Esta tesis doctoral está construida en función de unos objetivos muy concretos que tienen como base fundamental los parámetros de sostenibilidad medioambiental del arte y de la industria papelera. Teniendo esto en cuenta, planteamos unos objetivos generales en los que se revisará: la normativa medioambiental en esta industria, proyectos papeleros con finalidades artísticas que aprovechan y reciclan recursos naturales poco usuales, identificación de los distintos tipos de procesos, fibras, cargas y colas que son utilizados en el campo papelero, y el análisis de producciones artísticas creadas a partir de la manipulación de diversas pastas papeleras. Sucesivamente, planteamos objetivos específicos destinados a profundizar en un método alternativo de elaboración de papel y obra artística a partir de pastas papeleras procedentes de hoja caduca de árboles frutales. Este objetivo es el núcleo central de esta tesis y se corresponde al análisis de un caso, la hoja del melocotonero. A continuación se analizarán todos los papeles y obras realizadas para realizar una posterior extracción de resultados y conclusiones, y verificar si dichos materiales son adecuados para uso como técnica artística. METODOLOGÍA El planteamiento metodológico de este trabajo es experimental, con la finalidad de establecer una posible generalización dentro de un marco de innovación artística. Los diversos métodos empleados son: Búsqueda documental de fuentes bibliográficas e informes técnicos procedentes de museos, institutos agrarios, laboratorios, archivos y bases de datos, realización de pruebas iniciales para comprobar la factibilidad de la hoja de melocotonero al ser transformada a papel, recogida y selección de la hoja para su posterior secado y análisis en laboratorio, elaboración de papeles resultantes de cada variedad de hoja y así recoger los resultados obtenidos, y análisis de los resultados obtenidos. A partir del punto anterior y tras conocer las cualidades de cada pulpa de papel, se ha realizado una propuesta artística mediante la incorporación de otro tipo de variaciones. Para ello, se han seguido los siguientes pasos: realización de obras iniciales con incorporación de variaciones técnicas, realización de obras aplicando técnicas tradicionales, y realización de obra artística final. RESULTADOS Y CONCLUSIONES De todo el proceso de trabajo planteado en los objetivos, se han obtenido las siguientes conclusiones y resultados: De las cuestiones generales planteadas: Respecto a la industria papelera, se está llevando a cabo una profunda transformación para la fabricación de papel, minimizando la merma de los recursos naturales existentes. Existen diversos organismos que trabajan con proyectos de producción de papel que explotan y reciclan materias primas inusuales. Existen diferentes proyectos y programas artísticos en los que se elaboran producciones papeleras a partir de materias vegetales inusuales. Debido a la gran cantidad de artistas que trabajan con pastas papeleras, y a los diversos métodos y materiales de producción de obra artística que utilizan, se pueden identificar cuatro grandes líneas de producción. En función de los resultados de la aplicación de la metodología de investigación, podemos extraer las siguientes conclusiones: La hoja de melocotonero se constituye en una materia prima adecuada para la aplicación a un proceso viable de transformación a pastas papeleras y papel, y consecuentemente son susceptibles de ser empleadas en técnicas de producción artística, no presentando en ningún caso variaciones remarcables. Se ha validado un papel que, atendiendo a los aspectos perceptivos y generales analizados, muestra excelentes características. Con la pasta validada se pueden realizar obras con distintos formatos, e incorporar una gran variedad de elementos gráficos. La pasta papelera que ha sido validada en todas sus características se presenta como un material muy versátil, fácil de trabajar y manipular y adecuado para realizar técnicas artísticas, fundamentalmente aquellas que tienen que ver con aspectos plásticos de tipo matérico. / This PhD thesis is conducted according to specific targets based on parameters of art and environmental sustainability in the paper industry. With this in mind, we propose general objectives that will be reviewed: environmental regulation in this industry; papermaking projects for artistic purposes to reuse and recycle unusual natural resources; identification of different types of processes, fibers, fillers and glues are used in the paper field; and analysis of artistic productions created from the manipulation of paper pulps. Furthermore, we propose specific objectives to develop an alternative method of making paper sheets and artwork from pulps from deciduous fruit trees. This objective is the core of this PhD thesis and corresponds to the analysis of a specific case, Peach leaf. After that, all paper works made for a subsequent extraction of results and conclusions will be discussed, and verifying whether those materials are suitable for use as an artistic technique. METHODOLOGY The methodological approach of this work is experimental, in order to establish a possible generalization within a framework of artistic innovation. The different methods used here are: Document search of bibliographic sources and technical reports from museums, agricultural institutes, laboratories, archives and databases; initial feasibility testing for peach leaf paper to be transformed; collection and blade selection for subsequent drying and laboratory analysis; manufacture of paper sheet of each variety and result extraction; and finally, result analysis. From the above point and after learning the qualities of each paper pulp, an artistic proposal has been made by incorporating other variations. In this sense, we have applied the following steps: initial works were conducted incorporating technical variations, traditional techniques were applied and final artworks were obtained. RESULTS AND CONCLUSIONS From the proposed objectives described above, we obtained the following findings and conclusions: General conclusions: Regarding the paper industry, we have conducted a deep transformation for papermaking, minimizing the depletion of natural resources. There are several agencies working with paper production projects that exploit unusual and recycled raw materials. There are different art projects and programs in which paper productions are made from unusual plant materials. Due to the large number of artists working with pulps, and the various methods and materials production using artwork, we can identify four major production lines: Peach leaf constitutes a suitable raw material for the application for a viable process for paper pulp processing and paper, and is therefore likely to be used in art production techniques, presenting no remarkable changes in any case. We have validated a paper sheet based on perceptual and general aspects, showing excellent features. With the validated paste many works can be produced in various formats, incorporating a great variety of graphic elements. The pulp that has been validated in all characteristics is presented as a very versatile material, easy to work and appropriate to manipulate in artistic techniques, primarily those that deal with plastic aspects.

