Cantar es la expresión del alma, es poner las vulnerabilidades visibles a uno mismo y a un público. Cantar es mostrar lo más personal e íntimo que uno guarda al quedarse en silencio. Cantar es una disciplina artística que permite conocerse, valorarse y hacerse valorar. Cuando se aprende a cantar en grupo, todos pasan por un proceso que inicialmente puede causar miedo. Alzar la voz ante desconocidos puede ser muy intimidante y, por eso, el respeto y empatía se vuelven parte importante de aprender a cantar en grupo. Los beneficios del canto se pueden dar en distintas edades, sin embargo, en la etapa de la adolescencia, es necesario consolidar los valores como la empatía y el respeto para generar una mejor comunicación entre sus pares. El objetivo principal de esta investigación es analizar la evolución de la comunicación interpersonal de 9 adolescentes de nivel secundario en una institución educativa pública, durante el proceso de un taller de canto diseñado para que conozcan las capacidades musicales de su voz. La comunicación interpersonal implica relacionarse con los demás, con la capacidad de expresarse libre y respetuosamente, así como de escuchar empáticamente al interlocutor. Por otro lado, aprender a cantar implica el desarrollo de cualidades vocales específicas, el conocimiento de las propias capacidades y limitaciones, así como apertura a equivocarse en la práctica y confianza en el dominio de las cualidades descubiertas. Esta investigación cuenta con un diseño y desarrollo de un taller de canto en el que se demuestran los beneficios de aprender a cantar para mejorar la comunicación interpersonal de adolescentes. Los principales beneficios son la mejor expresión oral, causada por adquirir técnica vocal y autoconfianza; y la mejor capacidad de escucha, causada por combinar diversión, disciplina y comunicación empática, dando espacio para escuchar las opiniones de todos. / Tesis

El presente trabajo está centrado en analizar cómo el belting puede ser útil para la ampliación de posibilidades en la técnica vocal de lo que llamaremos, un actor matriz. Pretendemos así identificar las características del belting desde la perspectiva tanto técnica como interpretativa, que puedan aportar a una mejora de la técnica vocal. Sobre todo en el trabajo de una escena hablada, a pesar de que se trata de una técnica básicamente de canto. Para ello, llevamos a cabo un laboratorio en donde alumnas universitarias de teatro, que ya concluyeron sus estudios de voz, se instruyeron y experimentaron con la técnica belting. Junto a este trabajo práctico realizamos a la par una revisión sobre diversas técnicas y métodos para obtener una visión clara sobre lo que ofrecen estas otras; y, en base a ello, realizar comparaciones y sustentaciones válidas dentro del campo actual. / Tesis

La presente investigación ha tenido como objetivo identificar, describir y analizar las estrategias didácticas que utilizan los docentes para el desarrollo de la técnica vocal en la carrera de canto a partir de los paradigmas de la pedagogía vocal. Para ello, se revisaron en profundidad los tres grandes paradigmas de la pedagogía vocal: el tradicional, el científico y el holístico. Esta investigación responde a un estudio cualitativo de tipo descriptivo. Se emplean las técnicas de entrevista y observación de clase con dos instrumentos para el recojo de información: la guía de observación directa y el guión de entrevista semi estructurada. La información recolectada con estas dos técnicas de recojo, se analizó utilizando distintas estrategias, tales como el uso de matrices de compilación y de análisis. Además, la información recogida fue organizada por categorías y subcategorías, las cuales surgieron del marco teórico. Con respecto a la población de estudio para la investigación, por diversos motivos, solo fue posible trabajar con uno de los profesores originalmente propuestos. Finalmente, el análisis y discusión de resultados nos ha permitido concluir que las estrategias didácticas que son empleadas para el desarrollo de la técnica vocal en un curso de canto a nivel superior se inclinan hacia el paradigma holístico con especial atención en los principios del aprendizaje sensorio motor.

La muda de voz es uno de los cambios naturales que se dan durante la etapa de la pubertad y adolescencia del ser humano, que parte de la transición cuando el niño se convierte en adulto. Este mismo proceso se da en mujeres y hombres, pero la diferencia es que mientras que en las mujeres es un cambio muy sutil, en los varones ocurre una transformación más drástica y severa. Este cambio, al igual que otros que suceden en el cuerpo, son parte del proceso de crecimiento provocado por los niveles hormonales intermitentes de la adolescencia. Al ser este un proceso que provoca un cambio tan radical en la voz, ubicándola muy distante del que solía estar cuando el cantante era niño, afecta de sobre manera la búsqueda de la formación de su identidad frente a la sociedad. Asimismo, desde la perspectiva como cantante, se ha podido apreciar el gran impacto en los niños con formación vocal previa o integrantes de agrupaciones corales, hasta el punto de incitarlos a abandonar toda actividad relacionada con la música en su tiempo. Algunos de los factores que alimentan este problema yace en las estrategias pedagógicas aplicadas por los profesores que están a cargo de estos niños. Si bien no es una acción que se da conscientemente o a propósito y muchas veces las estrategias utilizadas son moldeadas en un tiempo muy corto, es algo que repercute negativamente en los alumnos por la edad en la que están, dejando secuelas hasta la adultez. Este trabajo realiza un estudio de cómo el proceso de la muda de voz es asumido por algunos de los docentes de canto infantil coral y solista de Lima metropolitana entre los años 2019 y 2020. Donde se investigará cuáles son las estrategias de enseñanza más empleadas y/o actualizadas y qué impacto tienen estas en la enseñanza del canto antes, durante y después del período de muda en el adolescente varón, así como las futuras implicaciones en su vida adulta y profesional.

