Esta pesquisa visou possibilitar o conhecimento da Ikebana como uma manifestação estética significativa, integrante da história da arte japonesa e que vem se disseminando pelo mundo. Para compreensão da sua estética, será demonstrado como exemplo o trabalho do artista contemporâneo Toshiro Kawase, o estudo do Zen e suas características. Toshiro Kawase é um artista especializado na arte da Ikebana, e suas obras resultaram em dois livros de âmbito internacional: Inspired Flower Arrangements (1990) e The Book of Ikebana (2000). A arte japonesa é baseada nos sentimentos e na simplicidade de expressão, que motivaram este povo a utilizar a natureza como suporte para executar memoráveis obras de arte. Ao longo da história, no oriente e no ocidente da mesma forma, a beleza das flores adicionou graça e charme na vida das pessoas. A pesquisa analisa a arte japonesa e sua ligação inseparável com a religião, abordando principalmente os aspectos do sagrado, o conceito do belo e a real função do artista de Ikebana. / This research intends to show Ikebana by being an esthetic manifestation of art, that been walking side by side with all stages of Art History. To understand the esthetic of Ikebana, will be demonstrated by example, the contemporary artist Toshiro Kawase, the Zen study and its characteristics. Toshiro Kawase is an artist specialized in Ikebanas Art, and his production inspired two international books: Inspired Flower Arrangements (1990) and The Book of Ikebana (2000). The Japanese art is based on emotions and expression simplicity that motivated this people to use the nature like a support to execute memorable works of art. In all parts of history of the art, in occident and in the orient at the same way, the beauty of flowers added grace and charm in peoples life. The question is: Why do Ikebanas art appeared only in Japan or related to Japanese? This research, analyses the Japanese art and its unbreakable link with religiosity, often the sacred aspect, the definition of beauty and the real functionality of the artist. This research also presents aspects of the principal objective of art, and how to do its communication purposing the perpetuation of his human experiences.

Resumo: A novela O mistério da prostituta japonesa & Mimi-nashi-Oichi, escrita por Valêncio Xavier e publicada pela primeira vez em Curitiba, em 1986, pode ser considerada a obra “japonesa” do autor. Embora pareçam duas narrativas distintas, aproximam-se tanto por conterem elementos do universo cultural japonês como por valeremse de recursos que caracterizam a obra de Valêncio, como a hibridação entre texto e imagem e a inserção de elementos de mistério/fantásticos. Valêncio convida-nos a percorrer os labirintos de seu pensamento inventivo, buscando uma via que concilie a visão e outros sentidos. A interculturalidade e os encontros e desencontros na babel cosmopolita são seu tema. Seu projeto é buscar o Outro, o oposto que será complemento. Sem temer o confronto das diferenças e do estranhamento, o autor avança, buscando a palavra desse Outro. Esta leitura tem como objetivo pensar como o estranho, o mistério e o maravilhoso estão relacionados ao conceito do Outro, considerando O mistério da prostituta japonesa & Mimi-nashi-Oichi uma reflexão sobre a relação entre o Eu familiar do Ocidente e o Outro estranho do Oriente. Para percorrer o labirinto inventivo de Valêncio Xavier, dialogo com Gerard Genette, Julia Kristeva, Walter Benjamim, Haroldo de Campos, Lucia Santaella e Marshall McLuhan e com autores de Estudos Japoneses, como Ernst Fenollosa, Junichiro Tanizaki, Andrew Juniper, Adele Schlombs e os críticos da obra do autor, como Décio Pignatari e outros.

