Orientador: Cleide Antônia Rapucci / Banca: Solange Aranha / Banca: Sérgio Augusto Zanoto / Resumo: As obras de um dos mais conhecidos humoristas brasileiros, Millôr Fernandes, já foram bastante exploradas pelos pesquisadores de uma forma geral. Mesmo assim, há ainda uma vertente desse autor a ser estudada: o Millôr tradutor. O nosso objetivo nesta dissertação é analisar a peça Pygmalion, escrita por George Bernard Shaw em 1913, e sua tradução para o português pelo autor-tradutor Millôr Fernandes em 1963. A peça em cinco atos trata do professor de fonética Henry Higgins que se prontifica a transformar Eliza Doolittle, uma vendedora de flores que fala o dialeto cockney, em uma verdadeira dama, ensinando-a a falar "corretamente". O que nos chama a atenção nesta obra de Shaw é o dialeto cockney e as muitas expressões que encontramos no decorrer da peça. A nossa intenção é, portanto, mostrar as soluções encontradas por Millôr ao traduzir Pygmalion. No primeiro capítulo, temos um panorama geral do gênero teatral, da tradução em si e posteriormente a história da tradução de teatro, assunto pouco explorado até hoje pelos teóricos e que nos é importante para que possamos ter uma visão geral da linha que cada um destes teóricos seguem. No segundo capítulo exploramos um pouco acerca do autor da peça, George Bernard Shaw, mostrando suas obras, sua vida e suas características principais, além de termos uma análise da peça com o objetivo de que os leitores possam entender quais são os pontos principais da obra e sua idéia central. O terceiro capítulo é o que nomeia esta dissertação, pois é onde analisamos a tradução para o português de Pygmalion, mostrando quais foram as maiores dificuldades encontradas por Millôr, chamado por nós de autor-tradutor, e as soluções apresentadas por ele para resolver o problema da... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: The works by one of the most known Brazilian humorists, Millôr Fernandes, have already been explored by many researchers in general. However there is still an aspect of this author to be studied: Millôr as a translator. Our main objective in this dissertation is to analyze the work Pygmalion written by George Bernard Shaw in 1913 and translated to Portuguese by the author-translator Millôr Fernandes in 1963. The play is divided in five acts and deals with the phonetics professor, Henry Higgins, who is in charge of transforming Eliza Doolittle, a flower saleswoman who speaks cockney dialect, in a truthful lady, teaching her how to speak English properly. What draws our attention in Shaw's work is the cockney dialect and the plenty of expressions that we can find in the play. Our main intention here is to show the difficulties and the solutions found out by Millôr during Pygmalion translation. In the first chapter we have a general panorama about the theatre genre, the translation itself and later about the history of the theatre translation, a subject that is not much explored by scholars and that is very important for us because we can have a general view of each tendency that these scholars follow. The second chapter explores a little bit about the play author, George Bernard Shaw, showing his works, his life and his main characteristics, besides having a play analysis to allow the readers a better understanding about the main points of the play and its central idea. The third chapter names this dissertation and analyses the Portuguese translation, showing the major difficulties found by Millôr, whom we call an author-translator, and the solutions he presents to the cultural... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

Orientador: Renata Soares Junqueira / Banca: Maria Lúcia Outeiro Fernandes / Banca: Flávia Cristina de Souza Nascimento / Resumo: Sabe-se que a dramaturgia constitui um gênero que ainda não ocupa, nos currículos de Letras das universidades brasileiras, o mesmo espaço privilegiado que é dedicado ao estudo da poesia e da narrativa, e se isto é um fato que afeta mesmo o teatro produzido no Brasil, o que dizer então do teatro produzido além-fronteiras? O que dizer, por exemplo, do teatro produzido em Portugal ao longo do século XX? E o que dizer então daquela dramaturgia que é marginal no quadro deste teatro contemporâneo? É claro que pouco ou nada ouvimos falar, no Brasil, da literatura dramática de autoria feminina produzida em Portugal durante os tempos difíceis da ditadura salazarista. No entanto, pelo menos uma das