Esta tesis se plantea analizar y ofrecer una vía de estudio que permita entender que la relación entre la literatura y el fútbol en el ámbito hispano plantea una unión entre la palabra y la pelota, es decir, entre el hombre y sus significados y el mundo y su condición de objeto. Hoy en día se habla de literatura y fútbol con la intención de delimitar este campo de trabajo que parece nuevo, pero que lleva más de 80 años latente en el mundo hispano, como queda demostrado en este trabajo. Por tanto, la literatura sobre fútbol permite tener una mirada tanto colectiva como individual de ese grupo de sujetos que se reúnen en torno a una pelota de fútbol, dando testimonio de la manera por medio de la cual acceden al mundo: jugándolo o viéndolo. Por consiguiente, la literatura sobre fútbol saca al deporte del césped y lo a pone a circular junto con otros artefactos culturales dentro del mundo, de modo que el hombre siempre tenga al alcance de su mano sus orígenes, su pasado, su presente y su futuro, pero sobre todo, a sí mismo. De este manera se explica el porqué se escriben cuentos, novelas y poemas sobre fútbol teniendo a mano los argumentos teóricos de Hans Ulrich Gumbrecht en Elogio de la belleza atlética y Producción de presencia así como el libro Homo ludens de Johan Huizinga. Y es que más allá de un ejercicio de significación o de argumentación a favor de un elemento deportivo, la literatura sobre fútbol es el resultado de un interés común que pretende descifrar las claves simbólicas del porqué adoptamos como una forma de vida un deporte que siendo ten sencillo y elemental, condiciona la gran mayoría de motores sociales y culturales alrededor del mundo entero. Una posible hipótesis podría ser que efectivamente se escriben cuentos, novelas y poemas sobre fútbol, entre otras muchas razones, debido a que allí se encuentran protegidos los elementos fundacionales que representan y simbolizan la identidad de un grupo humano que exige ser nombrado. Lo oral, lo colectivo, lo histórico, lo corporal, lo popular y la manera como se bautiza un acontecimiento hasta ahora insuficiente a la hora de abordar al individuo contemporáneo. Por eso la literatura sobre fútbol revisa igualmente las conductas, los comportamientos y los procesos sociales que han experimentado nuestras sociedades, y lo hace a la luz del fútbol y de su capacidad de convocatoria, ofreciendo la posibilidad de entender esos procesos y esos cambios sociales desde una perspectiva puramente simbólica y de significado, y desde una realidad puramente material y corporal. Es decir, por medio de la literatura sobre fútbol se pueden reconocer y representar los elementos transgresores de una dictadura al tiempo que se descubre el impacto y la fascinación por la libertad que tiene un futbolista corriendo por el césped con una pelota en los pies. Así pues, la novela, el cuento o el poema sobre fútbol le ofrece al lector la posibilidad de reconocer la narrativa, la épica, la comedia y el drama que se esconde tras el juego, ya que es necesario abordar la figura del futbolista y el porqué de su deseo de gloria. Igualmente, en la literatura sobre fútbol en el ámbito hispano están las claves por medio de las cuales es posible reconocer y entender las nuevas rutas de creación hacia las cuales se está encaminando nuestro lenguaje. / This thesis aims to analyse and provide a research approach that allows for the understanding that the relationship between literature and football in the Hispanic sphere suggests a union between the word and the ball, that is, between humans and their meanings and the world and its condition as object. In the present day, we talk about literature and football with the intention of defining this field of work which appears novel, but which has been latent for more than 80 years in the Hispanic world, as this thesis shows. Therefore, the football literature provides perspectives, both collective and individual, on that group of subjects who gather around a football, bearing witness to the manner by which they enter the world: playing it or watching it. Consequently, the football literature takes the sport away from the field and into circulation with other cultural artifacts in the world, so that humans may always have at hand its origins, its past, present and future, but above all, themselves. In this way, it is possible to explain why short stories, novels and poems are written about football, keeping at hand the theoretical arguments of Hans Ulrich Gumbrecht in In Praise of Athletic Beauty and The Production of Presence, as well as the book Homo Ludens by Johan Huizinga. In fact, beyond being an exercise in signification or reasoning in favour of an element of sport, the football literature is the result of a common interest that seeks to decipher the symbolic keys explaining why we adopt as a lifestyle a sport that, being so simple and elemental, conditions the vast majority of social and cultural drivers across the entire world. One possible hypothesis could be that short stories, novels and poems are indeed written about football, among many other reasons, because it is there that foundational elements are protected; elements that represent and symbolize the identity of a group of humans that demands to be named. The oral, the collective, the historical, the corporal, the popular, and the manner of giving name to an event so far insufficient in addressing the contemporary individual. Therefore, the football literature also reviews the behaviours and social processes experienced by our societies, and it does so in the light of football and its convening power, offering the possibility to understand those processes and those social changes from a purely symbolic and signifying perspective, and also from a purely material and corporal reality. That is, the transgressive elements of a dictatorship can be recognized and represented by means of football literature, and at the same time it is possible to discover the impact of, and fascination for, the freedom enjoyed by a player running on the field with a ball at his feet. Thus, the football novel, short story, or poem offer the reader an opportunity to recognize the narrative, epic, comedy and drama hidden in the game, given that it is necessary to engage with the figure of the player and the reasons for his desire for glory. Similarly, in the football literature in the Hispanic sphere are to be found the keys to recognizing and understanding the new avenues of creation towards which our language is being directed.

