Concluimos que o ritmo é o grao de tensión ou capacidade de suscitar atracción, interese e focalización na recepción, nunha dimensión máis ou menos cognitivoemocional, polos diferentes tipos de accións partiturizadas ou codificadas nunha dramaturxia destinada a un espectáculo teatral (xa sexa nun escenario teatral, xa sexa no escenario da nosa mente). Por tanto, concibimos as accións que se dispoñen nunha dramaturxia como os estímulos que, segundo a súa natureza, materialidade e nivel de incidencia ou aparición-presenza, xeran un determinado grao de tensión atractiva na recepción. Concluimos, asemade, que esa diversidade tipolóxica de accións estimuladoras establecen diferentes modalidades de relación e contacto que, nesta tese, estudamos como mecanismos rítmicos. A través da práctica da análise rítmica de obras de dramaturxia, fomos capaces de deducir que esas modalidades relacionais comprenden unha mecánica específica á hora de producir tensión. Un mecanismo, segundo algunhas definicións, é unha maneira de producirse unha actividade, unha función ou un fenómeno. O grao de tensión rítmica que desprende ou activa unha forma de contactar ou conectar, entre os diversos tipos de accións, constitúe o que denominamos mecanismo rítmico. Trátase dunha engrenaxe dinámica de diversos tipos de accións que desprende ou produce un determinado grao de tensión rítmica constatable e perceptible. Estas engrenaxes dinámicas, que chamamos mecanismos rítmicos, exercen, ademais, unha alteración ou modificación do grao de tensión rítmica propio de cada unha das accións que se cinguen e entran en contacto. Unha vez conquerida esta conclusión imponse o estudo e determinación de cales son os principais mecanismos rítmicos, os que máis aparecen nas dramaturxias das diferentes épocas, lugares, xéneros e estilos. Os que máis aparecen ao longo do repertorio da dramaturxia universal e tamén os que maior poder de xeración rítmica posúen. Nisto é no que máis se extende a reflexión teórica e os exemplos e exercicios prácticos de análise rítmica que se conteñen nesta tese doutoral así como no seu apéndice. / We conclude that the rhythm is the tension degree or the capacity to rise attraction, interest and focalisation in the reception, in a dimension which is more or less cognitive and emotional, by the different types of encoded or scored actions in a dramaturgy for a theatrical show (either onstage, or on the stage of our minds). Therefore, we conceive the actions which are arranged in a dramaturgy as stimuli that, according to their nature, materiality and level of incidence or appearance-presence, generate a determined degree of attractive tension in the reception. We conclude, also, that this typological variety of stimulating actions set different modalities of relation and contact that, in this thesis, we study as rhythmic mechanisms. Through the practice of the different plays rhythmic analysis, we were able to deduce that these relational modalities involve a specific mechanics to produce tension. A mechanism, after some definitions, is a way to produce an activity, a function or a phenomenon. A particular way to contact or connect which activates a certain degree of rhythmic tension. This is what we call rhythmic mecanism. It concerns a dynamic gear assembly of diverse types of actions that produces a determined degree of rhythmic tension. This dynamic gear assemblies, named rhythmic mechanisms, exert an alteration or modification on the degree of tension of each action which is in contact with. Once this conclusion is achieved, we study what the main rhythmic mechanisms are. Those rhythmic mechanisms that have a higher appearance in the repertoire of the universal drama, and also those mecanisms which have greater force of rhythmic generation. This work mainly deals with these aspects, through theoretical reflection, practical examples and rhythmic analysis exercises.