Objetivos En esta investigación tratamos de aproximarnos a la reproducción artística del rostro, analizado desde una simbología de la ambigüedad entre lo apolíneo y dionisiaco, del mismo modo que su representación ha derivado en un conjunto de imágenes diversas y plurales, diversificando una complejidad que parece revelarse a modo de hipóstasis, reunida y universalizada en su propia etimología: el prósopon. Metodología Partiremos desarrollando un contexto antropológico e histórico del rostro representado dentro del marco de la historia de las imágenes de Occidente.Profundizaremos en la idea de Nietzsche para concretar la antítesis de lo apolíneo y lo dionisíaco y su analogía con una historia del rostro representado. Analizaremos los valores contemporáneos del rostro y el problema ante la máscara, para buscar nexos de unión con nuestra posición, recopilando ejemplos de imágenes del arte contemporáneo para profundizar en nuestra hipótesis etimológica. Hipótesis De esta manera formulamos la hipótesis por la cual, a través de ciertos retornos o residuos de lo sagrado, cobra vigencia el sentido etimológico de la palabra rostro, el prósopon como significado múltiple para designar la multiplicidad y pluralidad de su representación en el arte contemporáneo. Conclusiones El rostro representado en el arte contemporáneo parece haber encontrado su mascarada más dionisiaca, pues en cuanto a imagen es apariencia, y la máscara parece ser, de nuevo, parte unitaria del rostro representado. Imágenes de imágenes, las artes hacen brotar las apariencias como en el espejo en el que queda hipnotizado el niño Dionisos. Cabría señalar que esta artificiosidad forma parte, de esta manera, de nuestra tradición clásica y anclada todavía en los orígenes más oscuros, atendiendo a la falta de datos de los que disponemos para elaborar una posible tesis comparativa entre nuestra contemporaneidad y el pensamiento o la sociedad de la antigua Grecia. El futuro del rostro representado está en relación con la diversidad de sus interpretaciones y búsquedas artísticas. También lo está en el valor simbólico que pueda haber en un contexto que implique ese futuro. En todo caso, garantizar un futuro para una imagen o apariencia dependiendo de si es o no asignificante o asubjetivo, tal y como afirman Deleuze y Guattari, no deja de ser un condicionante de lo que en ese momento está intentando fraguar la mente del pensador, o los pensadores. Las condiciones actuales demuestran todavía un interés por el amplio espectro de imágenes y variantes del rostro representado. Desde el rostro como retrato o las diversas creaciones a las que hemos llamado rostreidad, por no presentar un vínculo cognitivo de un individuo concreto, y que están en relación con ese algo otro el cual, en su multiplicidad, puede evocar las más distintas emociones y significados. El prósopon, en definitiva, podría constituir un atlas diverso atendiendo a la multiplicidad en su propia etimología. A modo de un Atlas Mnemosyne, solamente la repetición del concepto en sus múltiples contextos en cuanto a imagen y significado, pueden abarcar de un golpe concreto, en un código unitario que es el prósopon y no tanto el rostro, o el vultus latino, la experiencia estética que se deriva ante el rostro. / Goals In this research we try to approach the artistic reproduction of the face, analised from a symbology of ambiguity between the Apollonian and Dionysian, in the same way that its representation has led to a set of diverse and plural images, diversifying a complexity that seems to be revealed as a kind of hypostasis, gathered and universalized in its own etymology: the prosopon. Methodology We will start developing an anthropological and historical context of the represented face within the framework of the history of images of the West. We will go deep into Nietzsche’s idea in order to concrete the antithesis of the Apollonian and the Dionysian and its analogy with a history of the symbolized face. We will analyse the contemporary values of the face and the problem of the mask, to look for links with our position, compiling examples of contemporary art images to analyse in depth our etymological hypothesis. Hypothesis In this way, we formulate the hypothesis whereby, through certain returns or sacred remains, the etymological meaning of the word face gains importance, the prosopon as multiple meaning to express the multiplicity and plurality of its representation in the contemporary art. Conclusions The symbolized face in the contemporary art seems to have found its most Dionysian mask, because as for image is appearance, and the mask seems to be, again, united part of the symbolized face. Images of images, the arts bring out appearances like in the mirror where the boy Dionysius was hypnotized. It should be noted that this artificiality is part of, in this way, of our classical tradition and still anchored in the darkest origins, taking into account the lack of data at our disposal to elaborate a possible comparative thesis between our contemporaneousness and thinking or the ancient Greek society. The future of the symbolized face is in relation to the diversity of its interpretations and artistic searches, as well as to the symbolic value on a context that implies that future. In any case, guaranteeing a future to an image or appearance depending on whether it is or is notout of meaning or out of subjective, as stated by Deleuze y Guattari, is still a determinant of what at that moment is trying to think up the thinker’s mind, or the thinkers. The current conditions still demonstrate an interest in the broad spectrum of images and variations of the symbolized face. From the face as portrait or the diverse creations that we have named mask,because they do not present a cognitive link of a specific person, and are in relation to that otherwhich, in its multiplicity, can evoke the most different emotions and meanings. The prosopon, definitely, could constitute a diverse atlas according to the multiplicity in its own etymology. As a kind of a Mnemosyne Atlas,only the repeat of the concept in its multiple contexts regarding image and meaning can cover all at once, in a unit code that it is the prosoponrather than the face, or latinvultus, the aesthetic experience which is derived from the face.