Este trabajo se propone delinear la recepción del teatro y de la figura literaria de Lope de Vega en Francia entre el siglo Diecisiete y los primeros años del siglo Dieciocho. Colocándose en el ámbito de la literatura comparada, conjunta distintos enfoques y herramientas teóricas: empezando por un análisis del contexto receptor influido por una perspectiva polisistémica, se enfoca en el estudio descriptivo de las traducciones (Descriptive Translation Studies), concebidas como re-escrituras condicionadas por factores internos al contexto meta y a su vez como factores de influencia sobre este mismo ámbito. En la amplísima mole bibliográfica concerniente a la Comedia en Francia falta un estudio específico sobre Lope de Vega, donde se trate la creación de su fama literaria y el principio de las traducciones reader-oriented de sus comedias, juntando estos dos puntos en un marco histórico y teórico y metodológico. Se han tomado en cuenta, en particular, las traducciones de Du Perron de Castera (1738) y de Linguet (1770). Empezando por una profundización sobre el contesto cultural y sobre la figura del traductor, se ha esbozado un análisis taxonómico de la estrategia traductiva. La taxonomía es un instrumento descriptivo que permite delinear las características estéticas de las traducciones, para observar una hipotética influencia de las adaptaciones stage-oriented sobre las traducciones reader-oriented y la vez los constraints culturales relacionados con la estética clasicista. Se incluye un apartado sobre la hipótesis de una recepción de la Comedia lopesca por parte del escritor italiano Alessandro Manzoni. Una antología final recolecta, comentándolos, los paratextos de los traductores, así como una selección de pasajes concernientes a Lope de Vega en obras literarias y críticas de los siglos XVII y XVIII. / This work intends to describe the reception of Lope de Vega’s theatre and his literary figure in France between the Seventeenth and the early Nineteenth centuries. Placed inside the field of Comparative Literature, it tries to melt different tools and approaches. Moving from the analysis of the target context and adopting a poli-systemic perspective, it focuses on a Descriptive Translation Study, considering translations as rewritings conditioned by the constraints of the target context and also influencing the same target context. In the wide bibliographical amount about the reception of Spanish Comedia in France, there seem to be a lack of a study focused on Lope de Vega, which can combine the interest on the creation of his literary fame and the beginning of the reader-oriented translations of his comedies into a historical, methodological and theoretical frame. The study includes an analysis of Lope’s position in the French cultural context and a description of rewriter’s figures; the knowledge of this cultural background provides some tools useful to create a taxonomy of translators’ strategies. This taxonomy is a descriptive tool aimed to describe the aesthetical features of translations, to observe the influence of stage-oriented adaptations over the reader-oriented translations and also to analyze the constraints derived from classicist poetics. The work ends with a brief annex focused on the hypothesis of Lope’s presence in the literary work of Alessandro Manzoni.

La tesi de doctorat El laberint del jo: Fonaments per a la interpretació del primer teatre de Josep Palau i Fabre (1935 – 1958) –dirigida pel doctor Jaume Mascaró i amb el suport tutoral del doctor Francesc Foguet–, es basa en els canvis conceptuals que caldrà introduir en la interpretació del teatre de Palau i Fabre a partir de la consideració d’un nombre important de textos no publicats. Efectivament, i centrant-nos en el període esmentat, aportem 197 referències inèdites de diferents dimensions i característiques: assaigs llargs, anotacions breus i textos dramàtics, escrits tant en català com en castellà o en francès. Deixant de banda el valor que aquests textos tenen per ells mateixos, cal remarcar que si els afegim a la cronologia de Palau i Fabre per la data d’escriptura, sorgeix un autor considerablement diferent del que coneixíem fins ara a través dels dos volum de l’Obra Literària Completa. Per exemple, aflora un dramaturg que ja el 1948 escrivia uns textos dramàtics en francès que són precursors del teatre de l’absurd. El 1947 també hi ha una resposta a Sartre pel llibre que aquest havia fet sobre Baudelaire. És un assaig llarg, de 47 pàgines, en què Palau ens dóna algunes claus del seu rebuig de l’existencialisme Sartrià. Aquest conjunt de noves referències ens durà a la necessitat de rellegir les obres de Palau i Fabre més des de Heidegger que no pas des de Sartre. En un altre sentit, a través de l’obra fins ara publicada de Palau i Fabre estava clar que, per a ell, Baudelaire era un poeta central i que el veia com el veritable iniciador de la modernitat i de la idea de la desintegració del jo. Per Palau la importància de Baudelaire és únicament comparable a la de Picasso, a l’estudi del qual va dedicar bona part de la seva vida. Tanmateix, Baudelaire era poc present en l’obra coneguda de Palau. En canvi, entre els inèdits que s’estudien a la tesi hi ha treballs d’una extensió considerable dedicats plenament a l’autor de Les Fleurs du Mal. Alguns d’aquests treballs també ens fan entendre de quina manera Baudelaire està al darrera de la crisi espiritual que Palau i Fabre va patir el 1938 i en la qual quallà la figura de l’Alquimista, l’alter ego de Palau i Fabre. Baudelaire està igualment al darrere del trasbals de la idea de bellesa que va allunyar Palau i Fabre estètica i políticament de la resistència cultural catalana de l’interior del país. Els textos inèdits han permès igualment entendre amb més detall la relació intel·lectual amb Artaud, la teoria de la tragèdia de Palau i Fabre –que es remunta a 1935 i a la seva passió per Lorca–, les seves idees al voltant de la mimesi i de l’excés, l’origen del seu concepte de temps teatral nou i, en conjunt, el model de teatre que buscava: no realista, no psicològic i no argumental. Aquests materials també ens han permès elaborar una nova nòmina de personatges de les obres de Palau i Fabre i detectar de quina manera, a partir de 1939 el mite de Faust provocà una profunda metamorfosi en el seu teatre. D'aquí sorgeixen les diverses figures mítiques algunes de les quals són: Prometeu, Don Joan, la Caverna de Plató, els Atrides… Són caràcters que s'enfronten al poder, que van incansablement a la recerca de la veritat, malgrat saber que no la trobaran. I d'aquí també sorgeix el debat de fons sobre quina posició té Palau i Fabre al voltant de termes com rebel·lió o revolució, que són essencials per conciliar les exigències de replegament interior de l’Alquímia amb