A presente dissertação investiga as possibilidades de desenvolvimento e aplicação de métodos de expansão de consciência em atores ao longo de seus processos de criação cênica, com o objetivo de dotar os mesmos da capacidade de entrar deliberadamente em transe e, consequentemente, aumentar suas capacidades sensíveis. Atribui-se a isso, a ideia de que colocar a percepção em movimento seja um recurso interessante para auxiliar o ator a alcançar um estado de vivência durante os ensaios e apresentações, mesmo depois de ter reproduzido a obra por inúmeras vezes. Utiliza-se a referência de rituais extáticos xamânicos ligados, particularmente, à religião brasileira do Santo Daime, algumas posturas estáticas do Hatha Yoga, assim como exercícios teatrais vinculados às técnicas de máscaras, a partir dos estudos de Jacques Lecoq, para investigar o transe em cinco atores durante um processo de criação e montagem de uma peça. Conclui-se que o transe se revela um estado de profunda atenção e controle do corpo, em nível de consciência para além do prosaico, configurando-se em um movimento contracultural, de resposta a amputações corpóreas previamente deliberadas, sendo uma interessante ferramenta para o trabalho do ator no que diz respeito à consciência de si e a manifestação de estados extracotidianos.

A presente dissertação investiga as possibilidades de desenvolvimento e aplicação de métodos de expansão de consciência em atores ao longo de seus processos de criação cênica, com o objetivo de dotar os mesmos da capacidade de entrar deliberadamente em transe e, consequentemente, aumentar suas capacidades sensíveis. Atribui-se a isso, a ideia de que colocar a percepção em movimento seja um recurso interessante para auxiliar o ator a alcançar um estado de vivência durante os ensaios e apresentações, mesmo depois de ter reproduzido a obra por inúmeras vezes. Utiliza-se a referência de rituais extáticos xamânicos ligados, particularmente, à religião brasileira do Santo Daime, algumas posturas estáticas do Hatha Yoga, assim como exercícios teatrais vinculados às técnicas de máscaras, a partir dos estudos de Jacques Lecoq, para investigar o transe em cinco atores durante um processo de criação e montagem de uma peça. Conclui-se que o transe se revela um estado de profunda atenção e controle do corpo, em nível de consciência para além do prosaico, configurando-se em um movimento contracultural, de resposta a amputações corpóreas previamente deliberadas, sendo uma interessante ferramenta para o trabalho do ator no que diz respeito à consciência de si e a manifestação de estados extracotidianos.

A presente dissertação investiga as possibilidades de desenvolvimento e aplicação de métodos de expansão de consciência em atores ao longo de seus processos de criação cênica, com o objetivo de dotar os mesmos da capacidade de entrar deliberadamente em transe e, consequentemente, aumentar suas capacidades sensíveis. Atribui-se a isso, a ideia de que colocar a percepção em movimento seja um recurso interessante para auxiliar o ator a alcançar um estado de vivência durante os ensaios e apresentações, mesmo depois de ter reproduzido a obra por inúmeras vezes. Utiliza-se a referência de rituais extáticos xamânicos ligados, particularmente, à religião brasileira do Santo Daime, algumas posturas estáticas do Hatha Yoga, assim como exercícios teatrais vinculados às técnicas de máscaras, a partir dos estudos de Jacques Lecoq, para investigar o transe em cinco atores durante um processo de criação e montagem de uma peça. Conclui-se que o transe se revela um estado de profunda atenção e controle do corpo, em nível de consciência para além do prosaico, configurando-se em um movimento contracultural, de resposta a amputações corpóreas previamente deliberadas, sendo uma interessante ferramenta para o trabalho do ator no que diz respeito à consciência de si e a manifestação de estados extracotidianos.