dramaturgas que tentaram inserir seu nome no teatro produzido nesse período é merecedora de uma posição de destaque pelas peças que compôs. Natália Correia foi poetisa, ensaísta, romancista e dramaturga e é reconhecida principalmente por suas poesias. Porém, apesar de não ser reconhecida como dramaturga tanto quanto é como poetisa, a autora escreveu peças teatrais que merecem ser destacadas em meio à dramaturgia portuguesa devido ao caráter inovador de algumas das suas composições. A variedade de recursos cênicos nas suas peças, bem como a presença de elementos surrealistas e de características do Teatro do Absurdo, demonstram um certo vínculo estabelecido pela autora com estas duas estéticas. A nossa proposta, para a Dissertação de Mestrado, é a de um estudo de duas das peças teatrais produzidas por Natália Correia - O Homúnculo (1964) e O Encoberto (1969) -, com o intuito de esmiuçar os seus elementos componentes, relacioná-los com o Surrealismo e o Teatro do Absurdo e mostrar a inovação formal que caracteriza seu teatro / Abstract: We know that, the theatre is not so much studied in Brazilian Universities. And if this happens here in Brazil, what can we say about the plays that were produced in Portugal during the 20 century? And what can we say about those plays that are considered marginal among the contemporary theatre? We sure don't hear almost anything about the dramatic literature produced by Portuguese women during the difficult period of the salazarista dictatorship. But, at least one of the women who tried to insert their names among the theatre that was produced during this period, deserves being highlighted because of the plays she wrote. Natália Correia wrote poems, novels essays and plays and she is known around the world especially as a poet, but she should be known as a playwright as well because of her singular plays that show formal innovation. The large quantity of scenic resources used by the playwright in her plays and some characteristics from the Surrealism and the Theatre of the Absurd show that she is linked to these aesthetics. Our aim in this dissertation is to study two of the plays written by Natália Correia - O homúnculo (1964) e O Encoberto (1969) intending to show all their component elements, relating them to the Surrealism and the Theatre of the Absurd and show the formal innovation which is one of the main characteristics of her plays / Mestre

Orientador: José Manuel Lázaro de Ortecho Ramírez / Banca: Alexandre Mate / Banca: Meran Muniz da Costa Vargens / Resumo: O estudo aborda características do teatro narrativo desenvolvido a partir de meados do século XX, no que se convencionou denominar pós-modernidade. Considerado o contexto do capitalismo multinacional, são apresentados possíveis motivadores sociais, políticos e econômicos, que influenciaram na dificuldade de comunicação, na fragilização da organização de coletivos e na redução da importância dada à memória. Demonstrou-se a intensa ligação entre arte e mercado, especialmente por meio da publicidade e de importações culturais, em uma era marcada pela globalização das redes de informação. Entretanto, percebeu-se que, da mesma maneira como na sociedade, paulatinamente, estruturam-se grupos de reivindicação face às exigências do sistema, na arte se desenvolvem manifestações de oposição às produções vinculada ao consumo de produtos ou ideologias. O teatro narrativo é discutido neste contexto; considerado como uma das possibilidades de restabelecer a comunicação, de propor a discussão e de promover o compartilhamento de experiências entre atores e público. Tais potenciais residem no fato de que ele, embora se configure por aspectos da arte pós-moderna, pressupõe simultaneamente a revalorização da fábula. A estes elementos soma-se o predomínio de aspectos provenientes do gênero épico, bem como a possibilidade de interlocução com o lírico e o dramático. O teatro narrativo é uma das formas de hibridização de linguagens que se desenvolveu no período; lida com elementos de outros momentos históricos e vertentes artísticas e se diferencia pela maneira de organizá-los. Além disso, mesmo diante de pausada caracterização da vertente teatral narrativa, a fim de que a discussão dos expedientes fosse suficientemente clara, optou-se pela exemplificação de duas possibilidade de articulação dos elementos cênicos por meio de espetáculos ... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: The study deals with narrative theatre characteristics, developed after the middle of XX century, during what is a convention to call post-modernity. Considered the context of the multinational capitalism, there are presented possible social, political and economic reasons that influenced in the difficulty of communication, in the weakness of collective organization and in the reduction of the importance given to memory. It was demonstrated the intense connection between arts and market, especially by publicity and cultural importation, in a time when prevails globalization and information nets. Nevertheless, it was noticed that, in the same way in society there are vindication groups before system requirements, in arts they were developed oppositional manifestations to the production related to products and ideology consumption. Narrative theatre is analyzed in this context; considered as one of the possibilities to re-establish communication, to propose discussions and to promote experience sharing between actors and audience. These potential exist because, even if narrative theatre has aspects of post-modern arts, it also presupposes fable valorization. To this element, they are added up the predominance of epic aspects, as well as the possibility of dialogue also with dramatic and lyric genders. Contemporary narrative theatre is one of the hybrid language forms appeared in XX century; it deals with elements from other historical moments and different artistic slops, and what makes it particular is its way of organizing the procedures. Moreover, in order to let concept considerations comprehensible enough, it was chosen to utilize two procedure articulation examples found in São Paulo's plays, Mire Veja, by Companhia do Feijão, and Hysteria, by Grupo XIX de Teatro / Mestre

Orientador: Renata Soares Junqueira / Banca: Fernanda Verdasca Botton / Banca: Flavia Maria Ferraz Sampaio Corradin / Banca: Robson Corrêa de Camargo / Banca: Elizabete Sanches Rocha / Resumo: Nesta tese procuramos seguir o caminho percorrido pelo melodrama em Portugal ao longo do século XIX, investigando as suas ocorrências no teatro português desde o início do século - quando ali se instalava o Romantismo -, passando pelo período do Ultrarromantismo, quando o gênero ganhou mais relevo, até chegar à época do Decadentismo-Simbolismo, quando as formas melodramáticas ainda se revelavam vigorosas, embora com alterações que tentamos esmiuçar. Investigamos o melodrama - com os seus conteúdos e as suas formas específicas - tal como se estabeleceu no Portugal oitocentista e como se desenvolveu ao longo desse período, procurando compreender as relações deste gênero dramático com o contexto sócio-cultural que o estimulou - afinal, a força do melodrama perdurou ao longo de Oitocentos. Verificamos qual a contribuição de Almeida Garrett enquanto introdutor do teatro romântico em Portugal, lutando por uma produção nacional de qualidade, susceptível de elevar o gosto e a cultura do público e, portanto, contrário à presença do melodrama, mas em cujas peças encontramos vestígios deste gênero. Considerando-se que a pesquisa abrangeu um período bastante extenso, utilizamos as seguintes obras como textos paradigmáticos: O cativo de Fez (1839), de Silva Abranches; Os dois renegados (1839), de Mendes Leal; O fratricida (1844), de Guerra Leal; O último acto (1859), de Camilo Castelo Branco e, finalmente, de D. João da Câmara, O pântano (1894) e A Rosa Enjeitada (1901) / Abstract: In this thesis, we tried to follow the way through the melodrama in Portugal throughout the XIX century, by investigating its occurences in the Portuguese theatre since the beginning of that century - at the time that the Romanticism established itself there -, going through the period of the Ultra-romanticism, when the genre got more notorious, until it gets to the period of the Decadentism-Symbolism, when the melodramatic features still revealed themselves vigorous, nevertheless under some changes which we tried to examine in detail. We investigated the melodrama - with its contents and its specific features - such as how it established itself in the Portugal eighties, and how it developed itself throughout this period, trying to understand the relation between this dramatic genre and the social-cultural context which stimulated it - at last, the strength of the melodrama lasted through the Eighties. We checked what the contribution of Almeida Garrett was as an introducer of the romantic theatre in Portugal, struggling for a national production of quality, susceptible to lift up the taste and the culture of the public hence opposed to the presence of the melodrama. However, we could found traces of this genre in his plays.- Taking into consideration that the research comprised a considerable extensive period, we used the following masterpieces as paradigmatic texts: O cativo de Fez (1839), by Silva Abranches; Os dois renegados (1839), by Mendes Leal; O fratricida (1844), by Guerra Leal; O último acto (1859), by Camilo Castelo Branco and, finally, by D. João da Câmara, O pântano (1894) and A Rosa Enjeitada (1901) / Doutor

