The subject of our dissertation is the analysis of the function of color and of light and shadow in Le Rouge et le Noir and La Regenta. By function we mean the study of chromatic symbolism in these novels; each being a closed world in which the meaning depends neither on the author's personal existence nor on the external circumstances of the novel. The author then becomes a narrator who likewise only exists in his creation, and the historical circumstances of his era or time can only serve as references if they are explicitly or implicitly mentioned in the work. Colors therefore form a meaningful and coherent system in each work, and the object of our study is thus to explain and to compare the color systems of the two novels in question. There are three distinct functions in the chromatic schemes of Le Rouge et le Noir and La Regenta: an historical function, a social function and a religious function; each of which is analysed respectively in the three chapters of our dissertation. Each function also corresponds to two different reading levels in each novel: an historical and social level, as well as a religious level. The historical and social level, treated in the first two chapters, consists of a diachronic and synchronic study which manifests itself in the affective relationships which the characters maintain with the past, and in their capacity to adapt to both he political regime and to the system of individual and social values of their era. The religious level, treated in the third chapter, consists of an analysis of the importance given to the symbolic figures of Christ and the Virgin Mary in the creation of the characters. This religious symbolism accounts indirectly for each narrator's concept of the function of literature and the power of the book to right an historical situation which seems unacceptable to them. Thus, it is in the relationship between religion and language that one best perceives the narrator's point of view and the ultimate message of his work.

Le présent travail intitulé "Aspect des échanges franco - coréens : la réception de la littérature romantique et les traductions du Rouge et le Noir " témoigne de l'existence d' un réel échange culturel entre Coréens et Français ; il veut rapprocher la culture, la littérature des deux pays autour de quelques traductions. Le but est ici de démontrer les divergences de sens entre littérature romantique française et coréenne.Le romantisme coréen commence avec un siècle de retard sur le romantisme français ce qui explique des différences importantes avec le romantisme français. D'après nos recherches, nous voyons que les déterminants et les effets du romantisme coréen sont différents de ceux du romantisme français. D'ailleurs, le romantisme est introduit en Corée sous l'occupation japonaise, son contenu dépendait donc d'interprétations japonaises préexistantes et ne pouvait pas avoir le même aspect qu'en France.Ainsi, les fondements du romantisme coréen ne correspondent pas à un rejet du style classique comme ce fut le cas en France. Néanmoins, les Coréens ont adapté ce mouvement littéraire à leur manière surtout quant à la psychologie et aux procédés d'écriture. Il ne s'agissait donc pas d'une création pure et simple mais plutôt d'un processus de réception, d'adaptation et de réutilisation d'un mouvement littéraire étranger : le romantisme français.La Corée, se situant, géographiquement et culturellement aussi bien que linguistiquement, aux antipodes de la France, la traduction d'oeuvres françaises en langue coréenne, et vice versa, pose probablement beaucoup plus de problèmes que la traduction d'oeuvres françaises en toute autre langue occidentale, a fortiori quand il s'agit de la traduction d'oeuvres coréenne en une autre langue extrême-orientale. La traduction des oeuvres romantiques françaises a connu une difficulté supplémentaire à cause des retraductions multiples imposées aux livres avant qu'ils parviennent aux lecteurs coréens sous l'occupation japonaise. Nous constatons que même les traductions directes du français en coréen ne réussissent pas toujours à rendre correctement la signification du discours littéraire. Ainsi, certains choix du traducteur ne changent pas le sens de la phrase mais ils annulent un effet stylistique important voulu par l'auteur français.Précisément, un lecteur coréen qui lit Stendhal en coréen ne comprend pas du tout le vrai Stendhal, celui du lecteur français. C'est particulièrement exact pour Le Rouge et le Noir. En effet, c'est bien connu, hors de France, la littérature française subit le prisme de la différence culturelle qui affecte le lecteur et de la traduction en cascade

The 19th century French novel has a well-know model called Bildung Novel. The inspiration for this name comes from Wilhem Meister by Goethe published in 1795. In this type of writing we witness the education (Bildung) of a hero or a heroin who has to face and overcome a series of difficulties. / In this memoire we will analyze the theme of education in the works of two authors Stendhal and George Sand. We have chosen two novels from each author, one dating back to the beginning of their career, and the other to the end. For Stendhal we have selected Le Rouge et le Noir (1830) and Lucien Leuwen (posthume publication 1894); Mauprat (1837) and La Ville Noire (1861) by Sand. / In each novel we will analyze family education, intellectual and moral training, life experience and sentimental education successively in the same way the heros experience them. / To do this we use thematic method which, as Jean Starobinski puts it, considers the theme as a unit of meaning of the novel. / In the conclusion we will compare the results of our analyses in the works of Stendhal and George Sand.

