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Confrontos e paralelos: O Salão Internacional de Arte Fotográfica de São Paulo (1942-1959) / Confrontation and paralels: O Salão internacional de Arte Fotográfica de São Paulo (1942-1959)

Porto, Marly Terezinha Castro 28 March 2018 (has links)
Esta dissertação tem por objetivo investigar o legado do Salão Internacional de Arte Fotográfica de São Paulo organizado pelo Foto Cine Clube Bandeirante entre 1942 e 1959. Este recorte temporal tem como ponto de partida a realização do 1º Salão Paulista de Arte Fotográfica, que pouco depois passou a ser internacional, e estende-se até o fim da década de 1950, quando o Foto Cine Clube Bandeirante começou a perder o espaço que havia conquistado junto ao circuito de arte. A ausência de estudos sobre os salões e exposições fotoclubistas, bem como a importância do Foto Cine Clube Bandeirante para a instauração de uma das vertentes da fotografia moderna no Brasil, justificam a escolha do tema. Como principais fontes de pesquisa foram utilizados os catálogos do Salão Internacional de Arte Fotográfica de São Paulo e o Boletim Foto Cine que permitiram realizar um levantamento exaustivo, tanto dos fotógrafos quanto das fotografias participantes nas várias edições do Salão durante o período abordado. No escopo desta pesquisa toma-se o fotoclubismo como um fenômeno cultural que se organizou na forma de uma rede de sociabilidade, capaz de promover troca de informações e compartilhamento de experiências entre os seus membros. Considera-se que os confrontos e paralelos entre as fotografias apresentadas ao longo dos anos no Salão foram determinantes para a constituição de uma cultura visual específica, cujas características buscamos identificar. Nesse contexto, o Salão Internacional de Arte Fotográfica de São Paulo é entendido como o principal fórum do fotoclubismo brasileiro nas décadas de 1940 e 1950. / The purpose of this dissertation is to examine the legacy of Salão Internacional de Arte Fotográfica de São Paulo (São Paulo International Photographic Art Salon) organized by Foto Cine Clube Bandeirante between 1942 and 1959. This period starts from the organization of the 1st Salão Paulista de Arte Fotográfica (São Paulo Photographic Art Salon), which soon after became international, and extends to the end of the 1950s, when Foto Cine Clube Bandeirante started losing the importance it had gained in the art circles. The absence of studies on photo club salons and exhibitions, as well as on Foto Cine Clube Bandeirantes importance for the onset of one of the branches of modern photography in Brazil, warrant the chosen theme. The primary sources for research used were Salão Internacional de Arte Fotográfica de São Paulos catalogs and Boletim Foto Cine (the photo clubs newsletter), which allowed for exhaustive survey of both the photographers and the photographs participating in the various editions of the Salon during the period of study. The scope of this research takes photo clubs as a cultural phenomenon, organized as a sociability network capable of fostering the sharing of information and experience amongst its members. It considers that the comparisons and parallels drawn between the photographs the salons displayed over the years were crucial for the formation of a specific visual culture, whose characteristics this study attempts to identify. In this context, Salão Internacional de Arte Fotográfica de São Paulo is understood as the main forum of Brazilian photo-club-related activities in the 1940s and 1950s
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Confrontos e paralelos: O Salão Internacional de Arte Fotográfica de São Paulo (1942-1959) / Confrontation and paralels: O Salão internacional de Arte Fotográfica de São Paulo (1942-1959)

Marly Terezinha Castro Porto 28 March 2018 (has links)
