Esta tesis presenta un modo de trabajo innovador sobre aprendizaje posmoderno y emocionante en Educación infantil. Se proponen como herramientas de aprendizaje interdisciplinar el arte contemporáneo y la fotografía mediante una metodología de Trabajo por Proyectos Artísticos. Objetivo general Diseñar y poner en práctica un proyecto de innovación educativa basado en el Arte Contemporáneo y en las investigaciones en Neuroeducación, a través de una metodología de trabajo por “proyectos como artistas”, que satisfaga las necesidades de la educación artística posmoderna y un aprendizaje emocionante en los niños de educación infantil. Objetivos específicos - Enlazar el proyecto con el curriculum escolar, favoreciendo la comprensión de una educación a través del arte, posmoderna, que sirva de guía a los profesores de educación infantil. - Proveer nuevas formas de representación y expresión del niño en Infantil, con un lenguaje creativo, a través del arte contemporáneo y el proceso fotográfico. - Generar experiencias innovadoras en educación, a través de prácticas generadas por el avance y la inclusión de las Tecnologías de la Información y la Comunicación (TIC) y la fotografía en el aula. - Promover un aprendizaje desde las disposiciones señaladas por de la Neuroeducación, para el logro de un aprendizaje emocionante - Analizar los datos obtenidos a través de la evaluación de las profesoras, las fotografías, la observación, y las respuestas verbales y no verbales del alumnado acerca de la eficacia y dificultades de dicho método, recogidas en las entrevistas con las profesoras. C) Metodología general de la investigación Un Marco teórico, donde se ha aplicado una metodología documental realizando una exhaustiva revisión bibliográfica del tema propuesto. La búsqueda documental evidenció que no existen demasiadas investigaciones que interrelacionen, de forma pragmática, la educación artística posmoderna, el uso de medios fotográficos e informáticos, y los conceptos actuales sobre neuroeducación en la etapa de Educación Infantil. - Un Marco Empírico: La existencia de esta laguna acentuó la necesidad de continuar la investigación con un trabajo de campo de enfoque cualitativo, y orientado a la aplicación de una metodología de trabajo de Investigación-Acción Por otra parte, se destaca el carácter exploratorio de la investigación, por suponer una propuesta novedosa. La investigación basada en la fotografía como forma intrínseca, es decir, cuando las fotografías son productos del arte como pensamiento, muestran que ésta posee connotaciones diversas más allá de la fotografía en sí misma. El objetivo sería que las fotografías tomadas fueran modelos de visualización, bien para describir los contextos, para proponer hipótesis, como razonamiento visual o para establecer conclusiones. Los resultados, en las investigaciones educativas, cuando se trabaja con metodologías basadas en las Artes Visuales, podría ser útil que las imágenes visuales estuvieran organizadas por series fotográficas, porque estos modos de pensamiento requieren normalmente una intención y un plan de trabajo propios de los procesos investigacionales, y porque con ellos es posible lograr interpretaciones y explicaciones visuales de los temas y problemas educativos. Conclusiones: Se busca un aprendizaje a través del arte placentero y emocionante.Se cree en la necesidad de colaboración del artista en la escuela. La formación en arte y las tecnologías son indispensable para dar educación artística o educar a través del arte.Es aconsejable intervenir temprano y un seguimiento en los distintos niveles. El trabajo por proyecto como artistas y recursos como la fotografía pueden suplir los libros de fichas estandarizadas que no se adaptan a los niños, ni al centro, ni a los conceptos cognitivos básicos de Educación Infantil y curriculum escolar del centro donde se desarrolla el proyecto. El arte propicia el desarrollo del pensamiento abstracto, crítico y creativo, de una educación artística posmoderna. A través del trabajo por proyectos como artistas, se trabajan las funciones que la Neuroeducación señala como imprescindibles para el logro del aprendizaje. Se puede programar alegría, emoción y placer por aprender; incitar la curiosidad; estimular la atención; aprender de la experiencia y del descubrimiento. Distinguiendo y clasificando; trabajar la individualidad y las relaciones sociales complejas; ampliar formas de representación y variedad en la manera constructiva; despertar a lo nuevo. / This thesis presents a way to work on innovative and exciting learning postmodern childhood education . They are proposed as interdisciplinary learning tools contemporary art and photography by a working methodology for artistic projects. General purpose Design and implement an innovative educational project based on contemporary art and research in Neuroeducation, through a methodology of artistic projects, which links the needs of postmodern art education and an exciting learning the preschoolers . Objectives - Link the project with the school curriculum, promoting understanding of education through art , postmodern , to guide teachers in early childhood education. - Provide new forms of representation and expression of the child in Children with a creative language , through contemporary art and photographic process. - Generate innovative experiences in education, generated through the advancement and inclusion of information and communications technology (ICT) and photography classroom practices. - Promote learning from the provisions identified by the Neuroeducation , to achieve an to achieve an exciting learning - Analyze the data obtained from the evaluation of teachers, photographs, observation, and verbal and nonverbal responses of students about the effectiveness and difficulties of such a method, collected in interviews with teachers. C) General Research Methodology A Theoretical Framework, which has been applied a methodology documentary conducting a comprehensive literature review of the proposed topic. The literature search showed that there are not many interrelated research, pragmatically, postmodern art education, the use of photographic and computer resources, and current concepts of neuroeducación in the kindergarten stage. - An Empirical Framework: The existence of this gap stressed the need to continue research with a field of qualitative approach, oriented to the application of a methodology of Action Research. Moreover, the exploratory research stands out by assuming a new proposal. to achieve an exciting learning - Analyze the data obtained from the evaluation of teachers, photographs, observation, and verbal and nonverbal responses of students about the effectiveness and difficulties of such a method, collected in interviews with teachers. C) General Research Methodology A Theoretical Framework, which has been applied a methodology documentary conducting a comprehensive literature review of the proposed topic. The literature search showed that there are not many interrelated research, pragmatically, postmodern art education, the use of photographic and computer resources, and current concepts of neuroeducación in the kindergarten stage. - An Empirical Framework: The existence of this gap stressed the need to continue research with a field of qualitative approach, oriented to the application of a methodology of Action Research Moreover, the exploratory research stands out by assuming a new proposal. Research based on photography as intrinsically, that is, when pictures are products of art and thought, they show that it has different connotations beyond the photograph itself. The aim would be that the photographs taken were display models, either to describe the contexts, to propose hypotheses as visual reasoning or to draw conclusions. The results, in educational research, when working with applications based on Visual Arts methodologies might be useful visual images were organized by photographic series, because these modes of thought normally require an intention and a roadmap own processes investigational, and because they can achieve visual interpretations and explanations of the issues and educational problems. Conclusions: Wanted learning through enjoyable and exciting art. It is believed that there is a need of collaboration of the artist in the school. Training in art and technology are essential to provide arts education or education through art. It is advisable to take part in it early and monitored them at different levels. The artistic project and resources such as photography, can supply books which are not adapted to children, or the center, or basic cognitive concepts of Education and school curriculum where this curriculum is developed. The art helps to develope abstract, critical and creative thinking, a postmodern art education. Through the artistic project work as artist, the functions that the Neuroeducation designated as indispensable to the attainment of learning they are working on. Joy, excitement and pleasure can be learnt; incite curiosity; capture interest; learn from experience and discovery. Distinguish and classify; work individuality and the complicate social relationships; be aware and pay attention to a new world.