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[pt] Esta dissertação tem por objetivo analisar a historicidade da forma literária do escritor francês Henri-Marie Beyle (1783-1842), mais conhecido por seu pseudônimo Stendhal, a partir da sua relação profundamente tensa com a sua sociedade, a saber, a realidade instaurada no seu país após o ano de 1814. Esta análise parte de uma afirmação, recorrente nos textos do autor: a de que teria havido uma notável mudança de caráter dos seus conterrâneos a partir da queda do Império Napoleônico (1804-1814), a perda do que ele nomeou a faculdade de se divertir. Longe de lamentar apenas o fim de uma característica, porém, Stendhal indica, a partir dessa mudança, uma quebra profunda ocorrida no sentimento de pertencimento francês: seus conterrâneos teriam perdido um fundo de caráter comum que os fariam se reconhecer em suas particularidades, ou seja, para o autor, a França havia perdido sua autenticidade. Pretende-se, portanto, investigar como o autor configura esta perda em seu romance O vermelho e o negro (1830), tentando mostrar que o que ele entende por autenticidade se conecta diretamente à satisfação real dos indivíduos em seu mundo, impossibilitada agora na Restauração por um afastamento do eu de si mesmo. A partir dessa problematização, será analisada, primeiramente, a alternativa estética do escritor a esse mundo, descrita em Racine e Shakespeare (1823 e 1825) e Do Amor (1822), tendo em vista, sobretudo, sua preocupação com o prazer dramático; em seguida, como ele figura uma possibilidade ética com base na tensão que o protagonista do romance, Julien Sorel, estabelece com a sua sociedade. / [en] This dissertation aims to analyze the historicity of the literary form of French writer Henri-Marie Beyle (1783-1842), better known by his pen name Stendhal, from its deeply strained relationship with the society he lived in, that is, the reality established in his country after the year 1814. This analysis is originated from a recurrent claim in the author s work: that his countrymen suffered a remarkable change of character from the fall of the Napoleonic Empire (1804-1814), the loss of what he called the ability to have fun. Far from merely mourning the end of this quality, however, Stendhal points out that this change lead to a profound break in the French feeling of belonging: his countrymen had lost a common character background that had made it possible for them to recognize themselves in their particularities, i.e. in the author s view, France had lost its authenticity. I intend, therefore, to investigate how the author represents this loss in his novel The Red and the Black (1830), trying to show that what he meant by authenticity directly connects to the real satisfaction of individuals in their own world, made impossible now during the Bourbon Restoration due to a distancing of the self from itself. From this questioning, I will firstly analyze the aesthetic alternative of Stendhal to this world, described in Racine and Shakespeare (1823 and 1825) and in On Love (1822), regarding, above all, of his concern with the dramatic pleasure; and secondly, how the author paints an ethical possibility based on the tension that the protagonist of his novel, Julien Sorel, establishes with the society around him.