Esta dissertação tem por objetivo investigar o legado do Salão Internacional de Arte Fotográfica de São Paulo organizado pelo Foto Cine Clube Bandeirante entre 1942 e 1959. Este recorte temporal tem como ponto de partida a realização do 1º Salão Paulista de Arte Fotográfica, que pouco depois passou a ser internacional, e estende-se até o fim da década de 1950, quando o Foto Cine Clube Bandeirante começou a perder o espaço que havia conquistado junto ao circuito de arte. A ausência de estudos sobre os salões e exposições fotoclubistas, bem como a importância do Foto Cine Clube Bandeirante para a instauração de uma das vertentes da fotografia moderna no Brasil, justificam a escolha do tema. Como principais fontes de pesquisa foram utilizados os catálogos do Salão Internacional de Arte Fotográfica de São Paulo e o Boletim Foto Cine que permitiram realizar um levantamento exaustivo, tanto dos fotógrafos quanto das fotografias participantes nas várias edições do Salão durante o período abordado. No escopo desta pesquisa toma-se o fotoclubismo como um fenômeno cultural que se organizou na forma de uma rede de sociabilidade, capaz de promover troca de informações e compartilhamento de experiências entre os seus membros. Considera-se que os confrontos e paralelos entre as fotografias apresentadas ao longo dos anos no Salão foram determinantes para a constituição de uma cultura visual específica, cujas características buscamos identificar. Nesse contexto, o Salão Internacional de Arte Fotográfica de São Paulo é entendido como o principal fórum do fotoclubismo brasileiro nas décadas de 1940 e 1950. / The purpose of this dissertation is to examine the legacy of Salão Internacional de Arte Fotográfica de São Paulo (São Paulo International Photographic Art Salon) organized by Foto Cine Clube Bandeirante between 1942 and 1959. This period starts from the organization of the 1st Salão Paulista de Arte Fotográfica (São Paulo Photographic Art Salon), which soon after became international, and extends to the end of the 1950s, when Foto Cine Clube Bandeirante started losing the importance it had gained in the art circles. The absence of studies on photo club salons and exhibitions, as well as on Foto Cine Clube Bandeirantes importance for the onset of one of the branches of modern photography in Brazil, warrant the chosen theme. The primary sources for research used were Salão Internacional de Arte Fotográfica de São Paulos catalogs and Boletim Foto Cine (the photo clubs newsletter), which allowed for exhaustive survey of both the photographers and the photographs participating in the various editions of the Salon during the period of study. The scope of this research takes photo clubs as a cultural phenomenon, organized as a sociability network capable of fostering the sharing of information and experience amongst its members. It considers that the comparisons and parallels drawn between the photographs the salons displayed over the years were crucial for the formation of a specific visual culture, whose characteristics this study attempts to identify. In this context, Salão Internacional de Arte Fotográfica de São Paulo is understood as the main forum of Brazilian photo-club-related activities in the 1940s and 1950s
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Da (re)criação enunciativa da experiência humana: a fotografia como testemunho

Verbist, Sandra Regina Klafke 14 March 2016 (has links)
Submitted by Silvana Teresinha Dornelles Studzinski (sstudzinski) on 2016-05-18T13:49:34Z No. of bitstreams: 1 Sandra Regina Klafke Verbist_.pdf: 1801726 bytes, checksum: f3874e60fef1614b68ee7fe0cde719fc (MD5) / Made available in DSpace on 2016-05-18T13:49:34Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Sandra Regina Klafke Verbist_.pdf: 1801726 bytes, checksum: f3874e60fef1614b68ee7fe0cde719fc (MD5) Previous issue date: 2016-03-14 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / FAPERGS - Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado do Rio Grande do Sul / Esta tese se apresenta como um produto de metassemântica por criar um discurso a respeito da possibilidade de a arte que se realiza em imagem fotográfica constituir-se como testemunho da experiência humana na linguagem. Pelo caminho que conduz à semiologia de segunda geração, o estudo aborda a arte como potência testemunhal representativa da experiência do homem na linguagem, tendo como objeto a fotografia organizada no formato de narrativa, tal como arranjada na obra fotográfica Arquipélago, de Cristiano Sant’Anna. As bases para este estudo são a teoria da enunciação derivada da obra de Émile Benveniste (1995, 2006, 2014) e a noção de testemunho derivada do pensamento filosófico de Giorgio Agamben (2008a). O produto gerado por esta pesquisa contém uma possibilidade teórica que inclui a enunciação, mas que não se esgota nela, indicando que arte fotográfica é testemunho da experiência humana na linguagem quando evoca a realidade