la recerca d’un teatre que a través de la tragèdia també vol ser polític. / The PhD thesis The Labyrinth of The Self: A Basis for The Interpretation of The First Dramatic Works by Josep Palau i Fabre (1935 - 1958), –directed by Dr. Jaume Mascaro and with the tutorial support of Dr. Francesc Foguet– is based on the conceptual changes that will have to be introduced in the interpretation of Palau i Fabre’s dramatic works taking into account an important number of unpublished works. Indeed, focusing in this period, we provide 197 unpublished references of different dimensions and characteristics: long essays, brief notes and dramatic works written in Catalan, Spanish or French. Besides the value that these works have for themselves, it should be noted that if we add them to the chronology of Palau i Fabre according to the date of writing, another author appears, considerably different from the one we used to know from the two volumes of Obra Completa Literària. For example, it shows up a playwright who in 1948 wrote in French pioneering dramatic works of the theatre of the absurd. In 1947 there is also a reply to Sartre's book about Baudelaire. It is a long essay, 47 pages, in which Palau gives some clues of his rejection of Sartre’s existentialism. This set of new references will force us to re-read the works by Palau i Fabre more from Heidegger than from Sartre. In another sense, through his work so far published, it was clear that for Palau i Fabre Baudelaire was a central poet and that he used to consider him the true pioneer of modernity and the idea of the disintegration of the self. For Palau the importance of Baudelaire is comparable to that of Picasso, to the study of which he devoted much of his life. But Baudelaire was not much present in the published work by Palau. In contrast, among the unpublished works that are studied in this thesis there are some works of considerable extent devoted entirely to the author of Les Fleurs du Mal. Some of these works help us to understand how Baudelaire is behind the spiritual crisis that Palau i Fabre suffered in 1938 where the character of the Alchemist was forged, the alter ego of Palau i Fabre. Baudelaire is also behind the upheaval of the idea of beauty that separated Palau i Fabre, both aesthetically and politically, from the Catalan cultural resistance in the country. The unpublished works have also allowed us to understand in greater detail his intellectual relationship with Artaud, the theory of tragedy by Palau i Fabre –dating back to 1935 and his passion for Lorca–, his ideas about mimesis and the excess, the origin of his concept of a new theatrical time and, overall, the model of theatre he was looking for: not realistic, not psychological, not a plot. This material has also allowed us to elaborate a new list of characters of Palau i Fabre’s works and discover how from 1939 the Faustian myth caused a profound metamorphosis in his theatre. Hence arise the various mythical figures such as: Prometheus, Don Juan, Plato's cave, the Atrides ... Characters that face the power, who go tirelessly in search of truth, despite knowing that they will not find it. And there also arises the fundamental debate on Palau i Fabre’s position concerning terms like rebellion or revolution, which are essential to reconcile the demands for inside fold of Alchemy with the search of a theatre that through tragedy wants to be also political.

La presente tesis doctoral, titulada «La traducción del discurso ideológico en la España de Franco», tiene como objetivo principal constatar, a partir del estudio de nueve obras traducidas del inglés y del francés, publicadas entre 1939 y 1975, si existen ejemplos de manipulación textual y si es posible detectar patrones de intervención censoria en la versión al castellano de las mismas. Nuestra hipótesis parte del supuesto de que la censura franquista constituía un mecanismo de control tan riguroso como normalizado y de que sus artífices se guiaban por criterios definidos. A partir de esto, nuestra hipótesis predice que las estrategias censorias variarán dependiendo de la temática concreta de la obra a censurar. Por ello, hemos diseñado un corpus que se divide en tres bloques temáticos: el bloque de temática sexual está compuesto por El último vino, de Mary Renault, Safo, de Alphonse Daudet, y La liga anti-muerte, de Kingsley Amis; el de temática religiosa, por Contrapunto, de Aldous Huxley, La falta del abate Mouret, de Émile Zola, y, El monje, de Matthew Gregory Lewis; y el de temática política, por 1984, de George Orwell, Los ojos de Ezequiel están abiertos, de Raymond Abellio, y La escritura invisible, de Arthur Koestler. Para realizar el estudio y corroborar nuestra hipótesis, hemos diseñado un método mixto que combina el análisis cuantitativo con el análisis cualitativo y se basa en las aportaciones de Tymoczko (2002), Lambert y van Gorp (1985) y Leuven-Zwart (1989) y en el modelo de Rioja Barrocal (2008). Nuestro modelo se divide en tres fases: la fase de contextualización abarca el contexto sociocultural e histórico en el que se enmarcan las obras; en la fase de análisis se identifican, mediante el estudio cuantitativo de cuatro estrategias censorias (omisión, sustitución, ampliación y reescritura), los primeros patrones de comportamiento, para después realizar un estudio cualitativo de los pasajes que pueden proporcionar pistas sobre el funcionamiento de la censura; en la fase de recepción, se contrasta la información recabada, para extraer las primeras conclusiones sobre los patrones de comportamiento censor detectados. Este modelo se apoya además en material extratextual que nos acerca un poco más a la realidad de aquella época: los documentos de censura franquista que guarda el Archivo General de la Administración (AGA) y el testimonio de las personas entrevistadas en el marco de esta investigación. Los resultados muestran que en los bloques de temática sexual y religiosa, la estrategia predominante es la omisión, con un 79% y un 64% de los casos respectivamente mientras que en el bloque de temática política se da un uso algo más ponderado de las cuatro estrategias detectadas, con un 42% de omisión, un 32% de reescritura, un 15% de sustitución y un 11% de ampliación. Estos porcentajes son el reflejo de los diferentes patrones de comportamiento censor rastreados en cada bloque: los censores muestran una tendencia a omitir o neutralizar contenido censurable en los bloques de temática sexual y religiosa, mientras que en el bloque de temática política se observa cierta tendencia a añadir información y, sobre todo, a llevar a cabo lo que hemos asimilado a ejercicios de reescritura, introduciendo elementos ajenos al texto original. Ya no se trata de silenciar o edulcorar contenido no apto, sino que se