La humanidad comenzó a civilizarse cuando domesticó su entorno, lo que implicaba establecerse y poseer, tener conciencia de propiedad. La tierra, principal fuente de subsistencia y riqueza durante centurias, ha sido objeto de ambición y origen de conflictos, su control implicaba el poder sobre los demás. En occidente y desde la época tardoromana se inicia un proceso cuyas relaciones se establecen en base a la propiedad dando lugar a una sociedad estamental que perdurará con el nombre de Antiguo Régimen y comenzará a descomponerse de manera definitiva a finales del siglo XVIII. Realeza, nobleza e iglesia representaban las clases dominantes, poseían la propiedad y, el mutuo apoyo, servía para sostener este sistema. Al final del proceso citado, la Iglesia perdía poder político, ello repercutió en su base patrimonial, las nuevas estructuras económica, la compleja administración moderna hizo necesario recurrir a él para hacer frente a los gastos de una Hacienda a la que solo contribuía una pequeña parte de la población, por ende la más humilde. La consolidación de una nueva en la que se adquiere conciencia de la individualidad y resurgirá el ciudadano, muy activo en el mundo de los negocios y en la generación de capitales, que exigirá más protagonismo y un mayor poder de decisión. La negativa de los poderes tradicionales a aceptar a esta nueva pieza en el complejo tablero del poder concluyó en procesos revolucionarios que cambiarían para siempre las bases de la sociedad occidental y, en el que la transmisión de la propiedad significaría la transmisión de poder. El acceso y reparto de la misma, así como el saneamiento de las cuentas públicas convirtieron el patrimonio de la Iglesia en un claro objeto de deseo, que el resto de cuerpos estamentales no pudo o no quiso defender. En España y por extensión en Murcia este proceso de reproduce y, siendo el clero regular el gran propietario eclesiástico, contra él se desarrollara toda una labor legislativa destinada a expropiar el patrimonio en los procesos conocidos como Desamortizaciones. En una sociedad en la que el origen familiar queda en segundo lugar para dar paso al dinero como elemento clasificador, y cuya base económica continúa siendo la tierra, su posesión será uno de los elementos fundamentales en la legitimación del poder. Tras el clero regular vendría el secular, más tarde los predios rústicos y urbanos, censos y foros pertenecientes al Estado, a los pueblos, al clero y a los establecimientos y corporaciones de beneficencia e instrucción pública…, una vez consumado el trasvase patrimonial, las nuevas élites dueñas de su destino, querrán evitar cambios en el status quo y pactará con una Iglesia, por entonces muy cercenada, para que se ocupe de encuadrar a esta nueva sociedad en unos valores que resultan adecuados a sus intereses y lo harán sobre todo a través de la educación. Por su parte la Iglesia verá recompensado su trabajo al poder desarrollar su acción evangelizadora, y recibir apoyo económico y patrimonial para desarrollar su labor. Al final el círculo se cierra. Todo cambió para permanecer igual. Nuestro trabajo consistirá en comprobar el desarrollo de este proceso en Murcia a través del análisis de un caso concreto; utilizando como metodología la Historia Social, Historia de la Familia e Historia Económica. / Civilized humanity began when he tamed its environment, implying establish and own, be aware of property. The land, the main source of livelihood and wealth for centuries, has been the subject of ambition and origin of conflicts, involving the control power over others. In the West and from the tardoromana time you start a process whose relations are established on the basis of the property leading to a stratified society that will remain under the name of Old Regime and begin to break down definitively in the late eighteenth century. Royalty, nobility and church represented the ruling classes possessed property and mutual support, served to sustain this system. At the end of that process the Church lost political power, it had an impact on its equity base, new economic structures, complex modern administration made it necessary to use to meet the expenses of a Hacienda to which only contributed a small part of the population, therefore the most humble. The consolidation of a new consciousness where individuality is acquired and resurface the citizen, active in the business world and the generation of capital, which require more prominence and greater decision-making power. The refusal of the traditional powers to accept this new piece in the complex power board concluded in revolutionary processes that would change forever the foundations of Western society, in which the transfer of ownership would mean the transfer of power. Access and distribution thereof as well as the consolidation of public finances became the patrimony of the Church in a clear object of desire, the rest of estates bodies could not or would not defend. In Spain and by extension in Murcia this process plays and, with the clergy regulate the great ecclesiastical owner against him any legislative work to expropriate the assets in the process known as Confiscations developed. In a society in which family background is second to give way to money as a classifier element, whose economic base is still the land, their possession will be one of the key elements in the legitimation of power. After the regular secular clergy would come later rustic and urban land, census and forums belonging to the state, the people, the clergy and charitable institutions and corporations and public education ..., once accomplished the equity transfer, new owning elites of their destiny, want to avoid changes in the status quo and pact with a church, then a very clipped, so take care to frame this new society values that are appropriate to their interests and they will especially through education. For its part the Church will pay off their work to be able to develop their evangelizing action, and supported economic and heritage to develop their work. In the end the circle, everything changed to remain the same. Our job will be to check the development of this process in Murcia through the analysis of a specific case; using as methodology Social History, Family History and Economic History.

Una Archiva del DIY (Do It Yourseft): autoedición y autogestión en una fanzinoteca feminista-queer se centra en la creación de un archivo de colectivos, asociaciones o grupos autogestionados que produzcan ediciones de práctica feminista-queer con especial interes en el fanzine y la relación música-dibujo. Este archivo tiene la ambición de recopilar estas ediciones y ponerlas a disposición pública para su estudio como conjunto. El archivo ha tenido un uso de justificación histórica, que ha evidenciado sus vacíos y carencias, así como legitimado poderes, favorecido relaciones y dirigido líneas de memoria colectiva. Trabajar en un archivo siendo conscientes de la importancia de las pautas a seguir, el cómo y el por qué es el punto de partida de éste archivo. El material que se pretende archivar no es un material de medios de masas podríamos decir que casi se resiste a ser archivado, dificulta su clasificación y juega incluso con el misterio y los espacios de exhibición, como si siendo conscientes de no ser parte de la esfera pública se enorgullecen de ello y han buscado subversivamente tener presencia buscando otras maneras de hacer, su manera como una respuesta y búsqueda de nuevos espacios por esos contrapúblicos. La creación de este archivo sería más bien la creación de un no-archivo. Es difícil querer reunir y pretender hacer un archivo con este tipo de material que de primeras parece huidizo en sus estrategias y formatos. También es un material abierto a contradicciones y de replanteamientos cambiantes en muy corto plazo de tiempo. Sin embargo este tipo de iniciativas surgen para hablar y ser escuchadas. Hay muchos temas en común que unen estas manifestaciones, ideología, gustos, maneras de operar que a veces parecen ser protegidas para que su intención no sea mal interpretada al presentarlas en depende que contextos. La intención de éste archivo es estudiar precisamente estos puntos en común e incluso sus desencuentros para aprender de ellos. Todas estas dinámicas coinciden en proponer nuevas fórmulas en la manera de hacer e incluso vivir. Parecen a veces un pasatiempo o entretenimiento pero la implicación que esta práctica conlleva dedicación y esfuerzo, sus principios son fuertes y pretenden contagiar. / SUMMARY Una Archiva del DIY (Do It Yourseft): autoedición y autogestión en una fanzinoteca feminista-queer. This project focuses on creating a archive of collectives, associations or groups self-managed that produces editions as part of their practice around the feminist fanzine and music-drawing relationship. This archive has the ambition to compile these editions and put to public disposition for study as a whole. The archive has had a use historical justification, which has shown its gaps and shortages as well as legitimated powers, favored relations and direct lines of collective memory. Working in an archive being aware of the importance of guidelines to follow, the how and why is the starting point for this archive. The material to be archived is not a mass media material we could say that almost refuses to be archived and hinders their classification and plays even with the mystery and spaces of exhibition, as if being aware of not being part of public sphere they thrill it and they have searched subversively have presence looking for other ways to make, their way as a answer and search for news spaces themselves counter-publics. The idea of this archive would be the creation of one no-archive. If difficult to want to gather and trying to make an archive with this type of material that seems elusive at the begining in their strategies and formats. It is also open to rethinking and changing in a very short time frame. However such arise to talk and be heard. There are many common themes that unite these statements, ideology, likes, ways of operating that sometimes seem to be protected so that intention is not misinterpreted depends on presentation at which contexts. The intent of this archive is to study exactly these in common and even their disagreements for learn from them. All this dynamics coincide in suggesting new formulas on how to make and even live. Sometimes seem a hobby or entertainment but the implication that this practice involves dedication and effort, its values are strong and intend to be spreaded.