Orientador: Luiza Helena da Silva Christov / Banca: Luiz Carlos de Menezes / Banca: Eleni Bambini Gorgueira / Banca: Bruno de Menezes / Resumo: Neste trabalho são analisados alguns aspectos que constituem a formação da escuta num coletivo de teatro que pretende construir espetáculos em processos colaborativos, cuja organização horizontal das funções envolvidas na criação é pressuposto desse modo de produção. O trabalho deu-se a partir do estudo de caso da coletividade MiniCia Teatro, grupo vinculado à Cooperativa Paulista de Teatro desde 2004 e que tem em seu histórico três espetáculos até o ano de 2009 (data essa que o pesquisador afastou-se do referido coletivo). O título dessa dissertação A Palavra Fora Cena, refere-se à potência formativa dos espaços para além da cena que suscitam diálogos profícuos entre os integrantes de um coletivo teatral. Para pensar alguns aspectos que formam a escuta de um grupo de teatro fez-se necessário discutir as relações de poder intrínsecas às palavras em jogo nos diálogos que perpassavam todas as negociações nesse coletivo. Daí a escolha por pensar as palavras língua, linguagem, experiência e processo colaborativo com vagar desde o capítulo 1, na tentativa de explicitar as acepções apresentadas no contexto dessa dissertação. A perspectiva de dispositivos de interdição da fala, para manter a ordem do discurso, foi posta para que pudéssemos entender em contrapartida quais dispositivos operam como ameaças aos discursos condicionados - cuja função é controlar ouvintes e falantes, mantendo-os numa ordem aceitável de sentidos das palavras ditas - para o favorecimento da formação de uma escuta colaborativa. Propusemo-nos a pensar o que efetivamente aproxima os sujeitos em processo colaborativo teatral e a horizontalidade como modo de produção igualitária entre as potências criativas do trabalho. O foco investigativo é a escuta e a sua formação contínua como condição precípua para todos aqueles... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This work analyses some aspects that constitute the formation of listening in a theater collective that intends to make plays in collaborative processes, whose horizontal organization of functions involved on the creation is the assumption of this means of production. The work began in a case study of the MiniCia Teatro collective, a group associated to the Paulista Theatre Cooperative since 2004 and that has three plays in its background up to the year 2009 (date in which the researcher left the collective). The title of the dissertation The Word Outside The Scene, refers to the formative potency of spaces beyond the scene that make room for fruitful dialogues to arouse among the participants of a theatrical collective. To think of some aspects that form the listening of a theater group it was necessary to discuss the relations of power intrinsic to the words forming the dialogues that ran through all the negotiations in this collective. Hence the choice to reflect on the words language, experience and collaborative process more slowly since chapter 1, in an attempt to make explicit the meanings presented in the context of this dissertation. The perspective of speech interdiction dispositives, so to keep the order of the speech, was set so that we could understand which dispositives work as threats to conditioned speeches - whose role is to control listeners and speakers, keeping them in an acceptable order of meanings of the spoken words - to the benefit of the constitution of a collaborative listening. We suggested the reflection upon what effectively approximates the subjects in theatrical collaborative process and the horizontality as an egalitarian means of production among the work's creative potencies. The investigative aim is the listening and its continuous formation as a basic condition for all of those... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