This thesis presents the results of two research studies related to the physiological demands, the energy balance and the muscle damage induced by an ultra-endurance triathlon. The first study of this thesis examined the heart rate response during an ultra-endurance triathlon race in relation with heart rate-based intensity markers derived from specific swimming, cycling and running incremental tests. We found that, contrary to what was believed until now, the absolute or relative heart rate (expressed as percentage of heart rate peak) is greater in the swimming stage than in the cycling and running stages. It was also observed that swimming at a higher intensity inversely correlated with performance during the following stages and the overall racing performance. Moreover it was found that 81% of the variance in total racing time was explained by the weight-adjusted VO2max and the heart rate difference between the running and swimming stages. Furthermore, our data support the concept of an "oxygen consumption ultra-endurance threshold". The second study provided proper characterization of the energy and fluid intake, as well as the estimated energy expenditure, of a group of male triathletes during an entire UET race. The estimated EE was aprox. 11000 kcal (46 MJ), whereas EI was only aprox. 3600 kcal (15 MJ), which resulted in an energy deficit of almost 70%. This result partially confirms our hypothesis and demonstrates the challenging metabolic demands of a UET. In this study it was as well assessed the muscle damage induced by a UET and its relationship with the hydration status. The results, beyond confirming fibre muscle damage induced by an UET race, strongly suggest that cellular structural damage predominantly affects slow fibres, and that muscle damage is related to the hydration status. / En aquesta tesi es presenten els resultats de 2 estudis d'investigació relacionats amb les demandes fisiològiques, el balanç energètic i el dany muscular en els triatlons d'ultra-resistència. L'èxit en el triatló d'ultra-resisténcia està regit per la capacitat de mantenir una velocitat absoluta superior per una donada distància, en comparació amb els altres competidors (Zaryski & Smith, 2005). Per optimitzar el rendiment i determinar els factors de rendiment és necessari conèixer la resposta fisiològica i els requeriments energètics durant la competició. El perfil d'intensitat durant un triatló pot ajudar a entendre les demandes fisiològiques i proporcionar informació essencial per a l'entrenament òptim dels triatletes que competeixen en aquests tipus d'esdeveniments. A més a més, donada la llarga durada d'aquests esdeveniments esportius, un dels principals objectius per als atletes és la gestió del consum d'aliments i begudes durant la cursa (Laursen & Rhodes, 2001) per tal de millorar el rendiment i el manteniment de l'homeòstasi del cos. La informació en aquest camp és escassa o gairebé nul•la. Un altre punt clau que afecta aquests triatlons és el dany muscular que pateixen els atletes, que pot disminuir el rendiment muscular i, per tant, afectar el rendiment final del triatló. Un programa d'entrenament de força orientat a produir adaptacions musculars podria reduir aquest dany, però primer cal conèixer quines són les fibres musculars afectades. D'acord als punts exposats, els objectius plantejats en aquesta tesi han sigut: • Proveir, per primera vegada, una caracterització comprensiva del perfil d'intensitat basat en la freqüència cardíaca durant un triatló d'ultra-resistència. Aquest perfil d'intensitat s' estimarà en funció de la relació freqüència cardíaca-consum d'oxigen obtinguda en tests específics en cadascun dels tres modes d' exercici. • Relacionar els paràmetres fisiològics de laboratori i de camp mesurats amb el rendiment en la competició. • Proveir una caracterització del consum d'energia i líquids durant la totalitat d'un triatló d'ultra-resistència. • Estimar la despesa energètica i el balanç de fluids (dipòsits intra i extracel·lulars) al llarg de la competició utilitzant les tres equacions individualitzades obtingudes de cada triatleta. • Avaluar el dany muscular produït per un triatló d’ultra-resistència mitjançant l’avaluació dels nivells de sèrum de les miosines ràpides i lentes, i dels nivells d’activitat de la creatina kinasa. • Relacionar el dany muscular amb el nivell d’hidratació dels atletes. Els resultats i conclusions derivats d’aquests dos estudis que conformen la tesis han sigut: La freqüència cardíaca mitjana durant la competició va ser superior durant el -1 segment de natació (149.2 (10.1) batecs·min ) que durant el segments de ciclisme -1 -1 (137.1 (5.7) batecs·min ) i cursa a peu (136.2 (10.5) batecs·min ). Durant aquests dos últims segments la freqüència cardíaca va estar per sota dels dos llindars ventilatoris (aprox. 11% i aprox. 27-28%) mentre que en el segment de natació la freqüència cardíaca es va situar al voltant del segon llindar ventilatori. Les diferències en la freqüència cardíaca entre el segment de natació i el segment de ciclisme van obtenir una forta correlació amb els temps dels segments de ciclisme i cursa a peu, així com també amb el temps final; com més gran va ser la diferència entre la natació i el ciclisme, pitjors resultats van obtenir els subjectes. Per tant, es pot afirmar que el segment de natació en un triatló d’ultra-resistència es desenvolupa en una intensitat relativa superior als altres dos segments i que aquesta intensitat està relacionada amb un pitjor rendiment als següents segments. El consum d’energia va ser de 3.643 (1.219) kcal i la despesa energètica estimada va ser de 11.009 (664) kcal. En conseqüència, els atletes van mostrar un dèficit d'energia de 7.365 (1.286 kcal (66,9 (11,7%)) posant de manifest les altes demandes energètiques d’aquests tipus de competició, que no són compensades per la ingesta de nutrients i líquids, resultant en un dèficit energètic de grans dimensions. La massa corporal va disminuir significativament després de finalitzar el triatló i també es van trobar pèrdues significatives en l’aigua total corporal. Aquestes pèrdues van estar més relacionades amb la reducció dels fluids extracel·lulars que amb la reducció dels fluids intracel·lulars. Els paràmetres que millor prediuen el rendiment (expressat com a temps final de cursa) en els triatlons d’ultra-resistència són el consum màxim d'oxigen relatiu i la diferència entre la freqüència cardíaca entre el segment de ciclisme i natació. Una caracterització del patró d’intensitat durant tota la cursa, especialment del segment de natació, afegeix nova informació del perfil d'intensitat i les demandes cardiovasculars d'un triatló d’ultra-resistència, la qual cosa remarca la importància de l’especificitat en els tests per avaluar el perfil fisiològic de cara a preparar els entrenaments i l’estratègia de competició. Un triatló d’ultra-resistència provoca dany muscular afectant principalment les fibres musculars ‘lentes’. Un programa d’entrenament orientat a la producció d’adaptacions a les fibres musculars lentes, pot ajudar a reduir el dany muscular produït durant un triatló d’ultra-resistència. El dany muscular produït en triatlons d’ultra-resistència està relacionat amb el grau d’hidratació durant la competició i, per tant, els triatletes haurien d’evitar la deshidratació per, entre altres coses, prevenir el deteriorament del múscul.