positiva que revolve o conjunto do simbólico e estimula o homem a, na e pela linguagem, realocar-se e a procurar uma nova posição para si no universo discursivo, em um tempo infinitamente presente, mobilizando a cadeia significante da qual faz parte a favor de sua necessidade de existir na e pela língua. / This thesis is presented as a product of metasemantics because it creates a discourse about the possibility of art held in photographic image to establish itself as a testimony of human experience in language. Through the road leading to the second-generation semiology, this study addresses art as a representative force of testimony of man's experience in language, having as its object photography organized in a narrative format, as arranged in the photographic work Arquipélago, Cristiano Sant'Anna. The bases for this study are derived from the theory of enunciation in Émile Benveniste's work (1995, 2006, 2014) and the notion of testimony derived from the philosophical thought of Giorgio Agamben (2008a). The product generated by this research contains a theoretical possibility which includes the enunciation, but does not stop there, indicating that photographic art is a testimony of the human experience in language when it evokes the positive reality that revolves the symbolic and stimulates man to, in and through language, relocate himself and to look for a new position for himself in the discursive universe, in an infinitely present time, mobilizing the chain of signifiers of which he is part, in order to meet his need to exist in and through language.
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Uma parada - Antonio Manuel e a imagem fotográfica do corpo. Brasil anos 67/77 / Uma parada - Antonio Manuel e a imagem fotográfica do corpo. Brasil anos 67/77

Araujo, Virgínia Gil 20 September 2007 (has links)
Uma parada - Antonio Manuel - Entre os artistas contemporâneos no Brasil nos anos 60 e 70, acreditamos que Antonio Manuel foi o que guardou um profundo mistério na sua produção. Mesmo ao ser censurado, trilhou sua trajetória e, aos poucos, ocupou um espaço suficiente para causar uma inversão da representação e encontrar um caminho errático que o fizesse, dinamicamente, atuar. Pela tomada do corpo, como gesto de liberdade, expandiu sua arte. Sua atitude de pensamento se transformou em fotografia. Quando falamos em \"uma parada\", queremos enfatizar a importância da pose pausada no auto-retrato do artista, para justificar a tese de que Antonio Manuel também expandiu a arte contemporânea pela fotografia. Essa ampliação doa to criativo se deu graças à presença constante das imagens fotográficas do corpo nos seus trabalhos, que, inquietos, iniciaram esse percurso, de modo a podermos afirmar que, hoje, a fotografia tem importante significado no conjunto de suas séries. Para corrigir a realidade imposta tão violentamente pela ditadura militar, timidamente, Antonio Manuel abandonou o desenho sobre jornais para se apropriar das fotografias da imprensa, como também transgredir, corajosamente, a gramática dos veículos de comunicação de massa. Interessa-nos apontar para a importância dessa atitude e, para isso, desenvolvemos algumas possibilidades de compreensão. Consideramos as estratégias propostas pelos críticos Mário Pedrosa e Frederico de Morais e, ainda, os diversos teóricos que estudamos para tornar o debate da época, sobre as estratégias da arte contemporânea no Brasil dos anos 60 e 70, plausível. A arte fotográfica de Antonio Manuel, particularmente as imagens fotográficas do corpo, tiveram uma incrível ressonância na crítica de arte nacional e internacional. Porém, não vem sendo exibida como uma das poucas manifestações visuais que soube estar em sintonia com as diferentes tendências da arte fotográfica das últimas duas décadas. Para confirmar sua importância conceitual, delimitamos sua produção entre os anos de 1967 e 1977. A estrutura dos capítulos não segue à risca uma ordem cronológica, mas principalmente, a relação do ato criativo com o conjunto das séries. Destacamos as análises dos auto-retratos e dos retratos, bem como dos filmes do artista, em que a arte da desaparição de Jean Baudrillard sustenta a noção de \"parada\" fotográfica. Uma Parada tem ênfase no retrato, nos objetos inquietantes e nas imagens perturbadoras, que gestaram a relação do artista com o mundo durante um período de crise da arte. Porém, a crise do