El presente trabajo está centrado en analizar cómo el belting puede ser útil para la ampliación de posibilidades en la técnica vocal de lo que llamaremos, un actor matriz. Pretendemos así identificar las características del belting desde la perspectiva tanto técnica como interpretativa, que puedan aportar a una mejora de la técnica vocal. Sobre todo en el trabajo de una escena hablada, a pesar de que se trata de una técnica básicamente de canto. Para ello, llevamos a cabo un laboratorio en donde alumnas universitarias de teatro, que ya concluyeron sus estudios de voz, se instruyeron y experimentaron con la técnica belting. Junto a este trabajo práctico realizamos a la par una revisión sobre diversas técnicas y métodos para obtener una visión clara sobre lo que ofrecen estas otras; y, en base a ello, realizar comparaciones y sustentaciones válidas dentro del campo actual.

Cantar es la expresión del alma, es poner las vulnerabilidades visibles a uno mismo y a un público. Cantar es mostrar lo más personal e íntimo que uno guarda al quedarse en silencio. Cantar es una disciplina artística que permite conocerse, valorarse y hacerse valorar. Cuando se aprende a cantar en grupo, todos pasan por un proceso que inicialmente puede causar miedo. Alzar la voz ante desconocidos puede ser muy intimidante y, por eso, el respeto y empatía se vuelven parte importante de aprender a cantar en grupo. Los beneficios del canto se pueden dar en distintas edades, sin embargo, en la etapa de la adolescencia, es necesario consolidar los valores como la empatía y el respeto para generar una mejor comunicación entre sus pares. El objetivo principal de esta investigación es analizar la evolución de la comunicación interpersonal de 9 adolescentes de nivel secundario en una institución educativa pública, durante el proceso de un taller de canto diseñado para que conozcan las capacidades musicales de su voz. La comunicación interpersonal implica relacionarse con los demás, con la capacidad de expresarse libre y respetuosamente, así como de escuchar empáticamente al interlocutor. Por otro lado, aprender a cantar implica el desarrollo de cualidades vocales específicas, el conocimiento de las propias capacidades y limitaciones, así como apertura a equivocarse en la práctica y confianza en el dominio de las cualidades descubiertas. Esta investigación cuenta con un diseño y desarrollo de un taller de canto en el que se demuestran los beneficios de aprender a cantar para mejorar la comunicación interpersonal de adolescentes. Los principales beneficios son la mejor expresión oral, causada por adquirir técnica vocal y autoconfianza; y la mejor capacidad de escucha, causada por combinar diversión, disciplina y comunicación empática, dando espacio para escuchar las opiniones de todos.

Este trabajo es de enfoque cualitativo y busca conocer acerca de las autopercepciones sobre la motivación intrínseca en la clase individual del alumno de canto de la Facultad de Artes Escénicas de la PUCP. Se utiliza el método cualitativo y, para lograr los objetivos de esta investigación participativa y transversal, se ha contado con la participación de alumnos de canto de la especialidad de Música de la Facultad de Artes Escénicas de la PUCP. La muestra consta de 33 cantantes, de los cuales 17 están estudiando actualmente y 16 son egresados. El instrumento utilizado es un cuestionario diseñado específicamente para este fin, el cual consta de 5 preguntas que aluden a temas sobre la percepción del alumno en cuanto a su propia motivación. Esta investigación brinda un aporte inicial para conocer el tema de las autopercepciones sobre la motivación intrínseca experimentadas en el aula individual de canto. Se concluye que 30 personas, entre alumnos y egresados encuestados, perciben que la motivación intrínseca es una variable importante para su desempeño vocal en las sesiones de canto.

La armonía negativa es una teoría que ha sido ampliamente estudiada por medios académicos y no académicos debido a su gran complejidad dentro de la teoría musical. A pesar de ello, es poco lo investigado al respecto de su comportamiento al ser aplicada en escalas modales o artificiales, lo cual produciría relaciones e implicancias teóricas que darían mayores posibilidades armónicas a ser aplicadas en composiciones o producciones musicales. Tomando esto como base, se logró encontrar que existe una posibilidad de que al polarizar mediante la armonía negativa el quinto modo de la escala menor armónica, se generaría una polarización de dos acordes de séptima disminuida diferentes uno del otro, lo cual implicaría que sería posible evaluar la consideración de dos familias de dominantes dentro de un mismo contexto tonal. Si bien las teorías de la armonía negativa y la familia de dominantes fueron formuladas bajo contextos y propósitos distintos, es posible ver que autores como Marco Fiorini consideran que pueden existir puntos en común de estas dos teorías que merecen ser tomados en cuenta. Junto a esto, las dos familias de dominantes que se relacionan producto de la polarización mencionada, producen intercambios que sugerirían movimientos armónicos que se asemejan a los que Mark Levine recopiló y explicó bajo otro criterio de análisis. Finalmente, es posible concluir que la aplicación armónica presentada podría ser funcional bajo el criterio expuesto, aunque merecería un mayor estudio e indagación para una mejor comprobación

