Orientador: Mario Fernando Bolognesi / Banca: Maria Lucia de Souza Barros / Banca: Kathya Maria Ayres de Godoy / Resumo: Esta pesquisa teve como principal objetivo estudar procedimentos pedagógicos de treinamento corporal de atores. Para isso, o processo artístico e pedagógico da diretora, atriz e professora da Escola de Arte Dramática EAD-USP, Cristiane Paoli Quito, serviu de guia e condutor desta pesquisa. Os sujeitos observados foram os alunos do terceiro ano da Escola de Arte Dramática, Turma 59/EAD-USP. O período estudado foi de agosto a dezembro de 2009. Foram observados e analisados os procedimentos pedagógicos de construção da dramaturgia corporal, utilizadas por essa diretora na montagem da peça teatral O Gato Malhado e a Andorinha Sinhá, adaptada ao teatro pelo dramaturgo e professor da Escola de Arte Dramática (USP), Rogério Toscano, com a colaboração de todo o elenco de atores/estudantes da turma 59/EAD-USP. A montagem da peça, O Gato Malhado e a Andorinha Sinhá, fez parte da aula de Estudos e Práticas de Montagem e foi dirigida por Cristiane Paoli Quito. Mesmo tendo observado e analisado a montagem teatral como um todo, concentrei-me em um foco principal: descrever e analisar o processo pedagógico de construção da dramaturgia corporal na montagem da peça O Gato Malhado e a Andorinha Sinhá de modo a compreender como Cristiane Paoli Quito trabalha, pedagogicamente, a construção da dramaturgia corporal com alunos/atores na criação de um espetáculo. Sendo assim, o trabalho pedagógico de construção das ações físicas com os atores da turma 59 EAD/USP teve maior importância nesta pesquisa, se comparada a outros elementos que envolvem uma montagem teatral (texto, direção, luz, cenário, música, figurino etc.). O trabalho da coreógrafa e bailarina Tarina Quelho também foi analisado, uma vez em que essa fez a parte da preparação corporal dos alunos/atores, através da técnica do BMC... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: The main aim of this study is to understand pedagogical procedures of the bodily training of actors. For this, the artistic and pedagogical process of Cristiane Paoli Quito director, actress and teacher at the School of Dramatic Art EAD-USP served as a guide. The third year students of the School of Dramatic Art, Group 59 EAD-USP were the subjects observed. The study took place between August and December 2009. The procedures utilised by this director while putting together the play The Swallow and the Tom Cat : A Love Story were observed and analysed. This literary work by Jorge Amado was adapted to the stage by Rogerio Toscano, teacher and dramatist at the School of Dramatic Art EAD-USP, with the collaboration of the whole cast of actors / students of Group 59. The putting together of the play The Swallow and the Tom Cat: A Love Story was part of a class called Estudos e Praticas de Montagem (Studies and Practices of plays) and was directed by Cristiane Paoli Quito. Even having observed the putting together of the whole play, the study main focus is: describe and analyse the pedagogic construction of the physical dramatisation of the play. This study can be summed up with one main question: how is it that Cristiane Paoli Quito work, pedagogically with the construction of the physical drama with students/actors in the creation of the play? In this way the pedagogical work of the construction of the physical actions of the actors of Group 59 EAD/USP was the most important thing in the study, if compared to the other elements which are involved in putting together a play (text, lights, scenery, music and costumes). The work of the choreographer and ballerina Tarina Quelho was also analysed, as she prepared the students/actors using a technique called BMC (mind body centring). Rogerio Toscano took part as a dramatist, helping Group 59 in reinterpretation of Jorge Amado's original text. He is also extensively quoted in this dissertation / Mestre

Orientador: Suely Master / Coorientador: Cláudia Maria de Vasconcellos / Banca: Michelle Nicié dos Santos Machado / Banca: Lucia Regina Vieira Romano / Resumo: Nesta pesquisa investigamos como alguns artistas envolvidos na encenação de peças curtas do teatro de Samuel Beckett no Brasil lidaram com o trabalho de criação vocal das mesmas, se houve algum tipo de preparo ou não, que tipo de problemas encontraram etc. Foram entrevistados sete artistas que estiveram envolvidos em alguma montagem brasileira entre os anos de 1985 e 2012. O resultado das conversas dá uma noção de como foi o envolvimento deles com a obra beckettiana e que tipo de impacto ela teve na relação deles com a criação, sobretudo no tocante à maneira como a palavra era colocada em cena. Os relatos abriram possibilidades de reflexões acerca do papel do intérprete em um tipo de teatro rigoroso como o de Beckett, de como entendem a relação entre corpo e voz, ou como lidam com a criação de personagens, que frequentemente não parece possível dentro de uma abordagem psicológica ou realista, mas sim a partir de aspectos bem