La tesis aborda la aparición y desarrollo de la tercera dimensión en la pintura, es decir, la progresiva incorporación del volumen como recurso expresivo de este arte, a priori bidimensional. Analiza la evolución histórica del fenómeno desde las primeras pinceladas densas, hasta las manifestaciones más abiertamente tridimensionales, donde la propia materia y elementos añadidos se convierten en la razón de ser de la obra. También estudia la cuestión desde una perspectiva filosófica y estética, analizando la propia naturaleza de la pintura en busca de las motivaciones que han empujado a los pintores al empleo de estrategias tridimensionales, así como de las aportaciones que estas hayan podido suponer. La parte experimental está constituida por un conjunto de obras pictóricas, fruto del proceso de documentación, estudio y reflexión, complementándolo y formando un todo homogéneo. / Material painting and three-dimensional. Evolution and current situation. Theoretical and practical considerations. The thesis addresses the question of the emergence and development of the third dimension in painting, i.e. the progressive incorporation of volume like an expressive resource of this art, initially two-dimensional. It analyze the historical evolution of the phenomenon from the first strokes dense, until more openly three-dimensional demonstrations, where the material itself and added elements become the raison d'être of the work. It also examines the question from a philosophical and aesthetic perspective, analyzing the nature of painting in search of the motivations that drove painters to the use of three-dimensional strategies, as well as the contributions that these have been assumed. The experimental part is composed of a set of paintings, the result of the process of documentation, study and reflection, supplementing and forming a homogeneous whole.

1. OBJETIVOS 2. Indicar la caracterización de los arteterapeutas. 3. Estudiar qué medios artísticos, húmedos, secos, escultóricos, mixtos y tecnológicos aplican los arteterapeutas y con qué frecuencia. 4. Establecer qué herramientas y soportes ofrecen los arteterapeutas en sus programas y con qué frecuencia. 5. Conocer la forma de proceder en arteterapia con respecto a los materiales para el uso óptimo de una aplicación arteterapéutica en su práctica profesional. 6. Estudiar la influencia de los factores demográficos sobre la forma de proceder en arteterapia. 7. Determinar qué funciones otorga el arteterapeuta a la conservación de las obras realizadas en las sesiones. 2. ENFOQUE METODOLÓGICO En ausencia de una descripción clara, a la hora de proceder en el trabajo de los arteterapeutas para saber qué materiales utilizan y cómo los utilizan, se planteó desarrollar un estudio empírico, basado en una metodología cuantitativa descriptiva, de un diseño observacional transversal. En concreto, un diseño de encuesta por muestreo, en base a un cuestionario estructurado y con alto grado de dirección. Por ello es un cuestionario descriptivo-comparativo con una finalidad determinada. La investigación que se presenta es un estudio observacional transversal y se ha centrado en lo que ha pasado diferencialmente a grupos de sujetos comparables (McMillan y Schumacher, 2005, p.43). De ahí, que no se aprecien cambios sustanciales en los sujetos, sino que estos sean analizados en su ambiente natural y por tanto en su realidad cotidiana. La aplicación de este cuestionario va a facilitar la opinión y puntos de vista que, en base a las preguntas planteadas por el investigador, el grupo poblacional va a responder. La información cuantitativa extraída de los participantes va a permitir establecer una serie de aclaraciones en lo que respecta a la investigación. (Gómez Benito, 1990). El condicionante del modelo elegido para llevar a cabo este proceso de investigación ha partido de la necesidad de saber y conocer los materiales y actuaciones que están utilizando y desarrollando los arteterapeutas. El hecho de que la encuesta haya sido de tipo transversal o transaccional permite recabar la información durante un periodo de tiempo concreto, lo que hace que se tome una muestra en un determinado tiempo y de una población específica y concreta. (Cohen y Manion, 1990). A su vez, también se ha querido introducir, como apoyo a la investigación cuantitativa, la investigación evaluativa “un tipo de investigación centrada en la práctica, que se identifica como un proceso sistemático y selectivo de recogida de información sobre un determinado problema social, educativo o de salud, con la intención de mejorar la situación y resolver los problemas” (Ramos, 2011, p. 411). Es por ello que “la diversidad metodológica posibilita el estudio de la realidad social desde diversas ópticas, ya que ninguna perspectiva metodológica por si sola responde totalmente a las preguntas que pueden formularse en el contexto social" (Del Rincón, Arnal, Latorre y Sans, 1995, p. 26). 3. CONCLUSIONES 1. El 75% de la población de arteterapeutas suelen ser mujeres con una p<0.05 y su edad está comprendida entre los 39 y los 43 años. Aproximadamente el 48% de los mismos poseen una formación de Bellas Artes y un 21% de Psicología. Los años de experiencia de estos profesionales suele estar comprendida entre los 4 y los 6 años con un intervalo de confianza al 95%. 2. Los resultados de la investigación ponen de manifiesto que el material pictórico húmedo más utilizado es la témpera con una p<0.05. Los arteterapeutas suelen utilizar las ceras blandas como material artístico seco con una, por encima del resto de materiales gráfico plásticos. El material escultórico más frecuentemente utilizado son los de desecho con una p<0.05. como material extra pictórico, el más frecuentemente utilizado son los textiles con una p<0.05. En lo que respecta a los medios tecnológicos, la cámara fotográfica, con una p<0.05, es la más empleada. 3. Los pinceles y las brochas son las herramientas más frecuentemente utilizadas con una p<0.05. En lo que se refiere a la frecuencia y uso de los soportes, se apunta que los más demandados son las cartulinas, los cartones y periódicos así como los distintos tipos de papeles, tanto reciclados como de colores. 4. Más del 65% de los arteterapeutas otorgan mucha importancia al espacio donde trabaja. Pero sólo un 15% admite trabajar en unas condiciones óptimas aunque más del 75% lo hace en condiciones aceptables. Es cierto que más del 85% de la población da bastante o mucha importancia al tiempo con relación a los materiales y el trabajo. Más del 80% consideran positivo el ofrecer una variedad de materiales para el desarrollo del trabajo. 5. Los hombres otorgan una mayor valoración al tiempo de la sesión con una p<0.0001. Igualmente, el hombre suele ser quien ofrece más materiales para el desarrollo de la sesión con una p<0.002. 6. Más del 80% de la población de arteterapeutas consideran bastante o muy importante el conservar los trabajos de las sesiones arteterapéuticas. / 1. OBJECTIVES 1. Indicate the characterization of art therapists. 2. To explore art, wet, dry, sculpture, mixed media and technology art therapists apply and how often. 3. Establish what tools and supports offered by art therapists in their programs and how often. 4. Know how to proceed in art therapy with respect to materials for use optimal application of art therapy in their practice. 5. To study the influence of demographic factors on how to proceed art therapy. 6. Determine which features art therapist gives the conservation of Works made in the hearing. 2. METHODOLOGICAL APPROACH In the absence of a clear description, when proceeding in the work of the art therapists know what materials to use and how to use them, arose to develop a empirical study, based on a descriptive quantitative methodology, a design cross-sectional. Specifically, a sample survey design, based on a structured questionnaire with a high degree of direction. It is therefore a descriptive-survey comparison with a specific purpose. The research presented is a cross-sectional study and has focused on what has been differentially comparable groups of subjects (McMillan and Schumacher, 2005, p.43). Hence, substantial changes are not apparent on the subject, but these are analyzed in their natural environment and therefore in their daily life. The application of this questionnaire is to provide opinions and viewpoints, based questions raised by the investigator, the population group will respond. The quantitative information from participants will allow a set of clarification as regards research. (Benito Gomez, 1990). The constraint on the model chosen to carry out this research process has party of the need to know and understand the materials and activities that are using and developing art therapists. The fact that the survey has been cross-sectional or transactional allows collecting information for a specific period of time, which makes a sample is taken at a particular time and in a specific and particular population. (Cohen and Manion, 1990). In turn, they also wanted to introduce, in support of quantitative research, evaluative research "a type of research focused on the practice, which is identified as a systematic and selective process of gathering information on a given problema social, educational or health, with the intention to improve the situation and solve problems " (Ramos, 2011, p. 411). That is why "methodological diversity enables the study of social reality from various perspectives, since no methodological perspective alone fully responds to questions that may be asked in the social context "(Del Rincon, Arnal, Latorre and Sans, 1995, p. 26). 