Desde la esfera de las Bellas Artes, las emociones manifestadas por el ser humano han sido un territorio complejo y de gran interés. Prueba de ello, lo tenemos con los estudios de dibujantes, anatomistas y fisiólogos desde el siglo XV hasta nuestros días. En nuestro ámbito, tenemos constancia de muchos estudios y tratados interdisciplinares que intentan codificar y entender desde lo más objetivo el análisis de las emociones. En este proyecto de investigación doctoral, pretendemos analizar exhaustivamente desde el dibujo, un método que proviene del ámbito de la psicología y que creemos que necesita ser ilustrado gráficamente para comprobar su utilidad en el campo de las bellas artes y su aplicación en la creación artística. El planteamiento de esta tesis gira en torno al estudio desde el dibujo de las expresiones faciales de las emociones. Partimos del presupuesto de que la representación gráfico-plástica de las expresiones faciales de emociones discretas puede ser concretada a través de procedimientos, metodologías o sistemas precisos y fiables, que faciliten el aprendizaje y la comprensión de los mecanismos del movimiento facial. Nos proponemos, por tanto, revisar y adecuar la cuestión; asociar y aplicar las investigaciones y estudios actuales, sobre todo del campo de la psicología y antropología, que proporcionan técnicas y métodos válidos; y de este modo verificar su pertinencia dentro de las bellas artes para su aplicación en la creación artística. Para ello, hemos establecido dos grandes fases de trabajo que están relacionadas con nuestros objetivos generales. En la primera, se realiza una revisión bibliográfica, descriptiva e histórica, donde hemos revisado diferentes investigaciones sobre la emoción que validan seis emociones básicas; se han explorado los estudios sobre el lenguaje no verbal, con la finalidad de establecer las conexiones entre los signos faciales rápidos producidos por los cambios musculares y su significado; y se aborda el estudio de la anatomía regional de la cara y cabeza y las relaciones entre anatomía y emoción. Con el propósito de conseguir un conjunto de dibujos válidos para la creación artística, establecemos como procedimiento de reducción el sistema de codificación facial denominado Facial Action Coding System (FACS), que permite analizar y situar los signos que caracterizan la emoción; y utilizamos el método veneciano antropométrico de dibujo como base anatómica. Se dibuja, construye y analiza la forma estructural de la cabeza y rostro a partir del método veneciano y, sobre esta estructura necesaria, se aplican los fundamentos mecánicos del FACS y se identifican las pautas de movimiento que intervienen en las expresiones faciales de la emoción. Tras la validación de las seis emociones básicas se presentan los resultados o el estudio gráfico-plástico basado en el FACS, que se corresponde con la segunda fase del trabajo, donde se analiza gráficamente la expresión y se presentan una serie de modelos útiles para la creación artística sustentados en sistemas y procedimientos actuales; nuestro objetivo principal al plantear el trabajo de investigación. El método de análisis que se ha creado desde el dibujo anatómico permite evitar el recurso de copia de imagen fotográfica o de otra fuente visual y proporciona herramientas suficientes para que el creativo pueda ahondar en los secretos de la percepción fisiognómica. Los procedimientos de reducción utilizados permiten estudiar gráficamente los cambios que caracterizan las emociones y facilitan el aprendizaje y la comprensión de los mecanismos del movimiento facial. Entendíamos que se trataba de trabajar de lo general a lo particular a partir de métodos deductivos, técnicas utilizadas en el presente estudio. La utilización del dibujo nos ha permitido eliminar la influencia de los signos faciales estáticos, lentos y artificiales mediante la representación de los elementos mínimos y necesarios para su configuración y abstraer las características generales de la emoción-expresión por encima de los signos faciales personales. Como conclusión, en este trabajo se pone de manifiesto la utilidad que supone asociar y aplicar los conocimientos y los avances en la investigación sobre comunicación no verbal al campo de las Bellas Artes y el Diseño, en general. Las investigaciones y estudios actuales proporcionan técnicas y métodos válidos, sobre todo en el campo de la psicología o antropología, para la representación gráfico-plástica de la expresión emocional del rostro que nos permiten actualizar, por tanto, la disciplina académica de la Anatomía Artística y Morfológica. / From the field of Fine Arts, the emotions expressed by humans have been a complex area of great interest. Actually, we have several studies coming from artists, anatomists and physiologists from the fifteenth century to the present day. In our field, we are aware of many interdisciplinary studies and treatises that attempt to codify and understand from the most objective way the analysis of emotions. In this doctoral research, we analyze comprehensively from the drawing, a method that comes from the field of psychology and that we believe needs to be illustrated graphically for assessing its utility in the field of fine arts and its application in artistic creation. The approach of this thesis revolves around the study of drawing facial expressions of basic emotions. We start from the assumption that the plastic-graphic representation