La trayectoria del director teatral e investigador en el ámbito de las artes performativas Jerzy Grotowski se divide en cinco períodos: Teatro de las producciones, parateatro, Teatro de las fuentes, Drama Objetivo y arte como vehículo. La Tesis Doctoral traza un itinerario por la última etapa del trabajo de Grotowski, llamada arte como vehículo y desarrollada desde mediados de los años 80 en el Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards de Pontedera, Italia. En la presente Tesis, el autor, a partir de su experiencia de primera mano como doer (actuante), describe y analiza de manera sistemática cada uno de los elementos de trabajo que configuran el corpus de la práctica del arte como vehículo, así como los principios que subyacen en ellos. A través de una aproximación desde una doble vertiente teórico-práctica, y a partir de las “voces” del propio Grotowski, de los herederos de su legado, Thomas Richards y Mario Biagini, así como de profesores, practicantes y especialistas reconocidos, se propone una posible poética del arte como vehículo. / The trajectory of the director and researcher in the field of performing arts Jerzy Grotowski is divided in five periods: Theatre of Productions, Paratheatre, Theatre of Sources, Objective Drama and Art as Vehicle. The Doctoral Thesis traces an itinerary through the last stage of Grotowski´s work, called Art as Vehicle and developed since the mid-eighties at the Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards in Pontedera, Italy. In the present Thesis, starting from its author´s first hand experience as a doer, each one of the elements of work that configure the corpus of the practice of Art as Vehicle is described and systematically analyzed, as well as the principles that underlie them. Through an approach from a double, theoretical-practical, perspective and starting from Grotowski´s own “voice” as well as the ones of the heirs of his legacy, Thomas Richards and Mario Biagini, and of reknown professors, practitioners and specialists, a possible Poetics of Art as Vehicle is proposed.

Los cuerpos que ejemplifican esta tesis, reunidos bajo el denominador común de “cuerpos retóricos”, se exponen con una presencia visual que asombra a la vez que desconcierta al espectador. Estos cuerpos configuran unas categorías conformadas a partir de una serie de estrategias retóricas específicas que, aplicadas de manera más o menos consciente por los creadores, se dedican a pervertirlos con excesos, desviaciones y borramientos que complejizan su comprensión. Como resultado, el cuerpo deja de percibirse como una unidad estable y mimética para establecerse como limen, frontera entre lo orgánico y lo inorgánico, lo visible y lo invisible, lo abyecto y lo sublime, lo fútil y lo trascendental. A partir de la introducción de la retórica, los cuerpos se convierten en figuras abiertas y relacionales, ontológicamente desplazadas, que esbozan una sucesión de estados siempre provisionales, sintomáticos de una vulnerabilidad intrínseca que contrasta con una voluntad de resistencia a los modelos establecidos. La retórica, a través de la perversión que instaura la figura, crea una paradoja fundamental que se manifiesta como extrañeza, agente de corrupción del cuerpo cotidiano y elemento de fascinación. / The bodies that exemplify this thesis, grouped under the common denominator of "rhetorical bodies", are presented with astounding visual presence while baffles the viewer. These bodies make up some categories formed from a number of specific rhetorical strategies that, applied more or less consciously by the creators, are dedicated to pervert them with excesses and deviations that complicate their comprehension. As consequence, the body is no longer perceived as a stable and mimetic drive to establish itself as a border between organic and in- organic, visible and invisible, abject and sublime, trivial and transcendental. From the introduction of rhetoric, bodies become open and relational, ontologically displaced figures outlining a series of interim statements always symptomatic of an inherent vulnerability in contrast to the will of resistance to established models. Rhetoric, through the perversion that establishes the figures, creates a fundamental paradox that manifests as strangeness, agent of corruption of current body and, also, element of fascination.

