the Brazilian TV broadcast journalism reflected in the body language conveyed by broadcasters. This is a case of the Performing Arts contributing to TV broadcast journalism. In order to analyze the benefits of the Scenic Improvisation Games toward improvements in visual communication the following activities were performed: field research with interviews; close observation of TV broadcasters’ work environments; practice of two modules of the “Physical and Theater Improvisation Games Workshops” followed by questionnaires. This research focus on body training for TV broadcast journalists through improvisation games.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, 2009. / Submitted by Allan Wanick Motta (allan_wanick@hotmail.com) on 2010-04-07T14:01:31Z No. of bitstreams: 1 2009_RafaelLitvinVillasBoas.pdf: 1293413 bytes, checksum: 5217b5c83da0bd04ac767705a574ba7f (MD5) / Approved for entry into archive by Daniel Ribeiro(daniel@bce.unb.br) on 2010-05-04T14:58:37Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2009_RafaelLitvinVillasBoas.pdf: 1293413 bytes, checksum: 5217b5c83da0bd04ac767705a574ba7f (MD5) / Made available in DSpace on 2010-05-04T14:58:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2009_RafaelLitvinVillasBoas.pdf: 1293413 bytes, checksum: 5217b5c83da0bd04ac767705a574ba7f (MD5) Previous issue date: 2009 / Este trabalho pretende tomar parte na corrente crítica que distinguiu o sentido estético e político dos momentos anterior e posterior ao golpe cívico militar de 1964, ressaltando o que estava em jogo no processo interrompido pelos tanques e expondo a diferença regressiva da ação de resistência posterior. Essa tradição de interpretação tem no ensaio Cultura e política, 1964-69 (1978), de Roberto Schwarz, e no livro A hora do teatro épico no Brasil (1996), de Iná Camargo Costa, suas principais referências. O recorte histórico e dramatúrgico da pesquisa perpassa dez anos, e contempla um ciclo de peças teatrais que se inicia com A moratória (1955), de Jorge Andrade, e finda com Se correr o bicho pega, se ficar o bicho come (1965), de Vianinha e Ferreira Gullar. Neste período tem início, se consolida e entra em declínio (após o golpe) a experiência do teatro moderno no Brasil, momento que acreditamos ser decisivo para a linha evolutiva do teatro brasileiro, por ter ocorrido um intenso processo de acumulação interna que viabilizou mudanças rápidas e radicais no aparelho teatral e na estrutura formal das peças: em termos organizativos a politização do meio teatral extravasou o âmbito do teatro profissional e ensejou a criação dos Centros Populares de Cultura (CPCs), e em termos formais os limites da forma dramática foram superados por uma perspectiva crítica do realismo, que visa dar a ver a dimensão do real não evidente pela concepção hegemônica de realidade. Em termos políticos, o vetor agregador das obras analisadas é o modo como a forma teatral figurou esteticamente a questão agrária brasileira. A aposta é que o reconhecimento da forma teatral de abordagem sobre a questão agrária nas diversas obras nos permite tecer uma interpretação sobre o registro histórico da experiência política e social daquele contexto. O significado da presença direta ou indireta de personagens de classes populares, e seus problemas, nas peças, bem como o manuseio das técnicas teatrais por parte dos dramaturgos, são eixos paralelos e concomitantes da análise, que tem como fio condutor a mediação dialética entre forma social e forma estética. _______________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The present work aims to take part in the critical current that distinguishes the aesthetical and political sense of the moments before and after the civil-military coup detat in 1964, standing out what was in contest in the process interrupted by tanks and showing the regressive difference of the later resistance action. This interpretation tradition has in the essay Cultura e Política, 1964-1969 (1978), by Roberto Schwarz, and in the book A Hora do Teatro Épico no Brasil (1996), by Iná Camargo Costa, its main references. The historical and dramaturgical framing of the research pass through ten years, and contemplate a cycle of plays that begins with A Moratória (1955), by Jorge de Andrade, and finishes with Se corer o bicho pega, se ficar o bicho come (1965), by Vianinha and Ferreira Gullar. In this period begins, consolidates and falls (after de coup) the Brazilian Modern Theater experience, moment that one believes to be decisive to evolutive line of Brazilian Theater, because in this time occurred and intense process of internal accumulation that makes possible fast and radical changes in the theatric apparatus and in the formal structures of the plays: in the way of organization, the political terms of the theatric environment spilled out the professional theater scope and leads the creation of the Centros Populares de Cultura (CPCs) [Popular Centers of Culture], and in formal terms the limits of the Dramatic Form were surpassed by a critical perspective of the realism, that aims to show a dimension of the real that is not evident in the hegemonic conception of the reality. In a political sense, the core of aggregation of the works is the mode how the theatric form aesthetically figurated the Brazilian agrarian question. The bet is that the acknowledgment of the theatric formal approach of the agrarian question in different works makes possible organize an interpretation of the historical register of social and political experience in that context. The meanings of the direct or indirect presence in the play of characters by popular classes and its problems, as well as the uses of the theatric techniques by the playwrights, are parallel and concomitant axles of analyses, which have and conduct line in the dialectics mediation between social form and aesthetic form.