This dissertation investigated expressive strategies and performer-listener communication in organ performance. Four core issues were explored: (a) the communication of voice emphasis; (b) the communication of artistic individuality; (c) the influence of musical structure on error patterns; and (d) the relationship between performers' interpretive choices and their analyses of the formal structure of a piece. Performances were recorded on an organ equipped with a MIDI (Musical Instrument Digital Interface) console, allowing precise measurements of performance parameters. Performances were then matched to scores using an algorithm relying both on structural and temporal information, which I developed in the context of this project. Two experiments investigated the communication of voice-specific emphasis in organ performance. The modification of articulation patterns was the most consistent strategy used by performers to emphasize a voice. Listeners who were themselves organists were more sensitive to differences between performers and interpretations than non-organists; however, musical structure was a major factor in the perception of voice prominence. The perception of artistic individuality in organ performance was examined by inviting participants to sort different interpretations of a chorale setting by several performers. Most participants performed above chance level. The performance of musicians and non-musicians was comparable. Sorting accuracy was lower for mechanical interpretations than for expressive ones, demonstrating an effect of expressive intent. In addition, sorting accuracy was significantly higher for prize-winning performers than for non-winners. Analyses of error patterns in organ performance showed that the likelihood of a note being wrongly played was inversely correlated with its degree of perceptual salience and musical significance or familiarity. Furthermore, individual performers exhibited consistent and idiosyncratic error patterns. / Cette thèse étudie les stratégies expressives et la communication entre interprète et auditeur dans la musique d'orgue. Quatre thèmes principaux sont abordés: (a) la communication de l'accentuation des voix; (b) la communication de l'individualité artistique; (c) l'influence de la structure musicale sur les schémas d'erreurs; (d) les rapports entre les choix interprétatifs des organistes et leur analyse formelle d'une pièce. Les enregistrements ont été réalisés sur un orgue muni d'une console MIDI (Musical Instrument Digital Interface), qui permet de mesurer précisément les paramètres expressifs. Les données MIDI ont ensuite été appariées à la partition au moyen d'un algorithme que j'ai développé dans le cadre de cette étude, et qui utilise à la fois l'information structurelle et temporelle. Deux expériences explorent la communication de l'accentuation d'une voix à l'orgue. La modification des patrons d'articulation s'avère la stratégie utilisée le plus couramment pour faire ressortir une voix. Les auditeurs qui sont eux-mêmes organistes sont plus sensibles aux différences entre interprètes et interprétations que les non-organistes; cependant, la structure musicale représente un facteur important dans la perception de l'accentuation. La perception de l'individualité artistique à l'orgue est examinée au moyen d'une expérience de catégorisation auditive d'une série d'interprétations d'un choral. La plupart des participants ont obtenu des taux de réussite supérieurs au hasard. Les résultats des musiciens et des non-musiciens sont comparables. Par contre, les interprètes ayant gagné des prix sont identifiés plus aisément que ceux qui n'ont pas été primés. En outre, les interprétations mécaniques sont moins bien classifiées que les interprétations expressives. L'analyse de la répartition des erreurs montre que la probabilité qu'une note soit jouée de façon erronée est inversement corrélée avec son importa

In order to develop a better understanding of the differences in the multichannel reproduction of solo piano music that result from the use of various popular multichannel microphone techniques, an experimental investigation employing both physical and perceptual measurements was undertaken. Four sophisticated multichannel microphone arrays were optimally placed for simultaneous capture of a series of four piano performances, so that resulting auditory imagery could be compared between otherwise identical performances. In an initial study, preference choices of two groups of listeners showed that not only the microphone techniques in use, but also differences in the musical content, contributed to the modulation of the listeners' preference. In order to predict the obtained preference of the listeners through the analysis of the binaural signals, differing versions of the musical programs were captured through the Head and Torso Simulator (HATS). The analysis showed that a combination of two electroacoustical measures, Ear Signal Incoherence (ESI) and Side Bass Ratio (SBR), was closely related to the obtained preference. The subsequent analysis revealed that the salient perceptual attributes were described by five bipolar pairs of adjectives, and the listener preference was mostly accounted by those attributes. However, the ESI and SBR were not associated with any of the salient