pretende aprovechar la carga ideológica del mismo para crear uno nuevo discurso favorable a los intereses del Régimen. Los resultados del análisis de este último bloque ponen pues de evidencia otro tipo de censura, más global e insidiosa, que va más allá de los recursos tradicionales. Esta «metacensura» no busca tachar, suprimir y prohibir contenido, sino transformar, reescribir y utilizarlo con fines propagandísticos / Abstract This PhD Thesis, entitled “The Translation of Ideological Discourse in Franco’s Spain”, aims to focus on the relationship between censorship and translation through the comparative analysis of nine English and French novels translated into Spanish and published in Spain between 1939 and 1975 (i.e. under Franco’s regime). The study attempts to unveil any evidence of textual manipulation in the Spanish version of the analyzed novels, identifying —where possible— specific patterns of censorship behavior. The hypothesis postulated in the study proceeds on the premise that the Francoist censorship system used to act upon definite and standardized criteria, and predicts that the strategies employed by censors will vary depending on the ideological content of each novel. In order to corroborate this hypothesis, a corpus of nine novels has been collected and classified into three different thematic groups. The first group includes three novels characterized by their sexual content: The Last of the Wine, by Mary Renault, Sapho, by Alphonse Daudet, and The Anti-Death League, by Kingsley Amis. The second group comprises three novels that contain irreligionist material: Point Counter Point, by Aldous Huxley, La Faute de l’Abbé Mouret, by Émile Zola, and The Monk, by Matthew Gregory Lewis. And the third group comprises three books characterized by their unorthodox political content: Nineteen Eighty Four, by George Orwell, Les Yeux d’Ezequiel sont ouverts, by Raymond Abellio, and The Invisible Writing, de Arthur Koestler. The methodological framework designed to analyze these novels combines quantitative and qualitative analysis and is based on theoretical contributions from Tymoczko (2002), Lambert & van Gorp (1985) and Leuven-Zwart (1989). This model of analysis —which is also inspired by the structure developed in Rioja Barrocal’s work (2008)—, is organized into three stages: a contextualization stage, which describes the socio-cultural and historical context of each novel; an analysis stage, which explores the censorship mechanisms at use via (i) a quantitative analysis of the strategies identified (omission, substitution, amplification and rewriting) and (ii) a qualitative study that allows us to further explore the characterization of censoring patterns; and a reception stage, where the whole information output from each novel is contrasted and synthesized in order to draw preliminary conclusions regarding patterns of censorship behavior. Furthermore, this model of analysis is complemented with extra-textual material, such as documents from the Regime’s censorship authority held at the Administration General Archives (AGA) and interviews with historians, researchers and literary translators who offer relevant testimonies for our study. The overall results show that in the group of novels that emphasize sexual and religious content, omission is the predominant strategy, reaching, respectively, 79% and 64% of the censorship marks detected. In contrast, the political group displays a more balanced use of strategies, as omission accounts for only 42% of the censored extracts, whereas rewriting is found in 32%, substitution in 15% and amplification in 11% of the extracts. These data reflect the variation found in the patterns of censoring behaviour for each group: Francoist censors tended to delete and neutralize sexual and religious content contrary to the regime doctrine, whereas in the cases where subverting political content is at stake, a clear tendency to rewrite and generate new information alien to the original text can be observed. The main purpose of this strategy is to divert the ideological component of the source text in order to create a new favourable discourse towards the Francoist regime. These results reveal a peculiar and latent type of censorship, here coined as “metacensorship”, which goes far beyond the traditional methods, aiming not to omit and neutralize content, but rather to use and shape it with propaganda purposes.

El present treball és un estudi de la vida i l'obra del poeta lleidatà Jaume Agelet i Garriga. Una vida, lluny de Catalunya, que cal reseguir a través de la correspondència amb algunes de les principals personalitats del país, com ara Tomàs Garcés, Pau Casals, o Marià Manent. La seva poesia, d'herència romàntica, és una cruïlla de camins d'influències simbolistes, postsimbolistes i surrealistes, que té en el món infantil el pilar bàsic. A partir de l'enyorat món de la infantesa el poeta construeix una obra solida que té en el símbol i la imatge els seus recursos principals. Al costat de l'estudi de la poesia, el treball vol oferir una edició crítica de tots els poemaris ageletians a partir de les primeres edicions i anotant en aparat l'evolució del text per constatar el procés constant de revisió que Agelet sotmet a la seva obra i l'extraordinari grau de fidelitat a uns mateixos principis poètics. / El presente trabajo es un estudio de la vida y la obra del poeta leridano Jaume Agelet i Garriga. Una vida, lejos de Cataluña, que hay que reseguir a través de la correspondencia con algunas de las principales personalidades del país, como Tomás Garcés, Pau Casals, o Marià Manent. Su poesía, de herencia romántica, es un cruce de caminos de influencias simbolistas, postsimbolistas y surrealistas, que tiene en el mundo infantil el pilar básico. A partir del añorado mundo de la infancia el poeta construye una obra sólida que tiene en el símbolo y la imagen sus recursos principales. Junto al estudio de la poesía, el trabajo quiere ofrecer una edición crítica de todos los poemarios ageletianos a partir de las primeras ediciones y anotando en aparato la evolución del texto para constatar el proceso constante de revisión que Agelet somete a su obra y el extraordinario grado de fidelidad a unos mismos principios poéticos. / The present work is a study of the life and work of poet Jaume Agelet i Garriga. A life away from Catalonia, which can be followed through his correspondence with some of the leading national personalities such as Tomàs Garcés, Pau Casals, and Marià Manent. His poetry, of romantic inheritance, is a crossroads of symbolist, post-symbolist and surrealist influences. His poetry is built from children's world, symbols and imagery. Apart from the study of poetry, the work aims to provide a critical edition of all poems by Agelet.