materiais da encenação, como a movimentação, a respiração, a partitura sonora e vocal. Por fim, percebemos que não houve um preparo técnico vocal específico dos artistas consultados e que a criação vocal foi compreendida como a consequência de um trabalho que engloba noções de entrega do ator, de representação e resentificação, discussões sobre formas de se trabalhar a personagem, de rituais de preparação, entre outras, abrindo campo para discutir o valor da técnica vocal no desempenho de tal tipo de teatro. / Abstract: This research investigated how some Brazilian performers prepared themselves vocally to play Samuel Beckett's short theatre. If there was some sort of preparation or not,what kind of problems encountered etc. Seven artists were interviewed who were involved in some Brazilian theatrical productions between the years 1985 and 2012. The result of these conversations gives a sense of how their involvement was with Beckett's work and what kind of impact it had on their relationship with creation particularly with regard to the way the word into the performance. The reports opened possibilities for reflections on the role of the performer in a type of rigorous theater like Beckettian theatre. Understanding how the relationship between body and voice or how they deal with the creation of characters which often does not seem possible within an approach psychological or realistic, but from material aspects of staging such as movement, breathing, sound and vocal scores. Finally, we realized that not there was a vocal specific technical preparation of the performers and the vocal creation was understood as the result of a work which encompasses notions of the commitment of the actor, representation and presentification, the discussions of ways to work the character, rituals of preparation, among others, opening the field to discuss the value of vocal technique in the performance of this kind of theater. / Mestre

Orientador: José Manuel Lázaro de Ortecho Ramirez / Banca: Mário Fernando Bolognesi / Banca: Cassiano Sydow Quilici / Título na capa do anexo: Escritos de si e escritos de outros: descrições, dramaturgias, narrativas e roteiros da atividade criadora do Terra de Santo de Os Fofos Encenam / Resumo: Partindo de uma abelhudice do pesquisador sobre o ato criador do grupo de teatro Os Fofos Encenam, que desenvolve seus trabalhos artísticos na cidade de São Paulo, essa pesquisa atravessa o período dos procedimentos e processos da atividade criadora do projeto Memória da Cana, Parte II - O Pentateuco, que tinha em seu principal objetivo, a investigação das manifestações e rituais sacro-profanos da cultura da cana-de-açúcar nos cinco séculos de Brasil, um pretexto para estabelecer um olhar sobre a sociedade brasileira contemporânea e a busca de uma tradução dramatúrgica e cênica desta relação. Esta pesquisa buscou compreender a gênese, a essência, o modus operandis desta atividade de criação artística, tratando-se, dessa forma, de uma análise fenomenológica embasada parcialmente na proposta metodológica de pesquisa-ação, visto que o pesquisador-ator é também um ator-pesquisador do processo de criação, e atrelada à metodologia pluralista de Paul Feyerabend e à relação de complementaridade defendida por Niels Bohr, que possibilitam uma percepção perspectivista e menos racional sobre o percurso do projeto de Os Fofos Encenam e seus resultados: o texto dramatúrgico pós-cênico e o texto espetacular Terra de Santo. Texto construído em processo colaborativo entre o dramaturgo e os atores; uma encenação como forma primária de site-specific e atos de criação de personas fundamentados na memória pessoal. / Abstract: Arising from the researcher's curiosity about the creative activity of the theater group Os Fofos Encenam, which develops its artwork in the city of São Paulo, the present research was conducted along the procedures and processes of the creative activity of the project Memória da Cana, Parte II - O Pentateuco, whose main goal was to investigate the manifestations and sacred-profane rituals of Brazil's sugar cane cultivation throughout the country's five centuries, a pretext to perceive the Brazilian contemporary society in order to portray a dramaturgical and scenic translation of it. The present research sought to understand the genesis, the essence, the modus operandis of the referred artistic creation activity, therefore, it is a phenomenological analysis partially grounded in the methodological approach of action-research, seeing that the researcher-actor is also an actor-researcher of the creation process. The research is linked to Paul Feyerabend's methodological pluralism and the complementarity principle, formulated by Niels Bohr, which enables a perspectival and less rational perception of the route of the project Os Fofos Encenam and its results: the post-scenic playscript and the spectacular Terra de Santo script. Playscript made by the collaborative process of the playwright and the actors; a primary form of site-specific art staging and the act of creating personas based on personal memory. / Mestre