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Il s’agit de reprendre la question autobiographique à l’époque où le genre se constitue en Europe, au premier XIXe siècle, en déplaçant le regard vers les marges du genre. Les œuvres de Jean Paul, d’Ugo Foscolo, de Stendhal et de Gérard de Nerval sont d’abord étudiées sous l’angle de la poétique des genres dont elles déstabilisent les catégories. La thèse déplace la question générique en soulevant les enjeux éthiques et politiques du récit de soi qui sont liés à l’expérience du sujet et du temps. À côté de ce qui deviendra le canon en matière d’autobiographie se dessine une autre ligne autobiographique qui, en souvenir de Laurence Sterne, se place sous le signe de l’imagination et de l’arabesque. Les œuvres du corpus mettent en évidence la ligne de poésie de la vie et du sujet. Ces poétiques autobiographiques excentriques manifestent une dissemblance de soi, du temps et de l’histoire. Elles mettent en crise l’identité pensée comme « mêmeté » et l’idée d’un temps homogène. Le soi n’est pas un ; l’autobiographe n’est seul ni dans sa peau, ni dans sa langue, ni dans sa plume ; il se déplace entre les lieux et entre les langues, ne trouvant pas d’assise. La figure de l’auteur est plurielle et collective, en rupture avec le mythe du génie. Aux transfigurations de soi s’ajoutent les transfigurations de la mémoire qui ressaisit le passé au présent et pour l’avenir. Expérience mélancolique de revenance, le récit de soi multiplie les fantômes qui sont le signe d’un deuil personnel et des disjonctions de l’histoire. Témoignant des révolutions du siècle, l’autobiographe ouvre aussi l’histoire individuelle et collective : le récit de soi est prospectif. C’est une mémoire au futur. / The thesis takes up the question of autobiography by focusing on works at the margins of the genre during the early 19th century, the period in which autobiographical writing in Europe came into its own. The works of Jean Paul, Ugo Foscolo, Stendhal and Gérard de Nerval destabilize established generic and canonic categories. They do so by pointing to the ethical and political issues at stake in the narration of the self, which are in turn linked to the experience of the subject and of time. The thesis thereby identifies and explores another autobiographical “line” emerging alongside canonical forms of the genre, a “line” which recalls Laurence Sterne through the use of arabesques and the reliance upon imagination in life narratives. These works emphasize the “line of poetry” which constitutes life and the subject. The poetics of these eccentric autobiographical works explores dissemblance in writing the self, time, and history. They question reductive understandings of identity as ‘sameness’ and conceptions of time as homogenous. The self is not ‘one’; the autobiographer is alone neither in his body, nor in his language, nor in the act of writing. Rather, he is in constant movement between places and languages, unable to establish a stable grounding for his narrative. The author’s persona is multiple and collective, inverting the myth of the romantic genius. Such transfigurations of the self are tied to transfigurations of memory, which allow for the past to be reenacted in the present and for the future. This melancholic experience is also one of haunting, for narratives of the self draw on the figure of the phantom as a sign of mourning for both personal and historical disjunctions. As witnesses of recent or contemporary revolutions, the autobiographers stress the incomplete nature of both individual and collective history, that is, the potential that such history contains. Narrating the self is therefore prospective; it is memory addressing the future.