Esta pesquisa visou possibilitar o conhecimento da Ikebana como uma manifestação estética significativa, integrante da história da arte japonesa e que vem se disseminando pelo mundo. Para compreensão da sua estética, será demonstrado como exemplo o trabalho do artista contemporâneo Toshiro Kawase, o estudo do Zen e suas características. Toshiro Kawase é um artista especializado na arte da Ikebana, e suas obras resultaram em dois livros de âmbito internacional: Inspired Flower Arrangements (1990) e The Book of Ikebana (2000). A arte japonesa é baseada nos sentimentos e na simplicidade de expressão, que motivaram este povo a utilizar a natureza como suporte para executar memoráveis obras de arte. Ao longo da história, no oriente e no ocidente da mesma forma, a beleza das flores adicionou graça e charme na vida das pessoas. A pesquisa analisa a arte japonesa e sua ligação inseparável com a religião, abordando principalmente os aspectos do sagrado, o conceito do belo e a real função do artista de Ikebana. / This research intends to show Ikebana by being an esthetic manifestation of art, that been walking side by side with all stages of Art History. To understand the esthetic of Ikebana, will be demonstrated by example, the contemporary artist Toshiro Kawase, the Zen study and its characteristics. Toshiro Kawase is an artist specialized in Ikebanas Art, and his production inspired two international books: Inspired Flower Arrangements (1990) and The Book of Ikebana (2000). The Japanese art is based on emotions and expression simplicity that motivated this people to use the nature like a support to execute memorable works of art. In all parts of history of the art, in occident and in the orient at the same way, the beauty of flowers added grace and charm in peoples life. The question is: Why do Ikebanas art appeared only in Japan or related to Japanese? This research, analyses the Japanese art and its unbreakable link with religiosity, often the sacred aspect, the definition of beauty and the real functionality of the artist. This research also presents aspects of the principal objective of art, and how to do its communication purposing the perpetuation of his human experiences.

A presente pesquisa investiga o movimento de gravura moderna japonesa Shin-hanga, que se iniciou na Era Meiji (1868 1912) e foi desenvolvido nas duas eras subsequentes, Taish (1912 1926) e Shwa (1926 1989), em um momento em que o Japão passava por um processo de ocidentalização. Tal contexto histórico é explicado no primeiro capítulo, o qual nos ajuda a entender o desenvolvimento do Shin-hanga e suas relações com o mundo e a arte ocidental, principalmente a europeia. O movimento em si é explicado no segundo capítulo: o seu início, o desenvolvimento e os principais artistas. A paisagem, ou as vistas de lugares, foi o tema escolhido para a análise das imagens. Como exemplo do movimento, destacou-se o artista Hiroshi Yoshida (1876 1950), o qual teve muitas oportunidades para viajar para fora do Japão, tendo a vivência no Ocidente e no Oriente. Yoshida fez pinturas e xilogravuras e utilizou a técnica tradicional japonesa em sua produção, mas também incorporou conceitos ocidentais no estudo de luz, por exemplo. Suas obras foram estudadas estabelecendo comparações com as estampas Ukiyo-e e algumas pinturas impressionistas europeias. / The present research investigates the modern Japanese print movement Shin-hanga, which began in the Meiji Era (1868 1912) and was developed in the two subsequent eras, Taish (1912 1926) and Shwa (1926 1989), at a time when Japan underwent a process of westernization. Such a context is explained in the first chapter, which helps us understand the development of Shin-hanga and his relations with the world and Western art, mainly European. The movement itself is explained in the second chapter: its beginning, development and the leading artists. The landscape, or the views of places was the theme chosen for the analysis of the images. As an example of the movement, the highlight is on the artist Hiroshi Yoshida (1876 - 1950), who had many opportunities to travel outside Japan, having experience in the West and East. Yoshida made paintings and prints and used the traditional Japanese technique in his production, but also incorporated Western concepts in the study of light, for example. His works were studied alongside Ukiyo-e prints and some Impressionist paintings by European artists.

A presente investigação teve como ponto de partida o estudo da palavra kôgei 工芸, derivada de geijutsu 芸術, que corresponde à ideia de arte no Japão. A pesquisa inicia-se com uma análise preliminar das principais diferenças entre geijutsu e a arte europeia, no sentido de belas artes predominante até meados do século XIX. Segue-se um esclarecimento acerca da origem da palavra kôgei, criada para traduzir o termo inglês industry no contexto da modernização do país, mas que sofreria um processo de reelaboração desse significado, tornando-o mais próximo de arte e artesanato, e símbolo da cultura material japonesa. Em nossa delimitação cronológica, que tem início com a reabertura dos portos japoneses para as potências marítimas estrangeiras durante os anos 1850, investigamos alguns elementos que contribuíram para a transformação semântica de kôgei, tais como a função social da arte no Japão pré-moderno, a participação nas exposições internacionais de arte e indústria, o aponismo e a inserção da arte japonesa no debate ocidental sobre a arte aplicada por volta da década de 1870. / The starting point of the investigation here presented was the study of the word kōgei工芸, derived from geijutsu 芸術, which corresponds to the idea of art in Japan. The research begins with a preliminary analysis of the main differences between geijutsu and European art, in the sense of fine arts prevalent until the mid-nineteenth century. It is followed by a clarification about the origin of the word kōgei, created to translate the English term industry in the context of the country modernization. That meaning would be the subject of re-elaboration, making it closer to art and crafts, and symbol of the Japanese material culture. In our chronological delimitation, which begins with the reopening of Japanese ports to the international maritime powers during the 1850s, we investigate some elements that contributed to the semantic transformation of kōgei, such as the social function of art in premodern Japan, the participation in international exhibitions of art and industry, Japonisme and the insertion of the Japanese art in the Western debate on applied arts around the 1870s.