Orientador: Suely Master / Co-orientador: Kathya M. A. de Godoy / Banca: Lúcia Regina Vieira Romano / Banca: Andréia Vieira Abdelnur Camargo / Resumo: A presente pesquisa visa refletir um experimento de criação cênica, o processo criativo da peça Pulsar da Medusa, que foi dirigida por mim. Trata-se de um processo de criação em dançateatro baseado no estudo expressivo do corpo-voz a partir da utilização dos fatores de Rudolf Laban: espaço, tempo, peso e fluência. A abordagem deste experimento cênico ocorre pelo meu ponto de vista enquanto diretora. Aqui eu discorro sobre meu trabalho com o ator-aprendiz e as atrizes-aprendizas da peça. Num tipo de direção que propõe um trabalho preparativo para representação/atuação, através de exercícios corporais e vocais junto à orientação do trabalho criativo. É um trabalho de direçãoorientação. A pesquisa contou com a colaboração de duas aprendizas-atrizes e um aprendiz-ator, que tiveram, junto a mim, a função de criadores da cena. A direção da peça tinha como objetivo principal a questão da formação de atriz e ator, por isso visava mais do que um resultado estético. O processo foi visto principalmente como um meio para aprendizagem no campo da expressividade do corpo-voz e de composição cênica. A própria peça foi elaborada como um exercício de criação, com inspiração no livro Água-viva, de Clarice Lispector. Como anexos, constam questionários respondidos pelo aprendiz-ator e pelas aprendizasatrizes que colaboraram com a pesquisa, esses questionários nos auxiliam a verificar se os exercícios praticados de fato foram importantes para o desenvolvimento expressivo vocalcorporal. Além disso, também constam alguns vídeos em anexo que mostram fragmentos da peça e de ensaios. Como aqui se aborda tanto aspectos do trabalho de diretora-orientadora, como do trabalho de ator/ atriz, esta pesquisa pode contribuir com artistas que exercem diferentes funções dentro de um processo criativo. Além disso, presta-se como referência para professores e pesquisadores no âmbito... / Abstract: The present research aims to reflect a scenic experiment creation: the creative process of the play Pulsar da Medusa, which was directed by me. It's about an approach of dance theatre based in the expressive study of body vocal, using factors from Rudolph Laban: space, time, weight and fluency. The approach of this scenic experiment occur by my point of view as a director. Here I broach about my labour with the apprentice actor and apprentice actress from the play. This kind of direction purpose a preparative labour for the representation/acting, through body and vocal exercises, with orientation of the creative labour. It's a direction-bearings labour. The research counted with the collaboration from two-apprentice actress and one apprentice actor, who had, with me, the role of scenic creators. The fundamental intention of the direction was the instruction of the actress and actor, for this reason aimed more than aesthetics results. The process was seem especially as a way of learning at the expressivity field of body vocal and scenic composition. The play was elaborate as an exercise of creation, inspired on the book Água-viva, by Clarice Lispector. In addition, is available questionnaires, which was answered by the apprentice actress and the apprentice actor, who collaborated with the research. These questionnaires help us to verify if the exercises were important for the body and vocal development. Beyond this, it contains some videos, which show fragments from the presentation and from the rehearsals. As I approach aspects as my role of director and guiding, as the role of actor/actress, this research may to contribute with artists who play different roles inside of the creative process. Additionally, it serves as a reference to teachers and researchers in the field of theatre and dance creation. / Mestre

Orientadora: Suely Master / Banca: Alexandre Luiz Mate / Banca: Thomas Willlian Helesgrove / Resumo: Por intermédio desta pesquisa pretende-se apresentar e fazer refletir, a partir dos resultados obtidos por meio de um processo pedagógico desenvolvido com estudantes do curso de Licenciatura em Arte - Teatro do Instituto de Artes da UNESP. O objetivo da reflexão e pesquisa desenvolvidas nessa pesquisa consiste em estudar a relação entre a estimulação das habilidades do processamento auditivo e a percepção auditiva da própria fala. Sendo assim, buscou-se verificar, ao estimularmos as habilidades do processamento auditivo e de processos correlatos, se modificamos a percepção auditiva a respeito dos recursos expressivos utilizados durante a gravação de uma leitura dramática, realizada por cinco estudantes de Teatro. Para complementar o conjunto de dados a serem analisados, incluímos as respostas de um questionário, a respeito do comportamento auditivo e de seus correlatos, aplicado no início e reaplicado seis meses após o término da pesquisa. Também contamos com informações relacionadas à