3. CONCLUSIONS 1. 75% of the population of art therapists often women with p <0.05 and age it is between 39 and 43 years old. Approximately 48% of them they possess an array of Fine Arts and 21% of Psychology. Years of experience of these professionals is usually between 4 and 6 years with an interval 95% confidence. 2. The results of the investigation show that the pictorial material wet it is most widely used tempera p <0.05. Art therapists often use waxes soft as artistic material with a dry, above the rest of graphic materials plastics. The sculptural material most commonly used are the waste with p <0.05. as an extra pictorial material, the most frequently used are the textiles with a p <0.05. With regard to the technological means, the camera photographic, p <0.05, is the most used. 3. The brushes and brushes are the tools most commonly used with a p <0.05. As it relates to the frequency and using media, it is noted that the defendants are cardboards, cartons and newspapers as well as the different types of roles, both recycled and colors. 4. Over 65% of the art therapists give much importance to the space where he works. But only 15% supported work in optimum conditions although more than 75% ago in fair condition. It is true that over 85% of the population gives enough or great importance to time with regard to materials and labor. Over 80% considered positive to offer a variety of materials for the development work. 5. Men give a higher valuation at the time of the session with a p <0.0001. Similarly, the man who usually provides more material for the development of the session with a p <0.002. 6. More than 80% of the population of art therapists feel quite or very important preserve the work of art therapy sessions

La decisión de ocuparme de un tema que abarca al mismo tiempo dos personajes distintos, es imputable principalmente a mi fuerte interés por el patronazgo femenino renacentista, y en segundo lugar, al hecho que las dos figuras tratadas, aunque muy estudiadas singularmente, nunca han estado realmente profundizadas en cuanto cuñadas y, por ese motivo, fuertemente afines. Analizando la bibliografía relativa a la relación existida entre Isabella d’Este y Lucrezia Borgia, de hecho resultada más bien lagunosa, y encontrando en archivo una surtida correspondencia que les pertenece, he pensado en intentar alumbrar aquella parte de su historia con una pieza más, demorándome sobre la manera con el que se relacionaron a la hora de afrontar aquellos aspectos de su vida que las obligabas a confrontarse. Teniendo en cuenta que la bibliografía existente concuerda en aseverar que Isabella tenía en gran antipatía su cuñada, mi curiosidad, ya desde el principio, consistía en averiguar si realmente Isabella era tan envidiosa de Lucrezia, y si así fuera, cómo se relacionó con ella a lo largo de los diez y siete años en el que fueron parientes y con cuales consecuencias bajo varios puntos de vista. El resultado de la investigación me ha llevado a individuar tres grandes temas que las vieron, con factores distintos, estrechamente conectadas; el primer tema es aquello ligado al patronazgo de cultura que, puesta la posición de Isabella en querer ser recordada cual única primera dama de su tiempo, las ve netamente en contraposición, con, por un lado, intelectuales y humanistas empeñados en tejer las laudes de ambas, y por otro, la evidente aversión demostrada por Isabella hacia Lucrezia, que en vano intenta establecer un dialogo erudito con la cuñada. En segundo lugar, la investigación ha evidenciado inesperados puntos de unión por lo que se refiere al tema de la religión y sus distintas facetas, de que estaba cargada toda la sociedad renacentista; partiendo por dos posiciones muy distintas, es posible ver los diferentes aproches de ambas en algunas circunstancias claves ligadas al mundo eclesiástico. En fin, el enfoque se ha desplazado sobre los asuntos estrechamente inherentes a su posición en seno a sus familias, resaltando temas familiares y de gestión del propio deber cuales señoras de sus estados. La investigación ha conducido a resultados interesantes e inesperados, sobre todo cuando la historia oficial se ha mezclado con la historia intima de las dos mujeres, ligada a su intercambio epistolar. Al término de esta investigación que ha abarcado un largo lapso de historia a caballo entre siglo XV y siglo XVI Y Analizando el intercambio epistolar, notamos que la correspondencia está sostenida principalmente por Lucrezia, que parece sufrir de una forma de grafomanía unida a su necesidad de resultar agradecida a Isabella. Como visto, por su parte Isabella resulta haber escrito pocas cartas a Lucrezia, dejando frecuentemente que fuese un miso a transmitirle el mensaje, y los temas que toca son a menudo muy convencionales, denotando cierta frialdad hacía ella. Una particularidad que sobresale es que si entre Isabella y Alfonso la correspondencia resulta constante y rica de temas de grande interés cultural y artístico, o sea los temas favoritos de Isabella, con Lucrezia, este tipo de contenido falta completamente. La única ocasión en la que tratan de un artista en su correspondencia es justo al principio, cuando Lucrezia todavía se ilude, considerando la extracción humanística e intelectual de ambas, de poder empezar una relación de cualidad con su cuñada, que de hecho hará exactamente lo contrario de lo que ella espera, escribiendo poco y tocando temas de escaso interés. En conclusión, podemos decir que en un periodo de grande fervor cultural y verdadero receptáculo de ilustres personajes, dos damas de dos grandes familias se han distinguido, y que con más o menos fortuna critica han llegado hasta nuestro días, casi como dos heroínas. Detrás de la imagen que nos han dejado, sin embargo se celan, antes que todo, dos mujeres extraordinarias, que han sabido distinguirse en una sociedad mandada por los hombres, imponiéndose cuando la situación lo requería, y utilizando también astucias típicamente femeninas para obtener los resultados esperados. A través de su intercambio epistolar sobresalen totalmente estas dos mujeres; empeñadas a veces con la rutina cotidiana, a veces con problemas a menudo más grandes que ellas, y aunque podemos tal vez lamentar de la escasa complicidad demostrada, podemos por otra parte verlas en toda su humanidad y fragilidad, reconociendo en ellas defectos y valor, y seguramente apreciándolas ambas, por lo que han sido y también por lo que no han sido / ENGLISH ABSTRACT The decision to deal with a subject that covers simultaneously two different characters, is attributable mainly to my strong interest in Renaissance female patronage, and secondly, at the fact that the two figures treated, although very studied singularly, have never been really deepened as sisters in law and, for that reason, strongly related. Analyzing the literature on the relationship existed between Isabella d'Este and Lucrezia Borgia, in fact turned out rather lacunose, and finding a stocked correspondence on file that belongs to them, I thought of trying to illuminate that part of their history with another piece, linger myself on the manner in which they were related to tackling those aspects of their life that obligate them to confront. Given that the literature is consistent in asserting that Isabella had a great dislike to her sister in law, my curiosity, from the beginning, was to find out if you really Isabella was so jealous of Lucrezia, and if so, how he related to her over the seventeen years in which they were relatives and which been the consequences under various viewpoints. The result of research has led me to single out three issues that saw, with different, closely connected factors; the first issue is that linked to patronage of culture, considering Isabella in the position of wanting to be remembered that only first lady of her time, seen clearly in contrast, with one hand, intellectuals and humanists determined to weave the praises of both, and secondly, the apparent aversion demonstrated by Isabella to Lucrezia, who vainly tries to establish a dialogue with the sister in law. Second, research has shown unexpected attachment points so it addresses the issue of religion and its various facets, that was charged full Renaissance society; starting with two very different positions, it is possible to see the different approaches of both in some key factors linked to the ecclesiastical world. Finally, the focus has shifted on closely associated with their position in matters within their families, highlighting family management and ladies of their states which own duty issues. The research has led to interesting and unexpected results, especially when the official story has been mixed with the intimate story of two women, linked to their epistolary exchange. Upon completion of this investigation that has spanned a long period of history straddling and analyzing the exchange of letters XV and XVI century, we note that the correspondence is mainly supported by Lucrezia, who seems to suffer from a form of graphomania due to her need to be grateful to Isabella. As seen, meanwhile Isabella is having written few letters to Lucrezia, often leaving it to be a messenger to convey the message, and the issues it raises are often very conventional, denoting a