À l'exception de Le Confessioni di un italiano, le roman le plus célèbre d'Ippolito Nievo (1831-1861), - et d'une partie de sa production poétique – Le poesie garibaldine- , les œuvres de Nievo sont encore, en grande partie, étudies selon l'image du début du XXe siècle fixée par Dino Mantovani. Le premier biographe de Nievo a voulu relever dans ses œuvres une dimension poétique et esthétique liée au Romantisme, auxquelles s'ajoute un arrière fond politique. Cet portrait a marqué la tendance de la critique italienne à lire et relire Nievo comme l'écrivain qui a donné les plus belles pages de la littérature du Risorgimento, mais, en même temps, qui n'a jamais eu une propre et véritable dimension intellectuelle. Mais, depuis le lancement de l'Edition Nationale de l'Œuvres d'Ippolito Nievo en 2005 à Padoue, cette image a commencé lentement a changer. Il y a eu un revirement critique signalé par la décision de publier comme premiers titres les comédies Pindaro Pulcinella et Le Invasioni moderne, soulignant la volonté d'ouvrir les études aux textes moins connus qui avaient été sacrifiés et, parfois, jamais publies au XXe siècle. Cette approche, donc, a engendré une revalorisation et une redécouverte de toute sa production romanesque, poétique et journalistique. Par conséquence il à été possible pénétrer totalement sa pratique d'écriture. Quant à ce sujet il s'arrive que Nievo avait l'habitude de rédiger en même temps des textes de nature très différente: des poèmes et des roman, des articles et des lettres. Cette pratique a mise à jour la naturelle tendance à abattre les confins entre les genres.Pour ce qui concerne les œuvres théâtrales, dont nous proposons l'édition critique (la comédie I « Beffeggiatori » et les brouillons pour une comédie en vers « Don Giovanni » et un livret d'opéra « Consuelo ») cette absence de confins est encore plus évidente. D'une manière générale on peut affirmer que Nievo n'a jamais regardé au théâtre contemporain, mais il a fondé sa dramaturgie sur des éléments très éloignes entre eux: la tradition goldonienne pour la fonction des personnages par rapport à certaines situations (par exemple la typologie du moquer ou des amoureux), la production romanesque française de Honoré de Balzac, de Stendhal et de George Sand pour la structure des relations entre les personnages et pour le choix des thèmes d'actualité (par exemple la description ironique du pouvoir politique de l'aristocratie). Donc il apparaît aujourd'hui que, même si Nievo n'avait jamais quitte l'Italie, sa dimension existentielle et intellectuelle était complètement européenne. Il s'agit d'une double identité littéraire et nationale ambiguë, qui dénoue très clairement la complexité de l'écrivain italien. / For a long time Ippolito Nievo’s (1831-1861) theatrical production was considered less important than his work of narrative and was considered as “juvenile work”. On the contrary, during the last ten years of the Nineteenth century, it was reconsidered and it brought to the discovery of several comic texts, such as Le Invasioni Moderne and Il Pindaro Pulcinella, which have showed Nievo’s cleverness in writing plays for the theatre.The edition of the last unpublished production, which is presented in this essay, completes and broadens the studies done on Nievo’s theatre, at the same time, opening several doors for a possible reconsideration of some critical points of Nievo’s literary aesthetics. From the study of the unpublished texts produced before Le Confessioni di un Italiano, in fact, Nievo’s dependence on French literature appeared, especially Balzac, Stendhal and George Sand. The setting of I Beffeggiatori –a political comedy which portrays Italy in 1852-1853 – and its study of the characters recalls the Chartreuse de Parme by Stendhal, his ironical glance at political happenings told by Balzac and it moves away totally from contemporary comic theatre. Don Giovanni –notes for a comic text in verses- results from Stendhalian considerations on the figure of the Seduttore, considerations which we can find in the De l’Amour and in the short story Les Cenci; but Don Giovanni also results from the whole French post-Byron tradition of the myth. Consuelo – the libretto- reveals a clear and evident Sandian matrix in its plot and allows to formulate a theory on the aesthetic Nievian music, full of Mazzinian considerations, well known to Sand too.The edition of these texts has allowed to reformulate some judgements on the origin of Nievo’s irony, even in L’Afrodisiaco per l’amor platonico and in Lettere a Matilde, underlining a matrix which is decidedly and only French.

The aim of the thesis is to introduce Stendhal´s relation to Italy on the basis of his literary production connected with italian milieu taking into account period literary-historical context. After an introduction, portrait of author and intoroduction of a historical context follows the major part of the thesis whose chapters aim at analysis of works Řím, Neapol a Florencie, Římské procházky and Abatyše v Castru from the point of view of genre, topic and expression. On the basis of this the thesis tries to clarify Stendhal´s relation to Italy, italian culture and society.