Este é um memorial descritivo e dissertativo da investigação artística feita através da utilização da Motif Writing (escrita por motivos) como propulsora de tarefas de movimento para a construção de dramaturgia em dança. A coreografia que resultou deste processo, A Cadeira _/ Uma Ilha, foi criada a partir da Motif Writing de um trecho do solo Experimento da Cadeira, visando a recriação e a multiplicação das qualidades expressivas dos movimentos do motif em outros corpos/sujeitos e relações dinâmicas entre estes, objetos, espaço e tempo. A pesquisa-criação conta com a participação das bailarinas Juliana Vicari e Luciana Hoppe, transformando o solo original em um trio. A escrita do motif relativo ao trecho selecionado da obra de referência utiliza o instrumental da Análise Laban de Movimento como ferramenta metodológica utilizada também para a condução do processo de criação. Inserido num contexto de pesquisa pós-positivista, com perspectiva artística, este memorial contém aspectos dissertativos sobre a Análise Laban em Movimento e a dramaturgia da dança como aportes para o relato do processo de criação. Ambos ajudam a compreender algumas das opções de trabalho buscadas e alcançadas, ou não, nesta investigação. Ao final deste texto comprovo a eficácia da motif writing tanto como ferramenta para reposição como para recriação da dramaturgia da obra de referência e que uma construção através deste procedimento requer a auto-revelação dos artistas. Descubro a 'reduplicação do Outro em mim‘ como potência criadora e afirmativa da minha ação como intérprete. / This thesis describes the creative and analytical process I used to develop choreography for three dancers called The Chair_/ An Island. I developed this trio choreography from one fragment of an earlier solo choreography called Chair Experiment, using an aspect of Laban Movement Analysis called "motif writing". I used this method as a score to multiply the original motifs into other bodies/subjects, objects, spaces, and time. My work was done in Brazil in collaboration with two other dancers, Juliana Vicari and Luciana Hoppe. From a post-positivist approach and artistic perspective, this thesis describes features of Laban Movement Analysis and Dance Dramaturgy which enhance the creative process. Both help us to understand possible choices and directions which are available to us when creating a choreography. I conclude that motif writing is efficient as a movement score for dramaturgy composition or reposition and that the use of this procedure encourages the artists for a self revelation. I found the 'reduplication of the Other in myself‘ as a creative potential and affirmative way as a performer.

Este trabalho de caráter teórico-­‐prático propõe-­‐se a discutir sobre os espaços situados entre as artes performáticas e o comportamento do mundo contemporâneo centrando-­‐se nos processos de criação do performer, tendo o próprio corpo do artista como objeto de estudo. Inserido numa sociedade que dita padrões corporais através da mídia, o performer quer refletir sobre a cultura do corpo utilizando princípios da Performance art e do Teatro pós-­‐dramático na construção de uma obra artística. Inspira-­‐ se nas noções de “corpo-­‐mito” e “imagens geradoras” para investigar em que medida – e através de quais procedimentos -­‐ o performer consegue desconstruir/corrigir/transformar/reconstruir seu próprio corpo. Compreende a Performance art como uma arte híbrida, e, para tanto, utiliza-­‐se de um grupo de pesquisa cuja interação entre teatro, artes plásticas e video art estruturam os processos criativos. / This theoretical-­‐practical work proposes to discuss the spaces placed between performing arts and the behavior of contemporary world focusing on the performer’s creative processes, with the artist's own body as an object of study. Within a society that dictates standards body through the media, the performer wants to reflect on the culture of the body using the principles of Performance art and Postdramatic theater in the construction of an artistic work. It is based on notions of "body-­‐myth" and "generator images" to investigate how -­‐ and through what procedures -­‐ the performer can deconstruct/fix/change/rebuild his own body. It understands Performance art as a hybrid art, and, therefore, makes use of a research group whose interaction between theater, visual arts and video art structure creative processes.