certain coldness from her. One feature that stands out is that if between Isabella and Alfonso correspondence is consistent and rich themes of great cultural and artistic interest, that is the favorite themes of Isabella, with Lucrezia, this type of content is completely missing. The only time they treat an artist in their correspondence is just at the beginning, when Lucrezia deluding herself, still considering the humanistic and intellectual extraction of both, she can begin a relationship of quality with her sister in law, who in fact do exactly the contrary to what she expected, writing and playing some topics of little interest. In conclusion, we can say that in a period of great cultural fervor and true cradle of famous people, two women of illustrious families have distinguished, and with more or less success criticism have come down to our days, almost as two heroines. Behind the image we have left, however conceal, first of all, two extraordinary women who have managed to distinguish itself in a society controlled by men, beating when the situation required, and also using typically feminine wiles to get the expected results. Through their epistolary exchange these two women stand completely; engaged sometimes daily routine, sometimes with problems bigger than they often, and although we may lament the lack proven complicity, can moreover see them in all their humanity and frailty, recognizing these shortcomings and value, and surely appreciate them both for what they have been and what they have not been

RESUMEN El interés fundamental de esta tesis se ha basado en el análisis del texto como estrategia creativa en las distintas prácticas artísticas y sociales dentro del espacio público, siendo el lenguaje objeto primordial del estudio de dicho fenómeno en si. El lenguaje es un instrumento del pensamiento, y que se revela como uno de los medios más efectivos para expresar ideas por medio del proceso comunicativo y como vehículo para la información hacia el espectador. A la vez, es el sistema comunicativo más convencional. Así, como creemos apreciar, la tendencia en las artes plásticas y visuales a usar el texto como recurso legitimador desde el siglo XX hasta el momento actual, como estrategia lícita, conceptual, que implica todo un trabajo de estructuración y orden a nivel de proyección de la obra artística, y que atiende a factores sobre la complejidad y la operatividad de la misma, diferenciándose totalmente de los conceptos más inmediatos de acción como es el de la táctica, erróneamente utilizado como sinónimo de la estrategia. Revelándose aquí, el concepto de estrategia como recurso conceptual primordial en aquellas producciones que emplean el uso del texto como estrategia para la creación. En el estudio del lenguaje, nos centraremos en la retórica visual un modo de análisis que nos puede permitir, en distintos soportes, o en distintos medios- artes plásticas y visuales, cine, publicidad- articular significante y significado, o dicho de otro modo, forma y contenido, con el objetivo de comprender mejor una obra artística desde el punto de vista del espectador o como creadores de la misma. A la vez que, en cuanto al uso de un método o de una estrategia, se puede apreciar que el uso del pensamiento por medio del lenguaje y sus distintas figuras retóricas, pueden servir como estrategias de creación. Palabras claves: Texto, estrategia creativa, retórica visual, espacio público, prácticas sociales del arte OBJETIVOS DE LA TESIS: Dentro de los objetivos de esta tesis que estudia el uso del texto como estrategia creativa nos hemos propuesto: - Estudiar por medio de un recorrido histórico el uso del texto como estrategia creativa a lo largo de la historia de las artes plásticas y visuales. - Observar los distintos aspectos que se dan en la fusión entre la imagen y el texto, así como la relación que se establece entre la propia tipografía con la semiótica visual como la importancia de las figuras retóricas como figuras comunicativas en los distintos discursos artísticos. - Analizar aquellas características que unen a las distintas prácticas artísticas que usan el texto como estrategia creativa. - Comprender la importancia del término de estrategia, como procedimiento conceptual que implica todo un trabajo de estructuración y orden a nivel de proyección de la obra artística, y que atiende a factores sobre la complejidad y la operatividad de la misma - Establecer por medio del análisis de estas distintas prácticas los distintos soportes o vehículos donde insertan el texto. - Observar la importancia del texto como estrategia creativa en las distintas prácticas sociales dentro del análisis de los autores seleccionados, así como el uso del lenguaje influirá determinantemente en el significado general de las obras de dichos autores. METODOLOGÍA: La metodología utilizada se ha fundamentado, en una de sus partes, en el libro Investigación educativa. Fundamentos y metodología de Arnal, Del Rincón y Latorre (1992), así como en Técnicas de Investigación en Ciencias Sociales (Latorre & Sanz, 1995). Se enmarcará dentro de la metodología de investigación social de tipo cualitativo/constructivista. CONCLUSIONES: El lenguaje es un instrumento del pensamiento, y que se revela como uno de los medios más efectivos para expresar ideas por medio del proceso comunicativo y como vehículo para la información hacia el espectador. El uso del texto como estrategia creativa será uno de los recursos formales y conceptuales que los artistas incorporarán en sus obras caracterizando a una gran parte de la historia de la producción artística del siglo XX, dando paso a que se reconozca el uso del lenguaje como una herramienta más de expresión, y que se ontemple el hecho artístico como el arte de las ideas o del pensamiento. / ABSTRACT The main focus of this thesis is based on the analysis of the text as a creative strategy in the different artistic and social practices within the public space, being the primary language object of study of this phenomenon itself. Language is an instrument of thought, and who reveals himself as one of the most effective means to express ideas through the communication process and as a vehicle for information to the viewer. At the same time, it is the conventional communication system. So, as we see, the trend in plastic and visual to use the text as a legitimizing resource from the twentieth century to the present, as lawful, conceptual arts strategy, which involves a whole structure and work order projection level the artistic work, and serving factors on the complexity and functionality of the same, differing entirely on immediate action concepts such as tactics, wrongly used as a synonym for the strategy. Revealing here, the concept of strategy mainly conceptual resource in those productions that employ the use of text as a strategy for creation. In the study of language, we will focus on the visual rhetoric a mode of analysis that can allow us, in different media or in different media- visual arts, film, advertising-articular signifier and signified, or in other words, form and content in order to better understand a work of art from the point of view of the spectator or as creators of it. While, in the use of a method or strategy, it can be seen that the use of thought through language and its various tropes, can serve as building strategies. Keywords: Text, creative strategy, visual rhetoric, public space, social practices of art OBJECTIVES OF THE THESIS: Among the objectives of this thesis studies the use of text as a creative strategy we have proposed: - Study through a historical text use as creative strategy throughout the history of the visual arts. - Observe the different aspects that occur in the fusion of image and text, as well as the relationship established between the font itself with the visual semiotics as the importance of rhetorical figures as communicative figures in different artistic discourses. - Analyze the characteristics that unite different artistic practices that use the text as a creative strategy. - Understand the importance of the term strategy as a conceptual process that involves all work order level structure and projection of artistic work, and serving factors on the complexity and functionality of the same - Establish through analysis of these different practices or different media vehicles where the inserted text. - Note the importance of the text as a creative strategy in different social practices in the analysis of the selected authors and language use a determining influence on the general meaning of the works of these authors. METHODOLOGY: The methodology is based on one of its parts, in the book Educational research. Fundamentals and methodology of Arnal, Del Rincon & Latorre (1992) and Technical Research in Social Sciences (Latorre & Sanz, 1995). It will be framed within the social research methodology qualitative / constructivist. CONCLUSIONS: Language is an instrument of thought, and who reveals himself as one of the most effective means to express ideas through the communication process and as a vehicle for information to the viewer. The use of text as a creative strategy will be one of the formal and conceptual resources that artists incorporate in their work characterizing much of the history of twentieth century art production, leading to the use of language is recognized as a tool of expression, and that the artistic act as the art of ideas or thought is contemplated.

