Magíster en gestión cultural / El modelo de gestión artística presentado en esta AFE, busca promover el desarrollo de las artes en las religiones, dándoles la importancia necesaria para que se conviertan en un canal comunicacional que ayude a estrechar la relación entre sociedad y religión, permitiéndoles entregar el mismo mensaje de manera diferente sin afectar su contenido; al contrario, la idea es poder ayudar a fortalecerlo.

El pintor quiteño, Miguel de Santiago (ca. 1630-1706), siendo especialista en series pictóricas, emprendió un estudio anatómico artístico para representar a las imágenes religiosas con un elevado nivel de realismo. Es así que pintó una serie de ocho pinturas conmemorando la tradición de las Siete Palabras de Cristo. El carácter vanguardista de esta serie elaborada en la Audiencia de Quito a mediados del siglo XVII, hizo que se las asocie con una leyenda. Actualmente una de estas obras se encuentra en el Museo de los Descalzos del Rímac en la ciudad de Lima, y constituye el objeto de estudio para la presente tesis. Así que se emprendió una labor investigativa dentro de archivos, bibliotecas, museos, entre otras estancias del Ecuador y Perú, con el fin de identificar la procedencia, atribución, contexto y motivos de elaboración, conexión y variantes de la leyenda, finalmente se analiza sus funciones y significados a lo largo de toda su existencia. / The quitenian painter Miguel de Santiago (ca. 1630-1706) had being a specialist in pictorical series. He started an artistic and anatomic study in order to represent religius images with a high realism level. Thus he painted a serie with eight paintings depicting Christ’s Seven words on the cross. The avangardist pictorical serie made in the Audiencia de Quito in the mid seventeenth century, was associated with a legend. Currently one of these paintings is in the Descalzo´s Museum in Rímac district at Lima city. Therefore this painting is the subjet to study in this thesis. The researching had taken place in archives, libraries, museums and other locations in Ecuador and Peru. In order to indetify the provenance, atribution, context and reasons for the creation, legend’s relations and variants. Finally a survey of functions and meanings throughouth the painting’s existence. / Tesis

El pintor quiteño, Miguel de Santiago (ca. 1630-1706), siendo especialista en series pictóricas, emprendió un estudio anatómico artístico para representar a las imágenes religiosas con un elevado nivel de realismo. Es así que pintó una serie de ocho pinturas conmemorando la tradición de las Siete Palabras de Cristo. El carácter vanguardista de esta serie elaborada en la Audiencia de Quito a mediados del siglo XVII, hizo que se las asocie con una leyenda. Actualmente una de estas obras se encuentra en el Museo de los Descalzos del Rímac en la ciudad de Lima, y constituye el objeto de estudio para la presente tesis. Así que se emprendió una labor investigativa dentro de archivos, bibliotecas, museos, entre otras estancias del Ecuador y Perú, con el fin de identificar la procedencia, atribución, contexto y motivos de elaboración, conexión y variantes de la leyenda, finalmente se analiza sus funciones y significados a lo largo de toda su existencia. / The quitenian painter Miguel de Santiago (ca. 1630-1706) had being a specialist in pictorical series. He started an artistic and anatomic study in order to represent religius images with a high realism level. Thus he painted a serie with eight paintings depicting Christ’s Seven words on the cross. The avangardist pictorical serie made in the Audiencia de Quito in the mid seventeenth century, was associated with a legend. Currently one of these paintings is in the Descalzo´s Museum in Rímac district at Lima city. Therefore this painting is the subjet to study in this thesis. The researching had taken place in archives, libraries, museums and other locations in Ecuador and Peru. In order to indetify the provenance, atribution, context and reasons for the creation, legend’s relations and variants. Finally a survey of functions and meanings throughouth the painting’s existence. / Tesis

Sostiene que el arte, la ciencia y la religión, como expresiones de la verdad, se complementan, a razón de que la religión se vale de la ciencia para llevar los espirítus a la comprensión de sus misterios sublimes; el arte para dar a sus creencias formas sensibles; la ciencia, siriviéndose del arte, para dar expresión a sus verdades; por último el arte busca en la religión el término de sus perfecciones; y la ciencia los ideales que necesita iluminar para atraer las inteligencias. Considera que arte, ciencia y religión se auxilian, no pueden faltarse o estar en pugna. / Tesis

