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From the 1970s through the early 1990s numerous critics commented on an apparent “rebirth” of American opera. Subsequent scholarship has increasingly sanctioned a consensus view holding up Philip Glass and John Adams as the central figures in this opera resurgence. Although I do not dispute the importance of (post-)minimalism in these decades, my gambit in this dissertation is to reframe the idea of a late twentieth-century operatic renaissance by tracing a long relationship between jazz and the concept of American opera. The jazz genealogy of American opera that I develop in this study is intended not only to draw attention to a body of work that has been largely ignored but also to unfold antinomies of postmodern historical consciousness that were manifest in the operatic resurgence more generally. Although my inquiry extends as far back as the 1920s, this dissertation by no means presents a continuous history of opera from 1924 to 1994, as the subtitle might imply. The weight is squarely placed on the 1970s through the early 1990s. Chapter 1 explores racial dimensions of the concept of “modernity” through a study of Harlem Renaissance composer H. Lawrence Freeman’s never-performed “jazz opera” American Romance (1924-1929). Chapter 2 chronicles the Harlem Opera Society’s abandonment of its former European repertory and subsequent reinvention as the Afro-American Singing Theater/Jazz Opera Ensemble during the late 1960s and 1970s. Chapter 3 tracks the transformation of jazz in the 1980s into an increasingly historicist—or possibly posthistoricist—music through a series of works that I call “jazz-historical operas.” Chapter 4 works through a tension between “actuality” and allegory in Robert Ashley’s television opera trilogy (1978-1994) about American history. The name of Duke Ellington winds through the four chapters as a kind of red thread. “Ellington” functions as a multivalent trope, alternatively signifying hypermodern America, the black cultural tradition, composition, and improvisational “actuality.” In a brief epilogue I identify another figure whose name has somewhat more furtively shadowed my study: Richard Wagner. I suggest that the idea of an “Ellington-Wagner matrix” in American opera both symbolizes a tradition of cultural hybridity and identifies a problematic concerning history and sonic materiality (roughly, the distinction between “event” and “representation”) expounded in the preceding chapters. In some ways, my analysis of the deeply ambiguous status of historicity and modernity in twentieth century American culture will prove consonant with many previous discussions of the topic. But I hope that in certain fundamental respects my study may also be understood as a novel, even interventionist foray into historical theory. Race has scarcely been an overlooked topic in critical inquiry and cultural theory of the last three decades, but it is hard to ignore the Eurocentric—or Euro-American—thrust of much of the canonical discourse on postmodernity and historicity, some of which was surveyed above. My attempts to interpret transformations in historical consciousness through shifting relationships between two culturally and racially supercharged signifiers—“jazz” and “opera”—might be taken as a challenge to this tendency.

This thesis stakes out to reframe the debates surrounding a widely criticised chapter in the cultural history of modern Greece: the receptions of the classical past under the Dictatorship of 21 April (also known as 'the dictatorship of the Colonels') during the period 1967 to 1973. Informed by the hermeneutics of classical reception studies, I aim to provide a new perspective on the dictatorship, one that focuses on the contemporaneity of its discursive and visual renderings of antiquity, but which departs from a conceptual framework that is dictated by the master narrative of the Cold War (by the polarisations between Right and Left). The project converges on the ideological discourses, educational policies and the mass spectacles of the Colonels, each of which has been designated as fraught with 'ancestoritis' or 'pseudoclassicism' in the literature. In breaking away from value judgments and notions of misappropriation, it is my intention that the project functions as an exercise in a critical levelling with the dictatorship's multifold classicisms. Concomitantly, I propose that in order to better understand the politics of reception of the Aprilians, which have often seemed impenetrable, it is necessary to branch out into more cross-disciplinary methods of enquiry than those that have been employed in the past. My own approach borrows analytical tools from theories of counter-intelligence, cultural studies, political theory, educational sociology and performance studies. With this exploratory patchwork, the present study hopes to contribute toward opening up a field on which it is possible to examine the dictatorship on its own terms, while taking into account the composite articulations of antiquity with power, upward social mobility, economic development, and entertainment and leisure culture in 1960s Greece.