El objetivo de esta investigación es fijar el campo semántico del concepto de representación en el momento de su origen (siglos XVII y XVIII). Pretendemos identificar las diversas esferas de la experiencia sobre las que se ha fundamentado esta construcción conceptual y, al mismo tiempo, describir las mutaciones que ha sufrido, hasta su crisis. Estas esferas son: artística, epistemológica y jurídico-política. Nuestra hipótesis supone que la nueva concepción del poder político contractualista depende de la metáfora de la representación teatral. Trataremos de mostrar cómo la vieja metáfora del Theatrum Mundi, liberada del sistema teológico, se va a transformar en el Barroco en una forma de sociedad espectacular. El ciudadano se convierte en espectador tanto en el teatro como en la sociedad y en la política. Nuevas relaciones de poder y nuevos sujetos (la burguesía y las masas urbanas), pero también nuevos espacios ciudadanos: reales y abiertos (plazas y jardines), y espacios virtuales y cerrados (teatros). Ese complejo estético-político tiene en la ópera cómica, desarrollada durante el clasicismo, el signo distintivo de la Ilustración y de la burguesía. Los textos han sido tratados por una metodología hermenéutica haciendo una nueva lectura de todos aquellos documentos originales que presentaban una perspectiva de esa metáfora escénica. La problemática actual de la representación política se ha tratado desde el método genealógico usando tres perspectivas que constituyen sendas figuras conceptuales. La primera es la que presenta las tres disciplinas por las que conocemos la representación en Occidente: la teoría política, la epistemología y la estética. La segunda hace referencia a los personajes representativos: el político, el científico y el artista. Finalmente, la representación cultivada por estos tres personajes constituye el espectáculo que se ofrece al público. El espectador “actúa” en la representación como el representado. El espectador (público-masa), constituye la tercera figura conceptual o perspectiva. El resultado de este tratamiento nos permite ver cómo, gracias a esa forma de diferenciación social basada en la distinción o gusto estético, frente a la ópera y otras manifestaciones artísticas, se configuraba un sistema espectacular absolutamente vertical. Las altas culturas se presentaban a aquellos individuos distinguidos, convertidos en personajes representativos (alta burguesía). La moderna sociedad de clases reinventa la desigualdad a través de la cultura. En las reflexiones sobre el arte dramático hemos descubierto las claves para la comprensión del moderno hombre público en tanto que personaje representativo. El espacio público se ha transformado en un escenario (El gran teatro del mundo) y se presenta bajo la forma de la representación. La sociedad y la ciudad se han convertido en una escenografía para el espectáculo; el ciudadano es el público y para él se procede a organizar la compleja representación. Se diseña la figura profesional del representante de los asuntos públicos: el político representativo, casi de la misma manera que hay un protagonista de la representación en el teatro: el actor. Dentro de las conclusiones constatamos que la representación no ha entrado en crisis, como viene anunciado en arte y política, más bien al contrario, se ha reforzado, y la moderna red global está organizada por los sistemas mediáticos que gestionan la opinión pública y estimulan el consumo espectacular de las masas. Hemos identificado, en diálogo con Foucault, que la crisis no ha afectado al sistema completo de la representación sino a uno de sus componentes, ese que caracterizó al racionalismo clásico: al modelo cartesiano del orden metódico. En consecuencia, podemos constatar la pervivencia del clasicismo actualmente. Las músicas populares, las dramaturgias cinematográficas, etc. van a promover un nuevo género que regresa a las fuentes populares, aunque se aleja de los patrones musicales del clasicismo ya convertido en música culta, música clásica. El mundo de la comedia clásica está en nuestra sensibilidad, las estructuras espectaculares creadas en aquella época siguen funcionando. Este mundo de la comedia ilustrada ha llegado a convertirse en la dramaturgia de la cultura de masas que la Dialéctica de la Ilustración llamó “industria cultural”. Este trabajo ha pretendido realizar la genealogía de los contenidos de esa cultura que impregna todos los productos culturales que se producen en la segunda mitad del siglo XX, especialmente después de que la ilusión de la crisis de la representación haya acabado con la Vanguardia. Y a través de ese análisis hemos definido un modelo crítico de la actitud ciudadana. Respecto a esa construcción cultural se construyen dos figuras del espectador: la ofrecida por Rousseau y otra de Diderot. Nuestra perspectiva es más diderotiana que roussoniana: el espectador debe dejar de serlo, pero en el teatro mismo, no contra el teatro. Nuestras formas culturales y espectaculares forman parte de nuestra identidad y, por ello, debemos exigir no solo su mantenimiento sino la calidad de su custodia, su renovación y su desarrollo. / The objective of this research is to set the semantic field of the concept of representation at the time of its origin (17th and 18th centuries). We aim to identify the various areas of the experience on which this conceptual structure is based upon and, at the same time, describe the mutations it has suffered up to its crisis, in its triple aspect: artistic, epistemological and juridical. We will try to show how the old metaphor of the Theatrum Mundi, freed from the theological system, became a form of spectacular society, during the Baroque period Our hypothesis is that the new concept of contractual political power, depends on the metaphor of the theatrical performance, which is the indisputable paradigm of this cultural model. The citizen becomes a spectator both at the theatre as in society and politics. New relations of power and new individuals (the bourgeoisie and the urban masses), but also new urban and civic spaces: real and open (squares and gardens), or virtual and closed (theatres). These aesthetic-political complex performances will reveal through the musical show invented in the 16th century: the opera. During the 18 th. century, the comic opera became a hallmark of the Enlightenment and the bourgeoisie. The texts have been submitted by a hermeneutics methodology by doing a transversal reading about all those original documents presenting a perspective of this scenic metaphor. The current issue of political representation has been treated since the genealogical method using three perspectives. The first one by presents the three disciplines which we know the representation in the West: political theory, epistemology and aesthetics. The second perspective, that illuminates a capital element within this system, makes reference to the representative characters: the politician, the scientist and the artist. Finally, the representation cultivated by these three characters is the performance that is offered to the public, which "acts" in the representation as the represented: the spectator (the crowd-audience), which is the third conceptual figure or perspective. The result of this process lets us see how, thanks to that form of social differentiation based on the distinction or aesthetic taste, opposite the opera and other artistic manifestations, a spectacular system absolutely vertical was configured. High cultures addressed those distinguished individuals converted into emblematic (representative) characters (gentry). We have discovered the keys to the understand the modern public man as a symbol, through our reflections about drama. The public space has been transformed into a stage (the great theatre of the world) and is presented in the form of representation. The society, the city, has become a stage for the show; the citizen is the public and for it proceeds to organize complex representation. The professional figure of the public affairs representative is designed: the political representative, almost in the same way that there is a protagonist of the representation in the Theatre: the actor. One of the most important conclusions is that performance has not entered into crisis, but strengthened enormously while the modern global network is organized by the media that manage public opinion and stimulate mass consumption. Therefore, the crisis has not affected the whole system of performance, but us one of its components, the one which characterized classical rationalism, the Cartesian model of the methodical order. As a result, we can recognize the survival of classicism: popular music, the cinema dramaturgy, etc. generate a new genre that returns to the popular sources, although it moves away from the musical patterns of classicism as converted into art music, classical music. The world of classical comedy is in our sensitivity, the spectacular structures created at that time are still operating. This world of the illustrated comedy has become the drama of mass culture that Dialectics of Enlightenment called cultural industry. This work has tried to carry out the genealogy of the contents of that culture that permeates all cultural products that are produced in the second half of the 20th century, especially since the illusion of the crisis of performance finished with the avant-garde. Through this analysis, we have defined a critical model of citizen attitude. Two figures of the viewer are built on that cultural construction: the one offered by Rousseau and another by Diderot. Our perspective is more Diderot-like than Roussonian: the spectator must cease to be, but within the theatre itself, not against the theatre. Our cultural and spectacular forms are part of our identity, thus we must demand not only its maintenance but also the quality of its custody, renewal and development.