attributes, which led another investigation to find the physical measures associated with the perceptual attributes. New physical measures were then derived from the analysis of binaurally captured multichannel reproduced piano music for WIDTH, BASS TIGHTNESS and SHARPNESS, respectively. The qu / Afin de comprendre les caracteristiques latentes de l'enregistrement multicanaux de la musique reproduite d'un piano solo, quatre techniques sophistiquees de captation micro multicanaux ont ete deployees de facon optimale pour saisir les memes performances simultanement. Les resultats des echells de preferences chez les auditeurs en relation aux quatres techniques de captation multicanaux utilisees demontrent que non seulement les techniques de captation, mais aussi le contenu musical contribuent a faire moduler les preferences des auditeurs. Afin de predire les preferences obtenues des auditeurs par l'analyse des signaux binauraux, differentes versions des programmes musicaux furent captures e l'aide dun Simulateur Tete et Torse (HATS). L'analyse a demontre que la combinaison de deux mesures electroacoustiques, le Ear Signal Incoherence (ESI) et le Side Base Ratio (SBR), etait etroitement reliee aux preferences obtenues. Une analyse subsequente a revele que les principaux attributs de perception ont ete decrits par cinq paires d'adjectifs bipolaires et la preference des auditeurs etait principalement representee par ces attributs. Cependant, l'ESI et le SBR n'etaient associes a aucun des principaux attributs, ce qui conduisit a une nouvelle investigation afin de trouver les mesures physiques associees a la perception des attributs. De nouvelles mesures physiques furent alors derivees de l'analyse des captations binaurales multicanaux de la musique reproduite d'un piano, soit pour la largeur, la precision des basses et la nettete respectivement. La relation quantitative entre les mesures physiques, perceptuelles et preferentielles derivees de cette etude pourrait etre$

This dissertation presents research into the creation of systems for the control of sound synthesis and processing. The focus differs from much of the work related to digital musical instrument design, which has rightly concentrated on the physicality of the instrument and interface: sensor design, choice of controller, feedback to performer and so on. Often times a particular choice of sound processing is made, and the resultant parameters from the physical interface are conditioned and mapped to the available sound parameters in an exploratory fashion. The main goal of the work presented here is to demonstrate the importance of the space that lies between physical interface design and the choice of sound manipulation algorithm, and to present a new framework for instrument design that strongly considers this essential part of the design process. In particular, this research takes the viewpoint that instrument designs should be considered in a musical control context, and that both control and sound dynamics must be considered in tandem. / In order to achieve this holistic approach, the work presented in this dissertation assumes complementary points of view. Instrument design is first seen as a function of musical context, focusing on electroacoustic music and leading to a view on gesture that relates perceived musical intent to the dynamics of an instrumental system. The important design concept of mapping is then discussed from a theoretical and conceptual point of view, relating perceptual, systems and mathematically-oriented ways of examining the subject. This theoretical framework gives rise to a mapping design space, functional analysis of pertinent existing literature, implementations of mapping tools, instrumental control designs and several perceptual studies that explore the influence of mapping structure. Each of these reflect a high-level approach in which control structures are imposed on top of a high-dimensional space of control and sound synthesis parameters. In this view, desired gestural dynamics and sonic response are achieved through modular construction of mapping layers that are themselves subject to parametric control. Complementing this view of the design process, the work concludes with an approach in which the creation of gestural control/sound dynamics are considered in the low-level of the underlying sound model. The result is an adaptive system that is specialized to noise-based transformations that are particularly relevant in an electroacoustic music context. / Taken together, these different approaches to design and evaluation result in a unified framework for creation of an instrumental system. The key point is that this framework addresses the influence that mapping structure and control dynamics have on the perceived feel of the instrument. Each of the results illustrate this using either top-down or bottom-up approaches that consider musical control context, thereby pointing to the greater potential for refined sonic articulation that can be had by combining them in the design process. / La présente dissertation expose une recherche sur la création de systèmes pour le contrôle de la synthèse et du traitement des sons. Les travaux portant sur le design d'instruments de musique digitaux se concentrent le plus souvent, à juste titre, sur la