of facial expressions of discrete emotions can be concretized through procedures, methodologies or accurate and reliable systems that facilitate learning and understanding of the facial movement mechanisms. Therefore, we intend to review and adapt the question; associating and applying current research and studies on the field of psychology and anthropology, which provide technical and valid methods, and thus verifying their relevance within the fine arts for the application in artistic creation. In order to do that, we have established two major phases of work that are related to our overall goals. In the first one, we made a descriptive and historical literature review. We reviewed various studies on emotion that validate six basic emotions; we also explored studies on nonverbal language, in order to establish connections between the rapid facial signals produced by muscle changes and their significance. We also addressed the study of regional anatomy of the face and head and the relationships between anatomy and emotion. In order to get a valid set of artistic creation, we set as a reduction procedure a coding system called the Facial Action Coding System (FACS) to analyze and locate signs that characterize the emotion drawings, and we use the Venetian anthropometric drawing method as anatomical basis. From the Venetian method, the structural shape of the head and face are drawn, builded, and analyzed. On this necessary structure, the mechanical foundations of FACS are applied, and movement patterns involved in facial expressions of emotion are identified. Once the validation of the six basic emotions has been done, we present the results or the graphic-plastic work based on the FACS, which corresponds to the second phase of the research. In this phase, we analyze the expression graphically, and present a number of useful models for artistic creation supported by systems and procedures: our main objective to raise this investigation. The method of analysis that has been created from the anatomical drawing avoids the use of the photographic image copy or other visual source, and provides sufficient tools for the creative can delve into the secrets of physiognomic perception. The reduction procedures used allow graphically studying the changes that characterize emotions and facilitate learning and understanding about the mechanisms of facial movement. We understood, as a way of work, a deductive approach: using techniques from the general to the particular. The use of the drawing has allowed eliminating the influence of facial static, slow and artificial signals through representing the minimum elements necessary for configuration, and abstracting the main characteristics of emotion-expression over the personal facial signs. In conclusion, this work demonstrates the utility of associating and apply, in general, knowledge and advances in research on nonverbal communication to the field of Fine Arts and Design. Current research and studies provide valid methods and techniques, especially in the field of psychology or anthropology, for graphic-plastic representation of the emotional facial expressions that allow updating, therefore the academic discipline of the Artistic and Morphologic Anatomy.

El proyecto consiste en la creación de una Escuela Superior de Artes Aplicadas, la cual estará ubicada en el distrito de San Juan de Lurigancho en Lima, Perú. Las Escuelas de Educación Superior son instituciones educativas que pueden estar destinadas a impartir su enseñanza en el campo de la ciencia, la tecnología o las artes. En Lima existen muy pocas escuelas que se dedican a la enseñanza especializada de las artes, las instituciones más representativas se encuentran ubicadas en distritos céntricos, dejando así una demanda por cubrir hacia los conos de la ciudad. Este déficit de instituciones artísticas, responde a la poca difusión y a la falta de interés por el arte en el país, esto conlleva a que las carreras artísticas no sean tan tomadas en cuenta y se les reste importancia. Por estas razones, se plantea la creación de una Escuela Superior de Artes Aplicadas, la cual tendrá como objetivo brindar conocimientos especializados, enfocandose en enseñar arte y a la vez actividades conexas las cuales le permitan al alumno generar ingresos económicos haciendo uso de su creatividad para materializar sus ideas. / The project consists in the creation of a Superior School of Applied Arts, wich will be placed in San Juan de Lurigancho district in Lima Perú. Schools of higher education are institutions in wich people study science, tecnology or arts. In Lima, there are few art schools. The most representative institutions are located in central districts, leaving a demand to cover towards the peripheries of the city. This deficit of art institutions responds to the lack of diffusion and interest in art in our country, which causes artistic carrers to lose importance. For this reasons, the creacion of a School of Applied Arts is propoused, in wich people will recieve specialized knowledge, focusing on teaching arts and activities wich will allow the students to generate money by using their creativity to materialize their ideas. / Tesis