Essa dissertação se insere no campo das artes cênicas, constituindo uma reflexão teórica acerca da direção teatral e de procedimentos empregados na produção de três espetáculos da Santa Estação Companhia de Teatro (Porto Alegre/RS). A pesquisa refere-se a minha experiência como diretora da companhia e portanto, não se faz de forma distanciada, imparcial e restrita de pessoalidades. Visando resgatar os principais procedimentos e operações que integraram o modus operandi do referido coletivo, o estudo toma por referência a memória dos corpos dos atores, os cadernos de processo, os registros em vídeo, matérias da imprensa e o depoimento de atores e espectadores. A reflexão transita por movimentos da encenação a fim de evidenciar e revelar as conexões e agenciamentos do corpo, espaço, texto, jogo e imagem operados durante os momentos de criação e montagem dos materiais. Sustentam os fundamentos teóricos da pesquisa fontes conceituais heterogêneas, que permitiram ampliar a discussão e o diálogo em relação ao objeto de estudo. Este trabalho estabeleceu conversações com os pensadores Gilles Deleuze, Feliz Guatarri, José Gil e com o professor e ator Renato Ferracini, no que se refere ao conceito de pensamento-criação, corpo e rizoma. Construiu diálogos com Hans-Thyes Lehmann, Lúcia Romano, Renato Cohen e Sílvia Fernandes sobre as questões que cercam o teatro físico, o teatro pós-dramático e contemporâneo. Buscou, também, os dizeres de encenadores como Ariane Mnouschkine, Peter Brook, Jersy Grotowski, Robert Wilson, Eugenio Barba e Pina Bausch, pois suas vozes agenciaram-se e encharcaram o corpo-pensamento da pesquisa. / This work is in the field of the scenic arts and it is a theoretical reflection on the theatrical direction and on procedures used in the production of three theatrical-spectacles of Santa Estação Companhia de Teatro (Porto Alegre/RS). The research refers to my experience as director of this company, so it was not constructed of distant form or impartial and restricted of personhood. Aiming to bring back the main procedures and operations that had integrated the modus operandi of the related collective, the study takes as reference the memory of the actor's bodies, the copybooks of the process, the video registers, the material of press and the actors and spectators report. The reflection circulates by movements of theatrical staging in order to make evident and to reveal the connections of the body, space, text, play and image operated during the creation and materials construction. The research theoretical basis is supported by heterogeneous conceptual sources, which have allowed extending the discussion and the dialogue about the study object. This work has established conversations with Gilles Deleuze, Feliz Guatarri, José Gil and with the teacher and actor Renato Ferracini, on the concepts of thought-creation, body and rhizome. It also have constructed dialogues with Lúcia Romano, Renato Cohen and Sílvia Fernandes on the questions about the physical, postdramatic and contemporary theatre. It was considered the sayings of Ariane Mnouschkine, Peter Brook, Jersy Grotowski, Robert Wilson, Eugenio Barba and Pina Bausch, because their voices have connected and soaked in the body-thouhght of the research.

Essa dissertação se insere no campo das artes cênicas, constituindo uma reflexão teórica acerca da direção teatral e de procedimentos empregados na produção de três espetáculos da Santa Estação Companhia de Teatro (Porto Alegre/RS). A pesquisa refere-se a minha experiência como diretora da companhia e portanto, não se faz de forma distanciada, imparcial e restrita de pessoalidades. Visando resgatar os principais procedimentos e operações que integraram o modus operandi do referido coletivo, o estudo toma por referência a memória dos corpos dos atores, os cadernos de processo, os registros em vídeo, matérias da imprensa e o depoimento de atores e espectadores. A reflexão transita por movimentos da encenação a fim de evidenciar e revelar as conexões e agenciamentos do corpo, espaço, texto, jogo e imagem operados durante os momentos de criação e montagem dos materiais. Sustentam os fundamentos teóricos da pesquisa fontes conceituais heterogêneas, que permitiram ampliar a discussão e o diálogo em relação ao objeto de estudo. Este trabalho estabeleceu conversações com os pensadores Gilles Deleuze, Feliz Guatarri, José Gil e com o professor e ator Renato Ferracini, no que se refere ao conceito de pensamento-criação, corpo e rizoma. Construiu diálogos com Hans-Thyes Lehmann, Lúcia Romano, Renato Cohen e Sílvia Fernandes sobre as questões que cercam o teatro físico, o teatro pós-dramático e contemporâneo. Buscou, também, os dizeres de encenadores como Ariane Mnouschkine, Peter Brook, Jersy Grotowski, Robert Wilson, Eugenio Barba e Pina Bausch, pois suas vozes agenciaram-se e encharcaram o corpo-pensamento da pesquisa. / This work is in the field of the scenic arts and it is a theoretical reflection on the theatrical direction and on procedures used in the production of three theatrical-spectacles of Santa Estação Companhia de Teatro (Porto Alegre/RS). The research refers to my experience as director of this company, so it was not constructed of distant form or impartial and restricted of personhood. Aiming to bring back the main procedures and operations that had integrated the modus operandi of the related collective, the study takes as reference the memory of the actor's bodies, the copybooks of the process, the video registers, the material of press and the actors and spectators report. The reflection circulates by movements of theatrical staging in order to make evident and to reveal the connections of the body, space, text, play and image operated during the creation and materials construction. The research theoretical basis is supported by heterogeneous conceptual sources, which have allowed extending the discussion and the dialogue about the study object. This work has established conversations with Gilles Deleuze, Feliz Guatarri, José Gil and with the teacher and actor Renato Ferracini, on the concepts of thought-creation, body and rhizome. It also have constructed dialogues with Lúcia Romano, Renato Cohen and Sílvia Fernandes on the questions about the physical, postdramatic and contemporary theatre. It was considered the sayings of Ariane Mnouschkine, Peter Brook, Jersy Grotowski, Robert Wilson, Eugenio Barba and Pina Bausch, because their voices have connected and soaked in the body-thouhght of the research.

