L’œuvre de Pierre Molinier (1900-1976) est profondément transgressive, autant par les procédés élaborés que par les thèmes investis. Le réseau d’influences nourrissant les expérimentations plastiques de l’artiste est com-plexe et nous verrons comment certains de ses points nodaux tel que le fétichisme sont métaphorisés au sein de ses techniques photographiques et picturales. Il s’agira également de comprendre pourquoi les images et les discours qu’elles produisent apparaissent aujourd’hui comme précurseurs d’une conception queer de l’identité, du corps et des sexualités. Par ailleurs, une telle recherche pose la question du regard porté sur ses œuvres et de la contextualisation de celui-ci. Nous avons eu recours à une méthodologie d’analyse similaire à celle employée par William F. Edmiston dans Sade Queer Theorist et reposant sur de réguliers retours aux œuvres et aux textes issus des notes et des correspondances de l’artiste. Nous avons choisi d’articuler notre thèse selon deux mouvements, similaires à ceux structurant le processus créatif de l’artiste. La première partie repose sur l’analyse d’une extension au-delà du corps de l’artiste. Masques et prothèses sont employés en tant qu’outils de modification corporelle et participent à l’expression d’une authenticité dans l’artifice. Les créa-tures que Molinier compose à partir de photographies de lui- même et de ses modèles traduisent le passage de la multiplicité à l’unité et donnent à voir des anatomies dissidentes. La seconde partie, répondant à la précédente, correspond à un mouvement de contraction. D’une part, son rapport à l’autre s’établit sur le mode de l’absorption, l’artiste conçoit le caractère ductile des corps et les emploie comme matériaux de création. D’autre part, les expérimentations autoérotiques occupent une place primordiale dans le paradigme molinien qui s’approprie le vocabulaire visuel du Bdsm. Chez Molinier, le corps se révèle dans une matérialité créatrice à partir de laquelle l’artiste- alchimiste donne naissance à des créatures hybrides, incarnant son idéal de fluidi-té de l’identité et des sexualités. Pierre Molinier vient perturber des systèmes binaires et normatifs tant dans ses pratiques autoérotiques que dans leur mode de représentation. Construisant un langage de l’intime et du corps, il en reconfigure la forme et les fonctions, alliant mascarade et transgression vers de nouvelles corpo-réités / Pierre Molinier's (1900-1976) art is fundamentally transgressive, regarding as much the process he elaborates as the topics he addresses. The artist's experiments are built on a complex network of influences, and we will explore how some of its nodal points - such as fetishism - are metaphorized in his photographic and pictorial techniques. This thesis deals with an understanding of how the images and the discourses they produce nowa-days appear to us as a proto-queer idea of identity, embodiment and sexualities. Furthermore, our research interrogates the perception of his works and their contextualization. Our analysis methodology is quite similar to the one that William F. Edmiston develops in Sade Queer Theorist, and is based on a deep look inside of the works and texts taken out of the artist's mail. Our thesis is articulated in two parts, looking alike the artist's creative process. The first part aims to develop the analysis of an outgrowth beyond the artist's body. Masks and prostheses are employed as body modification tools and participate in expressing a kind of authenticity in trickery. The creatures that Molinier builds based on his own photographs point out the path from multiplicity to unity and offer us to look at dissenting anatomies. The second part answers to the first and matches a movement of contraction. On the one side, the artist's relationship with the other is established on an absorp-tion mode, he understands the bodies ductile nature and uses them as creation materials. On the other side, auto- erotical experimentations take a firsthand place in the molinian paradigm, which reclaim the visual vo-cabulary of BDSM. In Molinier’s work, the body is shown as a creative materiality, on which the artist-alchemist builds in order to give birth to hybrid creatures, that embody his ideal of identity and sexualities fluidity. Pierre Molinier disrupts binaries and normativity, through both his auto-erotical practices and their mode of representation. Developing a language of the intimacy and the body, he redesigns their form and functions, combining masquerade and transgression, toward new embodiments

Le corps, trouvé dans un état d'oscillation structurelle et identitaire devient une matière qu'on manipule à travers des gestes routiniers, qu'on soumet aux actions invasives qui altèrent parfois de manière radicale l'apparence, allant jusqu'à la perte de toute ressemblance. L'imago, concept issu de la psychanalyse, introduit par Jung, traite la question de la construction de l'image de soi et par la suite de l'identité, dans un rapport du soi à l'autre, d'ego face à l'alter. C'est une relation qui agence des tensions, où le corps se multiplie, se fragmente, devient déchet, vieillesse, mort. Sa présence est amplifiée visuellement, mais son caractère individuel s'efface, devenant le signe d'une absence. Ayant comme point de départ ma propre pratique artistique, je mets en question la pratique de la récupération des