An African (Auto)biography: Ama Ata Aidoo's Literary Quest és un estudi exhaustiu del que considero que configura la primera fase de l'obra d'Ama Ata Aidoo, escriptora ghanesa. El text que marca la primera fase del desenvolupament i consolidació de la veu d'Aidoo és Our Sister Killjoy or Reflections from a Black-eyed Squint, un text inclassificable genèricament i una presència indiscutible en la literatura africana anglòfona. La tasca d'escriure que envolta a escriptors/es es defineix per una necessitat de trobar la seva pròpia veu en el món literari. Si bé aquesta cerca de la veu pròpia ve marcada per un impuls entusiasta per deixar una empremta en el món de les lletres, o si bé està segellada per la càrrega que suposa la superació del que Harold Bloom anomena l' "angoixa de la influència," és a dir, la presència omnipotent de totes aquelles veus d'escriptors/es anteriors que impedeixen l'articulació d'una veu indiscutiblement independent i única, la veritat és que un autor s'ha d'enfrontar i ajustar a una tradició de textos que intenta emmotllar a la seva pròpia imaginació i experiència. Ama Ata Aidoo és una escriptora africana. Nascuda l'any 1940 a la regió central de Ghana, Aidoo ha conegut el colonialisme de primera mà -Ghana era l'antiga colònia britànica anomenada Gold Coast-, ha estat implicada directament amb la lluita per la independència del seu país -els britànics varen empresonar el seu pare, Abeadzi Kyiakor, per la seva participació en la lluita per la independència de Ghana-, ha disfrutat i celebrat els anys immediatament posteriors a la independència, ha patit i criticat l'onada neocolonialista que seguí el període d' independència i, durant tota la seva vida ha mantingut una perspectiva clarament feminista. La seva cerca literària -la seva lluita per trobar una veu pròpia- és un intent de reconciliar aquells aspectes diferents i discrepants que han configurat la seva experiència com a dona a l'Àfrica. La seva obra literària no es pot entendre sense tenir en compte les realitats sovint ambivalents, ambigües i contradictòries que forgen la seva identitat -la seva (auto)biografia- com a escriptora, dona i africana. En l' obra d'Ama Ata Aidoo la llegendària lluita entre l'àmbit personal i l'àmbit públic de l'escriptor, entre l'individu com a ésser tancat en sí mateix i ésser polític, s'articula dintre de la realitat sobrecollidora dels estats moderns africans, un llegat que, no es pot oblidar, és patrimoni de l'època colonialista. Quan Harold Bloom mostrava, des d'una perspectiva crítica, la seva preocupació sobre la tradició literària que els escriptors es veuen obligats a confrontar per a poder definir una veu pròpia, singularment seva, ho feia trepitjant terreny occidental, és a dir, ho feia considerant únicament i exclusivament la tradició literària d'occident. Però què passa quan la veu que s'està cercant i intentant definir és el resultat d'una herència polèmica, una herència marcada per una tradició literària occidental, per una banda, i una experiència indiscutiblement i inequívocament africana, per l'altra? L'any 1994, Vincent Odammten, dedicà un llibre sencer a l'anàlisi de l'obra d'Aidoo: The Art of Ama Ata Aidoo: Polylectics and Reading Against Colonialism. L'anàlisi que Odammten fa de l'obra d'Aidoo es centra en el fet de que els seus textos són un exemple de la lluita literària contra el colonialisme, però, en cap moment, fa referència a la cerca personal de l'autora per definir la seva veu pròpia. El meu argument és que aquesta lluita per definir la seva veu com a escriptora és fonamental per una apreciació crítica de la seva obra, i, afegeixo que aquesta cerca de la veu pròpia està indissolublement lligada a la seva essència com a dona i com a africana. L'obra d'Ama Ata Aidoo desestabilitza el discurs eurocèntric d'una manera insidiosa, consistent i incansable. El terme "eurocèntric" és un prèstec del llibre de Patricia Hill Collins, Black Feminist Thought, i interpreto "discurs" de la manera que Foucalt ho va definir a The Archaelogy of Knowledge and the Discourse on Language. Així doncs, la meva utilització del terme "discurs eurocèntric" obeeix a, en primer lloc, la interpretació de l'adjectiu "eurocèntric" que trobem en el llibre de Hill Collins i que defineix com a la condensació de dues coordenades: blanca -occidental- i masculina; i, en segon lloc, a la interpretació Foucaldiana de "discurs" com a combinació de pràctica i manera de parlar la naturalesa de la qual determina el criteri pel qual els seus resultats es jutgen com a exitosos. D'aquesta manera, es produeix un cercle viciós, ja que, si masculinitat i occidentalitat són els dos aspectes que alimenten i determinen els criteris mitjançant els quals aquest discurs, aquesta combinació particular i específica de pràctica i manera de parlar, es considera satisfactòria, aleshores, tot sembla indicar que no hi ha cap camí el suficientment satisfactori que ens allunyi de la masculinitat i l' occidentalitat. Mes, com l'obra d'Aidoo demostra, aquest no és el cas. La literatura africana en llengua anglesa està estigmatitzada pel fantasma de la novel.la de Conrad, Heart of Darkness (Cor de Tenebres). Aquesta novel.la, altament controvertida, publicada l'any 1898, turmenta la imaginació dels escriptors africans per la seva representació del continent