Orientador: Lia Vera Tomás / Banca: Marcos Fernandes Pupo Nogueira / Banca: Mário Rodrigues Videira Júnior / Banca:Graziela Bortz / Banca: Paulo de Tarso Salles / Resumo: Este trabalho tem como objetivo discutir O Conceito de Imitação na Ópera Francesa do Século XVIII. Através do exame de textos franceses do século XVIII quanto à estética musical e de teóricos consagrados como Jean Baptiste Dubos e Charles Batteux, que se referiram à imitação, nos perguntamos: quais as concepções e modelos miméticos utilizados na França do século XVIII? Como a mímesis se atrelava à concepção de gosto e como se manifestava em textos e tratados da época? Procurou-se seguir a trajetória da imitação como prerrogativa para a execução da ópera, e como ela se perdurou no decorrer desse século, mesmo em meio às polêmicas, querelas do bufões e às transformações sociais que levaram a aristocracia francesa a entrar em declínio. A imitação, estabelecida como regra a partir da Poética de Aristóteles e utilizada como modelo para o teatro clássico francês do século XVII, teve na ópera a execução de suas teorias, em voga desde o Renascimento. Seu conceito era vinculado à uma concepção de natureza de onde tirava seus modelos e definição de gosto, e esta concepção de natureza modificou-se nesse período, alterando também o dispositivo imitativo. Razão, sentimento e expressão -concepções abarcadas na concepção de natureza enquanto a teoria imitativa foi o dispositivo permanente para a execução da ópera francesa. Em meio às teorias imitativas, indagava-se sobre os significados da música e o que ela imitava ou deveria imitar, observando-se como hipótese que era de sua natureza não concretizar por completo a realização da imitação. / Resume: Cette mémoire porte sur Le Concept de l'Imitation à l'Opéra Français du XVIIIe siècle à partir de l'examen de textes français de référence du même siècle, comme ceux de Jean Baptiste Dubos et Charles Batteux. On se demande quels ont-été les concept et modèles mimétiques utilisés au XVIIIe siècle en France? Comment mimesis a été attachée aux concepts de goût définis dans les textes et traités de l'époque? On a suivi le chemin herméneutique de l'imitation comme une condition sine qua non pour la mise en œuvre de l'opéra, tout en considérant les controverses, querelles et changements sociaux qui ont fait de la mimesis une victime de son temps. Le concept d'imitation, comme une règle établie dans la Poétique d'Aristote et utilisé comme un modèle pour le théâtre classique français du XVIIe siècle, a connu dans l'opéra, depuis la Renaissance, une autre forme d'expression. Le concept de mimesis chez Aristote était attaché à un concept de la nature d'où il inférait ses modèles et définitions de goût. Ce même concept de la nature a changé pendant le XVIIIe, en modifiant également le dispositif d'imitation. Raison, sentiment et expression ont été trois concepts renfermés dans la concept de la nature au fur et à mesure que la théorie mimétique était utilisé comme dispositif permanent pour la mise en œuvre de l'opéra français. Parmi les théoriciens de l'imitation, ils se demandaient quelle était la signification de la musique, à quoi imitait-elle, ou encore à quoi doit-elle imiter. On soutien comme hypothèse dans cette mémoire que la nature de l'opéra français au XVIIIe siècle ne permettait point de concrétiser totalement le concept de mimesis. / Mestre

Orientadora: Martha Herr / Coorientador: Wladimir Farto Contesini Mattos / Banca: Achille Guido Picchi / Banca: Luiz Ricardo Basso Ballestero / Resumo: A maioria dos cantores, professores e alunos de canto concordam que a expressão das emoções é um parâmetro importante em música. Na fala, para expressar as emoções, nós, seres humanos, utilizamos um recurso chamado prosódia emocional, o qual se refere às modulações de altura, duração e intensidade que ocorrem na fala em decorrência do estado emocional do falante. Ao mesmo tempo, possibilita ao ouvinte identificar as variações de humor daquele que se comunica. Se em ópera (híbrido de teatro e música) há um personagem interagindo com outros, o qual passa por diversos estados emocionais e que expressa essas emoções de formas variadas, a prosódia emocional pode ser também aplicada à ópera. Entretanto, mesmo reconhecendo a importância da expressão das emoções, muitos professores e cantores negligenciam seu estudo. Esta pesquisa tem por objetivo, assim, aprofundar-se nos estudos acerca da expressividade vocal, estabelecendo uma relação entre prosódia emocional e canto, bem como seus reflexos na voz cantada. Justifica-se, assim, a necessidade da realização de uma pesquisa a qual explore a questão da expressão das emoções por meio da prosódia emocional em música e mais especificamente no canto. Desta forma, no primeiro capítulo, serão abordadas questões referentes ao ensino da expressão de cinco emoções básicas (raiva, tristeza, medo, amor/afabilidade