Esta investigación trae a colación la responsabilidad ética que debe tener una tallerista con formación en artes escénicas frente a la comunidad cristiana evangélica de jóvenes Asambleístas, en el marco de la creación de piezas testimoniales en el taller escénico “Noventa y nueve”, empleando herramientas escénicas, como el reconocimiento corporal y la experiencia personal, entregadas por la tallerista. Para ello esta investigación se ha abortado desde la interdisciplinariedad de las artes escénicas y la teología, con el fin de entender un poco más el significado del testimonio como arte litúrgico y la responsabilidad de la tallerista frente a los jóvenes Asambleísta a respetar su creación testimonial y el cuidado que debe tener hacia ellos frente a la congregación cristiana. / This investigation brings up the ethical responsibility that a workshop teacher with training in performing arts should have in front of the evangelical Christian community of young Assembly members, within the framework of the creation of testimonial pieces in the scenic workshop "Noventa y nueve", using scenic tools , such as body recognition and personal experience, delivered by the workshop leader. For this, this research has been aborted from the interdisciplinarity of the performing arts and theology, in order to understand a little more the meaning of testimony as liturgical art and the responsibility of the workshop leader in front of the young Assemblymen to respect their testimonial creation and the care you should have towards them in front of the Christian congregation.

El tema de la presente investigación son los ejemplares de Trinidad trifacial producidos en las regiones andinas del virreinato peruano durante los siglos XVII y XVIII, aunque las piezas en cuestión cuentan solo con fechas aproximadas pues han sufrido de una larga disociación de sus contextos originales. Se examinan, en primer lugar, los precedentes de la iconografía en Europa: sus orígenes paganos, su apropiación como motivo decorativo durante la edad media, y su difusión como motivo trinitario durante el renacimiento italiano. Temas tangentes que se tratan en esta fase son también la reiterada asociación errónea de esta iconografía con herejías, presente tanto en fuentes medievales como en autores contemporáneos, y la presencia paralela del motivo trifacial en alegorías y libros de emblemas. Em segundo lugar, con el fin de contextualizar el desarrollo de estas piezas en el nuevo mundo, así como las interpretaciones que de estas se han hecho, se toman en cuenta los siguientes factores: Sus fuentes grabadas, la prohibición de esta iconografía por Roma en el s. XVIII, y la noción de “trinidades precolombinas” en el mundo andino presente en muchas crónicas. Un tema tangente que se enfatiza es la relación frecuente de la Trinidad trifacial con san Agustín, visible en muchos ejemplares. Tras esto, se realiza un acercamiento y análisis puntual de los ejemplares. Estos se incluyen ordenados de acuerdo con sus variantes iconográficas, tanto como a lo que se considera su progresiva transformación en un motivo devocional popular. Se examina el caso del Señor del Gran Poder de La Paz, como una devoción desarrollada alrededor de una Trinidad trifacial en el mundo aymara durante la modernidad, cuyos aspectos distintivos se desarrollan precisamente en función de sus tres rostros. Por último, se hace un breve estudio de la presencia de este motivo en un caso reciente de arte popular, así como en las obras de artistas contemporáneos peruanos y extranjeros, los cuales expresan cómo esta iconografía continúa apelando a la sensibilidad actual bajo nuevas interpretaciones. / Tesis