Orientador: Arnaldo Franco Júnior / Banca: Ana Maria Dominguez de Oliveira / Banca: Lucia Granja / Resumo: O dramaturgo Nelson Rodrigues é considerado pela crítica brasileira o introdutor do teatro moderno no Brasil desde a estréia de Vestido de Noiva, em 1943. Se a crítica literária e teatral brasileira realizou a legitimação da glória de Nelson Rodrigues a partir deste ano de 1943, o oposto ocorreu em 1946, quando público e crítica repudiaram a peça Álbum de Família, que permaneceu censurada por, aproximadamente, vinte anos. Esta pesquisa centra-se em estudar a fortuna crítica das duas peças mencionadas, e a escolha de se trabalhar com a recepção destas peças específicas dá-se devido ao contraste de opinião crítica suscitado por elas. Abrangendo a crítica literária e teatral de parte do século XX, nosso estudo focalizará a forma como a recepção de uma obra trabalha com os valores dominantes de um sistema social e artístico, tendo o poder de legitimar um artista como bom ou desconsiderável / Abstract: Playwright Nelson Rodrigues has been viewed by Brazilian critique as the introducer of modern theatre in Brazil since the premiere of his play Vestido de Noiva (Wedding gown), in 1943. If Brazilian theatrical and literary critics have legitimated the glory of Nelson Rodrigues since the year of 1943, the opposite occurred in 1946, when public and critique rejected the play Álbum de Família (Family álbum), which has remained censored for about twenty years. This research centres in the study of the critical fortune of both mentioned plays, and the choice of working with these specific plays is due to the contrast of critical opinions generated by them. Comprehending theatrical and literary critique of part of the 20th century, our study focusses on how the reception of an art piece works with the prevailing values of a social and artistic system, being able to legitimate an artist as worthy or unworthy / Mestre

Orientador: Gilberto Figueiredo Martins / Banca: José Carlos Zamboni / Banca: Sônia Aparecida Vido Pascolati / Resumo: O dramaturgo gaúcho Jose Joaquim de Campos Leão (1829-1883), auto-intitulado Qorpo-Santo, possui uma obra complexa que chegou ao conhecimento da critica e do púbico em 1966, cem anos depois de serem escritas. Por conta de tal fato, são poucos os trabalhos teóricos acerca de sua dramaturgia, dentre os quais podemos citar Os homens precários, de Flávio Aguiar e Qorpo-Santo: surrealismo ou absurdo?¸ de Eudinyr Fraga. É no esforço de acrescentar material à fortuna crítica do autor que esse trabalho é desenvolvido, tomando como eixo um aspecto reincidente em sua obra: o tema das dicotomias, cisões e conflitos, aqui agrupados sob o termo desdobramento. O topos do desdobramento manifesta-se tanto no desenvolvimento das personae dramáticas, quanto nas suas ações e, ainda, na estrutura das comédias (enredo, cenário etc.), caracterizada pelas intervenções do nonsense nas instâncias do cotidiano. Desse modo, o desdobramento oferece uma chave de leitura eficiente da dramaturgia do autor, que permite a decifração de muitas das peculiaridades que compõem o universo cômico de suas peças / Abstract: The southern dramaturgist José Joaquim de Campos Leão (1829-1883), selfnamed Qorpo-Santo, has a complex oeuvre that became known to the public in 1966, one hundred years after being written. So, there are few of studies on his dramaturgy, among it we can mention Flávio Aguiar's Os homens precarious and Eudinyr Fraga's Qorpo-Santo: surrealism ou absurdo? In the effort to increase the criticism on Qorpo- Santo's oeuvre that this study we choose the axis of an important aspect of his oeuvre - the motif of dichotomies, separations and conflicts - here named deployment. The topoi of deployment are showing in development of dramatic personae, her actions, and in structure of Qorpo-Santo's comedies (in plots, sceneries, etc.). This motif is characterized by the interventions of the nonsense in daily world. In our study, we make an analysis of some plays of Qorpo-Santo under the perspective of the deployment, and the characters are the focus of our considerations, because the dramatic figures are the axis of the structure of the comic universe of Qopro-Santo. Thus, the deployment offers an efficient key of lecture of the Qorpo- Santo's oeuvre, which permits the interpretation of many particularities of the comic universe of Qorpo-Santo's plays / Mestre