e felicidade) em música. No segundo capítulo, tentaremos estabelecer as origens da relação entre expressão das emoções em fala e na música, para, no terceiro capítulo, investigarmos as semelhanças e diferenças no processo de decodificação dos sinais acústicos da expressão das emoções por parte dos ouvintes. No último capítulo, na tentativa de averiguar os possíveis "efeitos" na percepção dos ouvintes quanto à expressão de emoções, realizaremos observações sobre a análise... / Abstract: Most singers, teachers and voice students agree that the expression of emotions is an important parameter in music. In speech, in order to express emotions, humans use a resource named emotional prosody, which refers to modulations in pitch, sound duration and intensity that occur as a consequence to the speaker's emotional state. At the same time it allows listeners to identify humor variations of the person that is communicating himself. In this manner, if in opera (hybrid of theatre and music) there is a character interacting with others, who experiences several emotional states and that expresses those emotions in different ways, the emotional prosody may also be applied to ópera. However, even recognizing the relevance of the expressions of emotions, many teachers and singers have been neglecting its study. The present research aims to dig deeper into the expressivity research, by establishing a relationship between emotional prosody and singing as well as its consequences to singing voice. Therefore the reason to undertake the present research is theneed to explore de issue of expression of emotions trough the emotional prosody in music and, more specifically in the singing voice. In this way, in the first chapter issues regarding the teaching of expression of emotions in music will be addressed. In the second chapter, we will try to establish the origins of the relationship between expression of emotions in speech and music, in order to, in the third chapter, investigate the resemblances and differences in the decoding process of acoustic cues of expression of emotions by the listeners. In the last chapter, as an attempt to determine the possible "effects" in the listeners perception of expression of emotions in different situations, we will propose observations about the listening-perceptive analysis of the aria 'Parto, parto' (La Clemenza di Tito, W. A. Mozart) based on answers ... / Mestre

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A tese trata da maneira como Reinhard Keiser (1674-1739) utilizou a flauta doce nas árias de suas óperas, e teve como objetivo principal ampliar o repertório orquestral e vocal com flauta doce. Para tanto, foram estudadas características da ópera no norte da Alemanha, a partir de suas origens, até o início das atividades do Theater am Gänsemarkt, em Hamburgo, onde Keiser trabalhou durante quase toda sua vida. Além disso, são apresentadas considerações a respeito do uso da flauta doce na música dramática dos séculos XVII e XVIII, de modo a compreenderem-se as especificidades propostas por Keiser. A bibliografia sobre o compositor, desde seus contemporâneos até a mais recente, é estudada com o objetivo de compreender o esquecimento e a reabilitação da produção de Keiser e sobretudo para conhecer quais características foram tradicionalmente atribuídas a ele. Por fim, apresenta-se uma discussão do uso da flauta doce nas árias de ópera de Keiser, comparando-as entre si e também com árias de outros compositores, com o intuito de caracterizar e contextualizar o emprego do instrumento, averiguando os procedimentos composicionais adotados. A análise dos dados levantados mostrou que Keiser manteve-se fiel a convenções tradicionais ao mesmo tempo em que as renovou, e ampliou princípios e procedimentos estabelecidos, acrescentando uma nova dimensão à flauta doce na música vocal e orquestral. / The thesis examines how Reinhard Keiser (1674-1739) used the recorder in the arias of his operas. The text presents some aspects of northern german baroque opera, from its origins until the activities in the Theater am Gänsemarkt (Hamburg), where Keiser worked almost his entire life. There are also some considerations about the use of the recorder in 17th and 18th century opera, in order to understand the specific solutions proposed by Keiser. The bibliography about the composer is analyzed from his contemporaries until the most recent authors, to understand the oblivion and the later rehabilitation of Keiser’s work, and, more especially, to know the specific characteristics assigned to him. At the end, the text discusses the use of the recorder in Keiser’s operas in order to characterize and contextualize it, verifying his composicional proceedings. The analysis shows that Keiser, though relying on traditional proceedings, renewed and extended them, giving a new place to the recorder in vocal and orchestral music.