Objetivo general • Definir y explicar los fenómenos de Narrativa cross-media a escala global, en especial, aquellos relacionados con la industria japonesa del entretenimiento y sus principales productos: manga, anime y videojuegos. La relación entre estos productos y su expansión mediática en forma de media-mixes será estudiada a través de diferentes herramientas teóricas y su aplicación a casos específicos de la industria cultural japonesa. METODOLOGÍA • Revisión histórica de los principales autores e investigadores sobre Narrativa, Transmedia Storytelling, Manga, Anime y cultura japonesa desde diferentes perspectivas teóricas (Teoría literaria y de géneros, sociología política, historia del arte, film studies, etc.). • Caso de estudio con aplicación del marco teórico desarrollado RESULTADOS / CONCLUSIONES Para el análisis del macro-relato de Full Metal Alchemist (Square Enix, 2001-2011) se ha desarrollado una metodología fundamentada en varios ejes de análisis. • En la primera de ellas se ha caracterizado la NC de la franquicia como una arquitectura reticular centralizada que sigue la tradición de otras franquicias del manganime japonés. Se analizan así mismo otras características de la intertextualidad del macro-relato, en función de su relación con los géneros shōnen y CF. • Seguidamente, se ha utilizado el concepto de Estructura Profunda para definir qué elementos son imprescindibles en la construcción de mundos narrativos. En ese sentido se ha adoptado una visión desestructurada –ecléctica si se prefiere- de la narrativa. La narrativa es por tanto no una cualidad monolítica sino un prototipo por cuya aproximación definimos diferentes actos como poseedores o no, de cierto grado de narratividad. • Una vez definidas aquellas cualidades que consideramos esenciales de la narrativa, según los diferentes marcos teóricos y adaptados al contexto de las franquicias cross-media japonesas, hemos incorporado a nuestro análisis otras herramientas narratológicas con el propósito de relacionar el producto narrativo con una estructura superior de comunicación. / OBJECTIVES To define and explain the phenomena of Cross-Media Narrative on a global scale, particularly those related to the Japanese entertainment industry and its main products: manga, anime and videogames. The relationship between these products and their diffusion through media in the form of media-mixes will be studied by means of different theoretical tools and their application to specific cases in the Japanese cultural industry. METHODOLOGY • Historical review of main studies about Transmedia Storytelling, Manga, Anime and Japanese Culture from different perspectives (Literature and genre Theories, political sociology, Art and Film Studies, etc.). • Case of study as an implementation of a theoretical framework MAIN RESULTS For the analysis of the macro-tale of Full Metal Alchemist Franchise (Square Enix, 2001-2011) a methodology has been developed founded on some central areas of analysis. • In the first of these the Cross-Media Narrative of the franchise has been characterized as a reticular centered architecture that follows the traditions of other franchises of Japanese manganime. In this way other characteristics of intertextuality of the macro-tale are analyzed, based on their relationship with shōnen and SF genres. • Next, the concept of “Deep Structures” has been used to define the elements as indispensable in the construction of “storyworlds”. In this sense, an unstructured vision has been adopted –eclectic if preferable– of the narrative. The narrative is not, therefore, a monolithic quality but a prototype for whose approximation we define different acts as possessor or no, of a certain “degree of narrativity”. • Once these qualities that we consider essential of narrative are defined, following the different theoretical frameworks and adapted to the context of the Japanese cross-media franchise, we have incorporated in our analysis other narrative tools with the purpose of relating the narrative product with a higher communication structure

La investigación se realiza dentro de los campos, estrechamente relacionados, de la historia de las disciplinas escolares y de los libros de texto. Por lo que respecta a la manualística escolar, esta tesis se inserta en los trabajos llevados a cabo en el Centro de Investigación MANES, con sede en el Departamento de Historia de la Educación y Educación Comparada de la Universidad Nacional de Educación a Distancia. El Centro de Investigación MANES, “tiene como objetivo principal la investigación de los manuales escolares producidos en España, Portugal y América Latina durante el período 1808-1990”. El cumplimiento de dicho objetivo implica la realización de varias tareas: • Elaborar un censo lo más completo posible de los libros de texto publicados en el periodo indicado. • Recoger y analizar toda la legislación producida acerca de los libros escolares. • Reconstruir la historia de las principales editoriales escolares. • Realizar el estudio bibliométrico de la producción editorial. • Examinar las características pedagógicas, políticas e ideológicas de dichos manuales, de acuerdo con diversos cortes temáticos y cronológicos. En relación con los objetivos o tareas mencionadas del proyecto MANES, esta tesis pretende constituir una aportación en el campo de la enseñanza del Dibujo en la Segunda Enseñanza, Bachillerato o Enseñanza Media desde 1936 hasta 1990 por lo que respecta a la confección de un censo y catalogación de los libros de texto de dicha disciplina ―con tal fin, se incluirá una ficha de catalogación de todos los manuales analizados en la base de datos correspondiente, y aquellos más significativos se