Résumé Le XIXe siècle marque la consécration d’une nouvelle tendance au théâtre : la représentation de pièces tirées de romans. En France, cette pratique connaît, surtout dans la seconde moitié du siècle, une popularité sans précédent. La thèse est une étude historique de ce phénomène. La première partie situe la pratique de l’adaptation dans le contexte culturel de la deuxième moitié du XIXe siècle. La deuxième partie étudie les conditions qui entourent la production de ce type de pièce (lieux de représentation, auteurs, éditeurs). Nous nous intéressons aussi dans cette partie au discours critique et à la perception des adaptations théâtrales dans le milieu littéraire. Enfin, la troisième partie se concentre sur les adaptations théâtrales tirées des œuvres d’Émile Zola et représentées à Paris entre 1873 et 1902. Zola fut l’un des auteurs les plus adaptés sur scène au cours de cette période. En cherchant à situer l’œuvre et la participation du chef de file de l’école naturaliste dans ce phénomène théâtral, nous étudions d’abord les positions de Zola à l’égard de la pratique de l’adaptation telles qu’elles s’expriment à travers les chroniques dramatiques et les entrevues qu’il publia dans les journaux. Le deuxième chapitre de cette partie examine la production des adaptations de ses romans et de ses nouvelles représentés à la scène. Notre analyse porte, en dernier lieu, sur la réception de ces œuvres dans la presse à la fin du XIXe siècle. Enfin, nous soulignons dans la conclusion que la pratique de l’adaptation au théâtre participe au développement d’une « culture de l’image » dont le cinéma s’avère le successeur au XXe siècle.

Résumé Le XIXe siècle marque la consécration d’une nouvelle tendance au théâtre : la représentation de pièces tirées de romans. En France, cette pratique connaît, surtout dans la seconde moitié du siècle, une popularité sans précédent. La thèse est une étude historique de ce phénomène. La première partie situe la pratique de l’adaptation dans le contexte culturel de la deuxième moitié du XIXe siècle. La deuxième partie étudie les conditions qui entourent la production de ce type de pièce (lieux de représentation, auteurs, éditeurs). Nous nous intéressons aussi dans cette partie au discours critique et à la perception des adaptations théâtrales dans le milieu littéraire. Enfin, la troisième partie se concentre sur les adaptations théâtrales tirées des œuvres d’Émile Zola et représentées à Paris entre 1873 et 1902. Zola fut l’un des auteurs les plus adaptés sur scène au cours de cette période. En cherchant à situer l’œuvre et la participation du chef de file de l’école naturaliste dans ce phénomène théâtral, nous étudions d’abord les positions de Zola à l’égard de la pratique de l’adaptation telles qu’elles s’expriment à travers les chroniques dramatiques et les entrevues qu’il publia dans les journaux. Le deuxième chapitre de cette partie examine la production des adaptations de ses romans et de ses nouvelles représentés à la scène. Notre analyse porte, en dernier lieu, sur la réception de ces œuvres dans la presse à la fin du XIXe siècle. Enfin, nous soulignons dans la conclusion que la pratique de l’adaptation au théâtre participe au développement d’une « culture de l’image » dont le cinéma s’avère le successeur au XXe siècle.

This dissertation examines the figure of the father in autobiographies published in Spain after the death of the Spanish dictator, Francisco Franco, in 1975. It analyzes how four well-known Spanish authors born in Barcelona, Carlos Barral, Juan Goytisolo, Clara Janés, and Terenci Moix, portray the figure of the father in their memoirs. I consider first and foremost the authors’ depiction of the biological father. Nonetheless, I read this father in relation to the political figurehead of Franco, who was portrayed by many as father to the Spanish nation. The four authors either blame their fathers for being an authoritarian figure in the shadow of the dictator or present him as an absent but alternative model to the singular vision of the patriarchal household promoted by the regime. I argue that these four writers question Franco’s paternity and foster other conceptions of fatherhood in the newly democratic Spain. This dissertation addresses several interrelated questions: To what extent do real fathers collapse and step away from the ever-present figure of the Spanish dictator as a censoring father? How do father figures influence one’s own gender subjectivity and what is the relationship between fathers and the transformation of gender models during the Spanish transition to democracy? In which ways are fathers central in the construction of selfhood in autobiographical writings in general and in post-Franco Spain in particular? The close reading of these four writers illuminates the strong bonds between father figures, autobiographical writing and Oedipal narratives in the literary scene of the Spanish Transition and more broadly in the three decades following Franco’s death. Drawing from psychoanalysis, feminism and theory on autobiography, I analyze how the language, space, body, and death of the father are essential to the construction of an autobiographical self. I also contend that the reading of these authors’ melancholic state after the death of their fathers offers a new way of understanding the politics of mourning in Spain. These authors’ considerations of the figure of the father illustrate divergent attempts to deal with desired and undesired legacies of Franco’s dictatorship and, in this sense, this dissertation establishes a dialogue with current debates about memory, generational replacement, and the politics of inheritance and legacy in Spain.