A tese trata da maneira como Reinhard Keiser (1674-1739) utilizou a flauta doce nas árias de suas óperas, e teve como objetivo principal ampliar o repertório orquestral e vocal com flauta doce. Para tanto, foram estudadas características da ópera no norte da Alemanha, a partir de suas origens, até o início das atividades do Theater am Gänsemarkt, em Hamburgo, onde Keiser trabalhou durante quase toda sua vida. Além disso, são apresentadas considerações a respeito do uso da flauta doce na música dramática dos séculos XVII e XVIII, de modo a compreenderem-se as especificidades propostas por Keiser. A bibliografia sobre o compositor, desde seus contemporâneos até a mais recente, é estudada com o objetivo de compreender o esquecimento e a reabilitação da produção de Keiser e sobretudo para conhecer quais características foram tradicionalmente atribuídas a ele. Por fim, apresenta-se uma discussão do uso da flauta doce nas árias de ópera de Keiser, comparando-as entre si e também com árias de outros compositores, com o intuito de caracterizar e contextualizar o emprego do instrumento, averiguando os procedimentos composicionais adotados. A análise dos dados levantados mostrou que Keiser manteve-se fiel a convenções tradicionais ao mesmo tempo em que as renovou, e ampliou princípios e procedimentos estabelecidos, acrescentando uma nova dimensão à flauta doce na música vocal e orquestral. / The thesis examines how Reinhard Keiser (1674-1739) used the recorder in the arias of his operas. The text presents some aspects of northern german baroque opera, from its origins until the activities in the Theater am Gänsemarkt (Hamburg), where Keiser worked almost his entire life. There are also some considerations about the use of the recorder in 17th and 18th century opera, in order to understand the specific solutions proposed by Keiser. The bibliography about the composer is analyzed from his contemporaries until the most recent authors, to understand the oblivion and the later rehabilitation of Keiser’s work, and, more especially, to know the specific characteristics assigned to him. At the end, the text discusses the use of the recorder in Keiser’s operas in order to characterize and contextualize it, verifying his composicional proceedings. The analysis shows that Keiser, though relying on traditional proceedings, renewed and extended them, giving a new place to the recorder in vocal and orchestral music.