A presente pesquisa investiga o movimento de gravura moderna japonesa Shin-hanga, que se iniciou na Era Meiji (1868 1912) e foi desenvolvido nas duas eras subsequentes, Taish (1912 1926) e Shwa (1926 1989), em um momento em que o Japão passava por um processo de ocidentalização. Tal contexto histórico é explicado no primeiro capítulo, o qual nos ajuda a entender o desenvolvimento do Shin-hanga e suas relações com o mundo e a arte ocidental, principalmente a europeia. O movimento em si é explicado no segundo capítulo: o seu início, o desenvolvimento e os principais artistas. A paisagem, ou as vistas de lugares, foi o tema escolhido para a análise das imagens. Como exemplo do movimento, destacou-se o artista Hiroshi Yoshida (1876 1950), o qual teve muitas oportunidades para viajar para fora do Japão, tendo a vivência no Ocidente e no Oriente. Yoshida fez pinturas e xilogravuras e utilizou a técnica tradicional japonesa em sua produção, mas também incorporou conceitos ocidentais no estudo de luz, por exemplo. Suas obras foram estudadas estabelecendo comparações com as estampas Ukiyo-e e algumas pinturas impressionistas europeias. / The present research investigates the modern Japanese print movement Shin-hanga, which began in the Meiji Era (1868 1912) and was developed in the two subsequent eras, Taish (1912 1926) and Shwa (1926 1989), at a time when Japan underwent a process of westernization. Such a context is explained in the first chapter, which helps us understand the development of Shin-hanga and his relations with the world and Western art, mainly European. The movement itself is explained in the second chapter: its beginning, development and the leading artists. The landscape, or the views of places was the theme chosen for the analysis of the images. As an example of the movement, the highlight is on the artist Hiroshi Yoshida (1876 - 1950), who had many opportunities to travel outside Japan, having experience in the West and East. Yoshida made paintings and prints and used the traditional Japanese technique in his production, but also incorporated Western concepts in the study of light, for example. His works were studied alongside Ukiyo-e prints and some Impressionist paintings by European artists.

Ohno Yoshito iniciou sua carreira com a obra Kinjiki (Cores proibidas), considerada a primeira performance de butoh, criada por Hijikata Tatsumi, em 1959, de quem se tornou discípulo durante a década de 1960. Posteriormente, tornou-se o principal parceiro de seu pai, Ohno Kazuo, com quem trabalhou por mais de três décadas. Da parceria com os fundadores do butoh surgiu o espetáculo Hana to Tori: mirai no watashi e no tegami (Flor e pássaro: uma carta para meu futuro eu), de 2013, primeira obra solo de Ohno Yoshito após a morte de Ohno Kazuo, em 2010. Assim, a presente pesquisa, ao traçar a trajetória de Ohno Yoshito junto ao desenvolvimento do butoh no Japão, traça um panorama dos anos iniciais que o levaram até a obra Kinjiki, assim como do período em que se estabeleceu o ankoku butoh (dança da escuridão) por Hijikata Tatsumi, fundamental na formação artística de Ohno Yoshito. Em seguida, debruça-se sobre a reconstrução de Admirando La Argentina, obra prima de seu pai, de 1977, refeita por Ohno Yoshito e parte de sua obra Hana To Tori. / Ohno Yoshito began his career with the work \"Kinjiki\" (Forbidden Colors), considered the first butoh performance, created by Hijikata Tatsumi in 1959, of whom he became a disciple during the 1960s. Subsequently, he became the main partner of his father, Ohno Kazuo, with whom he worked for more than three decades. From the partnership with the founders of butoh, the play \"Hana to Tori: mirai no watashi e no tegami\" (Flower and bird: a letter to my future self) of 2013, Ohno Yoshito\'s first solo work after the death of Ohno Kazuo, in 2010. Thus, the present research, tracing Ohno Yoshito\'s trajectory with the development of the butoh in Japan, gives an overview of the initial years that led to the work \"Kinjiki\", as well as the period in which the ankoku butoh (dance of darkness) by Hijikata Tatsumi, fundamental in the artistic training of Ohno Yoshito. He then looks at the reconstruction of \"Admirando La Argentina\", his father\'s masterpiece, 1977, remade by Ohno Yoshito and part of his work \"Hana to Tori\".