Esta investigación propone que “Velatorio” (1983), serie fotográfica del artista peruano Sergio Zevallos, construye a partir de la performatividad de lo queer, la exposición de la muerte y la religiosidad andrógina una denuncia hacia la normalización de la violencia y el rechazo sistemático del cuerpo subalterno desde el Estado, pero que además propone estrategias para poder enunciar desde la subalternidad. Para esto, se revisó cómo lo queer se encuentra presente en la serie y qué rol cumple. Así como, qué elementos de la serie traen la reflexión sobre la muerte. Y la importancia de los símbolos religiosos dislocados en la misma, pues estos símbolos permiten evidenciar la presencia de lo religioso en espacios precarios y sexualizados, alejados de la pulcritud de lo sepulcral religioso. La propuesta se elabora en tres capítulos con un enfoque biográfico basado en entrevistas; histórico-sociológico, que da cuenta del contexto social y artístico en el que surge la serie. Así también, el enfoque iconográfico para la identificación de motivos que se vinculen con la teoría queer y los estudios descoloniales con el fin de elaborar sobre las denuncias visuales y las posibilidades de crear estrategias de enunciación o resistencia al rechazo del sujeto subalterno. De esta manera, se plantea que la serie elabora apelando a este contexto de violencia para evidenciar la configuración de un sujeto subalterno que ha sido rechazado por el orden histórico y que, ahora, dentro de la serie, denota la potencia del enunciar desde su propia voz e insubordinación.