Los títulos de crédito son secuencias que cumplen con una función estructural del relato fílmico siendo, a su vez, parte representante del hecho cinematográfico. Su carácter de firma autoral e identificador general integra a todo el equipo de producción así como indica rasgos estéticos y narrativos concretos a través del uso del lenguaje gráfico-audiovisual. Son dispositivos delimitados y limitadores que sitúan el texto en el tiempo y en el espacio, determinan y señalan la relación entre el filme y el espectador e implican un carácter de apertura y clausura. Esta tesis plantea que estas secuencias adoptan la función de marco de la obra fílmica; se propone, así, una redefinición de los títulos de crédito a través de la catalogación de los mismos como el marco de los cuadros, el de las ventanas y el de los espejos. Para ello se integrarán diversos aspectos teóricos relacionados con el borde pictórico, el frame teatral o el paratexto literario entre otros. La investigación se aplica sobre el cine del periodo 1958-1969. / Film titles are sequences that fulfill a structural function on the narration of the film. They are at the same time a representative part of the film context. Its character as authorial signature and general identifier integrates the entire production unit and indicates specific aesthetic and narrative features through the use of graphic-visual language. They are delimited and limiting devices that place the text in time and space, they determine and indicate the relationship between the film and the viewer and they involve an opening and closing nature. This thesis dissertation suggests that these sequences take on the role of the film frame; thus, it proposes a redefinition of the credits through their cataloguing as the frame of the paintings, of the windows and of the mirrors. For this purpose various theoretical aspects will be integrated such as the pictorial border, the theatrical frame, or the literary paratext, among others. This research is applied to the films of the period from 1958 to 1969.

Aquest treball d'investigació analitza una selecció dels jocs de tauler més antics coneguts, trobant-hi els elements simbòlics clau del simbolisme cosmològic tradicional. Els jocs són part del patró estructural universal (com la dança o l'art) i apareixen a totes les cultures al llarg del temps. En ells hi podem veure reflexades les creences, valors i cosmovisió dels pobles que hi jugaven. Per això els jocs de tauler antics tenen un valor simbòlic i gnoseològic (que complementa el seu ús més lúdic i pragmàtic). Aquest valor, com hem vist al llarg de la recerca, es basa en la cosmologia tradicional, què en termes generals, és compartida per les antigues tradicions sagrades d'orient i occident. / This research analizes a selection of the oldest ancient board games, finding in them common symbolic elements from traditional cosmological symbolism. Games are a universal structural pattern (as dance or art) appearing in every culture through time. In them we can see reflected the beliefs, values and cosmovision af the ancient people who played them. Therefore, ancient board games have a symbolic and gnoseologic value (complementary to their ludic and pragmatic use). This value, as seen in this research, is based on traditional cosmology, which in general terms, is shared by the ancient Western and Eastern sacred traditions. / En este trabajo de investigación se analizan una selección de los juegos de tablero más antiguos que se conocen, encontrando en ellos los elementos simbólicos clave del simbolismo cosmológico tradicional. Los juegos son parte del patron estructural universal (como la danza o el arte) y aparecen en todas las culturas. En ellos podemos ver las creencias, valores y cosmovisión de los pueblos en los que eran jugados. Por esa razón, los juegos de tablero de la antigüedad tienen un valor simbólico y gnoseológico (que complementa su uso más lúdico y pragmático). Este valor, como hemos visto a lo largo de la investigación, se basa en la cosmología tradicional, que en términos generales comparten las antiguas tradiciones sagradas de oriente y occidente

Tesi realitzada a l'Institut Nacional d'Educació Física de Catalunya - Centre de Barcelona (INEFC) / La investigació realitzada té com a objectiu analitzar i descriure el procés de creació de les polítiques esportives municipals des del moment de recuperació de la democràcia, l'any 1979, fins a 1991. El període inclou tres legislatures i s'atura l'any abans de la celebració dels Jocs Olímpics de Barcelona, moment que es considera un important canvi amb repercussions en tot el sistema esportiu català. La intencionalitat de l'estudi és la d'observar aquest procés des d'una perspectiva longitudinal intentant extreure aspectes que puguin ser significatius per poder relacionar el tipus de política esportiva municipal amb les forces polítiques que governaven els ajuntaments d'aquella època. Per aquesta raó, el disseny estratègic de la recerca s'ha basat en l'estudi de cas i la metodologia comparativa, amb l'anàlisi, la descripció i la comparació de les polítiques esportives de dos ajuntament ideològicament diferents. Amb un disseny polar i seguint criteris demogràfics i geogràfics, els municipis seleccionats han estat Vic i Sant Feliu de Llobregat, situats a la província de Barcelona, amb una grandària similar, al voltant dels 30.000 habitants, capitals de la seva comarca, i amb un govern