Este estudo pretende investigar a pluralidade observada no trabalho do artista contemporâneo japonês Takashi Murakami (1962-), discutindo como a sua atuação em diversas áreas está diretamente ligada ao seu desenvolvimento artístico e fazer poético. No primeiro capítulo, construiremos um panorama sobre o mercado de arte, apresentando alguns dos principais agentes e eventos que o constituem e o movimentam. A compreensão deste cenário possibilita adentrarmos com mais clareza sobre as variadas ações de Murakami durante o segundo capítulo. Tomando o conceito de artista-etc do artista e crítico brasileiro Ricardo Basbaum (1961-) como ponto de partida, começaremos a perceber que parcerias em moda e design, assim como trabalho de galerista, colecionador e empreendedor, são papéis que Murakami desempenha em busca de respostas ligadas à sua indagação sobre a arte. A complexidade do artista também é vista no seu desenvolvimento estético, que constitui o terceiro capítulo deste texto. Por meio do mapeamento de suas obras realizadas e artistas que o instigaram desde a sua formação na faculdade, encontraremos um repertório diverso, iniciado com a prática de nihonga. A insatisfação com essa linguagem levou Murakami por uma série de experimentações, antes de desenvolver o super flat conceito pelo qual ele é reconhecido no âmbito mundial. A projeção internacional conquistada proporcionou ao artista seguir expandindo a sua pesquisa, por meio da sua parceria com o professor e historiador de arte Nobuo Tsuji (1932-) na qual trabalha o resgate de alguns nomes da arte japonesa ainda pouco estudados fora (e até mesmo dentro) do Japão. Espera-se que, a partir da leitura sobre Murakami apresentada neste trabalho, possa-se contribuir para as discussões sobre arte contemporânea e japonesa. / This study aims to investigate the plurality observed in the work of contemporary Japanese artist Takashi Murakami (1962-), discussing how his work in various areas is directly linked to his artistic and to make poetic development. In the first chapter, we will construct a panorama on the art market, presenting some of the main agents and events that constitute and move it. Understanding this scenario makes it possible to delve more clearly into Murakami\'s various actions during the second chapter. Taking the \"artista-etc\" [artist-etc] concept of the Brazilian artist and critic Ricardo Basbaum (1961-) as a starting point, we will begin to realize that partnerships in fashion and design, as well as the work of gallerist, collector and entrepreneur, are roles that Murakami plays in search of answers linked to his inquiry about art. The complexity of the artist is also seen in his aesthetic development, which is the third chapter of this text. Through the mapping of his accomplished works and artists who have instigated him since his formation in college, we will find a diverse repertoire, started with the practice of nihonga. The dissatisfaction with this language led Murakami through a series of experiments, before developing the super flat concept by which he is recognized worldwide. The international projection gained allowed the artist to continue to expand his research, through his partnership with Professor and Art Historian Nobuo Tsuji (1932-) in which he works to rescue some Japanese names of Japanese art that have yet been little-studied outside (and even within) Japan. It is hoped that, from the reading about Murakami presented in this work, one can contribute to the discussions on contemporary and Japanese art.