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2009. / Submitted by Jaqueline Ferreira de Souza (jaquefs.braz@gmail.com) on 2011-04-09T01:17:24Z No. of bitstreams: 2 2009_NatassiaDuarteGarciaLeitedeOliveira_PrimeiraParte.pdf: 5142386 bytes, checksum: 1108888100c6a9fa10af1ac2922e521c (MD5) 2009_NatassiaDuarteGarciaLeitedeOliveira_SegundaParte.pdf: 5817331 bytes, checksum: ee735d6295c8f8aebbc07b974e7470a2 (MD5) / Approved for entry into archive by Jaqueline Ferreira de Souza(jaquefs.braz@gmail.com) on 2011-04-09T01:18:08Z (GMT) No. of bitstreams: 2 2009_NatassiaDuarteGarciaLeitedeOliveira_PrimeiraParte.pdf: 5142386 bytes, checksum: 1108888100c6a9fa10af1ac2922e521c (MD5) 2009_NatassiaDuarteGarciaLeitedeOliveira_SegundaParte.pdf: 5817331 bytes, checksum: ee735d6295c8f8aebbc07b974e7470a2 (MD5) / Made available in DSpace on 2011-04-09T01:18:08Z (GMT). No. of bitstreams: 2 2009_NatassiaDuarteGarciaLeitedeOliveira_PrimeiraParte.pdf: 5142386 bytes, checksum: 1108888100c6a9fa10af1ac2922e521c (MD5) 2009_NatassiaDuarteGarciaLeitedeOliveira_SegundaParte.pdf: 5817331 bytes, checksum: ee735d6295c8f8aebbc07b974e7470a2 (MD5) / "LUME, Núcleo Interdisciplinar de Pesquisas Teatrais da UNICAMP, com seus vinte e três anos de existência e experiência é um grupo de teatro - com sede na cidade de Campinas (SP)/ Brasil - de grande referência em estudos de processos cênicos nacional e internacionalmente. A presente dissertação "Entre Lumes e Platôs: Movimentos do Corpo-Coletivo-em-Criação (Vivências com o Núcleo Interdisciplinar de Pesquisas Teatrais da Unicamp)" busca compreender possíveis contribuições do LUME à criação de técnicas para o trabalho de ator. Neste trabalho foi possível perceber que tradição, trajetória e técnica são constructos de um plano de consistência da experiência coletiva em teatro. E que este plano de consistência - o processo de experimentação e a contínua criação do corpo-coletivo - reverberará na ética-estética (entendendo estes conceitos como sendo indissociáveis e concomitantes). Em busca de territórios existenciais no campo teatral, foi possível: cartografar a concepção do grupo LUME através da análise de seu projeto escrito por Luís Otávio Burnier; por meio de entrevistas com os atuais integrantes do grupo, mapear relações entre a trajetória e elementos de tradição que o compõe, o tangenciam, o penetram e que transformam a pesquisa técnica do grupo; e ainda, conhecer, identificar, perceber e agrimensar nas entrevistas concedidas pelos integrantes do LUME algumas 'contaminações' que compõem a heterogeneidade do grupo. Com base em estudos conceituais e reflexões sobre as práticas do teatro contemporâneo e com linhas do pensamento filosófico, especialmente contribuições de Gilles Deleuze e Félix Guattari, a experiência da pesquisa se materializa enquanto tensões entre as fronteiras das práticas teatrais e de outras disciplinas.". ____________________________________________________________________________ ABSTRACT / Lume, the Interdidisciplinry Nuclear of Theater Research of Unicamp, with it’s twenty three years old of experience and existence, is a group of theater – with its headquarters on Campina’s city (São Paulo)/ Brazil – with major international and national reference of scenic process study. This present dissertation “Between Lumes and Platôs: Movements of the Collective-Body-in-Creation (Experiences with the Interdisciplinry Nuclear of Theater Research of Unicamp)” Seeks to understand the possible contributions of Lume in to the cration of techniques to the work of actor. In this work was possible to realize that tradition, trahectory and techniques are constructs of a plan consistency of collective experience in theater. And that this plan if consistency – the process of constinous experimentation and creation of the body-collective-will reverberate on the ethical-aesthetic (understanding this concepts as indissociable and concomitant). Searching existential territories in the theater, was possible: to map the conception of Lume through analysis of their project, written by Luis Otávio Burnier; actor’s work through inrerviews with current members of the group, to map relations between trajectory and traditional elements that intergrates it, touch it, penetrate it, and that transforms the group technical research; and ywt, to know, to identify, to percept and measure on the interviews given by memners of the Lume some “contaminations” that compose the group heterogeneity. Based on conceptual studies and reflections on the practies of contemporary theater, with line of philosophical thought, especially the Gilles Deleuze and Felix Guattari thought, the experience of the research is materialized as tensions between the between the boundaries of theatrical practice and other disciplines.