municipal de Convergència i Unió, en el cas de Vic, i del Partit Socialista Unificat de Catalunya (PSUC)—després Iniciativa per Catalunya (IC)— pel que fa a Sant Feliu de Llobregat. La recerca es posiciona, principalment, dins el paradigma qualitatiu i fa un procés d'immersió en la política esportiva de les dues ciutats escollides agafant com a fonts d'obtenció de dades els documents públics generats pels mateixos ajuntaments (actes dels plens, del patronat municipal d'esports i els pressupostos municipals) i documents exteriors (butlletins municipals i premsa comarcal) que s'utilitzen per a la contextualització i l'aprofundiment en l'estudi del sistema esportiu de les ciutats. La tècnica de producció de dades utilitzada es basa en l'anàlisi de contingut de les actes municipals i els documents exteriors i en una anàlisi dissenyada de manera específica pel que fa a la documentació pressupostària. L'anàlisi de contingut ha permès fer una categorització de les diferents temàtiques que després s'utilitzen per a l'anàlisi comparativa dels dos municipis i extreure'n conclusions sobre les polítiques esportives de les ciutats analitzades. El treball finalitza amb l'elaboració d'una proposta de model teòric per a l'anàlisi de les polítiques esportives municipals aplicable als ajuntaments d'aquella època i susceptible de ser utilitzat per a l'estudi de les polítiques esportives actuals. / This aim of this research is to analyze and describe the municipal sport policies' creation process from 1979, when democracy was recovered, to 1991. This period includes three legislatures and ends the year before Barcelona's Olympic Games celebration, 1992, considered a relevant moment that implied important changes that had an impact to the entire Catalan sports system. The work's intentionality is to observe this process from a longitudinal perspective trying to extract and identify aspects that may be relevant in order to link up the type of municipal sports policies with the political forces that ruled the different city councils on those times. For this reason, the strategic design of this research has been based on two case studies and a comparative methodology between them, with the analysis, description and comparison of the sports policies from two city councils with different ideologies. With a polar design following demographic and geographic criteria, the selected towns have been Vic and Sant Feliu de Llobregat, located in Barcelona's province. Both have similar size, near 30.000 inhabitants and are the capital of its region. Vic had a city government formed by Convergencia I Unio, and Sant Feliu de Llobregat's government was formed by Partit Socialista Unificat de Catalunya (PSUC) —later on Iniciativa per Catalunya. This research is positioned mainly inside the qualitative paradigm and makes an immersion process in the sports policies from both chosen cities. The work takes as a source public documents generated by the city councils themselves (the plenary acts, acts from the Patronat Municipal d'Esports and the city budgets) and exterior documents (official bulletins and district press) used for the contextualization and deepening of the sports' system study. The data production technique used is based on the content analysis of the city act and external documents and on an analysis specifically designed for the budget documents. The content analysis has allowed to make a categorization of the different topics used for the comparative analysis between both cities and extract conclusions about both municipal sport policies. This investigation ends with the elaboration of a theoretical model proposal for the analysis of municipal sport policies applicable on city councils from that time and liable to be used for the study of present sport policies.

Esta tesis explora la poética de la dramaturga inglesa Caryl Churchill (1938), una de las figuras fundamentales de la dramaturgia inglesa contemporánea. Su capacidad para articular de forma innovadora la relación entre forma y contenido será objeto de nuestro estudio.Hemos dividido nuestro estudio en tres grandes bloques. Nuestra primera ocupación se centra en las minorías, los excluidos. La figura del Otro es uno de los grandes temas y ocupaciones de Churchill. La autora explora la conversión en realidades fantasmáticas del Otro. Churchill analiza los fantasmas y las realidades fantasmáticas que detecta en la contemporaneidad. En los dos primeros capítulos, a partir de los análisis de Vinegar Tom y The Hospital At the Time of the Revolution, veremos cómo realiza su exploración de las minorías a partir de los procesos en que fueron construidas. Colocaremos nuestra mirada y la suya sobre la Historia colectiva e individual como fantasma, el individuo como fantasma, a partir de A Number, y el Estado como fantasma con la obra Mad Forest. Y observaremos que tipos de presencias fantasmáticas lleva a escena, misión para la que Churchill llega a deconstruir el concepto de presencia, en la pieza Hotel. Cierra la primera parte Seven Jewish Children, una pieza breve donde Churchill concentra los análisis anteriores. En la pieza hallamos a la vida misma desposeída. Ésta se convierte en un espacio concentrado de todo lo simulacral. La segunda parte de este estudio explora el papel del lenguaje en la obra de Caryl Churchill. Veremos: cómo explora la relación entre significante y significado, su proyecto de representar lo irrepresentable y