Este é um memorial descritivo e dissertativo da investigação artística feita através da utilização da Motif Writing (escrita por motivos) como propulsora de tarefas de movimento para a construção de dramaturgia em dança. A coreografia que resultou deste processo, A Cadeira _/ Uma Ilha, foi criada a partir da Motif Writing de um trecho do solo Experimento da Cadeira, visando a recriação e a multiplicação das qualidades expressivas dos movimentos do motif em outros corpos/sujeitos e relações dinâmicas entre estes, objetos, espaço e tempo. A pesquisa-criação conta com a participação das bailarinas Juliana Vicari e Luciana Hoppe, transformando o solo original em um trio. A escrita do motif relativo ao trecho selecionado da obra de referência utiliza o instrumental da Análise Laban de Movimento como ferramenta metodológica utilizada também para a condução do processo de criação. Inserido num contexto de pesquisa pós-positivista, com perspectiva artística, este memorial contém aspectos dissertativos sobre a Análise Laban em Movimento e a dramaturgia da dança como aportes para o relato do processo de criação. Ambos ajudam a compreender algumas das opções de trabalho buscadas e alcançadas, ou não, nesta investigação. Ao final deste texto comprovo a eficácia da motif writing tanto como ferramenta para reposição como para recriação da dramaturgia da obra de referência e que uma construção através deste procedimento requer a auto-revelação dos artistas. Descubro a 'reduplicação do Outro em mim‘ como potência criadora e afirmativa da minha ação como intérprete. / This thesis describes the creative and analytical process I used to develop choreography for three dancers called The Chair_/ An Island. I developed this trio choreography from one fragment of an earlier solo choreography called Chair Experiment, using an aspect of Laban Movement Analysis called "motif writing". I used this method as a score to multiply the original motifs into other bodies/subjects, objects, spaces, and time. My work was done in Brazil in collaboration with two other dancers, Juliana Vicari and Luciana Hoppe. From a post-positivist approach and artistic perspective, this thesis describes features of Laban Movement Analysis and Dance Dramaturgy which enhance the creative process. Both help us to understand possible choices and directions which are available to us when creating a choreography. I conclude that motif writing is efficient as a movement score for dramaturgy composition or reposition and that the use of this procedure encourages the artists for a self revelation. I found the 'reduplication of the Other in myself‘ as a creative potential and affirmative way as a performer.