[EN] This PhD in Fine Arts is the introduction to a Yantric Theory of Drawing as a result of researching plastic forms from the universal principles present in perceptive reality. Based on the yantra as an active element in the drawing of a integral mandalic vision, Drawing re-presents a vision of the world based on aesthetic distance, in which the sum and multiplication of all the parts is contemplated from one point of view, a naked eye. This perspective is transdimensional, whereby co-creative man is capable of making his own vision real, enjoying the aesthetic experience through the practice of Art. Art is the fifth element in which contact with Beauty takes place in a disinterested way. This thesis in its Form and Consciousness explores the fundaments of these aesthetic formulations through its most yogic roots in India. We will add a metaphor to such aesthetic formulations and explain them through the voice of the artist, in which the process of transmutation of the matter, the transformation of the Nature into Art takes place. The shilpi yogi is the inspiration and aspiration of the being which indwells the imagery artist who develops images of himself, the imprints of personal consciousness transcended through transpersonal art forms. Its being, its Presence, can be modulated through plasticity, from the purest abstraction to the finest figurative art. This thesis represents a plastic voyage to the very heart of India, in which an artist and a sadhu go hand in hand as a symbolic encounter between indosophy and the sublime plastic representative of the tragedy of duality, sunk in life under the weight of chiaroscuro. Light is the Great Symbolic Metaphor and the primordial object of the mystery of Science. The space of the heart is the fifth plastic element on which we base our Yantric Theory of Drawing. We use this to reintegrate the coherence of Art from all times and places, reinterpreting it from an optimistic historical standpoint. Drawing gives us the power to make this real (maya-magic), through the yantric vision. This thesis is the foundational preface to a way to make real the dream of the imagined, a function which Art, the original inoculant, has had throughout history. Such a possibility of form-function-power is endorsed by the most ancient foundations of civilization: the great symbolic potential which was crystalised in Man, the complex system of ancient times which doesn't respond to limits, but rather to constellations, the tantra, inspiration and aspiration of quantic meta-physics. / [ES] Esta tesis doctoral en Bellas Artes es la introducción de una Teoría Yántrica del Dibujo como resultado de una investigación de la forma plástica desde principios universales presentes en la realidad perceptiva. Basada en el yantra como elemento activo dibujístico de una visión mandálica integral, el Dibujo viene a re-presentar una visión del mundo basada en la distancia estética, en la que la suma y multiplicación de todas las partes es contemplada desde un punto de vista y un ojo genuino, transdimensional, en el que el hombre co-creativo es capaz de realizar su propia visión y disfrutar de la experiencia estética a través de la práctica del Arte. El Arte es el quinto elemento en el que el contacto con la Belleza de modo desinteresado tiene lugar. Esta tesis, como Forma y Consciencia explora los fundamentos de estas formulaciones estéticas, a través de sus raíces más yóguicas, en India. A tales formulaciones estéticas les añadimos una metáfora y las explicamos a través de la voz del artista, en el que se da el proceso de transmutación de la materia, la transformación de la Naturaleza en Arte. El silpi yogui es la inspiración y aspiración del ser que habita en el artista imaginero, quien desarrolla sus propias imágenes o la huella de la consciencia personal que se supera a sí misma a través de la plástica de lo trans-personal. Su ser, solo Presencia, se deja modular en el vehículo plástico desde la más pura abstracción a la más fina figuración. Esta tesis representa un viaje plástico al corazón de la India, en el que van de la mano una artista y un sadhu como encuentro simbólico de la indosofía y el sublime representante plástico de la tragedia de la dualidad, sumido en la vida y el peso del claroscuro. La Luz es la Gran Metáfora simbólica y el objeto de misterio primordial de la Ciencia. El espacio del corazón es el quinto elemento plástico en el que se basa nuestra Teoría Yántrica del Dibujo para reintegrar la coherencia del Arte de todos los tiempos y lugares, desde un punto de vista histórico optimista que está en nuestras manos hacer real (magia-maya), a través de la visión yántrica para el Arte, a que da pie el Dibujo. Esta tesis es el prolegómeno fundacional de una vía de hacer real el sueño de lo imaginado, como ha venido haciendo el Arte como inóculo original a lo largo de la Historia. Tal posibilidad de forma-función-poder está avalada por los más antiguos fundamentos de la civilización, el gran potencial simbólico que fue posible cristalizar en el Hombre, el sistema complejo de la antigüedad que no responde a límites, sino a constelaciones, el tantra, inspiración y aspiración de la meta-física cuántica. CLARA M. SEVILLA SEGUÍ / [CAT] Aquesta tesi doctoral en Belles Arts és la introducció d'una Teoria Iàntrica del Dibuix com a resultat d'una investigació de la forma plàstica des de principis universals presents en la realitat perceptiva. Basada en el iantra com a element actiu del dibuix d'una visió integral del mandala, el Dibuix vindria a re-presentar una visió del món basada en la distància estètica, en què la suma i multiplicació de totes les parts és contemplada des d'un punt de vista i un ull genuí, "transdimensional", en què l'home co-creatiu és capaç de realitzar la pròpia visió i gaudir de l'experiència estètica a través de la pràctica de l'Art. L'Art és el cinquè element en què el contacte amb la Bellesa hi té lloc de forma desinteressada. Aquesta tesi, en tant que Forma i Consciència, explora els fonaments d'aquestes formulacions estètiques mitjançant unes arrels basades en sistema del ioga, pel que fa a l'Índia. A aitals formulacions estètiques els afegim una metàfora, i les expliquem per mitjà de la veu de l'artista, l'individu en qui es produeix el procés de transmutació de la matèria, la transformació de la Natura en Art. El silpi iogui és la inspiració i aspiració de l'ésser que habita en l'artista imaginer, qui desenvolupa les seves pròpies imatges o l'empremta de la consciència personal que se supera a si mateixa a través de la pràctica d'allò trans-personal. El seu ésser, tan sols Presència, es deixa modular en el vehicle plàstic des de la més pura abstracció fins a la figuració més fina. Aquesta tesi representa un viatge plàstic al cor de l'Índia, en què una artista i un sadhu, plegats, conflueixen de manera simbòlica en la indosofia i el sublim representant plàstic de la tragèdia de la dualitat, immers en la vida i el pes del clarobscur. La Llum és la Gran Metàfora simbòlica i l'objecte primordial de la ciència. L'espai del cor és el cinquè element plàstic en què es basa la nostra Teoria Iàntrica del Dibuix, el propòsit del qual consisteix a reintegrar la coherència de l'Art de tots els temps i llocs, des d'un punt de vista històric i optimista, que tenim a les nostres mans convertir en real (màgia-maia) a través de la visió iàntrica per a l'Art, a què dóna peu el Dibuix. Aquesta tesi és el prolegomen fundacional d'una via per tal de materialitzar el somni respecte d'allò imaginat, com ha vingut fent l'Art com a inòcul originari al llarg de la Història. Aquesta possibilitat de forma-funció-poder és avalada pels més antics fonaments de la civilització, el gran potencial simbòlic que fou possible cristal·litzar en la figura de l'Home, el sistema complex de l'antiguitat que no respon a límits, sinó a constel·lacions, el tantra: inspiració i aspiració de la meta-física quàntica. / Sevilla Seguí, CM. (2016). Forma y Consciencia: Fundamentos para una Teoría Yántrica del Dibujo [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/63259 / TESIS