cómo lo lleva a cabo, su interés por lenguajes y estructuras de otros ámbitos que traslada a la literatura dramática y al teatro, por ejemplo en Traps, la relación entre semejanza y similitud, en This is a Chair; y finalmente, las consecuencias de la pérdida de las marcas en las cosas, en Heart’s Desire: pérdida señalada por Foucault en Las palabras y las cosas. Churchill también aproxima el balbuceo infantil con lo senil. Reconfigura sonoramente el lenguaje y pone en evidencia que: el lenguaje del mundo está dañado a partir de The Skriker. El tercer bloque de este estudio gira en torno a ese gran asunto: el capitalismo y las relaciones despersonalizadas que crea. Nos interesaremos por alguno de sus diversos orígenes. En Light Shining in Buchkinghamshire, acudimos a un momento particular de la historia de Inglaterra, un momento lleno de esperanza donde todo era posible pero en el que la revolución no llegó a suceder al ser traicionada por la propiedad. Continuaremos con el examen de la bipartición de la sociedad creada entre propietarios y desposeídos siguiendo esquemas religiosos. Esta relación sella un nuevo tipo de vínculos entre los individuos que Churchill dramatiza en Owners. A continuación asistimos a la pérdida del referente real entre los signos monetarios, donde estos pasan a volar libremente. Pretendemos esclarecer los significados del sistema de la “propiedad” en la obra de la autora inglesa y las consecuencias, que muestra Churchill, del sistema capitalista en la creación de esta época difusa que es la contemporaneidad y la globalización. Este nuevo mundo toma la forma de un gran musical en la obra dramática Serious Money. Después de las revoluciones capitalistas correspondientes y su desarrollo, se llega al capitalismo avanzado; paradigma fundamental en la globalización, en Drunk Enough to say I LoveYou?, última pieza de nuestro análisis. / This thesis explores the poetics of the English playwright Caryl Churchill (1938), one of the essential figures of the English contemporary dramaturgy. Her aptitude to articulate in an innovative way the relationship between form and content will be the object of our study. We have divided this work in three big blocks. Our first occupation is about the minorities, the excluded ones. The figure of the Other is one of the main topics of Churchill. The playwright explores the conversion of the Otherinto different phantasmatic realities. Churchill analyses the ghosts and the phantasmatic realities that she detects in the contemporaneousness. In the first two chapters, from the analysis of Vinegar Tom and The Hospital At the Time of the Revolution, we will see how she carries outthe exploration of the minorities throughout the processes in which they were constructed. We will place our look and hers on the collective and individual History as a ghost, the individual as a ghost, in the playA Number; and the State as a ghost in the play Mad Forest. And we will observe which phantasmatic presences she leads to the scene. For this mission, Churchill even deconstructs the concept of presence in the play Hotel. The first part ends with Seven Jewish Children, a brief play where Churchill concentrates the previously mentioned analyses. In this play we find the life itself dispossessed. It turns into a concentrated space of everything that is simulated. The second part of this study explores the role of language in Caryl Churchill’s work. We will see: how she explores the relation between significant and meaning, her project to represent the non-representable and how she carries it out, her interest for languages and structures of other areas, which she moves to the dramatic literature and the theatre, for example in Traps, the relation between similitude and resemblance, in This is a Chair; and finally, the consequences of the loss of the brands in the things, in Heart's Desire: loss distinguished by Foucault in The words and the things. Churchill also brings near the infantile babbling to the senile one. She re-forms sonorously the language and reveals that: the language of the world is damaged, as we can see in The Skriker. The third block of this study turns around this great matter: the capitalism and the depersonalized relationships that it generates. We will be interested in some of its several origins. In Light Shining in Buchkinghamshire, we come to a particular moment in the history of England. A moment full of hope, where everything was possible but where the revolution did not manage to happen, because it was betrayed by the property. We will continue with the examination of the division created between owners and landless, following religious schemes. This relationship seals new types of links amongst the individuals that Churchill dramatizes in Owners. Later on, we are present during the loss of the real model amongst the monetary signs, where they start to fly freely. We try to clarify the meanings of the system of "property" in the work of the English playwright and the consequences of the capitalist system in the creation of this diffused era that is the contemporaneousness and the globalization, as Churchill shows. This new world takes the form of a great musical in the play Serious Money. After the corresponding capitalist revolutions and their development, we arrive to the advanced capitalism: essential paradigm in globalization, as seen in Drunk Enough to say I Love You?, last play of our analysis.