Informe de Seminario para optar al grado de Licenciado en Historia / Seminario de Grado: Entendiendo la sociedad latinoamericana a través de un análisis histórico cultural

Informe de Seminario para optar al grado de Licenciado en Historia

Shool of Architecture and the Built Environment. Discipline of Architecture. Includes bibliographical references (leaves 371-402)

Le laboratoire Woyzeck propose une approche de l'oeuvre de Büchner en trois temps, ordonnée autour de la métaphore anatomique. L'écriture de Woyzeck prend la forme d'une autopsie, indissociable des travaux scientifiques de Büchner réalisés à la même période. Le premier chapitre évoque ce geste d'écriture incisif et sa réception. Un état des recherches permet de considérer les analyses philologiques et herméneutiques de l'oeuvre qui font aujourd'hui autorité. Sont ici rappelés les lieux communs de la critique et les interprétations marquantes de la pièce. Si leur validité est ensuite interrogée, leur valeur symptomatique est aussi prise en compte sur un autre plan. Le deuxième chapitre prend la forme d'un essai portant sur les personnages et les corps, objets de l'autopsie. Il explore autrement des hypothèses formulées dans le premier chapitre autour du langage et du fragment. Le lieu de cette autopsie, la scène, est abordé dans le troisième chapitre à travers les mises à l'épreuve scéniques. Les trois spectacles choisis adoptent des partis pris dramaturgiques distincts. Celui de Thomas Ostermeier se présente comme un atelier social; « le cirque des travailleurs » d'Àrpàd Schilling est une machine à jouer qui semble relever le pari du théâtre de la cruauté artaudien; Robert Wilson travaille de pair avec Tom Waits pour créer un spectacle musical qui fait figure de conte populaire universel et autoréférentiel. Parmi les enjeux de ces mises à l'épreuve figurent notamment le rapport au réel et au présent, ainsi que le regard porté sur les corps que le texte de Georg Büchner invite à questionner. Dans un esprit d'ouverture et de confluence, en adéquation avec les travaux de Büchner, cette réflexion puise autant dans des notions d'analyse théâtrale que dans l'esthétique et l'histoire de la médecine. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Woyzeck, Regard, Fragment, Mise en scène.

Ce mémoire porte sur le renouvellement de la notion de métaphore comme modalité d'indécidabilité. Partant de la définition qu'en donne Paul Ricoeur comme « synthèse de l'hétérogène » et Jacques Rancière comme « composition de l'hétérogène », nous montrerons qu'un déplacement de la métaphore vers sa fonction poético-philosophique et non plus rhétorique, telle qu'elle apparaît depuis Aristote, est essentiel pour comprendre comment il est possible aujourd'hui de la considérer comme façon d'appréhender le monde. Trois hypothèses sont à l'origine de cette étude. La première tient à la différence que pose Ricoeur entre le muthos du récit et celui de la métaphore qui nous a permis d'articuler l'importance de remplacer le modèle rhétorique aristotélicien. La deuxième, reprise du symptôme et de l'image dialectique chez Georges Didi-Huberman, concerne le déplacement de concepts vers d'autres disciplines. Non seulement l'écriture de plusieurs philosophes et historiens de l'art témoigne du jeu de la métaphore, mais les notions auxquelles ils ont recours se voient elles-mêmes déplacées, transférées, métamorphosées, les rendant aussitôt métaphoriques. Cette hypothèse, nous a permis de constater que la reconceptualisation de la métaphore touche aussi bien à l'art actuel qu'aux discours contemporains sur l'art. Enfin, la troisième hypothèse a pour point de départ un basculement entre réalité et fiction que nous observons chez plusieurs artistes actuels. Pour expliciter ce basculement, nous sommes retournés aux fondements de la mimésis (Aristote, Ricoeur, Schaeffer) pour tenter de revoir la structure de ce procédé non pas en fonction du concept de représentation, mais du concept de métaphore. C'est ce qui nous a amené à considérer la métaphore comme modalité d'indécidabilité. Le mémoire comporte trois chapitres. Le premier revient aux fondements de la définition aristotélicienne de la métaphore d'après la lecture de Paul Ricoeur afin de reconsidérer la notion d'après sa conception herméneutique. Après avoir montré l'importance théorique du tournant herméneutique de la métaphore, nous exposons, dans un deuxième chapitre, sa prégnance dans les écrits de philosophes et d'historiens de l'art contemporains, où elle est utilisée en son sens poético-philosophique pour décrire des concepts autrement insaisissables: le jeu (Hans-Georg Gadamer), la mimésis (Jean-Marie Schaeffer), le mythe (Ricoeur), le double et l'empreinte (Didi-Huberman), la fête et le jouet (Giorgio Agamben), le pli et le mystère (Jacques Rancière). Enfin, les cas de figures analysées au chapitre trois mettent en lumière la modalité d'indécidabilité de la métaphore qui, comme image même de la dialectique, produit des glissements entre réalité et fiction: par la métamorphose chez David Altmejd, la répétition chez Claudie Gagnon et l'incarnation chez Carsten Höller. C'est donc à partir de l'art actuel et des discours contemporains sur l'art que nous proposons une définition renouvelée de la métaphore comme dispositif de passage entre la réalité et la fiction et comme modalité d'indécidabilité produisant du mystère. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Art actuel, Métaphore, Narrativité, Récit, Mimésis, Jeu, David Altmejd, Claudie Gagnon, Carsten Höller.