dimension physique de l'instrument et de l'interface: le design de senseurs, le choix de contrôleurs, l'interaction avec le musicien, etc. Le plus souvent, on fait d'abord un choix particulier de traitement des sons, pour ensuite prendre, à tâtons, au fil d'explorations, les décisions quant à quels paramètres de l'interface physique contrôleront quels paramètres sonores. Prenant le contre-pied de cette tendance, le but principal du présent travail est de démontrer l'importance de l'espace qui se situe entre le design d'interface physique et le choix d'algorithmes de manipulation sonore, et de présenter un nouveau cadre pour le design d'instruments qui prend mieux en considération cette part essentielle du processus de design. Plus précisément, cette recherche adopte le point de vue selon lequel le design d'instruments devrait partir d'un contexte de contrôle musical, et que le contrôle et les dynamiques sonores devraient être considérées en tandem. / Pour réaliser cette approche holiste, les différents travaux présentés dans cette dissertation adoptent des points de vue complémentaires. À partir du cas de la musique électroacoustique, le design d'instrument est d'abord vu comme fonction du contexte musical. Cette idée permettra une compréhension des gestes qui lie l'intention musicale perçue aux dynamiques d'un système instrumental. Le concept important de "mapping" est ensuite examiné d'un point de vue théorique et conceptuel, en mettant en relation des approches perceptuelles, systémiques et mathématiques de ce sujet. Seront élaborés à partir de ce cadre un espace de design de mapping, une analyse fonctionnelle de la littérature pertinente, l'implémentation d'outils de mapping, des designs de contrôle d'instruments, et plusieurs études perceptuelles qui explorent l'influence de la structure de mapping. Chacune de ces études reflète une perspective de haut niveau dans laquelle les structures de contrôle sont superposées à un espace de contrôle et de paramètres de synthèse sonore de hautes dimensions. Selon cette perspective, les dynamiques gestuelles et les réponses sonores désirées sont obtenues à partir d'une construction modulaire de couches de mapping qui sont elles-mêmes sujettes à un contrôle paramétrique. En complément à cette conception du processus de design, ce travail est conclu avec une approche selon laquelle la création de contrôles gestuels et de dynamiques sonores sont considérés au bas niveau du modèle sonore sous-jacent. En résulte un système adaptatif spécialisé pour les transformations basées sur le bruit, particulièrement pertinentes dans le contexte de la musique électroacoustique. / Ensemble, ces différentes approches au design et à l'évaluation résultent en un cadre unifié pour la création d'un système instrumental. Le point essentiel est que ce cadre répond à l'influence des structures de mapping et des dynamiques de contrôle sur la sensation perçue de l'instrument. Chacun des résultats illustrent cela par une approche de haut en bas ou de bas en haut qui considère le contexte de contrôle musical, illustrant ainsi le plus grand potentiel d'articulation sonore qui peut être obtenu en les combinant dans le processus de design.

This thesis examines the influence of Luigi Dallapiccola (1904–1975) on Bruno Maderna's (1920–1973) early serialism by means of a comparative analysis. Two song cycles are compared: Dallapiccola's Liriche greche (1942–45) and Maderna's Tre liriche greche per piccolo coro, soprano solo e strumenti (1948). The author presents separate analyses of each work (Chapters 1 and 2), which form the basis for comparison (Chapter 3). The analysis of Dallapiccola's Liriche greche examines in particular the effects of his non-serial compositional choices on his twelve-tone method. The discussion of Maderna's Tre liriche greche illustrates how his novel methods of serial development result from his aesthetic concern to create diversified musical surfaces. The comparison of the two composers' compositional methods establishes a number of similarities that substantiate Dallapiccola's influence on Maderna. The thesis concludes with a brief investigation of the relationship between Maderna's early and mature serialism. / Le présent mémoire examine l'influence de Luigi Dallapiccola (1904–1975) sur les premières œuvres sérielles de Bruno Maderna (1920–1973) au moyen d'une analyse comparative. Deux cycles de chansons y sont comparés : les Liriche greche de Dallapiccola (1942–1945) et les Tre liriche greche per piccolo coro, soprano solo e strumenti (1948) de Maderna. L'auteur présente des analyses de chaque œuvre aux chapitres 1 et 2, sur lesquelles il fonde son analyse comparative présentée au chapitre 3. L'analyse des Liriche greche de Dallapiccolla examine plus particulièrement les effets de ses choix compositionnels non sériels sur sa méthode dodécaphonique. La discussion des Tre liriche greche de Maderna illustre comment les méthodes innovatrices de développement sériel du compositeur résultent de sa préoccupation esthétique de créer des surfaces musicales diversifiées. La comparaison des approches des deux compositeurs établit plusieurs similitudes qui confirment l'influence de Dallapiccola sur Maderna. Le mémoire se termine par un bref examen des relations entre le sérialisme primitif et tardif de Maderna.