Dissertação (mestrado)-Universidade de Brasília, Faculdade de Educação, 2010. / Submitted by Claudiney Carrijo de Queiroz (claudineycarrijo@hotmail.com) on 2011-06-26T15:47:29Z No. of bitstreams: 1 2010_ConsueloPiedadeBernardoFerreira.pdf: 3829091 bytes, checksum: ce96dfa82d57d7cfb37f7ec257754d1b (MD5) / Approved for entry into archive by Daniel Ribeiro(daniel@bce.unb.br) on 2011-06-27T19:32:59Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2010_ConsueloPiedadeBernardoFerreira.pdf: 3829091 bytes, checksum: ce96dfa82d57d7cfb37f7ec257754d1b (MD5) / Made available in DSpace on 2011-06-27T19:32:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2010_ConsueloPiedadeBernardoFerreira.pdf: 3829091 bytes, checksum: ce96dfa82d57d7cfb37f7ec257754d1b (MD5) / O objetivo desse estudo foi investigar a expressividade no sociodrama. Procuramos identificar gestos e falas como componentes expressivos neste método sociátrico. A pesquisa é de natureza qualitativa, com enfoque fenomenológico, com observação e registros. Foram realizados cinco sociodramas em dois contextos diferentes. O primeiro contexto, chamado Sociodrama 1, foi composto por alunos e professores do Centro de Ensino Médio de Taguatinga Norte/DF; o segundo, chamado Sociodrama 2, foi composto por alunos de uma pós-graduação em psicodrama. No Sociodrama 1 participaram cerca de quarenta alunos e quarenta professores. O foco foi questões relacionadas ao prazer e ao sofrimento na profissão de professor e na motivação para aulas. No Sociodrama 2, participaram seis alunos, tendo como foco a relação opressor-oprimido com a coordenação do curso. Os dados foram coletados a partir de anotações em diário de bordo, fotografias e filmagens. Como principais resultados temos que no Sociodrama 1, em grandes grupos, os participantes não tinham familiaridade com o método, apresentou pessoas que se expressaram com boa qualidade dramática, com aquecimento e concentração e outras que tiveram dificuldade em se expressar e se mantiveram dispersos durante a prática. No Sociodrama 2 o grupo era menor, os participantes tinham familiaridade com o método psicodramático, todas as pessoas apresentaram boa qualidade dramática, com aquecimento e concentração. Concluímos que a expressividade no sociodrama vai além dos gestos e das falas. Os gestos foram transformados em ações e as falas em textos. A partir da inter-relação entre ações e textos pudemos observar as emoções como principal atravessamento expressivo da cena cotidiana. Os gestos revelaram as ações dos indivíduos e dos grupos sociais, aos quais pertencem; as falas demonstraram qual é o texto coletivo e o individual; a emoção aliviou as tensões geradas na convivência grupal. A expressividade no sociodrama proporcionou o conhecimento de si mesmo, a revelação de como o grupo age e a manifestação de sentimentos originados no cotidiano. Foi possível ampliar o conceito dessa qualidade e entender que tanto pessoas comuns, quanto profissionais das artes cênicas, podem treinar a expressividade por meio do método do sociodrama. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The objective of this study was to investigate expressiveness in sociodrama. It is an attempt to identify gesture and speech as expressive components in this sociatric method. The research is qualitative, with a phenomenological approach, observation and record keeping. Five sociodramas were realized in two different contexts. The first context, named Sociodrama 1, was composed by students and teachers of the Taguatinga Norte/DF Middle School (Centro de Ensino Médio de Taguatinga Norte/DF); the second, Sociodrama 2, was composed by post-graduate psychodrama students of the University of Brasilia. In Sociodrama 1, about forty students and forty teachers participated. The focus was on questions related to pleasure and suffering in the teachers´ profession and their motivation to teach. In Sociodrama 2 six students participated, focusing on the opressor-opressed by their University course coordination relation. The data was collected through annotations in a diary, photography e filming. The main results in Sociodrama 1 are: in large groups, whose participants were not familiar with the method, some people expressed themselves with good dramatic quality, warm-ups and concentration, and others had difficulty expressing themselves and remained disperse during practice. In Sociodrama 2 the group was smaller, participants were familiar with the psicodrama method, and they all presented good dramatic quality, with warm-ups and concentration. The reached conclusion was that expressiveness in sociodrama is more than gesture and speech. Gestures were transformed into actions, and speech into texts. With basis on the inter-relation between action and texts it was possible to verify emotions as the main expressive manifestation of daily scenes. Gestures revealed the actions of individuals and the social groups they belong to; speech demonstrated which text is collective and which is individual; emotions alleviated tension generated in the groups´ convivial. Expressiveness in sociodrama provided self-knowledge, revelations on how groups act and the manifestation of feelings originated in daily life. It was possible to broaden the concept of this quality and to understand that even common persons, as well as professional actors, can train expressiveness through sociodrama.