This thesis is a compilation and a cataloging a series of original artworks decorative type, for murals in different techniques, which have been linked to the inputs of the buildings that support, shape and own part of the architectural ensemble. Currently, this documentation is not closed or completed; new issues have appeared which deserve being catalogued in the future. Fieldwork is the starting point of this investigation, together with a great number of documentary sources, such as artist biographies, catalogs of related works as well as a thorough study of the artistic techniques employed in these works. To understand this type of artistic works is necessary to investigate a series of historical backgrounds. It is also necessary to know the hottest artists and their social, historical and cultural environment, having discovered between these artists collective groupings. Apart from the works to be studied, those located in the lobbies and hallways of private homes, I have contributed with other works from the same period which can be found at the entrance and common areas of public sector buildings. Besides, this research should also contribute to make people feel aware of how important the conservation and protection of our heritage is by recognizing its historic values, no matter how old is. This research is divided into the following three thematic sections: • The first block belongs to the introductory part of a historical nature, which studies the origin of pieces, their classification, cataloging and historical context, and a brief reference to those which have disappeared. It is sub-classified into public and private works. This block comes with a large graphic documentation, support data analysis and a variety of documentary sources. • The second part deals with the artists who created the works that formed this study, from the distant past to the present. This section includes a brief mention of their biographies and the groups these artists belonged to in the mid-twentieth century to explain the reasons that led to these style of works and their common features. • The third section contains a comprehensive study on plastic graphic techniques used to create these pieces, a difficult task because it was conducted in an era of experimental research of artistic techniques. This has led to more freedom in plastic art nowadays. • Finally, the reader would find several sections in Annexes related to these subjects, for example reports on analyzed items, diagrams, chronological axis, maps, and so on. To conclude the thesis, we have reached a number of general conclusions: • The decorative painting has been in the city of Murcia throughout history, and still today we find existing samples, we confirm this. • Far from the pictorial program major commissions, civil and religious, until the twentieth century that were common, comes a new type of job, the individual and private sphere, as well as at the institutional level. • The theme developed is varied, have also used different artistic trends such as figuration, abstraction, cubism and impressionist forms, among others. • These decorative and artistic achievements have used various mural painting techniques and media. • Many artists were the architects of this type of decorations, some had in common the same artistic interests, reaching thereby form a number of groups. • We know that you know works may appear today, but we must make clear the possibility of a successful expansion of this research present here • At the end of this work we have followed knowing data, as some unknown authorship. Thus this thesis is open to research, with the intention to continue researching and cataloging these works. / Trata de una recopilación y catalogación de una serie de obras artísticas originales de tipo decorativo, a modo de murales en variadas técnicas, que han quedado vinculadas a las entradas de los edificios que las sustentan y configuran así parte del propio conjunto arquitectónico. Actualmente esta catalogación no está cerrada ni concluida, pues a día de hoy siguen apareciendo nuevos ejemplares que merecen ser registrados en un futuro. El trabajo de campo es el detonante de esta investigación, acompañándolo de numerosas fuentes documentales, como biografías de artistas, catálogos de obras relacionadas, así como un minucioso estudio de las técnicas artísticas empleadas en dichas obras. Para entender este tipo de obras artísticas es necesario investigar una serie de antecedentes históricos. También es necesario conocer a los artistas del momento así como su contexto social, histórico y cultural, habiendo descubierto agrupaciones colectivas entre estos artistas. A parte de las obras a analizar, las situadas en los vestíbulos y zaguanes de las viviendas particulares, se han complementado con otras obras de la misma época, que están situadas en las entradas y en los espacios comunes de edificios de ámbito público. En parte, otro de los objetivos de este estudio de investigación, debería ser sensibilizar y concienciar al ciudadano de la importancia de la tarea de conservación y protección del patrimonio, del valor que tienen al presente y que pueden llegar a tener esta serie de obras en un futuro, y en conclusión, de saber valorar y reconocer su pasado histórico artístico aunque sea relativamente reciente. El trabajo de investigación aquí presente, se encuentra dividido en tres bloques temáticos, relacionados entre sí: El primer bloque pertenece a la parte introductora de carácter histórico, donde se estudia el origen de las piezas, su clasificación, catalogación y contexto histórico, así como una breve alusión a diferentes obras ya desaparecidas. Se encuentra subdividido entre obras de ámbito público y obras de ámbito privado. Este bloque viene acompañado de numerosa documentación gráfica, análisis de datos y apoyo en diversas fuentes documentales. El segundo bloque trata sobre los artistas creadores de las obras que comprenden el estudio de investigación, desde los más lejanos en el tiempo hasta los contemporáneos nuestros. Este bloque abarca una breve mención de sus biografías, las cuales nos relatan su vida y su trayectoria artística. También incluye este bloque las diferentes agrupaciones de dichos artistas, de tipo reivindicativo en su mayoría, las cuales surgieron sobre todo a mediados del siglo XX. Estudiando las razones que dieron lugar a este tipo de obras y sus características comunes. El tercer bloque contiene un amplio apartado dedicado a las técnicas grafico plásticas con las que se realizaron estas piezas, siendo muy variado debido a que se realizaron en una época de investigación experimental de las técnicas artísticas, que es el antecedente que ha dado lugar a que hoy podamos tener una mayor libertad en cuanto a la técnica plástica en el arte de hoy. Trata de un estudio de dichas técnicas y soportes, avalado por diferentes fuentes documentales. Finalmente en los anexos, encontraremos varios apartados relacionados con el tema a analizar. Así como los informes de las piezas analizadas, esquemas para una mayor comprensión, ejes cronológicos, mapas donde aparece la ubicación de las piezas, etc. Para concluir la tesis doctoral, hemos llegado a una serie de conclusiones generales: La pintura decorativa ha estado presente en la ciudad de Murcia a lo largo de la historia, y todavía hoy encontramos muestras vigentes, que nos lo confirman. Lejos de los grandes encargos de programas pictóricos, civiles y religiosos, que hasta el siglo XX eran habituales, nace un nuevo tipo de encargo, el particular y de ámbito privado, así como en el ámbito institucional. La temática desarrollada es variada, también se han utilizado diferentes tendencias artísticas, como la figuración, la abstracción, las formas cubistas e impresionistas, entre otras. En estas realizaciones decorativas y artísticas se han utilizado variadas técnicas pictóricas murales y soportes. Fueron muchos artistas los artífices de este tipo de decoraciones, algunos tenían en común las mismas inquietudes artísticas, llegando a formar por ello una serie de colectivos. Sabemos que pueden aparecer obras que desconocemos a día de hoy, pero hay que dejar claro la posibilidad de una fructífera expansión de esta investigación aquí presente Al cierre de este trabajo hemos seguido conociendo datos, como alguna autoría desconocida. Por ello esta Tesis Doctoral queda abierta a la investigación, con la intención de seguir investigando y catalogando este tipo de obras.