africà com a buit negre. Malgrat tot, Heart of Darkness, s'ha de llegir com un text ambivalent, ambigu, terriblement i espantosament contradictori i que s'ha de tenir en compte en qualsevol estudi d'escriptors africans anglòfons que s'emprengui. La meva lectura de la novel.la de Conrad està influenciada per l'obra del crític Edward Said que defineix Heart of Darkness com a una primera i incipient crítica del discurs eurocèntric. Podem afirmar que el motiu que va empènyer a Joseph Conrad a escriure Heart of Darkness va ser el seu desig de plasmar i denunciar l'explotació cruel i brutal que Bèlgica portava a terme en el Congo. Aleshores, i aquí radica l'ambivalència i la importància de l'obra, si aquesta era la intenció de Conrad, com és que Àfrica es descriu com una terra nullius, i els africans es representen com a animals? En altres paraules, perquè la crítica del discurs eurocèntric que sembla desprendre's del text de Conrad cau en el més nefast de l'eurocentrisme: el racisme i el masclisme? Said respón a aquesta pregunta d'una manera parcial: Conrad, mitjançant la seva novel.la, copsa la incapacitat de l'individu que, volent expressar una experiència contrària a l'imperialisme, acaba caient en l'esperit imperialista que vol denunciar i això és degut al fet de que aquesta experiència l'intenta articular mitjançant un discurs eurocèntric, que Said defineix com a marcadament occidental. Com he assenyalat anteriorment, la resposta de Said és parcial perquè, en cap moment, reconeix la masculinitat que desprèn la novel.la de Conrad. Hi ha hagut re-escriptures importantíssimes de Heart of Darkness per part d'autors africans anglòfons -Paradise d'Abdulrazak Gurnah (Zanzíbar), Waiting for the Barbarians de J.M.Coetzee (Sudàfrica), Chinua Achebe, Things Fall Apart (Nigèria)- però cap ha reconegut en la seva re-escriptura crítica la masculinitat que junt amb l'occidentalitat conforma el discurs eurocèntric. Amb una excepció: Ama Ata Aidoo i la seva obra Our Sister Killjoy or Reflections of a Black-Eyed Squint, que suposa una re-escriptura brillant -i, m'agradaria afegir, poc reconeguda- de la novel.la de Conrad. La meva tesi doctoral consta de dues parts: The Cave: Colonialism Black and White i The Cave Revisited. Towards a Subjectification of Africa and African Women. La primera part la conformen dos capítols: Unveiling the Ghost: Heart of Darkness or Africa-Chronotope Zero i (Auto) Biographical Fiction: The Facing and De-Facing of Africa-. Aquests dos primers capítols són una anàlisi de la ambigüitat del text de Conrad que encara avui dia és una realitat fantasmagòrica en l'imaginari africà anglòfon, per una banda, i una crítica de la masculinitat que amaga el moviment literari de la Négritude que sorgí com un intent per part d'autors africans d' omplir el buit que l'imaginari occidental havia deixat en el continent africà, per l'altra. La segona part se centra en l'estudi de les obres que configuren la primera fase de la cerca literària d'Aidoo -The Dilemma of a Ghost i Anowa (drama), No Sweetness Here (contes) i Our Sister Killjoy or Reflections from a Black-eyed Squint (text genèricament inclassificable)-, uns textos que s'enfronten a un legat literari que nega o, en el millor dels casos, dilueix, la experiència de les dones africanes. Per demostrar com Ama Ata Aidoo desestabilitza el discurs eurocèntric exposant les seves ambivalències, contradiccions i inconcebibilitats m'emparo en l'obra crítica de Luce Irigaray i, concretament, Speculum of the Other Woman (1974). En aquesta obra, Irigaray desmonta el pensament filosòfic occidental evidenciant la mirada marcadament masculinista que ha interpretat el món i que ha deixat a la dona rellegada a un simple -i sovint molest- apèndix de l'home. L'última part del llibre ( Plato's Hystera) és una anàlisi minuciosa d'un dels fonaments del pensament occidental: la caverna de Plató. La seva lectura deconstruccionista de la caverna de Plató determina la línea argumental de la investigació, dividint la tesi doctoral en les dues parts prèviament definides. Part I. The Cave. Colonialism Black and White i Part II. The Cave Revisited. Towards a Subjectification of Africa and African Women. La crítica que Irigaray fa de la caverna de Plató exposa un camí de pensament linear -marcadament blanc i masculí- que allibera als presoners, sempre i quan aquests siguin homes. Dins del pensament platonià les dones no fugiran de la caverna, el camí linear no funciona per a elles però la realitat de la caverna, i això és el que demostra Irigaray, és més complexa que un simple camí linear; a la caverna hi ha bifurcacions, a la caverna s'hi pot trobar el que ella anomena "el camí oblidat" (the forgotten path) que és el que s'ha de recuperar si volem avançar més enllà del discurs eurocèntric. Irigaray no fa referència d'una manera sistemàtica a la occidentalitat blanca del discurs eurocèntric, sí que ho fa, incansablement, a la masculinitat que es desprén d'ell. L'obra d'Aidoo s'emmotlla perfectament a una crítica basada en el pensament d'Irigaray més, en aquest cas, el discurs eurocèntric que l'autora africana dissecciona desplega la seva masculinitat junt amb la seva occidentalitat blanca. En altres paraules, les dues coordenades que fixen la crítica al discurs eurocèntric en els textos d'Aidoo són el gènere i la raça.