La presente propuesta educativa se genera ante la dificultad para la evaluación sumativa y formativa con criterios e indicadores de logro y con apoyo de la tecnología en la escuela de música de una universidad privada de Lima. Se propone mejorar la evaluación para el aprendizaje con tecnología al involucrar a los estudiantes en su evaluación, fomentar el análisis y la reflexión constante de este a través de rúbricas de autoevaluación y bitácora de reflexión a fin de desarrollar la autorregulación de su aprendizaje. A su vez se propone incorporar a la práctica docente la constante retroalimentación efectiva sensibilizándolos sobre el beneficio de esta en sus estudiantes y en ellos, de igual modo utilizar rúbricas de evaluación de las clases con el propósito de disminuir la subjetividad de la evaluación permanente. Se realiza la experiencia piloto de la propuesta durante de seis semanas produciendo un gran impacto en los estudiantes respecto de los instrumentos de evaluación, la realización de estos instrumentos los ayuda a estar más pendientes de su proceso de aprendizaje, desarrollando en la mayoría con la práctica constante la auto observación y auto retroalimentación en favor de un aprendizaje autorregulado, la constante retroalimentación efectiva recibida por parte de los docentes ayuda a los estudiantes en el desarrollo de su propia retroalimentación. Por otro lado, los docentes identifican que la subjetividad al momento de evaluar a sus estudiantes disminuye debido a que ahora cuentan con criterios claros y precisos a evaluar en las rúbricas. / This educational proposal arises due to the difficulty for summative and formative evaluation with criteria and indicators of achievement and with the support of technology in the music school of a private university in Lima. It aims to improve assessment for learning with technology by involving students in their assessment, encouraging constant analysis and reflection of this through self-assessment rubrics and reflection log to develop the self-regulation of their learning. At the same time, the proposal seeks to incorporate into the teaching practice the constant effective feedback sensitizing them about the benefit of this in their students and in them, in the same way to use evaluation rubrics of the classes with the purpose of reducing the permanent evaluation subjectivity. The proposal’s pilot experience is carried out for six weeks producing a great impact on the students regarding the evaluation instruments, the realization of these instruments helps them to become more aware of their learning process, developing in the majority with constant practice the selfobservation and self-feedback in favor of a self-regulated learning, the constant effective feedback received from teachers helps students in developing their selffeedback. On the other hand, teachers feel that subjectivity when evaluating their students decreases because they now have clear and precise criteria to evaluate in the rubrics.

Con el avance de la tecnología es posible corregir errores en la grabación de una pieza, canción, etc. Esto puede ser para bien o para mal, ya que, aunque el producto final pueda llegar a tener una mejor calidad, o tal vez no, el uso de esta tecnología puede hacer caer al intérprete en una dependencia que lo lleve a hacer uso de esta herramienta como un medio para solucionar sus errores por una falta de práctica en su instrumento. Esta dependencia puede generar la falta de humanidad en la grabación, ya que, debido al abuso de un programa para solucionar los problemas de ejecución instrumental, este genera un sonido artificial. Ante esta problemática mencionada, surgió la siguiente interrogante: ¿Hasta qué punto el uso de programas de corrección instrumental puede ser usado para asegurar una grabación sin errores, aunque esta genere que se pierda la humanidad de la grabación y por lo tanto su autenticidad se vea obstruida? Por lo que esta investigación tratara de brindar un punto de vista nuevo, al de por sí amplio debate que existe sobre el uso de estos programas en el campo de la música. Como una primera parte de esta investigación se dará a explicar lo que son y cuáles son algunos de los programas de corrección. En un segundo punto se procederá a mencionar el debate y diferentes puntos de vista que se han encontrado en relación con el tema. En el tercer y cuarto punto se hablará de la autenticidad y la humanidad, punto claves en esta investigación. Y, como parte final, se darán las conclusiones. / With the advancement of technology it is possible to correct errors in the recording of a piece, song, etc. This may be for better or worse, because, although the final product may have a better quality, or perhaps not, the use of this technology may cause the interpreter to fall into a dependency that leads him to use this tool as a means to solve his mistakes due to a lack of practice in his instrument. This dependence can generate the lack of humanity in the recording, because the abuse of a program to solve the problems of instrumental performance can generate an artificial sound. Faced with this problem, the following question is born To what extent can the use of instrumental correction programs be used to ensure a recording without errors, even if it results in the loss of the humanity of the recording and therefore its authenticity is seen clogged up? So this research will try to provide a new point of view, to the already wide debate that exists on the use of these programs in the field of music. As a first part of this investigation, we will explain what they do and what some of the correctional programs are. In a second point we will mention the debate and different points of view that have been found in relation to the subject. In the third and fourth point we will talk about authenticity and humanity, key points in this research. And, as a final part, the conclusions will be given.