Made available in DSpace on 2014-12-17T14:36:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 MarinalvaNM_DISSERT.pdf: 4282100 bytes, checksum: e87337850bb782f84b4362fc651c8411 (MD5) Previous issue date: 2012-02-27 / En esta investigaci?n se refleja en la experiencia como actor / profesor / narrador en el escenario y en el aula, tener en cuenta tanto la experiencia del cuerpo en el evento teatral. Mi inter?s es c?mo podemos hablar de la experiencia como actor / profesor / narrador de la actitud fenomenol?gica a la que apunta el fil?sofo franc?s Maurice Merleau-Ponty, observando c?mo el cuerpo propensas a estos la comunicaci?n sensible y ofrece una forma diferente de pensar en el cuerpo teatro y la educaci?n. Con este fin, la experiencia de la creaci?n del personaje en el show Gurdulu "Matri?chka: una historia dentro de la historia", Ensign Grupo de Teatro y el trabajo como profesor de teatro IFRN - Campus Central de Navidad permiti? la comprensi?n de estos del cuerpo. En el recuento de mi viaje como una actriz / maestro / narrador cuenta que el cuerpo es profundo y es atemporal suficiente. Pero no s?lo el cuerpo individual del cuerpo que est? unido a un cierto mundo, donde la experiencia es algo que se puede decir, es historia. La historia est? en la instituci?n a su vez, un fen?meno de expresi?n que una fruct?fera tradici?n y abre el horizonte de la vida, el deseo, el encanto, el arte, la poes?a y el conocimiento / Nessa pesquisa reflito sobre a experi?ncia vivida como atriz/professora/narradora de hist?rias no teatro e na sala de aula, para tanto considero a experi?ncia do corpo no acontecimento teatral. Meu interesse ? saber como posso falar da experi?ncia como atriz/professora/narradora de hist?ria a partir da atitude fenomenol?gica apontada pelo filosofo franc?s Maurice Merleau-Ponty, observando como a estesia do corpo prop?cia uma comunica??o sens?vel e oferece outro modo de pensar o corpo no teatro e na educa??o. Para tanto, a experi?ncia da cria??o do personagem Gurdulu no espet?culo Matri?chka: uma hist?ria dentro da hist?ria , do Grupo Estandarte de Teatro e o trabalho como professora de teatro do IFRN Campus Natal Central possibilitou a compreens?o da estesia do corpo. Ao narrar minha jornada de atriz/professora/narradora percebo o corpo ? fundo imemorial e ele constitui o suficiente. Mas n?o s? o corpo individual trata-se do corpo atado a certo mundo, no qual a experi?ncia vivida ? algo que se pode narrar, ? hist?ria. A hist?ria por sua vez ? institui??o, um fen?meno de express?o que fecunda uma tradi??o e abre horizonte de vida, desejo, encantamento, arte, poesia e conhecimento

Este trabalho de caráter teórico-­‐prático propõe-­‐se a discutir sobre os espaços situados entre as artes performáticas e o comportamento do mundo contemporâneo centrando-­‐se nos processos de criação do performer, tendo o próprio corpo do artista como objeto de estudo. Inserido numa sociedade que dita padrões corporais através da mídia, o performer quer refletir sobre a cultura do corpo utilizando princípios da Performance art e do Teatro pós-­‐dramático na construção de uma obra artística. Inspira-­‐ se nas noções de “corpo-­‐mito” e “imagens geradoras” para investigar em que medida – e através de quais procedimentos -­‐ o performer consegue desconstruir/corrigir/transformar/reconstruir seu próprio corpo. Compreende a Performance art como uma arte híbrida, e, para tanto, utiliza-­‐se de um grupo de pesquisa cuja interação entre teatro, artes plásticas e video art estruturam os processos criativos. / This theoretical-­‐practical work proposes to discuss the spaces placed between performing arts and the behavior of contemporary world focusing on the performer’s creative processes, with the artist's own body as an object of study. Within a society that dictates standards body through the media, the performer wants to reflect on the culture of the body using the principles of Performance art and Postdramatic theater in the construction of an artistic work. It is based on notions of "body-­‐myth" and "generator images" to investigate how -­‐ and through what procedures -­‐ the performer can deconstruct/fix/change/rebuild his own body. It understands Performance art as a hybrid art, and, therefore, makes use of a research group whose interaction between theater, visual arts and video art structure creative processes.