elaboração da proposta expressiva para a leitura dramática. Os resultados indicaram uma pluralidade de respostas entre as (os) estudantes, o que nos permitiu refletir a respeito do processo pedagógico de cada uma (um), a partir de diversas relações comparativas. Apesar das (os) estudantes terem mobilizado para a leitura dramática diversos recursos expressivos relacionados à emoção e à intenção, poucas (os) os reconheceram auditivamente na gravação feita no início do processo. A partir de resultados, foi possível relacionar o proposto para a leitura dramática com o que foi percebido nas duas análises perceptivo-auditivas feitas pelas (os) estudantes, uma no início e outra no final da pesquisa. De modo que nos permitiu inferir conclusões propositivas, dentre as quais, destacamos o reconhecimento do quanto integrar a ... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: The present research aims to present and reflect from the results obtained through a pedagogical process developed with students of Arts and Drama degree of the Arts Institute of UNESP. The goal of the study consists of the relation between the hearing process abilities stimulation and the auditory perception of the own speech. This way, it will be verified if as long as the hearing process abilities and related processes are stimulated the auditory perception is modified concerning the significant resources used during a dramatic reading recording made by five drama students. In order to complement the data set to be analyzed, survey answers about the hearing behavior and related ones were included and applied at the beginning of the research and other ones six months after the end of the research as well as information related to significant proposal elaboration to a dramatic reading. The students were analyzed individually and the results indicated the plurality of answers among them which allowed us to reflect on the pedagogical process of each one from several comparative relations. Although the students have proposed to the dramatic reading many significant resources related to their emotion and to their intention, only few recognized, aurally, during the recording made at the beginning of this research. Based on results like this one, it was possible to relate what was proposed to the dramatic reading to what was understood in both auditory perceptive analysis made at the beginning and at the end of the research by the students. So, it allowed us to infer proposal conclusions which we would like to emphasize the recognition of how much we integrate the action of making oral sounds to the action of feeling something could be relevant to actresses and actors in order to make them more aware of increasing the consistence of auditory ... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

Made available in DSpace on 2013-08-07T18:45:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000444415-Texto+Completo-0.pdf: 925893 bytes, checksum: 8994a1ae1a9a426634a872fd5e7e4a91 (MD5) Previous issue date: 2012 / The present text shows the theme of actors direction in cinema, with two parameters: the temporal framing, localizing the subject after the Return of Brazilian Cinema (Retomada do Cinema Brasileiro), until the actual moment, and the regional framing, prioritizing and focusing the complexity of the theme on the state of Rio Grande do Sul (Brazil). For that, five of the most actives brazilian directors based on Rio Grande do Sul have been interviewed. We also research support of theory in authors like Jean-Jacques Roubine, Richard Boleslavski and in Constantin Stanislavsky. The work begins with a brief introduction, explaining the sparks who motivate the incursion in the present theme; then, the work makes a approximation about the relation between director and actor in the cinema and also presents an approach about the pragmatic actions during the process of directing actors. It also approach the regional framing, at the directors and space of work chapter and finishes with some brief considerations. / O presente texto aborda a questão da direção de atores para cinema, com dois vetores de corte: o parâmetro temporal, priorizando a análise da questão e seus desdobramentos após o período da chamada Retomada do Cinema Brasileiro até o momento atual e o parâmetro regional, priorizando e focando a problematização do tema no estado do Rio Grande do Sul. Para tanto, foram entrevistados cinco dos mais ativos diretores brasileiros sediados no Rio Grande do Sul, não obstante o apoio teórico de autores como Jean-Jacques Roubine, Richard Boleslavski e Constantin Stanislávski. O trabalho inicia com uma introdução, que explana as motivações do autor na incursão ao tema; em seguida, faz abordagem sobre a busca pela verdade em cena, apanágio secular do ator; estabelece uma abordagem sobre a relação do diretor com o ator no cinema; refere a pragmática do diretor no processo de direção de atores e passa ao recorte local no capítulo sobre diretores e espaço de trabalho e encerra com considerações finais.