escanearan en su totalidad con el fin de que estén disponibles para su consulta―, la recopilación y estudio de la legislación sobre los contenidos de la materia y la metodología a seguir en su enseñanza, y el examen de las características materiales de los libros mencionados. En estrecha conexión con el campo de la manualística escolar, esta tesis se inserta asimismo en el de la historia de las disciplinas escolares. La materia en este caso estudiada ha recibido en los planes de estudio de la educación secundaria distintas denominaciones. La más usual ―planes de 1821, 1847, 1850, 1858, 1873, 1894, 1895, 1898, 1899, 1900, 1901, 1903, 1931, 1932, 1934, 1953, 1957, 1967, 1975, 1976 y 1988― ha sido simplemente la de Dibujo, y esta es la que vamos a utilizar en este trabajo. Otras denominaciones utilizadas, como las de Principios de Dibujo (1826), Dibujo natural y lineal (1836), Geometría aplicada al dibujo lineal (Arreglo de 1836), Dibujo natural (Arreglo de 1836), Dibujo lineal (1845), Dibujo de figura (1845), Dibujo lineal, de adorno y de figura (1880), Dibujo y modelado (1938), Dibujo artístico (1991), Dibujo técnico (1991), Volumen (1991), Fundamentos del diseño y técnicas de expresión gráfico-plástica (1991) o Educación plástica y visual (1990), nos indican la existencia en su seno de dos campos relacionados pero con una relativa autonomía: el del dibujo llamado natural o artístico y el lineal o técnico. Asimismo, reflejan la tendencia reciente a aproximarla o conectarla con actividades en auge como el diseño o las nuevas técnicas gráfico-plásticas. En síntesis, esta tesis supone una aportación al conocimiento de aquella parte del código disciplinar de la materia de Dibujo durante el período indicado (1936-1990), relativa a su posición y presencia en los planes de estudio de la Segunda Enseñanza, Bachillerato o Enseñanza Media de 1934, 1936, 1938, 1953, 1957, 1967 y 1975, a la determinación de sus contenidos a través de los libros de texto y de los materiales o textos de apoyo ―un aspecto clave en la enseñanza del Dibujo―, y a la formación y selección del profesorado responsable de impartirla. / The current research has been carried out taking into account two closely related areas of knowledge, which are the history of school subjects and the text book production. With regard to school mannuals, this thesis follows the traditional research carried out in the MANES Research Center, set in the Faculty of History of Educationand Comparative Education at the Spanish Open University. MANES Research Center has the aim of investigating school books published in Spain, Portugal and Latin America from 1808 to 1990. The achievement of this objetive involves performing several tasks: -To state a full and complete census of published school books at that time -To collect and analyze legislation concerning school books during that period -To revise the history of the main school publishers -To perform biblimetric study of publishing -To examine the educational, political and ideological features of those mannuals , according to several thematic and chronological sections. With regard to the aims and tasks mentioned of MANES research, this thesis is aimed as a contribution to the study of Drawing Teaching History in Secondary Education in High Schools from 1936 to 1990 focusing in the creation of a census and clasifying school books on that discipline- in order to perform this, a full dated list of every manual will be included in the database and the most relevant of them will be scanned so as to make them available for being looked up-also compiling and studying legislation on the contents of the discipline as well as the apropriate pedagogical methodology and finally checking the material aspects of the books listed. In close connection with the field of manualistic school, this thesis also deals with with the history of school disciplines.The subject has been named in different ways in the second education curricula along the different periods.The most common- according to the educationl policies in 1821, 1847, 1850, 1858, 1873, 1894, 1895,1898, 1899, 1900, 1901, 1903, 1931, 1932, 1934, 1953, 1957, 1967, 1975, 1976 and 1988 has been simply Drawing and this the one to be used in the current research. There are also other other names such as Principles of Drawing (1826), Natural and Line Drawing (1836), Applied Geometry to line drawing (1836 agreement), Natural Drawing (1836 agreement), Line Drawing (1845), Figure Drawing (1845), Line Drawing, Ornaments and figures (1880), Drawing and Modeling (1938), Figure Drawing (1991), Technical Drawing (1991), Volume (1991), Fundamental of graphic design and technical artistic expression (1991) or Visual Arts Education (1990), show the inherited existence of two related fields but with a relative autonomy: the so- called natural or artistic drawing and linear or technical. They also show the current trend to booming activities such as design or the new graphic art techniques. In short, this thesis should be a contribution to the knowledge of that part of the disciplinary code of the subject of drawing during the stated period (1936-1990) concerning its position and presence in the Secondary Education Curricula during 1934, 1936, 1938, 1953, 1957, 1967, and 1975, the determination of contents through school books and supplies for the subject- a key aspect in teaching and training a selection of teachers to be in charge of teaching the issue.