This dissertation examines the figure of the father in autobiographies published in Spain after the death of the Spanish dictator, Francisco Franco, in 1975. It analyzes how four well-known Spanish authors born in Barcelona, Carlos Barral, Juan Goytisolo, Clara Janés, and Terenci Moix, portray the figure of the father in their memoirs. I consider first and foremost the authors’ depiction of the biological father. Nonetheless, I read this father in relation to the political figurehead of Franco, who was portrayed by many as father to the Spanish nation. The four authors either blame their fathers for being an authoritarian figure in the shadow of the dictator or present him as an absent but alternative model to the singular vision of the patriarchal household promoted by the regime. I argue that these four writers question Franco’s paternity and foster other conceptions of fatherhood in the newly democratic Spain. This dissertation addresses several interrelated questions: To what extent do real fathers collapse and step away from the ever-present figure of the Spanish dictator as a censoring father? How do father figures influence one’s own gender subjectivity and what is the relationship between fathers and the transformation of gender models during the Spanish transition to democracy? In which ways are fathers central in the construction of selfhood in autobiographical writings in general and in post-Franco Spain in particular? The close reading of these four writers illuminates the strong bonds between father figures, autobiographical writing and Oedipal narratives in the literary scene of the Spanish Transition and more broadly in the three decades following Franco’s death. Drawing from psychoanalysis, feminism and theory on autobiography, I analyze how the language, space, body, and death of the father are essential to the construction of an autobiographical self. I also contend that the reading of these authors’ melancholic state after the death of their fathers offers a new way of understanding the politics of mourning in Spain. These authors’ considerations of the figure of the father illustrate divergent attempts to deal with desired and undesired legacies of Franco’s dictatorship and, in this sense, this dissertation establishes a dialogue with current debates about memory, generational replacement, and the politics of inheritance and legacy in Spain.

This study seeks to present a philologically accurate and complete edition of Isabella Andreini’s collection of lyric poetry published in 1601. The collection comprises a total of 368 poems: 196 sonnets, 125 madrigals, 6 canzoni, 10 canzonette morali, 2 sestine, 2 epithalamia, 2 centoni, 3 capitoli, 9 scherzi, 4 versi funerali and 9 egloghe boscherecce. The investigation conducted on Andreini’s poems has led us to discover that the variety of metrical structures that make up her collection are perfectly in line with the trends of the century, as confirmed by both Chiabrera’s lyric poetry and the second part of Marino’s Rime. The present study highlights Isabella’s unique poetic personality and her innovative position in literary history. The interpretation of Isabella Andreini’s poetry in the entire thesis revolves around the statement of poetics she makes in the very first poem of the collection. In fact, in her proemial sonnet Andreini declares the non-autobiographical nature of the fervours expressed by her poems, thus declaring that her compositions are simply a poetic exercise. This is made clear further when she states that following her ability as an actress, she wrote in varying style a thousand pages, thus making reference to the variety of styles and metrical schemes she adopted in her poems. Using similar language, she warns the readers of the different narrating voices in the collection, stating that just as on stage she played different parts as woman and others as man, so she did in her poems. It is clear that the special feature of Andreini’s lyrical style is amenable to her talent as an actress, and it was in fact due to her acting skills that she could ably impersonate a man, or conceal the identity of the narrator in her poems, using this ‘invention’ as a key element in her creative process.

This study seeks to present a philologically accurate and complete edition of Isabella Andreini’s collection of lyric poetry published in 1601. The collection comprises a total of 368 poems: 196 sonnets, 125 madrigals, 6 canzoni, 10 canzonette morali, 2 sestine, 2 epithalamia, 2 centoni, 3 capitoli, 9 scherzi, 4 versi funerali and 9 egloghe boscherecce. The investigation conducted on Andreini’s poems has led us to discover that the variety of metrical structures that make up her collection are perfectly in line with the trends of the century, as confirmed by both Chiabrera’s lyric poetry and the second part of Marino’s Rime. The present study highlights Isabella’s unique poetic personality and her innovative position in literary history. The interpretation of Isabella Andreini’s poetry in the entire thesis revolves around the statement of poetics she makes in the very first poem of the collection. In fact, in her proemial sonnet Andreini declares the non-autobiographical nature of the fervours expressed by her poems, thus declaring that her compositions are simply a poetic exercise. This is made clear further when she states that following her ability as an actress, she wrote in varying style a thousand pages, thus making reference to the variety of styles and metrical schemes she adopted in her poems. Using similar language, she warns the readers of the different narrating voices in the collection, stating that just as on stage she played different parts as woman and others as man, so she did in her poems. It is clear that the special feature of Andreini’s lyrical style is amenable to her talent as an actress, and it was in fact due to her acting skills that she could ably impersonate a man, or conceal the identity of the narrator in her poems, using this ‘invention’ as a key element in her creative process.