A tese trata da maneira como Reinhard Keiser (1674-1739) utilizou a flauta doce nas árias de suas óperas, e teve como objetivo principal ampliar o repertório orquestral e vocal com flauta doce. Para tanto, foram estudadas características da ópera no norte da Alemanha, a partir de suas origens, até o início das atividades do Theater am Gänsemarkt, em Hamburgo, onde Keiser trabalhou durante quase toda sua vida. Além disso, são apresentadas considerações a respeito do uso da flauta doce na música dramática dos séculos XVII e XVIII, de modo a compreenderem-se as especificidades propostas por Keiser. A bibliografia sobre o compositor, desde seus contemporâneos até a mais recente, é estudada com o objetivo de compreender o esquecimento e a reabilitação da produção de Keiser e sobretudo para conhecer quais características foram tradicionalmente atribuídas a ele. Por fim, apresenta-se uma discussão do uso da flauta doce nas árias de ópera de Keiser, comparando-as entre si e também com árias de outros compositores, com o intuito de caracterizar e contextualizar o emprego do instrumento, averiguando os procedimentos composicionais adotados. A análise dos dados levantados mostrou que Keiser manteve-se fiel a convenções tradicionais ao mesmo tempo em que as renovou, e ampliou princípios e procedimentos estabelecidos, acrescentando uma nova dimensão à flauta doce na música vocal e orquestral. / The thesis examines how Reinhard Keiser (1674-1739) used the recorder in the arias of his operas. The text presents some aspects of northern german baroque opera, from its origins until the activities in the Theater am Gänsemarkt (Hamburg), where Keiser worked almost his entire life. There are also some considerations about the use of the recorder in 17th and 18th century opera, in order to understand the specific solutions proposed by Keiser. The bibliography about the composer is analyzed from his contemporaries until the most recent authors, to understand the oblivion and the later rehabilitation of Keiser’s work, and, more especially, to know the specific characteristics assigned to him. At the end, the text discusses the use of the recorder in Keiser’s operas in order to characterize and contextualize it, verifying his composicional proceedings. The analysis shows that Keiser, though relying on traditional proceedings, renewed and extended them, giving a new place to the recorder in vocal and orchestral music.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Ciências Humanas, Programa de Pós-Graduação em História, 2017. / Submitted by Raquel Almeida (raquel.df13@gmail.com) on 2018-03-29T16:14:38Z No. of bitstreams: 1 2017_LilianeCarneirodosSantosFerreira.pdf: 8586836 bytes, checksum: bd59204b8f9c975a8a14bd13aedc933b (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2018-04-19T17:38:59Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2017_LilianeCarneirodosSantosFerreira.pdf: 8586836 bytes, checksum: bd59204b8f9c975a8a14bd13aedc933b (MD5) / Made available in DSpace on 2018-04-19T17:38:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2017_LilianeCarneirodosSantosFerreira.pdf: 8586836 bytes, checksum: bd59204b8f9c975a8a14bd13aedc933b (MD5) Previous issue date: 2018-04-19 / A presente tese de doutorado objetivou estudar, tomando como referencial teórico os conceitos trabalhados no âmbito da História Cultural, a ópera no Rio de Janeiro no período entre 1889 e 1914, compreendido pelo que se convencionou denominar Belle Époque, enfatizando seu período republicano. A partir da compilação de informações relativas às apresentações de companhias líricas, companhias de teatro musicado de outros gêneros que traziam óperas em seus repertórios, e também de alguns espetáculos promovidos por iniciativas amadoras, buscamos compreender o espaço da ópera dentre as atividades artísticas que ocorriam na cidade. Ainda tomando as críticas, crônicas e textos opinativos de intelectuais ligados à crítica de arte nos periódicos da época, intentamos perceber os múltiplos significados a ela associados, de maneira a procurar fornecer algumas explicações para a realização de tantas temporadas líricas em um período em que o Brasil, especialmente sua capital, passava por crises que seriam, a princípio, empecilhos para a promoção de espetáculos caros. Percebemos que, a depender dos grupos de atores envolvidos – empresários, artistas, público, críticos – havia sentidos específicos atribuídos à ópera, os quais procuramos destacar e analisar, compreendendo ainda a importância desse gênero músico-teatral para a difusão de projetos civilizatórios que então tomavam forma naquele momento, e que tinham como veículo privilegiado a imprensa. / This thesis aims to study, taking as a theoretical reference the concepts adopted by Cultural History, the opera in Rio de Janeiro between 1889 and 1914, understood by what is known as belle époque, emphasizing its republican period. From the compilation of information about the performances of opera companies, music theater companies from other genres that brought operas in their repertoires, and also from some concerts promoted by amateur initiatives, we sought to understand the space of opera among the artistic activities that took place in the City. Taking criticisms, chronicles and opinion pieces of intellectuals linked to art review in the periodicals of the time, we try to perceive the multiple meanings associated with it, in order to provide some explanations for the accomplishment of so many lyrical seasons in a period in which Brazil, especially its capital, was experiencing crises that were, at first, obstacles to the promotion of expensive recitals. We perceive that depending on the groups of actors involved - entrepreneurs, artists, audiences, critics - there were specific senses attributed to the opera, which we tried to highlight and analyze, also understanding the importance of this musical-theatrical genre for the diffusion of civilizational projects that took shape at that moment, and had the press as a prime vehicle.