sujeito em Antonio Manuel é desafiadora, porque subverteu os modelos e desarticulou as referências, por enfrentar o processo de trabalho com luta e criatividade. Da sua liberdade, o espectador-participador se torna cúmplice. / A paused pose - Antonio Manuel - Among the Brazilian contemporary artists of the 60s and 70s we believe that Antonio Manuel has been the one who has kept a profound mystery in his production. Even when he was banned, he managed to make his way and, little by little, take enough place to cause an inversion of representation, finding an erratic path that made him act dynamically. By taking the body as a gesture of freedom, he has expanded art. His way of thinking has turned into photography. When we say a pause, we want to emphasize the importance of the paused pose in the artists self portrait so as to justify the thesis that Antonio Manuel has also expanded contemporary art through photography. This enlargement of the creative act was due to the constant presence of photographic body images in his works, which, in a restless way, started this journey, enabling our statement that, today, photography has a meaning in the complex oh his series. In order to correct the reality so violently imposed by the military dictatorship, Antonio Manuel abandoned drawing over newspapers timidly to appropriated in pointing out the importance of this attitude and, for that purpose, we have developed some possibilities of comprehension. We have considered the strategies suggested by critics Mario Pedrosa and Frederico de Morais, as well as many other theorists we have studied, so as to make plausible the debate on the strategies of Brazilian contemporary art in the 60s and 70s at that time. The photography art of Antonio Manuel, particularly his photographic body images, has had an incredible resonance among the national and international art critic. However, it has not been exhibited as one of the few visual manifestations which knew how to be tuned with the different tendencies of photographic art in the last couple of decades. In order to confirm his conceptual importance, we have delimited his production between the years of 1967 and 1977. The structure of the chapters does not necessarily follow a chronological order, but rather the relationship between the creative act and the complex of series. We have highlighted the analysis oh his self portraits and portraits, as well as the film, where the art of disappearance by Jean Baudrillard supports the concept of photographic pause. A Paused Pose emphasizes the portrait, the disturbing objects and the alarming images which conceived the relationship between the artist and the world during a period of art crisis. However, the crisis of the subject in Antonio Manuel is challenging, for it has subverted the models and disarticulated the references by facing the work process with struggle and creativity. The spectator participant becomes an accomplice of this freedom.
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Uma parada - Antonio Manuel e a imagem fotográfica do corpo. Brasil anos 67/77 / Uma parada - Antonio Manuel e a imagem fotográfica do corpo. Brasil anos 67/77

Virgínia Gil Araujo 20 September 2007 (has links)
Uma parada - Antonio Manuel - Entre os artistas contemporâneos no Brasil nos anos 60 e 70, acreditamos que Antonio Manuel foi o que guardou um profundo mistério na sua produção. Mesmo ao ser censurado, trilhou sua trajetória e, aos poucos, ocupou um espaço suficiente para causar uma inversão da representação e encontrar um caminho errático que o fizesse, dinamicamente, atuar. Pela tomada do corpo, como gesto de liberdade, expandiu sua arte. Sua atitude de pensamento se transformou em fotografia. Quando falamos em \"uma parada\", queremos enfatizar a importância da pose pausada no auto-retrato do artista, para justificar a tese de que Antonio Manuel também expandiu a arte contemporânea pela fotografia. Essa ampliação doa to criativo se deu graças à presença constante das imagens fotográficas do corpo nos seus trabalhos, que, inquietos, iniciaram esse percurso, de modo a podermos afirmar que, hoje, a fotografia tem importante significado no conjunto de suas séries. Para corrigir a realidade imposta tão violentamente pela ditadura militar, timidamente, Antonio Manuel abandonou o desenho sobre jornais para se apropriar das fotografias da imprensa, como também