La presente tesis se propone como objetivo primordial, el estudio de las relaciones entre arte y ciencia, a través de los dibujos histológicos realizados por Santiago Ramón y Cajal, durante sus estudios sobre la estructura del sistema nervioso del hombre y de los vertebrados. Para ello, primeramente se ha procedido a establecer su perfil personal, científico y artístico. A continuación hemos consultado y analizado información contenida en las fuentes bibliográficas, para establecer una base de conocimiento sobre las relaciones históricas entre el arte y la ciencia, a través del dibujo y de la imagen, como medios de ilustración, que han sido empleados por la ciencia a lo largo de la historia. Además, se pone en consideración la evolución de las técnicas para crear las imágenes objeto de la ilustración científica, los procedimientos de observación de la realidad, para la elaboración de dichas imágenes, así como la evolución acontecida en el proceso creativo de las mismas. Apoyándonos en todo ello como base de conocimiento, hemos procedido a abordar el estudio de los dibujos histológicos sobre el sistema nervioso, realizados por Cajal, con una perspectiva exclusivamente artística. Para llevar a cabo dicho estudio, hemos recurrido tanto a fuentes indirectas, presentes en la literatura, como a visionar los propios dibujos, que se encuentran en el Museo Cajal, del Instituto Cajal, del Consejo Superior de investigaciones científicas de Madrid, como fuente directa de información. A continuación, tomando como base nuestra propia experiencia en el laboratorio de Histología, y utilizando la información técnica impresa, se presenta un conjunto de consideraciones básicas sobre las técnicas de laboratorio realizadas por Cajal y otros científicos coetáneos, responsables de la creación del material microscópico, a partir del cual se realizaron los dibujos objeto de nuestro trabajo. Determinados aspectos de estas técnicas y su relación con las técnicas fotográficas analógicas, nos han permitido establecer consideraciones relativas a las formas, colores o naturaleza de los soportes utilizados para la realización de los dibujos de Cajal. En el apartado de resultados se muestra una selección de dibujos realizados por Santiago Ramón y Cajal. La selección se ha hecho tomando en consideración los diferentes temas científicos a partir de los que fueron realizados los dibujos. El estudio cuidadoso y pormenorizado de estos, nos ha permitido llevar a cabo un conjunto de comentarios relativos a sus características formales (composición, luz, color, temática, etc.), así como sobre al procedimiento artístico creativo y al lenguaje iconográfico de los mismos. De todo ello se concluye que a las reconocidas cualidades científicas de Cajal, se han de sumar unas sorprendentes cualidades para la creación plástica, que desarrolló dentro del rigor de los criterios de objetividad impuestos por la ciencia, en el campo de la observación microscópica. Estos dibujos constituyen verdaderos documentos de gran atractivo pictórico, provistos de una extraordinaria sensibilidad y sentido estético. Cajal realizó estos exquisitos dibujos siguiendo la siguiente secuencia: visualización, observación, análisis, síntesis y representación. Se trata de ilustraciones naturalistas de carácter romántico, provistas de sencillez, delicadeza, espontaneidad, precisión y soltura, que sirvieron de base de partida para la neurociencia moderna. Sin duda, estos dibujos son parte esencial de la obra artística de Santiago Ramón y Cajal, la cual se ve proyectada constantemente hacia el futuro sin perder el nexo con el presente y el pasado próximo. Finalmente, con intención de hacer patente esta proyección y este nexo, como parte y complemento de la presente tesis doctoral, se presenta una instalación de material, que con el título “Imágenes desde la Ciencia” pretende ser una muestra representativa de nuestro recorrido creativo en los campos de la investigación, la docencia y el arte, como parte de la relación arte y ciencia, que es el objetivo de esta tesis doctoral. En ella ofrecemos un conjunto de materiales desarrollados en la Universidad de Murcia como resultado de nuestro trabajo de ilustración científica, al que sumamos material de apoyo docente e investigador y obra pictórica personal. En definitiva, esperamos haber sido capaces de informar adecuadamente sobre la importancia y enorme calidad artística que poseen los dibujos histológicos de Santiago Ramón y Cajal. Estos son, exponente y parte esencial de su capacidad de observación, de estudio, de interpretación y de expresión. Estas cualidades, le sirvieron como medio para el desarrollo de una obra de gran riqueza, tanto para el arte como para la ciencia. La perfecta conjunción y armonía entre arte y ciencia en su obra, como medios para proyectar su afán de conocimiento, le impulsaron a conseguir un lugar de honor entre las figuras más brillantes de nuestra historia y de la historia del mundo. / This thesis aims to achieve, as a main objective, the study of the relationships between art and science, through the histological drawings by Santiago Ramón y Cajal, carried out during his studies on the structure of the neuron and nervous tissue of man and the vertebrates. To do this, first of all has been to establish personal, scientific and artistic profile of Cajal. We then consulted and analyzed information on bibliographic sources to establish a base of knowledge about the historical relations between art and science, through drawings and images, as a means of illustration, which has been used by science throughout history. It is in consideration, the evolution of the techniques to create images object of scientific illustration, procedures for observation of reality, for the elaboration of such images, as well as their evolution in the creative process. All this, as a basis of our knowledge, has allowed us to address the study of histological Cajal drawings, with an exclusively artistic perspective. To carry out the study, we have used the literature as an indirect source, and viewing these drawings, which are found in the Cajal Museum, in the Instituto Cajal, of the Consejo