Esta tesis doctoral parte de la hipótesis de que la diáspora y el transnacionalismo desempeñan un papel fundamental no sólo en la interpretación de las adaptaciones bollywoodienses de las obras shakespearianas, sino también en adaptaciones y derivados pseudo-bollywoodienses. Si en la historia de Shakespeare en la India, Shakespeare se asoció en principio a la entrada del colonialismo en el subcontinente asiático y a la diáspora inglesa, se tiene que entender ahora en relación con la diáspora india y el transnacionalismo. La metodología que se ha seguido en esta tesis doctoral se ha basado en un estudio de todas las adaptaciones y derivados de las obras de Shakespeare en Bollywood. Se ha realizado una lectura detallada de todas las obras y volúmenes que mencionan algún tipo de relación entre Shakespeare y las películas bollywoodienses, y un análisis crítico-teórico de las películas más importantes del cine popular indio con el fin de buscar citas o simplemente referencias a Shakespeare en éstas. El acercamiento al tema de este estudio se ha llevado a cabo a través de las teorías sobre la diáspora. Los objetivos que se plantearon en esta tesis doctoral son los siguientes: 1) demostrar que las adaptaciones de las obras de Shakespeare desde 1990 hasta la actualidad consideradas como “bollywoodienses” o “pseudo-bollywoodienses” están dirigidas a la diáspora o tratan sobre ésta. 2) Señalar la importancia que tiene el fenómeno de la diáspora y el transnacionalismo a la hora de comprender no sólo la interpretación de Shakespeare en Bollywood, sino también su influencia en Occidente, 3) analizar un corpus bien definido de adaptaciones y derivados bollywoodienses y pseudo-bollywoodienses de las obras de Shakespeare para establecer los rasgos comunes a todos ellos. 4) Observar si la asociación entre Shakespeare y el colonialismo en la India todavía sigue vigente en algunas adaptaciones y derivados del corpus fílmico y cómo este hecho influye en su interpretación. 5) Demostrar que, gracias a la constante movilidad cultural, la recepción de Shakespeare en Bollywood está influyendo en algunas películas realizadas en Occidente. Los capítulos 4, 5 y 6 de esta tesis doctoral muestran la importancia del transnacionalismo en la lectura de las películas analizadas (1942: A Love Story, Bombay, Dil Chahta Hai, Maqbool y Omkara). Shakespeare está localizado en áreas de la diáspora como Australia, en comunidades desplazadas dentro del subcontinente indio como la musulmana o bien en películas cada vez más dirigidas al público transnacional. Estos capítulos igualmente enfatizan la idea de que el uso de Shakespeare en Bollywood se reduce de forma considerable. La relación problemática entre Shakespeare y el pasado colonial en el subcontinente indio explica tanto la ‘canibalización’ de Shakespeare como la falta de reconocimiento de la presencia de sus obras en las películas de Bollywood. Los resultados que se obtienen en los capítulos 7, 8 y 9 (en los que se analizan Bollywood/Hollywood, Mississippi Masala, Bollywood Queen y Second Generation) destacan cómo la recepción de Shakespeare en el cine de Bollywood influye en algunas películas realizadas en Occidente como resultado de la movilidad cultural. Las películas analizadas en los capítulos 7, 8 y 9 exploran una nueva forma de interpretar la obra shakesperiana caracterizada por la experimentación y demuestran que es posible combinar dos tradiciones. Las obras son apropiadas por Bollywood, que es a su vez imitado y parodiado en Occidente, transformando indirectamente la recepción e interpretación de Shakespeare. Las adaptaciones y derivados bollywoodienses y pseudo-bollywoodienses de las obras de Shakespeare ponen a prueba la autoridad cultural de Shakespeare y fomentan una visión de Shakespeare en continuo movimiento, con una gran repercusión transnacional. / This doctoral thesis starts with the hypothesis that diaspora and transnationalism play a crucial role in the interpretation of Bollywood and pseudo-Bollywood Shakespearean adaptations. If Shakespeare first emerged in India as a colonial icon associated with the English diaspora, Shakespeare has now to be connected with the Indian diaspora and transnationalism. This doctoral thesis has followed a methodology based on a close study of all the Bollywood and pseudo-Bollywood Shakespearean adaptations and off-shoots. All the works and volumes which mention a connection between Shakespeare and Bollywood have been analyzed in depth. Besides, a close analysis of the most important hits of the popular Hindi cinema has been provided in order to find citations, quotations or just references to Shakespeare. The theoretical framework that has been used in this doctoral thesis has been a diasporic framework. The aims of this doctoral thesis are the following: 1) demonstrate that Bollywood and pseudo-Bollywood Shakespearean adaptations from 1990 to the present are targeted at the diaspora or are about it or about displaced communities. 2) Highlight the importance of diaspora and transnationalism in order to understand the interpretation and evolution of Shakespeare in Bollywood together with its influence in some Western off-shoots, 3) analyze a well-defined corpora of Bollywood and pseudo-Bollywood Shakespearean adaptations and off-shoots to discover the common features and characteristics 4) observe if the association between Shakespeare and colonialism in India is still present in some adaptations and off-shoots of the film corpora, and how it influences the interpretation of Shakespeare. 5) Demonstrate that, thanks to cultural mobility, the reception of Shakespeare in Bollywood is influencing its interpretation in some Western movies. Chapters 4, 5 and 6 of this doctoral thesis show the importance of transnationalism in the movies analyzed (1942: A Love Story, Bombay, Dil Chahta Hai, Maqbool and Omkara). Shakespeare is placed in diasporic areas like Australia, in displaced communities within the Indian sub-continent such as the Muslim community or in movies addressed to a transnational audience. These chapters equally emphasize that Shakespeare is considerably reduced in Bollywood. The problematic relationship between Shakespeare and the colonial past in India explains to some extent the ‘cannibalization’ of Shakespeare and the lack of acknowledgement in Bollywood. The results obtained in chapters 7, 8 y 9, which focus on movies such as Bollywood/Hollywood, Mississippi Masala, Bollywood Queen and Second Generation – shed light upon the fact that the reception of Shakespeare in Bollywood influences some Western films as a result of cultural mobility. The movies analyzed in chapters 7, 8 and 9 explore a new way of interpreting the Shakespearean oeuvre, characterized by complete experimentation, and they certainly show that it is possible to combine two different traditions – the Bollywood and Western traditions – to interpret the Shakespearean works. Shakespearean works are appropriated by Bollywood, which is imitated and parodied in the West, indirectly transforming the reception and interpretation of Shakespeare in some transnational projects. Bollywood and pseudo-Bollywood Shakespearean adaptations and off-shoots test the cultural authority of Shakespeare and promote a view of Shakespeare linked with displaced communities and in constant movement.