restes pelliculaires du corps (organiques ou synthétiques) à la manière qu'on cherche, par l'accumulation d'objets personnels, à combattre l'oubli. J'interroge la capacité dont les restes (empreintes, traces, poils) issus des pratiques corporelles, ayant donc un caractère répulsif, ont de redonner un sens de la forme initiale et peut-être aussi une histoire. Reposant sur les principes de la collection, la conservation du corps traitée dans mes œuvres (installations, vidéos et objets) interpelle le regardeur en tant que conscientisation de sa propre fluctuation et dissolution formelle et identitaire, et et fait ressortir ses attitudes face à la disparition. Les notions de temps et de mémoire interviennent dans le discours, analysant les prises de position des artistes contemporains par rapport au corps, à l'objet, à l'identité et à la mémoire. / The body, existing in a state of structural and identity oscillation becomes a substance to be manipulated through routine gestures, subjected to invasive actions that may alter its appearance as radical as losing all resemblance. The imago, a concept from psychoanalysis introduced by Jung, addresses the issue of the construction of self-image and consequently of identity in the way the self exists in relationship with the other, the ego in relation to the alter. This sort of relation creates a tension, and the body is thus multiplied or fragmented, it becomes waste, it ages, it dies. Its presence is visually amplified, but its individuality is erased, becoming a sign of absence. Having as a starting point my own artistic practice, I discuss the manner in which recuperating thin layers of the body's surface (be they organic or synthetic) may act in the same way in fighting oblivion as does accumulating personal objects. I debate the capacity in which the bodily remains (such as hair, fingerprints, traces) resulted from aggressive actions towards the body, that have a repulsive appearance, can give a sense of the original shape and maybe even a history. Founded on the principals of the collection, the issue of body preservation as dealt with in my works (varying from installations, videos and objects) challenges the audience both by making it aware of its own structural and identity fluctuation, and by and emphasizing its attitudes towards disappearance. The concepts of time and memory enter this topic, analyzing the positions taken by contemporary artists in relation with the body, the object, identity and memory.

Jusqu'en art, la crise du sida est un tournant majeur de l'histoire contemporaine. Cette étude couvre la période allant de ses origines à la révolution thérapeutique (trithérapies) de la fin des années 1990, et s'intéresse à son impact sur les artistes américains et européens et leurs œuvres. Ceux-ci, sur la question, ont trop rarement été regardés ensemble, et pourtant: de Cindy Sherman à Derek Jarman, de Niki de Saint Phalle à Jeff Kaons, de Gilbert & George à Jenny Holzer, de Michel Journiac à David Wojnarowicz, on repère le même saisissement dans les représentations, qui ne pouvaient alors plus être les mêmes, et pour cause. Y est en effet passé tout ce qui travaillait profondément les sociétés occidentales au temps de l'épidémie, et d'abord le pire d'elles-mêmes qui se défoulait dans un espace social considérablement abîmé par la crise épidémique. Les images s'en souviennent, comme des forces de résistance qui lui furent opposées, et de la volonté intraitable de n'y rien céder, de sortir par tous les moyens d'une situation bloquée. Structuré en quatre parties ("l''esprit de catastrophe" ; "Les corps de la maladie" ; "Violence exaspérée" ; "L'esprit de communauté"), qui correspondent chacune à une entrée dans l'époque et dans la crise du sida, à une hypothèse les concernant, L'art en sida ... envisage la possibilité d'écrire une histoire de la maladie à partir des très nombreuses représentations qui la firent autant qu'elles ont été provoquées par elle. / The AIDS crisis was a major turning point of contemporary history. This work, which begins with the start of the epidemic and ends with the medicinal revolution that was triple therapy, at the end of the 1990's, focuses on the impact of AIDS on - and in the works - of American and European artists. These artists have rarely been considered together through the lens of the virus, and yet Cindy Sherman, Derek Jarman, Niki de Saint Phalle, Jeff Kaons, Gilbert & George, Jenny Holzer, Michel Journiac and David Wojnarowicz - they are ail seized by same need to represent this crisis, at a time when no representation could truly be unaffected. In these works of arts, the undercurrents of western societies - starting with the bleakest - could be made current. These images could act as a memorial, like an emblem of resistance to that which would oppose them, and as beacon of indomitable will to never give up, and to try and find a way out of a deadlock. Centred on four main parts (« The Spirit of Catastrophe» ; « Bodies of Sickness »; « Frustrated Violence » ; « Community Spirit »), which each correspond to a window into the aids crisis, four proposals are put forward in order to comprehend the artistic output of the period. Art in AIDS puts forward the possibility that the works produced at the time of the disease are as much an integral part of the history of the disease than they are a consequence of it.