The abstract of the dissertation « La théorie de la lecture chez Marcel Proust », submitted in partial fulfillment of the requirements for PhD to be awarded in June 2010. L’écriture en tant que forme de communication se prête à une analyse bipartite : (1) l’auteur dans son rapport au texte – le côté rhétorique ; (2) le lecteur dans son effort interprétatif face à ce même texte – le côté herméneutique. Face à la multitude de réflexions traitant les particularités génétiques et poétiques de la Recherche, il y a une pénurie de critiques qui, au lieu de privilégier une des parties susmentionnées, posent le regard sur les deux à la fois dans un but d’en observer des interactions. L’entre-croisement des stratégies d’écriture et des effets de lecture s’inscrit bien dans le cadre de la théorie de communication. Ma thèse se place dans la lignée tracée par Serge Doubrovsky, Michael Finn et Julia Kristeva qui se sont interrogés sur les façons dont la composante rhétorique d’un texte littéraire influence sa lecture. Le maintien de cette double perspective simultanée permet de suivre la construction du pont liant les pôles rhétorique et herméneutique. Je développe une approche apte à saisir les observations provenant du côté de production et de celui de réception et à en offrir une synthèse. Cette approche consiste en une hybridation entre la rhétorique, en tant qu’art de persuader, et la psychanalyse pour en arriver à l’herméneutique, ou à un produit de l’effort interprétatif. La psychanalyse justifie et délimite l’enquête sur les processus rhétoriques de la production de l’énoncé. De l’autre côté, l’impact de la rhétorique sur l’herméneutique se facilite par la subversion. Cette notion herméneutico-rhétorique emprunte à la théorie des horizons d’attente de Jauss et s’inspire de l’argumentum ad hominem de la rhétorique classique. J’utilise cette notion synthétique pour étudier l’implication du lecteur dans la diégèse et pour explorer la manière dont une telle implication intéressée influence l’interprétation. L’application de cette méthode de travail au texte de la Recherche se fait le long les trois axes. Le premier s’interroge sur la communication, cherchant à l’expliquer à partir des obstacles qui l’empêchent. Le résultat de ce parcours est l’observation que la communication se réalise lorsqu’un sujet communiquant devient aussi un objet. Le deuxième axe place les défis communicatifs dans le contexte des enjeux entre le particulier et le général – contexte du problème herméneutique. Sur le troisième axe se range la discussion de la prise de possession à laquelle est censée aboutir la résolution du problème herméneutique. J’explique que, par l’entremise de l’introjection et de l’incorporation, la quête de la possession devient névrotique et impossible à réaliser. Je conclus en remarquant que la communication efficace doit commencer par la problématisation du sujet et par sa transformation en objet.

Si pour les ethnographes les mythes sont essentiels à la survie de toute société, cela pose problème quand on considère la Caraïbe et la rupture de l’esclavage. Une étude de la littérature antillaise réaliste merveilleuse nous montre que si les romans sont imprégnés par la spiritualité et le folklore, nous n’y trouvons aucun mythe des origines. Comment une société peut-elle subsister sans ces éléments fondamentaux ? Combinant une approche mythocritique à une mythanalyse des oeuvres d’auteurs antillais contemporains, nous émettons cette hypothèse : en s’inspirant de multiples héritages, ils se constituent une identité par la reconstruction de mythes spécifiquement antillais. Vu l’absence de romans antillais contemporains dans les études du magical realism et du réalisme merveilleux, notre première partie explore ce dernier concept pour en proposer une nouvelle catégorisation : le réalisme mystique. Notre deuxième partie examine les principes narratifs des romans en se demandant comment les auteurs parviennent à concilier un double héritage oralité/écriture et à sauvegarder leur identité. Notre dernière partie illustre enfin comment, par l’utilisation de schémas mythique spécifiques et un recentrement sur l’île natale, les textes mettent en place sa (re)mythisation.Cette étude permet la mise à jour de nouveaux paradigmes dans la littérature antillaise contemporaine. Elle montre comment le réalisme mystique est une modalité rattachée au magical realism qui, combinant réalisme historico ethnographique et folklore local, s’applique spécifiquement à la région des Antilles. Dépassant l’impossibilité théorique de transition de l’oralité vers l’écriture, nous révélons aussi que l’utilisation de l’ « oraliture » par les écrivains et le rôle de « guerriers de l’imaginaire » associé à certains d’entre eux propose une harmonisation oralité/écriture de même qu’une sauvegarde identitaire. Enfin, nous voyons qu’un certain nombre de romans réalistes mystiques proposent, outre une mise à distance de l’Afrique et de la France, un nouveau mythe originel centré sur la traversée de l’océan et un passage matriciel par la cale des négriers. Nous voyons également comment, loin de territoires d’acculturation comme les plantations, les auteurs développent une restructuration mythique de l’espace, notamment par une mise en valeur de la nature primordiale devenue propice à une renaissance identitaire.