Submitted by Fernanda Rodrigues de Lima (fernanda.rlima@ufpe.br) on 2018-10-08T22:33:27Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) DISSERTAÇÃO Ingrid Fernanda Rodrigues.pdf: 3674165 bytes, checksum: 4d17a2ad7e3eea550702617423eda311 (MD5) / Approved for entry into archive by Alice Araujo (alice.caraujo@ufpe.br) on 2018-11-22T17:37:00Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) DISSERTAÇÃO Ingrid Fernanda Rodrigues.pdf: 3674165 bytes, checksum: 4d17a2ad7e3eea550702617423eda311 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-11-22T17:37:00Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) DISSERTAÇÃO Ingrid Fernanda Rodrigues.pdf: 3674165 bytes, checksum: 4d17a2ad7e3eea550702617423eda311 (MD5) Previous issue date: 2015-03-12 / CAPES / O Romantismo brasileiro foi uma era de reconhecimento da identidade nacional e a libertação criativa de vários artistas brasileiros. Na literatura, José de Alencar e seu índio Peri, anunciavam ao mundo um selvagem brasileiro com a bravura de qualquer homem branco civilizado. Na música, o mesmo Pery, representado na ópera de Carlos Gomes tornou-se símbolo da “selvageria” e talento musical do Brasil. Essa “Selvageria” aqui representada não está ligada ao primitivo ou ao incivilizado, nos referimos a busca do homem romântico brasileiro as suas próprias raízes, a exclusão do racionalismo copista, em virtude da espontaneidade dos afetos que libertam o que há de mais verdadeiro no homem. Trazemos também análise do libreto da ópera genuinamente Brasileiro, Noite de São João, que sintetiza figuras do nosso folclore e tem a leveza do amor romântico puro e inocente. Utilizando o romance O Selvagem da ópera, de Rubem Fonseca como roteiro, traçamos um paralelo criativo entre música e literatura como artes irmãs na criação da ópera Il Guarany. E um paralelo entre o próprio Peri/Pery um com a liberdade de criação literária e o outro com a responsabilidade dos palcos ao redor do mundo. Reacendendo o mito do “selvagem brasileiro”, com exemplo na literatura modernista do insurgente Macunaíma, este trabalho é um estudo sobre a identidade nacional durante o romantismo, a recusa da cópia, a liberdade criativa e a formação do caráter do povo brasileiro através da literatura e da ópera como gênero híbrido e transcendental. / The Brazilian Romanticism was an era of recognition of national identity and the creative release of several Brazilian artists. In the literature, José de Alencar and his Indian Peri, announced to the world a Brazilian wild with the bravery of any civilized white man. In music, the same Pery, represented in the opera of Carlos Gomes became a symbol of "savagery" and musical talent of Brazil. This "Savagery" represented here is not linked to the primitive or uncivilized, refers to the pursuit of Brazilian romantic man their own roots, deleting the copyist rationalism, because of the spontaneity of affection releasing what is most true in man. Also brings analysis of genuinely Brazilian opera libretto, Noite de São João, which summarizes figures of our folklore and has the lightness of romantic pure and innocent love. Using the novel O Selvagem da ópera, of Rubem Fonseca as the script, we draw a parallel between creative music and literature as sister arts in the creation of the opera Il Guarany. And a parallel between Peri / Pery the first one with freedom of literary creation and the other with the responsibility of stages around the world. Reigniting the myth of the "Brazilian wild" with example in modernist literature of Macunaíma insurgent, this work is a study on national identity during the romanticism, the refusal of the copy, the creative freedom and the formation of the character of the Brazilian people through literature and opera as hybrid and transcendental genre.