A presente dissertação investiga as possibilidades de desenvolvimento e aplicação de métodos de expansão de consciência em atores ao longo de seus processos de criação cênica, com o objetivo de dotar os mesmos da capacidade de entrar deliberadamente em transe e, consequentemente, aumentar suas capacidades sensíveis. Atribui-se a isso, a ideia de que colocar a percepção em movimento seja um recurso interessante para auxiliar o ator a alcançar um estado de vivência durante os ensaios e apresentações, mesmo depois de ter reproduzido a obra por inúmeras vezes. Utiliza-se a referência de rituais extáticos xamânicos ligados, particularmente, à religião brasileira do Santo Daime, algumas posturas estáticas do Hatha Yoga, assim como exercícios teatrais vinculados às técnicas de máscaras, a partir dos estudos de Jacques Lecoq, para investigar o transe em cinco atores durante um processo de criação e montagem de uma peça. Conclui-se que o transe se revela um estado de profunda atenção e controle do corpo, em nível de consciência para além do prosaico, configurando-se em um movimento contracultural, de resposta a amputações corpóreas previamente deliberadas, sendo uma interessante ferramenta para o trabalho do ator no que diz respeito à consciência de si e a manifestação de estados extracotidianos.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2013. / Submitted by Alaíde Gonçalves dos Santos (alaide@unb.br) on 2014-04-17T15:24:12Z No. of bitstreams: 1 2013_SulianVieiraPacheco.pdf: 3972748 bytes, checksum: 37fbf94e726f8ae4c4214afde755961a (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2014-04-17T15:40:40Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_SulianVieiraPacheco.pdf: 3972748 bytes, checksum: 37fbf94e726f8ae4c4214afde755961a (MD5) / Made available in DSpace on 2014-04-17T15:40:40Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_SulianVieiraPacheco.pdf: 3972748 bytes, checksum: 37fbf94e726f8ae4c4214afde755961a (MD5) / Esta tese propõe revisar a persistente formulação crítica, datada do início do século XX, que reconhece a existência de incompatibilidade entre o texto teatral e a encenação e aprofunda certa ruptura entre a voz, a palavra e a cena. Também propomos resgatar, a partir da própria tradição teatral ocidental, a proposta do ator, diretor e professor Michel Saint-Denis como potente referência para a redimensão de tal formulação, uma vez que o diretor considera o texto teatral a partir de sua materialidade e, baseando-se na noção de estilo como um espaço de negociação entre o texto teatral e a sua atualização, formula propostas de formação de atores na qual considera a palavra em cena em sua dimensão performática. O método cartográfico proposto a partir da pragmática dos teóricos do desejo Gilles Deleuze e Félix Guattari, os quais compreendem a esfera estética como uma prática política, permitiu que nos posicionássemos a partir de nossas experiências estéticas e pedagógicas, como estudante e como professora. O modo indisciplinar de tal proposta, nos motivou a reconhecer as dimensões de produção, reprodução e representação, propostas por Silvia Davini para a análise de objetos artísticos, como um modo eficaz de observar o texto teatral e a cena a fim de evidenciarmos as singularidades das relações entre ambos, considerando suas diferenças e potencialidades. A partir da necessidade de tematização de questões centrais para a nossa pesquisa como o texto teatral, a encenação teatral, a voz, a palavra, a letra, a forma, a produção de estilo e a formação de atores, considerando-as a partir de suas contingências e de seus agenciamentos, optamos por proceder a Análises de Discurso de textos específicos de autores como Friedrich Hegel, Antonin Artaud, Theodor Adorno e Michel Saint-Denis, a fim de avaliarmos suas perspectivas sobre as questões supracitadas. Com o objetivo de observarmos a mesma questão de uma perspectiva estética, realizamos a Análise Comparada de duas versões baseadas no texto teatral O Marinheiro de Fernando Pessoa, nas quais tivemos participação efetiva como atriz, diretora e produtora. As versões de 2000 e de 2010, intituladas respectivamente, O Marinheiro e O Naufrágio, basearam-se em pressupostos conceituais e metodológicos diferentes. Tal comparação