Em uma época em que o pensamento científico, voltado para a máxima produtividade e o maior lucro possível, já dominava a humanidade, audaciosamente, Kakuzō Okakura, pensador e historiador de arte japonês do período Meiji (1868-1912) coloca-se contra esse domínio e postula a defesa da arte genuína, que transcende a lógica vigente. Atuando, num primeiro momento, em nome do governo japonês e, posteriormente, de maneira independente, Okakura lutou pelo reconhecimento do valor da arte nipônica perante a comunidade internacional, chegando a publicar três obras sobre o assunto em inglês. Trabalhou também em solo norte-americano, no Museu de Belas-Artes de Boston, como responsável pelo Departamento de Artes Chinesa e Japonesa. Dando sequência ao seu ideal, Mokichi Okada, religioso, artista e colecionador de arte, instituiu um museu particular, em Hakone, com o objetivo de democratizar o acesso a obras-primas japonesas, entre outras iniciativas; além disso, orientava seus discípulos a encararem a arte como meio de elevação e desenvolvimento do caráter, indispensável para a promoção de uma sociedade mais justa e melhor. Neste trabalho, mostraremos os pilares do pensamento estético de Okakura e Okada, e também suas ações concretas em prol da arte. / In times when the scientific thought, aiming the maximum productivity and greatest profit, already controlled humanity, audaciously, Okakura Kakuzō, a Japanese thinker and scholar of art who perfomed in Meiji Era (1868-1912), stands against this control and postulates the defence of genuine art, which transcends the prevailing logic. Working, in first place, under the Japanese government and, subsequently, in an independent way, Okakura fought for the recognition of Japanese arts value in the world, publishing three books in English. He also worked in the USA, at the Museum of Fine Arts, Boston as the responsible of the Department of Chinese and Japanese Arts. Following Okakuras ideal, Okada Mokichi, religious, artist and art collector, he instituted a particular museum, in Hakone, aiming to democratize the access to Japanese masterpieces, and other initiatives; besides, he oriented his disciples to face art as way to develop and enhance the personality, essential for the promotion of a fairer and better society. In this work, we are going to show the pillars of the aesthetic thought of Okakura and Okada, and also their achievements in order to develop the arts.

Em uma época em que o pensamento científico, voltado para a máxima produtividade e o maior lucro possível, já dominava a humanidade, audaciosamente, Kakuzō Okakura, pensador e historiador de arte japonês do período Meiji (1868-1912) coloca-se contra esse domínio e postula a defesa da arte genuína, que transcende a lógica vigente. Atuando, num primeiro momento, em nome do governo japonês e, posteriormente, de maneira independente, Okakura lutou pelo reconhecimento do valor da arte nipônica perante a comunidade internacional, chegando a publicar três obras sobre o assunto em inglês. Trabalhou também em solo norte-americano, no Museu de Belas-Artes de Boston, como responsável pelo Departamento de Artes Chinesa e Japonesa. Dando sequência ao seu ideal, Mokichi Okada, religioso, artista e colecionador de arte, instituiu um museu particular, em Hakone, com o objetivo de democratizar o acesso a obras-primas japonesas, entre outras iniciativas; além disso, orientava seus discípulos a encararem a arte como meio de elevação e desenvolvimento do caráter, indispensável para a promoção de uma sociedade mais justa e melhor. Neste trabalho, mostraremos os pilares do pensamento estético de Okakura e Okada, e também suas ações concretas em prol da arte. / In times when the scientific thought, aiming the maximum productivity and greatest profit, already controlled humanity, audaciously, Okakura Kakuzō, a Japanese thinker and scholar of art who perfomed in Meiji Era (1868-1912), stands against this control and postulates the defence of genuine art, which transcends the prevailing logic. Working, in first place, under the Japanese government and, subsequently, in an independent way, Okakura fought for the recognition of Japanese arts value in the world, publishing three books in English. He also worked in the USA, at the Museum of Fine Arts, Boston as the responsible of the Department of Chinese and Japanese Arts. Following Okakuras ideal, Okada Mokichi, religious, artist and art collector, he instituted a particular museum, in Hakone, aiming to democratize the access to Japanese masterpieces, and other initiatives; besides, he oriented his disciples to face art as way to develop and enhance the personality, essential for the promotion of a fairer and better society. In this work, we are going to show the pillars of the aesthetic thought of Okakura and Okada, and also their achievements in order to develop the arts.