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-04-10T13:59:07Z No. of bitstreams: 1 Bárbara Bueno Garibaldi.pdf: 1862608 bytes, checksum: c688dab92ed4bbf9d82b57e1e1de2dc0 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-04-10T13:59:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Bárbara Bueno Garibaldi.pdf: 1862608 bytes, checksum: c688dab92ed4bbf9d82b57e1e1de2dc0 (MD5) Previous issue date: 2017-03-31 / The 19th century Europe has passed for many transformations, among they, the setting of italian unification. This political process had the support of some personalities, as Giuseppe Verdi, one of the most important italian opera composers. Between his most famous compositions, La Traviata stands out for its big sucess in the after year of debut. In its first presentation, this opera were strongly criticized. This research discusses the reception of this drama by the bourgeoisie, through the libretto and literary and historical plot, analyzes few aspects of period. Thus, this opera were considered imoral and offensive for good customs of italian bourgueois society, who recognized his own defects in this spectacle / A Europa do século XIX passou por diversas transformações, entre elas, a consolidação da unificação italiana. Este processo político contou com o apoio de algumas personalidades, como Giuseppe Verdi, um dos mais importantes compositores de ópera italianos. Entre suas composições mais famosas, La Traviata destaca-se por seu grande sucesso, no ano posterior à sua estreia. Em sua primeira apresentação, esta ópera foi duramente criticada. Esta pesquisa, discute a recepção da obra pela burguesia, através do libreto e tramas literária e histórica, analisa alguns aspectos do período. Desta forma, esta ópera foi considerada imoral e ofensiva aos bons costumes da sociedade burguesa italiana, que reconheceu seus próprios defeitos neste espetáculo

Este trabalho apresenta uma autoetnografia em diálogo com os artistas que participaram da ópera coreográfica: \"Aniversário e Morte de Queen Mary II\", no NUO-Ópera Laboratório. Portanto, o objetivo desta investigação é descrever, narrar, contextualizar e situar o processo desta obra concebida especialmente para o NUO-Ópera Lab. Faremos isso, a partir das memórias dos artistas, que participaram, e de material audiovisual, trazendo as falas dos autores integrantes do NUO-Ópera Lab. que não são narradores/depoentes/produtores de dados/interlocutores da pesquisa, mas, assinam a autoria desse trabalho conosco. Os processos práticos/reflexivos desta obra artística e deste texto nos levam a acreditar que a ópera tem várias camadas. E são nessas muitas camadas que a riqueza da ópera habita. Não é nem o texto, nem a música, nem a dança, mas sim, a ação que está nesta amálgama. A ópera é o teatro da ação, na perspectiva do transgênero. Passamos a entender o que é ópera e como se dá a direção em ópera, através do processo transdisciplinar que acontece no NUO-Ópera Lab. Esse processo como um todo, artístico reflexivo, proporcionou turning points pessoais, ou seja, cada integrante envolvido no processo achou insights pessoais, dando sentidos e significados próprios; e turning points grupais, coisas que foram mais gerais e coletivas. / This Masters work introduces an autoethnography in connection to all artists who have participated on the opera choreography entitled \"Anniversary and Death of Queen Mary II\", which was performed at NUO-Opera Laboratory. Therefore, the aim of this research is to describe, narrate, contextualize and situate the process under the aforementioned opera work especially developed to NUO-Opera Lab. Herein, we will achieve this objective by bringing artists memories who were part of the personnel in the play and all audiovisual material enlightening all the author\'s lines who belonged to NUO-Opera Lab, who were not narrators / deponents / data producers / research interlocutors, but who share the authorship of this paper with us. The practical and reflexive processes of that artistic play and also this paper lead us to believe that opera has several layers. And it is in those many layers in where the opera\'s treasure lives. It is neither in the text, nor in the music or dance, but the action that is in this amalgam instead. An opera is the action of a theatrical play from the perspective of transgender. As a result, we start understanding what opera is and how the direction of an opera occurs at NUO-Opera Lab. This process as a whole, artistic reflexive, afforded personal turning points, i.e. each member of the play involved in this process had found personal insights, opening to self senses and meanings, while the group\'s turning points resulted into a more general and shared the ones.