viabilizou a verificação das diferentes articulações do texto teatral e da encenação e demais fatores que incidem nesta relação, que resultam na produção de estilo. A revisão de aspectos conceituais em ambas as perspectivas sobre a encenação e o texto nos permitiu identificar a importância de propostas críticas e metodológicas mais inclusivas e menos reativas para a análise e para práticas pedagógicas e estéticas que abrangem as relações entre o texto teatral e a encenação. Quando a linguagem da encenação teatral e o texto teatral são reconhecidos a partir do potencial material de suas relações, podemos considerar as suas diferenças, respectivamente, enquanto performance cênica e representação gráfica de proposta para a cena, e propor abordagens metodológicas no contexto da formação de atores e da produção teatral que possibilitem uma relação produtiva entre tais dimensões, valorizando a multiplicidade comunicativa da linguagem da cena. _______________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This thesis proposes to review the continuing critical formulation, dating from the early twentieth century, which recognizes the existence of a conflict between the text and the theatrical staging and deepens a certain break between the voice, the word and the scene. It also proposes to release, from the Western theatrical tradition itself, the proposal of the actor, director and professor Michel Saint-Denis as a powerful reference for the resizing of such a formulation, since the director considers the theatrical text from its materiality and, based on the notion of style as a space of negotiation between the theatrical text and its activation, formulates proposals for actors training on which considers the word on the scene in its performative dimension. The cartographic method proposed from the pragmatics of the desire theorists Gilles Deleuze and Félix Guattari, who understand the aesthetic sphere as a political practice, allowed us to positioning from our aesthetic and educational experiences as a student and teacher. The indisciplinary way of such a proposal, motivated us to recognize the dimensions of production, reproduction and representation, proposed by Silvia Davini for the analysis of art objects, as an effective way to observe the theatrical text and the scene in order to highlight the singularities of the relationship between them, considering their differences and potentials. From the need to thematize central issues to our research as the theatrical text, theatrical staging, voice, word, letter, shape, style production of actors training, considering them from their contingencies and their assemblages, we chose to carry out discourse analyzes of specific texts from authors such as Friedrich Hegel, Antonin Artaud, Theodor Adorno and Michel Saint-Denis, in order to evaluate their perspectives on the above issues. In order to observe the same question from an aesthetic perspective, we conducted a comparative analysis of two versions based on the theatrical text The Sailor by Fernando Pessoa, in which we had effective participation as an actress, director and producer. The 2000 and 2010 versions, respectively entitled, The Sailor and The Wreck, were based on different conceptual and methodological assumptions. This comparison allowed the verification of the different articulations between the theatrical text and the staging and other factors that affect this relationship, resulting in the style production. The conceptual issues review in both perspectives on the staging and text allowed us to identify the importance of critical and methodological proposes more inclusive and less reactive to the analysis and the pedagogical and aesthetic practices that encompass the relationship between text and theatrical staging. When the theatrical staging language and theatrical text are recognized from its relationships’ material potential, we can consider their differences, respectively, while scenic performance and graphical representation from a scene proposal, and suggest methodological approaches in actors training and theatrical production that enable a productive relationship between these dimensions, highlighting the communicative the multiplicity of the scene language.