La pregunta que impulsa esta investigación, surge desde la posibilidad atribuida a la práctica performativa intermedial para crear nuevos universos perceptivos en relación al espectador. La interrelación entre teatro y medios digitales, desde la perspectiva intermedial, se presenta como un lugar en medio. Se trata de un fenómeno de hibridación capaz de desestabilizar los elementos básicos atribuidos a las artes en vivo: el espacio, el tiempo y el cuerpo. Se trata de una mutación que se origina a través de la convergencia entre lo teatral y lo digital, que abre la posibilidad para que sucedan nuevas situaciones que afecten directamente al modo en que el espectador las percibe. Esta investigación pretende entender el evento intermedial en relación el universo perceptivo del sujeto. Sin embargo, el objetivo de esta investigación, no es únicamente desvelar esos posibles modelos receptivos, sino descubrir que discursos y metodologías nos pueden ayudar a hacerlo. El marco que determina la base teórica de este estudio, toma como referencias principales los discursos contemporáneos generados desde ámbitos diversos: Estudios de comunicación y nuevos medios, Estudios sobre performance y teatro y Estudios sobre estética y filosofía. Marshall McLuhan, Jay David Bolter y Richard Grusin, Chiel Kattenbelt, Erika Fischer-Lichte, Jacques Rancière o Philip Auslander son algunas de la variedad de voces a las que apela esta investigación. Asimismo, se citan creadores, tanto vinculados con la creación new media como a las artes en vivo, internacionales como locales, con el objetivo de entender los diversos paradigmas teóricos que se presentan. Algunos de los cuales son los siguientes: Big Art Group, Station House Opera, Chris Milk, Gob Squad, The Crew Project, Marcel·lí Antúnez Roca, Rimini Protokoll, Blast Theory, Paul Sermon, María Jerez, Roger Bernat, etc. La Tesis se divide en seis capítulos. El Capítulo I opera como una especie de introducción y presenta aquellos conceptos que son más relevantes a la hora de abordar el estudio de la performance intermedial. Los Capítulos II-IV, se presentan como núcleos argumentales que pretenden desmontar el debate en torno a las diferencias ontológicas que tradicionalmente parecen establecerse entre el medio teatral y el medio tecnológico. El Capítulo V presenta, a través del fenómeno de mutación, algunos casos prácticos situados dentro de la práctica intermedial más contemporánea. Estructurado en cuatro subcapítulos, expone las cuatro mutaciones principales que el arte teatral muestra desde la perspectiva intermedial: la mutación espacial, corporal, estructural y temporal. El último y sexto capítulo, se centra en el análisis de la experiencia perceptiva y la figura del espectador dentro de la práctica performativa intermedial. / The question that drives this research arises from the possibility attributed to the intermedial performance practice to create new perceptual universes in relation to the spectator. The interrelation between theatre and digital media, from the intermedial perspective, is presented as a place in between. It is a phenomenon of hybridization capable of destabilizing the basic elements attributed to live arts: space, time and body. This is a mutation created through the convergence between live arts and digital medium, that opens up the possibility for new situations affecting directly the way the spectator perceives them. This research aims to understand the intermedial event related to the perceptual universe of the subject. However, the objective of this research is not only to reveal these potential receptive models, but also discover the discourses and the methodologies that can help us do so. The theoretical framework of this research takes as principal references the contemporary discourses generated from several fields: communication and new media studies, theatre and performance studies and studies on aesthetics and philosophy. Marshall McLuhan, Jay David Bolter and Richard Grusin, Chiel Kattenbelt, Erika Fischer-Lichte, Jacques Rancière or Philip Auslander, are some of the different voices introduced in this research. In order to understand the theoretical paradigms presented in this study, both artists linked to new media art and live performance, international and local, are also mentioned. Some of which are: Big Art Group, Station House Opera, Chris Milk, Gob Squad, The Crew Project, Marcel·lí Antunez Roca, Rimini Protokoll, Blast Theory, Paul Sermon, Maria Jerez, Roger Bernat, etc. The thesis is divided into six chapters. Chapter I operates as a kind of introduction and presents concepts that seem more relevant to addressing the study of intermedia performance. Chapters II-IV are presented as core argument seeking to remove the debate on the ontological differences traditionally established between the performance and technology. In Chapter V, through the phenomenon of mutation, some case studies located within the most contemporary intermedial practice are presented. Structured in four chapters, it outlines the four principal mutations that the live arts show from the intermedial perspective: spatial, bodily, structural and temporal mutation. The last and sixth chapter focuses on the analysis of perceptual experience and the figure of the spectator within the intermedial performance practice.