El Intencionalismo es la teoría que defiende la relevancia de la intención del autor para determinar el significado de una obra de arte en su interpretación. El objetivo fundamental de esta tesis doctoral es justificar la validez del intencionalismo a partir de la revisión de sus conceptos fundamentales –interpretación, intención y significado– y el análisis de los problemas que cada uno de estos conceptos conlleva. Para ello, en primer lugar, se presentan los principales argumentos clásicos y contemporáneos del debate entre intencionalistas y anti-intencionalistas y las distintas versiones del intencionalismo a las que éste debate ha dado lugar. A continuación, se discuten las objeciones más actuales contra el intencionalismo, que vienen de los defensores de la teoría de la Maximización estética en la interpretación y de los defensores del Pluralismo interpretativo; denunciando ambos que el intencionalismo es una teoría interpretativa estéticamente deflacionaria. En segundo lugar, se aborda uno de los argumentos clásicos contra el intencionalismo, la Falacia Intencional, que apunta a las dificultades para conocer las intenciones de los autores. Definiendo un concepto de intención competente para el intencionalismo, desde el punto de vista del externismo epistemológico, el objetivo es mostrar que la intención no tiene por qué ser un misterio. En tercer lugar, se analiza otro de los argumentos clásicos contra el intencionalismo, la Tesis de la Identidad entre el significado del autor y el significado de la obra. Para ello se analiza cómo se ha concretado el modelo lingüístico –sobre el que se fundamenta tradicionalmente el intencionalismo– en el Intencionalismo Moderado, cuestionando que este planteamiento sea necesario para dar cuenta de la failibilidad del autor a la hora de cumplir sus intenciones. Por último, se ha reformulado la analogía entre el significado artístico y el lingüístico –generalmente implícita en el intencionalismo–, criticando tanto los principales argumentos en su contra, como la formulación tradicional que se ha hecho de esta analogía. Asimismo, se propone una analogía alternativa basada en una visión pragmática del lenguaje, con el objetivo de mostrar que el paradigma lingüístico del intencionalismo no es un planteamiento reduccionista. Metodología La metodología utilizada ha consistido fundamentalmente en el análisis y discusión de los principales argumentos a favor y en contra del intencionalismo, a partir de las principales fuentes bibliográficas primarias y secundarias, clásicas y contemporáneas. Asimismo, se han incorporando herramientas teóricas de disciplinas filosóficas más allá de la Estética, como la Filosofía del Lenguaje, la Filosofía de la Mente y la Filosofía de la Acción, para desarrollar un estudio interdisciplinar. Conclusiones Las conclusiones fundamentales que pueden extraer de la tesis son las siguientes. En primer lugar, el intencionalismo puede ser compatible, por un lado, con cierto grado de maximización estética en la interpretación suscribiendo la visión de la interpretación como formulación de hipótesis, pero sin necesidad de suscribir al mismo tiempo el Intencionalismo Hipotético. Por otro lado, el intencionalismo puede ser compatible con el pluralismo suscribiendo lo que he denominado como un pluralismo restringido, sin necesidad de abandonar su naturaleza monista. De esta manera, el intencionalismo no sería necesariamente una teoría interpretativa estéticamente deflacionaria. En segundo lugar, el intencionalismo puede dar cuenta del problema de conocer las intenciones del autor, que da lugar a la Falacia Intencional, a través de un concepto complejo de intencionalidad artística, en el marco de una visión externista de la mente y el conocimiento. En tercer lugar, el intencionalismo no necesita comprometerse con una visión convencionalista del lenguaje, ni con la distinción entre el significado de la proferencia y el significado intentado, para dar cuenta de la falibilidad del autor. En este sentido, se podría concluir que el Intencionalismo Moderado es un planteamiento innecesario. En cuarto lugar, suscribiendo una analogía entre el significado artístico y lingüístico revisada a la luz de una visión pragmática del lenguaje, el intencionalismo puede mantener el paradigma lingüístico como estrategia de justificación de la relevancia de la intención en la interpretación sin incurrir necesariamente en un planteamiento reduccionista. / Intentionalism defends that the authorial intention is relevant in order to determine the meaning in the interpretation of a work of art. The objective of this doctoral thesis is to jutify the validity of intentionalism by revising its most important concepts –interpretation, intention, and meaning– and analizing the problems each one conveys. To that end, firstly, I introduce the main arguments of the debate between intentionalists and anti-intentionalists, and the multiple versions of intentionalism this debate gives rise to. Below, I discuss the most important current anti-intentionalists’ objections, which come mainly from the supporters of the Aesthetic Maximization Theory in interpretation and the supportes of interpretative Pluralism. Both denounce that intentionalism is an aesthetically deflationary theory of artistic interpretation. Secondly, I focus on a classical argument against intentionalis, namely, the Intentional Fallacy, which points to the problem of knowing authorial intention. By defining a suitable concept of artistic intention, framed in epistemological externalism, the objective is to show that intentions are not a mistery. Thirdly, I tackle another classical argument against intentionalism, namely, the Identity Thesis between work meaning and author’s intended meaning. In this sense, I analyze how the linguistic model –traditionally adopted by intentionalism– has been instantiated in Moderate Intentionalism, questioning that this approach is necessary in order to account for the authorial fallibility to fulfil her intentions. Finally, the analogy between artistic and linguistic meaning –generally implicit in every intentionalist approach– is reformulated by developing a criticism as much of the arguments of its detractors as of its traditional supporters, and proposing an alternative analogy based on a pragmatic view of language.