Irony: metafiction in Luigi Malerba’s works. In this thesis I examine irony and metafiction in some novels by Italian writer Luigi Malerba (1927-2008). Metafiction characterizes all of Malerba’s works; this dissertation shows how Malerba’s works constantly draw attention to themselves and consequently encourage readers to pose questions about the existing relationship between fiction and reality. Similarly, irony fosters further investigation of language as sign system; through recurrent word games, Malerba removes the certainty of a univocal existing correspondence between signifier and signified. In the first chapter I discuss the very first works by the author: Le lettere di Ottavia, Il serpente, Salto mortale and Il protagonista. The entire chapter revolves around the construction of possible worlds and, therefore, of fictional worlds. Through this analysis the borders between fiction and reality appear to be quite weak; they are indeed proved to be an illusory construction of contemporary human beings who tend to think according to binary oppositions, such as reality and dream, reality and fiction. I proceed by examining Storie dell’anno mille, Il pataffio, I cani di Gerusalemme and Le maschere; these novels are imbued with history. The central theme of the entire chapter is history and fabulation and their relationship to each other. History is shown to be part of human discourse: historical events are made out of pure chronicles by a process called emplotment. The form that the historical narration takes on inevitably influences the meaning of the events narrated. In the third chapter I analyze Le pietre volanti, La superficie di Eliane and Il circolo di Granada. Here I demonstrate how Malerba uses detective novels in a non-canonical way, turning his own works into anti-detective novels. In these works, the investigation does not reach any rewarding ending; even at the conclusion of the story, the detective’s hypothesis cannot be completely ruled out and the reader is left with what Stefano Tani calls a “fiction of possibilities”. Fantasmi romani occupies the whole chapter four. In this final chapter I discuss why this work, the very last one before the author’s death, can be considered his literary testament. In this novel, Malerba’s readers can find all the peculiarities which have distinguished the author’s writing for more than four decades. Along with recognizing his style, readers will appreciate new developments in his narration. This work encourages readers to investigate the consuming relationship which can be established between a writer and his reader. In the end of this thesis, some considerations for further investigation are made; these considerations focus on Luigi Malerba’s writing for children, an area of study that has received little critical attention.

Si pour les ethnographes les mythes sont essentiels à la survie de toute société, cela pose problème quand on considère la Caraïbe et la rupture de l’esclavage. Une étude de la littérature antillaise réaliste merveilleuse nous montre que si les romans sont imprégnés par la spiritualité et le folklore, nous n’y trouvons aucun mythe des origines. Comment une société peut-elle subsister sans ces éléments fondamentaux ? Combinant une approche mythocritique à une mythanalyse des oeuvres d’auteurs antillais contemporains, nous émettons cette hypothèse : en s’inspirant de multiples héritages, ils se constituent une identité par la reconstruction de mythes spécifiquement antillais. Vu l’absence de romans antillais contemporains dans les études du magical realism et du réalisme merveilleux, notre première partie explore ce dernier concept pour en proposer une nouvelle catégorisation : le réalisme mystique. Notre deuxième partie examine les principes narratifs des romans en se demandant comment les auteurs parviennent à concilier un double héritage oralité/écriture et à sauvegarder leur identité. Notre dernière partie illustre enfin comment, par l’utilisation de schémas mythique spécifiques et un recentrement sur l’île natale, les textes mettent en place sa (re)mythisation.Cette étude permet la mise à jour de nouveaux paradigmes dans la littérature antillaise contemporaine. Elle montre comment le réalisme mystique est une modalité rattachée au magical realism qui, combinant réalisme historico ethnographique et folklore local, s’applique spécifiquement à la région des Antilles. Dépassant l’impossibilité théorique de transition de l’oralité vers l’écriture, nous révélons aussi que l’utilisation de l’ « oraliture » par les écrivains et le rôle de « guerriers de l’imaginaire » associé à certains d’entre eux propose une harmonisation oralité/écriture de même qu’une sauvegarde identitaire. Enfin, nous voyons qu’un certain nombre de romans réalistes mystiques proposent, outre une mise à distance de l’Afrique et de la France, un nouveau mythe originel centré sur la traversée de l’océan et un passage matriciel par la cale des négriers. Nous voyons également comment, loin de territoires d’acculturation comme les plantations, les auteurs développent une restructuration mythique de l’espace, notamment par une mise en valeur de la nature primordiale devenue propice à une renaissance identitaire.