Le milieu de la bande dessinée au Québec s'est enrichi depuis quelques années de nouvelles structures éditoriales qui ont favorisé l'éclosion de nombreux talents, particulièrement à l'intérieur du champ autobiographique. Le but de ce mémoire est de mettre en lumière certaines de ces voix singulières : Jimmy Beaulieu, Michel Rabagliati, Luc Giard, Line Gamache, Geneviève Castrée et Julie Doucet. Le propre de l'autobiographie en bande dessinée étant de représenter graphiquement le personnage, je m'attarderai ici à la manière dont le «je» est figuré. Cet avatar, amalgame de l'auteur et de son style, peut adopter différentes postures, l'une, par exemple, exposant l'introspection ou une autre, au contraire, provoquant l'identification du lecteur. La focalisation les influence fortement. De plus, les différentes catégories du champ autobiographique se déclinent par un contrat de lecture, proposant une stratégie d'ambiguïté ou un pacte référentiel, et par la structure narrative ou spéculative de l'œuvre. Elles ont une forme plus moderne selon leur capacité à se remettre en question. Mon hypothèse est celle de l'existence d'un lien entre le type de discours (autobiographie, récit autobiographique, roman autobiographique et auto-essai) et les perspectives employées. Pour la vérifier, j'ai formé, au préalable, trois couples en réunissant les œuvres qui présentent l'auteur avec certaines affinités. Cela a permis la comparaison et l'exploration des différents modes d'expression de mon objet d'étude. Le point de vue le plus usuel est sans conteste la perspective externe qui institue le «je» en personnage. Ses effets varient cependant selon la catégorie utilisée. Le point de vue interne est plutôt minoritaire et renforce un «je» déjà au plus près de l'auteur. La focalisation zéro sert, dans les exemples étudiés, à transmettre les perceptions et à donner accès directement aux pensées. Enfin, le point de vue expressif exhibe le bouleversement du créateur jusque dans son trait. Ainsi, ceux qui exposent leur intériorité sont aussi ceux qui utilisent des narrations qui se remettent en question: Jimmy Beaulieu, Luc Giard et Geneviève Castrée. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : bande dessinée, points de vue, autobiographie

La problématique de ce mémoire s'ancre dans notre contexte actuel, caractérisé par un double mouvement de sécularisation de la sphère sociale et de « réenchantement » ou de « resacralisation » dans les sphères artistique, culturelle et intellectuelle. Partant de cette dichotomie singulière, ce projet de recherche constitue une tentative d'élucider ce rapport complexe entre l'art actuel - immergé dans le nihilisme de la postmodernité - et une forme hybride et non définie de sacré. Face à l'ampleur d'une telle question et à l'éclectisme de son sujet, ce mémoire se resserre autour de la volonté de donner un sens à cet éclatement à travers le développement d'une notion originale, celle d'incarnation tautologique. Pivotant sur un renversement nihiliste du dogme de l'incarnation, cette idée – outil conceptuel plutôt que concept – restructure le sacré en dehors de la présence d'un Dieu, faisant alors de cette perte de la transcendance l'occasion de réfléchir le sacré sous un jour totalement humain. L'ensemble de ce mémoire est ainsi consacré à la précision de cet outil théorique. L'objectif n'étant ni de faire système au sein de l'hétérogénéité actuelle ni d'établir une typologie du champ artistique, ce mémoire se penche sur l'étude d'un même thème, celui du paradis terrestre, tel que repris par trois œuvres contemporaines dont les analyses ont pour but de préciser la teneur théorique de cette incarnation tautologique. Ces trois œuvres - soit Garden (Marc Quinn 2000), Garden of Earthly Delights III (Raqib Shaw 2003) et Au commencement 19380 (Sarkis 2001) - unies autour de leur appropriation de la thématique du paradis judéo-chrétien, permettent à cette recherche de se centrer autour d'une actualisation de l'Éden. Partant ainsi du prédicat selon lequel cette sacralité postmoderne serait dédivinisée, nous adoptons un regard iconologique afin de traquer ce motif édénique et d'en mesurer l'actualisation et la pertinence. Le but est de voir le fonctionnement de cette incarnation tautologique dans les œuvres et d'en préciser ainsi les répercussions sur la notion de sacré et de croyance pour notre contemporanéité. Ainsi se dévoile un sacré empreint d'humanité et de nihilisme. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Art contemporain, Sacré, Éden, Réenchantement, Marc Quinn, Raqib Shaw, Sarkis.