Superior de Investigaciones Científicas in Madrid, as a direct source of information. Then, on the basis of our own experience at the laboratory of histology, and using the technical information from the literature, we present some considerations about the basic laboratory techniques performed by Cajal and other scientists peer, responsible for the creation of microscopic materials from which were made the drawings that are the subject of our work. Certain aspects of these techniques and their relationship to the classical photographic methods, have enabled us to establish considerations regarding forms, colours, or features of the supports used for the realization of the histological Cajal drawings. The results section shows a selection of drawings by Santiago Ramón y Cajal. The selection has been done at the light of the different scientific topics from which these drawings were made. The careful and detailed study of the drawings of Cajal has allowed us to carry out a set of commentaries to their formal characteristics (composition, light, colour, topic, etc.), as well as the creative artistic procedure and iconographic language of these drawings. From all this we concluded that the recognised scientific qualities of Cajal, they have add some surprising qualities to plastic creation, developed within the rigour of the objectivity criteria imposed by science in the field of microscopic observation. These drawings are true pictorial appeal documents, provided with an extraordinary sensitivity and aesthetic sense. These exquisite drawings were made by Cajal trough the following sequence: visualization, observation, analysis, synthesis, and representation. They are naturalist illustrations of romantic character, provided of simplicity, sensitivity, spontaneity, precision and ease, which served as the starting point for modern neuroscience. These drawings are an essential part of the artistic work of Santiago Ramón y Cajal, which is projected towards the future without losing the link with the present and near past. Finally, with the aim of follow this projection and this link, as a part and complement of this doctoral thesis, we presents an installation of material, titled “Images from the Science”, which is intended to be a representative sample of our creative work in the fields of the research, the teaching and the art, inside the relation science and art, which is the subject of this thesis. In this installation we offer a set of materials developed at the University of Murcia as a result of our work of scientific illustration, to which we add teaching support material and pictorial personal work. To conclude, we hope to have been able to adequately inform about the importance and artistic quality of the histological drawings by Santiago Ramón y Cajal. These are, without doubt, exponent and an essential part of its observation, study, interpretation and expression abilities. These qualities, served him as a means for the development of a work of great wealth, both art and science. The perfect combination and harmony between art and science in his work, as a means to project their knowledge desire, pushed Cajal to get a place among the most brilliant figures of our history and the history of the world.

Orientador: Silvana Barbosa Rubino / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-27T12:39:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ribeiro_AnaLuisaCarmona_M.pdf: 71970188 bytes, checksum: 7d254fa81b03eed7f0820f730f2eb2db (MD5) Previous issue date: 2015 / Resumo: Nascida em Roma e graduada arquiteta na Itália, Lina Bo Bardi transferiu-se para o Brasil em 1946. Desde a chegada ao país e marcadamente após a inauguração do Museu de Arte Assis Chateaubriand, em São Paulo, Lina Bo Bardi desenvolveu projetos expográficos em fluxo quase constante, incluindo mostras no MASP, no Museu de Arte Moderna da Bahia (MAMB), em Salvador, do Museu de Arte Popular do Unhão (MAP), também na capital baiana, e posteriormente atuando como diretora de programação no Serviço Social do Comércio (SESC), no bairro paulistano da Pompéia. Apoiando-se na pesquisa realizada sobre a documentação o do acervo pessoal e profissional da arquiteta que perpassa o período de 1947 a 1985, assim como na análise de plantas expográficas, material impresso, clipping jornalísstico e fotografias referentes as exposicições organizadas por Lina, esta dissertação investiga deslocamentos e desenvolvimentos no discurso expográfico de Bo Bardi sempre perpassado pelas seguintes temáticas recorrentes: a relação entre arte popular, design e arte erudita; o papel pedagógico das instituições museais; e a influência das inovações expográficas italianas e a busca por uma linguagem expográfica auto?ctone, vinculada a um projeto de desenvolvimento nacional / Abstract: Born in Rome, Lina Bo Bardi began her career as an architect in Italy before the break of World War II, immigrating to Brazil in 1946, where she lived until her death in 1992. Among a multidisciplinary array of works in the fields of design and architecture, Bo Bardi also organized and designed several exhibitions in the Museu de Arte de Sa?o Paulo (MASP), the Museu de Arte Moderna da Bahia (MAMB) and the Museu de Arte Popular do Unha?o (MAP), both in Salvador, and in SESC Fa?brica da Pompe?ia, in Sa?o Paulo. Relying on drafts, sketches, and correspondence from Bo Bardi¿s personal and professional archives, mostly unpublished, and also on exhibition plans, printed matter, news clipping and photographs from the architects exhibitions, our investigation focuses on Bo Bardi¿s expographic activity, its attained discourse and its developments between the late 1940s and mid 1980s. During this period she dwell with some recurring debates: the relationship between folk art, design and Art; the pedagogical role of the museum institutions; the influence of Italian expographic design from the 1940s and 50s in her brazillian work; and the quest for an indigenous language for her exhibition designs, which she also envisioned as a tool for the economical, social and cultural development of Brazil / Mestrado / Politica, Memoria e Cidade / Mestra em História