Esta tesis ofrece una lectura de la obra de Chantal Maillard que parte de su naturaleza hipertextual y de una selección de temas y de metáforas que se estudian comparativamente y que han surgido de la idiosincrasia de los textos analizados. El análisis que se plantea responde a la hipótesis de que el pensamiento que se transmite es indisociable de la estructura en que se presentan los textos y que esta estructura obliga al lector a un conocimiento experiencial que encarna en sí mismo el contenido de la obra. Las dos partes de la tesis, que pueden leerse en orden invertido, pretenden mostrar esta hipótesis mediante un estudio entrelazado de los temas que han centrado el esfuerzo hermenéutico de la lectura que aquí se presenta y de las características de la escritura maillardiana que justifican este tipo de análisis. Así, en la primera parte se aborda la especificidad de la obra poniendo el foco en tres aspectos vinculados con la teoría literaria: la hibridez genérica (capítulo 1), la estructura hipertextual (capítulo 2) y la posición del lector en la configuración de la obra (capítulo 3). En la segunda parte, se desarrolla un análisis transversal de cuatro temas que se han estudiado sistemáticamente en los textos de la autora: el cuestionamiento de la metafísica del lenguaje (capítulo 4), el deseo y la erradicación de la esperanza (capítulo 5), la desintegración del yo (capítulo 6) y, finalmente, la observación de la disolución de la conciencia en búsqueda de un estado de inocencia previo al logos (capítulo 7). Los recorridos temáticos propuestos en este estudio emanan, por una parte, de la experiencia de lectura singular de quien escribe y, por la otra, del quehacer textual de la propia escritura, que se configura como una malla en la que el lector traza su propio itinerario. Por esta razón, no se agotan los textos en su integridad, sino que se atraviesan en función de los temas que la autora va repitiendo y reversionando, como fugas en una composición musical. / This doctoral thesis portrays a reading of the work of Chantal Maillard, based on the assumption that her work is hypertextual by nature, and on a selection of subjects and metaphors studied in a comparative way, which arise from the specificity of the analysed work. The purpose of the planned analysis aims at answering the hypothesis that the thinking expressed through the studied texts is consubstantial with the structure showed in them, and compels the reader to an experience that contents the sense of the work. Both parts of the thesis, which can be read in an inverted order, try to show this hypothesis by means of a crossing study of the subjects that have focused the hermeneutic reading effort, here expressed, arising from the own character of the work. In the first part, I approach the specifity of the work focusing on three aspects linked with the literary theory: the hybridity of literary genres (chapter 1), the hypertextual structure (chapter 2) and the role of the reader on shaping the work (chapter 3). In the second part, I develop a cross-analysis of four subjects which have been systematically studied in the texts of the authoress: the doubtfulness of any metaphysical meaning of the language (chapter 4), the desire and the loss of hope (chapter 5), the disintegration of the ego (chapter 6), and, finally, the awareness of the dissolution of the conscience in search of an innocent condition previous to the “logos” (chapter 7). The thematic tours that I put forward in this study arose, in part from the particular reading experience, and, on the other hand, from the textual task of the writing, that is shaped like a net in which the reader designs his own path. For that reason, the texts are treated in a crossing way, according to the subjects that the authoress herself repeats and remakes continuously, like fugues in a musical composition.

La tesis “Aspectos de la oralidad en la Bhagavad Gītā” parte de la constatación de la enorme divergencia de las traducciones de la Bhagavad Gītā y de la constatación paralela de la inexistencia de estudios sobre su poética, a pesar de que la obra es, precisamente, un poema. Huyendo de las perspectivas tradicionales usadas para explorar el contenido de la obra, esta tesis se centra en demostrar la relevancia de los postulados de la teoría de la oralidad para poner mejor de manifiesto la realidad subyacente de su forma y sus contenidos. Gracias a este nuevo enfoque, se consigue establecer un mejor marco teórico en el que es posible tratar satisfactoriamente la problemática propuesta inicialmente y determinar la profunda relación de los dos aspectos observados en el punto de partida, a pesar de su aparente independencia inicial. Como complemento a la investigación la tesis aporta un análisis de los versos de la obra sin sandhi, que posibilita el estudio técnico detallado de sus contenidos. / The dissertation “Aspects of Orality in the Bhagavad Gītā”, starts realizing the enormous difference between the different translations of that work. At the same time, one is puzzled to observe that, although the Bhagavad Gītā is a poem, no relevant study dealing with its poetics is currently available. The approach used in this dissertation avoids the perspectives with which the contents of the Bhagavad Gītā are traditionally analyzed and centers on the relevance of orality to bring forward more convincingly the complexity of its contents. Thanks to this new approach, this dissertation makes possible to establish a new theoretical frame where the problems that prompted the investigation in the first place find a more satisfactory resolution. As a complement to the analysis it undertakes, and in order to make possible the study of the technicalities of its contents this dissertation offers a version without sandhi of the verses forming the Bhagavad Gītā.

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