Esta Tesis investiga la interrelación entre juego y teatro, pues pese a ser esta una relación secular, ha estado poco investigada hasta el momento. Partiendo de un análisis histórico para comprender el porqué de esta falta de interés investigador, se pasa directamente a dar respuesta a las dos preguntas principales de la Tesis: ¿En qué zonas se interseccionan el juego y el teatro? Y ¿Qué indicadores nos manifiestan el capital lúdico en el espectáculo teatral, tanto en los procesos como en los resultados? Más concretamente, en el marco teórico se propone un estudio profundo de todos los conceptos y de la teoría crítica existente tanto sobre el juego, en general, como sobre el juego en el contexto teatral en particular, para observar el aumento de lo lúdico en las últimas décadas tanto en ambos ámbitos. Tras ello se llega al corazón de la investigación que revisa cinco creadores contemporáneos, en cinco contextos concretos, como ejemplos de esta reactivación del juego en la escena: Jacques Lecoq y Philippe Gaulier relacionados con sus respectivas escuelas de formación actoral, y posteriormente, Simon Mc Burney, director de Complicite; Oriol Broggi, director de La Perla 29, y Andrés Lima, director de Animalario; cada uno de los cuales son analizados en sus espectáculos: Las tres vidas de Lucie Cabrol, Luces de Bohemia y Urtain, respectivamente. Posteriormente, se realiza un laboratorio práctico en el que se desarrolla un protocolo de ensayos para obtener información directa de los miembros participantes, para enriquecer los datos obtenidos. Esta parte práctica o experimental se realiza a través de una adaptación libre, de algunos fragmentos de Hamlet de W. Shakespeare. Mediando la información anterior debidamente analizada, así como el enriquecimiento de los estudios teóricos, propuestos en la primera parte, se llega a unas conclusiones que aportan una descripción del concepto de juego en el contexto teatral. En segundo lugar, se obtiene un sistema de dimensiones e indicadores que perfilarán el capital lúdico que puede extraerse de una creación dramática, y en tercer lugar, se desvela un método de trabajo actoral deducido durante el proceso. La Tesis aporta además información sobre la propia metodología: se usará un concepto de investigación teórico-práctico basado en la propia investigación de los procesos artísticos, llamado "Práctica como Investigación" (PcI), referido en inglés como Practice as Research (PaR). Esta es una metodología participativa, extendida profusamente en el ámbito de la investigación doctoral, en países como Finlandia, Reino Unido, Canadá, Australia, Sudáfrica, Nueva Zelanda, Estados Unidos, Chile o Suecia, que, aunque es muy joven y poco frecuente en nuestro país, está experimentando un gran crecimiento en todo el mundo. Esta Tesis ha realizado un estudio añadido sobre su historia, sus orígenes y evolución, así como su implantación académica en los currículums oficiales de estudios de posgrado, máster y doctorado en diversas Escuelas de Arte Dramático y Universidades. Dentro de estos centros formativos, se ha observado con especial atención y descripción la Theatre Academy de la University of the Arts en Helsinki, la School of Theatre, Performance and Cultural Policy Studies en la University of Warwick, y de la Royal Central School of Speech and Drama perteneciente a la University of London, las dos últimas del Reino Unido. En definitiva, esta investigación, además de las respuestas de contenido sobre el juego, muestra una información detallada sobre esta metodología novedosa, en lo que respecta a su estado de la cuestión, implantación y revisión bibliográfica. Sintetizando, esta Tesis aporta una propuesta de (RE)apropiación del juego por la escena, desde una razonada comprensión de la profundidad de dicho juego. De ahí su título: La (RE)gamificación del teatro. / This Thesis investigates the relationship between play and theater, because, despite this being a secular relationship, it has not been profusely investigated. Starting with an historical analysis to understand the reason for this lack of research interest, I will proceed to answer two main questions of the Thesis: In which areas the play and the theater intersect? And which indicators show us the playful theatrical capital in both the processes and the results? A thorough study is proposed from the conceptual framework of all concepts managed in this research, and the existing critical theory, both on the overall play concept and especially about the play in the theatrical context. All that in order to observe the increase of playfulness in both areas in recent decades. Thereby the heart of the research is reached: in it we look over five contemporary artists, in five specific contexts, as examples of this revival of the game in the scene: Jacques Lecoq and Philippe Gaulier, related to their respective schools of acting training, and, subsequently, Simon McBurney, Complicite's director, Oriol Broggi (also director of La Perla 29) and Andres Lima, director of Animalario company. Each of them analyzed on one of their shows: The Three Lives of Lucie Cabrol, Bohemian Lights, and Urtain, respectively Later, a practical laboratory to test a protocol is developed to get information directly from its participating members. This comes to enrich the data obtained in the previous observation about the studied artists. For that, it is proposed to investigate the staging from the free adaptation of Hamlet by W. Shakespeare. Mediating the information collected from all practical experience described, as well as the enrichment of theoretical studies proposed in the first part, we reach conclusions that provide a description of the concept of play in the theatrical context. Besides that, secondly, a system of dimensions and indicators that shape the ludic capital that can be drawn from a theatrical setting. And finally, a method of acting work that enhances this process of creation based on the play. The Thesis also provides information on the methodology itself: a concept of theoretical and practical research, based on the artistic creation as a research process, commonly referred as Practice as Research (PaR), is used. This is a participatory methodology, widely spread in the field of doctoral research in countries like Finland, United Kingdom, Canada, Australia, South Africa, New Zealand, United States, Chile or Sweden. Although it is very young methodology, it is experiencing strong growth worldwide. Therefore this Thesis has made an additional study on its history, origins and evolution, as well as academic presence in the official curricula of postgraduate studies, M. A. and PhD in several Drama Schools and Universities. Within these training centers, Theatre Academy of the University of the Arts in Helsinki, the School of Theatre, Performance and Cultural Policy Studies at the University of Warwick, Royal and Central School of Speech Drama at University of London, the last two in the UK, has been observed with special attention and description. So this Thesis, apart from play contents, also provides answers and detailed information about this new methodology, both in terms of implementation and specialized literature. Even provides a proposal for (RE)appropriation of playfulness around the scene, as well as a scholarly discourse based on the depth of the play concept, hence the title: The (RE)gamification of theater.