Orientador: Marcio Aurelio Pires de Almeida / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-10T08:50:20Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Otani_Daves_M.pdf: 2021538 bytes, checksum: f066bd0aa6d98f435f9c224ee348006a (MD5) Previous issue date: 2005 / Resumo: O Ator em Jogo é uma reflexão pessoal sobre aspectos do processo criativo em dois espetáculos teatrais encenados pelo grupo Boa Companhia: PRIMUS (adaptado do conto "Comunicado a uma Academia", de Franz Kafka) e MISTER K. E OS ARTISTAS DA FOME (adaptado do conto "O artista da fome", de Kafka). Utilizando a experiência prática da capoeira, que serviu como matriz criativa nessas duas montagens, em cada uma a seu modo específico, faço uma reflexão a partir de um diário que relata experiências relacionadas a apresentações de PRIMUS em uma excursão pelo Brasil e a montagem de MISTER K. nas cidades de Campinas e Erlangen (Alemanha). Essas experiências proporcionaram uma volta a conceitos de Stanislavski, que são rediscutidos por Kusnet, e que se referem a princípios da construção e apresentação do corpo espetacular. A capoeira permitiu refletir sobre possíveis processos limitadores da compreensão da personagem, essa investigação se apóia no conceito de interdição do corpo, segundo Ana Maria Freire e na pedagogia do oprimido, segundo Paulo Freire. É uma busca de um olhar cuidadoso para minhas próprias atitudes dentro do processo criativo que se limitariam em virtude de um modelo global de opressão à livre expressão do corpo. Desse modo, ela ampliou a compreensão viva do sentido de jogo para mim no fazer teatral / Abstract: The Actor Playing is a personal reflection about the aspects of the creative process in two theatrical plays, staged by the group Boa Companhia (Good Company): PRIMUS (adapted from Franz Kafka's short story, "A Report to an Academy") and MR. K E OS ARTISTAS DA FOME (Mr. K. AND THE HANGER ARTIST, also adapted from Franz Kafka's short story: "The Hunger Artist"). Using the practical experience of the capoeira, that served as a creative matrix in these two theatrical plays, each one in its specific way, I make a reflection based on a diary that reports experiences concerning PRIMUS, during an excursion in Brazil, as well as the work on MR. K. E OS ARTISTAS DA FOME, in the cities of Campinas (SP/ Brazil) and Erlangen (Germany). These experiences turned me back to Stanislavsky's concepts that are rediscussed by Eugênio Kusnet, addressing the principles of the construction and presentation of a spectacular body. The capoeira allowed us to reflect upon possible limiting processes of the understanding of the character. This inquiry is supported by the concept of interdiction of the body, according to Ana Maria Freire and Paulo Freire's "pedagogy of the oppressed" (as presented in his book Pedagogia do Oprimido). It is a search of a careful look for my own attitudes inside the creative process, which would be limited due to a global model of oppression to the free expression of the body. In this way, it gave me a widely understanding of the sense of the play in the theatrical role / Mestrado / Mestre em Artes

A presente dissertação investiga as possibilidades de desenvolvimento e aplicação de métodos de expansão de consciência em atores ao longo de seus processos de criação cênica, com o objetivo de dotar os mesmos da capacidade de entrar deliberadamente em transe e, consequentemente, aumentar suas capacidades sensíveis. Atribui-se a isso, a ideia de que colocar a percepção em movimento seja um recurso interessante para auxiliar o ator a alcançar um estado de vivência durante os ensaios e apresentações, mesmo depois de ter reproduzido a obra por inúmeras vezes. Utiliza-se a referência de rituais extáticos xamânicos ligados, particularmente, à religião brasileira do Santo Daime, algumas posturas estáticas do Hatha Yoga, assim como exercícios teatrais vinculados às técnicas de máscaras, a partir dos estudos de Jacques Lecoq, para investigar o transe em cinco atores durante um processo de criação e montagem de uma peça. Conclui-se que o transe se revela um estado de profunda atenção e controle do corpo, em nível de consciência para além do prosaico, configurando-se em um movimento contracultural, de resposta a amputações corpóreas previamente deliberadas, sendo uma interessante ferramenta para o trabalho do ator no que diz respeito à consciência de si e a manifestação de estados extracotidianos.