Orientador : Milton Jose de Almeida / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação / Made available in DSpace on 2018-08-03T23:27:06Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gouvea_AnnaTeresaRojasMolinaAssumpcao_M.pdf: 31625357 bytes, checksum: 014fc9a2e5b743611e3ce63e9dec2d1b (MD5) Previous issue date: 2003 / Resumo: No cinema, as imagens de comidas são associações sinestésicas, são memórias de pessoas, cheiros, gostos, gestos, costumes... Comida é necessidade vital, sobrevivência; espetáculo é artifício e representação. No filme "Vatel - um banquete para o rei", de Rolland Joffé, há configuração dessas imagens no reinado absolutista de Luís XIV, onde à valorização do bem servir à mesa juntam-se aparatos e encenações suntuosas numa estrutura teatral barroca. A fotografia surge no filme em sua memória de pintura, naturezas-mortas do século XVI e XVII, com suas linguagens herméticas, simbólicas. Essas produções são produções fotográficas que encenam a gastronomia e o consumo burguês, um espetáculo despido de sua dimensão simbólica e artística e revestido de aura comercial / Abstract: In cinema, the images of food are synesthesic associations, they are memories of persons, smells, tastes, gestures, habits... Food is not a vital need, survival; the spectacle is artificial and representative. In Rolland Joffé's film "Vatel - a banquet for the king" there is a configuration of such images during Louis XIV' s absolutist reign where apparatus an sumptuous sceneries in a baroque theatrical structure are added to the valorization of well serving at the table. Photography appears in the film in its memories of painting and still natures of 16tl1 and 17tl1 centuries with it hermetic and symbolic languages. These productions are today photographic productions that simulate court and gastronomy to the bougeois consumption. They are a show deprived of its symbolic and atisct dimension and covered of commercial breeze / Mestrado / Mestre em Educação

Orientador: Mario Fernando Bolognesi / Banca: André Carrico / Banca: Daniel Marques da Silva / Resumo: Este trabalho dedica-se a analisar os métodos de formação para palhaços, principalmente àqueles que se apoiam na matriz circense. Por meio de material coletado em entrevistas realizadas com professores de palhaços e clowns, foi possível observar os principais elementos que compõem esta formação. As carreiras de dois palhaços circenses: Roger Avanzi e Arlindo Pimenta, servem como guia para observarmos como a educação difusa e a tradição oral repassam seus saberes com tanta eficácia. As didáticas de alguns professores de clowns da matriz francesa e minhas experiências pedagógicas como oficineiro em cursos com programas e durações di versas, são utilizadas de forma transversal na observação de procedimentos e resultados obtidos. São expostas informações sobre algumas sistematizações que se repetem por meio da tradição oral e que se apoiam na ambiência e cotidiano dos circos de famílias itinerantes, nos quais Avanzi e Pimenta estruturaram suas carreiras. O conceito "dom da palavra" torna-se a referência para o caminho que trilham para formação de um bom palhaço de picadeiro, além da absorção de técnicas diversas: acrobacia, música, mímica, maquiagem, voz e caracterização. A teatralidade também surge com seus elementos essenciais (dramaturgia, ação dramática, triangulação, efeito) para estruturação de entradas, reprises e esquetes que se tornam literatura oral e, ao mesmo tempo, instrumen to pedagógico para formação do palhaço circense. / Abstract: This work is dedicated to analyze the training methods for clowns, especially those who rely on circus matrix. Using material collected in interviews with teachers clowns and clowns, we observed the main elements that make up this training. The careers of two circus clowns: Roger Avanzi and Arlindo Pimenta, serve as a guide to observe how the diffuse education and oral tradition pass o n their knowledge so effectively. The teaching of some clowns teachers of French headquarters and my teaching experience in courses with programs and differents durations, are used across the board in observation procedures and results obtained. They are exposed information about some systematization that repeat through the oral tradition and rely on ambience and everyday circuses of itinerant families in which Avanzi and pepper structured their careers. The concept "gift of gab" becomes the reference to the way that tread to form a good circus clown, in addition to absorbing several techniques: acrobatics, music, mime, makeup, voice and characterization. Theatricality also comes with its essential elements (dramaturgy, dramatic action, triangulation, effect) for structuring reruns and skits that make oral literature and at the same time, pedagogical tool for training circus clown. / Mestre