transgredir, corajosamente, a gramática dos veículos de comunicação de massa. Interessa-nos apontar para a importância dessa atitude e, para isso, desenvolvemos algumas possibilidades de compreensão. Consideramos as estratégias propostas pelos críticos Mário Pedrosa e Frederico de Morais e, ainda, os diversos teóricos que estudamos para tornar o debate da época, sobre as estratégias da arte contemporânea no Brasil dos anos 60 e 70, plausível. A arte fotográfica de Antonio Manuel, particularmente as imagens fotográficas do corpo, tiveram uma incrível ressonância na crítica de arte nacional e internacional. Porém, não vem sendo exibida como uma das poucas manifestações visuais que soube estar em sintonia com as diferentes tendências da arte fotográfica das últimas duas décadas. Para confirmar sua importância conceitual, delimitamos sua produção entre os anos de 1967 e 1977. A estrutura dos capítulos não segue à risca uma ordem cronológica, mas principalmente, a relação do ato criativo com o conjunto das séries. Destacamos as análises dos auto-retratos e dos retratos, bem como dos filmes do artista, em que a arte da desaparição de Jean Baudrillard sustenta a noção de \"parada\" fotográfica. Uma Parada tem ênfase no retrato, nos objetos inquietantes e nas imagens perturbadoras, que gestaram a relação do artista com o mundo durante um período de crise da arte. Porém, a crise do sujeito em Antonio Manuel é desafiadora, porque subverteu os modelos e desarticulou as referências, por enfrentar o processo de trabalho com luta e criatividade. Da sua liberdade, o espectador-participador se torna cúmplice. / A paused pose - Antonio Manuel - Among the Brazilian contemporary artists of the 60s and 70s we believe that Antonio Manuel has been the one who has kept a profound mystery in his production. Even when he was banned, he managed to make his way and, little by little, take enough place to cause an inversion of representation, finding an erratic path that made him act dynamically. By taking the body as a gesture of freedom, he has expanded art. His way of thinking has turned into photography. When we say a pause, we want to emphasize the importance of the paused pose in the artists self portrait so as to justify the thesis that Antonio Manuel has also expanded contemporary art through photography. This enlargement of the creative act was due to the constant presence of photographic body images in his works, which, in a restless way, started this journey, enabling our statement that, today, photography has a meaning in the complex oh his series. In order to correct the reality so violently imposed by the military dictatorship, Antonio Manuel abandoned drawing over newspapers timidly to appropriated in pointing out the importance of this attitude and, for that purpose, we have developed some possibilities of comprehension. We have considered the strategies suggested by critics Mario Pedrosa and Frederico de Morais, as well as many other theorists we have studied, so as to make plausible the debate on the strategies of Brazilian contemporary art in the 60s and 70s at that time. The photography art of Antonio Manuel, particularly his photographic body images, has had an incredible resonance among the national and international art critic. However, it has not been exhibited as one of the few visual manifestations which knew how to be tuned with the different tendencies of photographic art in the last couple of decades. In order to confirm his conceptual importance, we have delimited his production between the years of 1967 and 1977. The structure of the chapters does not necessarily follow a chronological order, but rather the relationship between the creative act and the complex of series. We have highlighted the analysis oh his self portraits and portraits, as well as the film, where the art of disappearance by Jean Baudrillard supports the concept of photographic pause. A Paused Pose emphasizes the portrait, the disturbing objects and the alarming images which conceived the relationship between the artist and the world during a period of art crisis. However, the crisis of the subject in Antonio Manuel is challenging, for it has subverted the models and disarticulated the references by facing the work process with struggle and creativity. The spectator participant becomes an accomplice of this freedom.

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