Coloring Regret is a musical composition written for 21 musicians, one sound technician, and electronics. This essay is an analysis and description of the compositional tools and methods developed during the compositional process. The piece attempts to explore a relationship between emotional expression in the human voice and emotional expression in music. The inspiration for this work came from current research in emotional prosody which suggests that there are identifiable components to human speech that allow listeners to accurately interpret a speaker's emotional state. Audio files in which actors portray outbursts of emotional energy were analyzed and categorized, then later transcribed for acoustic instruments. An omni-present lament motive suggested a specific path through a previously developed harmonic “gravity” system. The final composition implies a journey from the “Vocal Sound Object World”- with a dramatic vocal, textural, and naturalistic electronic component – to the “Traditional Pitch and Rhythm-based World” dominated by clear rhythms, timbres, and pitches. / Coloring Regret est une composition musicale écrite pour 21 musiciens, un technicien du son et électronique. Cet essai est une analyse et description des outils et méthodes de composition développés pendant le processus compositionnel. La pièce tente d'explorer un rapport entre l'expression émotionnelle dans la voix humaine et l'expression émotionnelle en musique. Cette pièce à été inspirée par des recherches récentes en prosodie émotionnelle qui suggèrent que des composantes identifiables de la parole humaine permettent à un auditeur d'interpréter précisément l'état émotionnel d'un locuteur. Des fichiers audio dans lesquels des acteurs illustrent des débordements d'énergie émotionnelle ont été analysés et catégorisés, puis transcrits plus tard pour des instruments acoustiques. Un motif de lamentation omni-présent a suggéré un parcours spécifique à travers un système harmonique 'gravitationnel' développé auparavant. La composition finale implique un périple partant du -Monde des Objets Sonores Vocaux-, avec une composante électronique vocale, texturale et naturaliste dramatique, vers le -Monde Traditionnel du Rythme et des Hauteurs- dominé par des rythmes, timbres et hauteurs clairs.

This thesis presents a detailed list of mensuration and proportion canons written between 1400 and 1600 and an analysis of several of those canons. Proportion canons are a subset of mensuration canons, pieces in which one melody, under different rhythmic interpretations according to the rules of mensuration, appears simultaneously in more than one voice. The type of mensuration and proportion canons discussed in this thesis display simultaneous entry of the voices: all voices begin together and sing through the same music at different speeds. This type of composition is difficult to create, and places extreme demands on composers' ingenuity. Existing analysis of such pieces is extremely rare and not particularly revealing of compositional process. This thesis presents a method of analysis that explains proportion and mensuration canons in terms of initial conditions of pitch transposition and mensuration, and explores the contrapuntal options thus made available to the composer. / Ce mémoire présente une liste détaillée de canons mensurables et de proportion, composés entre 1400 et 1600, et des analyses de plusieurs de ces canons. Canons de proportion comprennent un sous-ensemble de la catégorie de canons mensurables, compositions dans lesquelles une mélodie, suivant au moins deux mensurations simultanés, apparait simultanément dans plusieurs voix. Les canons soumis à l'analyse par le présent document sont tous du type à faire entrer les voix simultanément : l'ensemble des voix commence au même moment et chant la même mélodie, chacune à une vitesse différente des autres. Cette méthode de composition est extrêmement difficile à maîtriser, et met à l'épreuve l'ingénuité du compositeur. Les quelques analyses qui existent déjà ne sont pas révélatrices du processus de composition. Cette étude dévoile une approche à l'analyse des canons mensurables et de proportions qui les explique à partir des conditions initiales : transposition et mensuration, et explore les options contrapuntiques qui en résultent.

This thesis describes the importance of the amateur academy as a centre for the consumption of both literary and musical works in cinquecento Italy. By occupying a middle space between the public and private spheres, the cultural environment of the academy lends itself particularly well to the practice of analytical "readings" of texts through music. In their musical lezioni of selections from Ariosto's chivalric epic Orlando furioso, Jachet de Berchem, Vincenzo Ruffo, and Jan Nasco show themselves to be concerned with many of the same issues as contemporary literary critics (the explication of imagery and metaphor), but at the same time they also create complex emotional and psychological readings of the subjectivities of the poem's central characters in a manner that lay outside the scope of the writings of Ariosto's contemporary commentators. The association of all three composers and their music with the Accademia Filarmonica di Verona thus suggests that composers indeed had an important rôle to play in academic discussions of literary æsthetics, and that the madrigal can be seen as a form of literary criticism that preserves some aspects of academic discourse that have otherwise been lost. My analysis, in turn, represents a new way to interpret madrigals and draw meaning from them in the context of this discourse. / Cette thèse décrit l'importance des académies amateures en tant que lieu de consommation d'œuvres musicales et littéraires dans l'Italie du cinquecento. En se positionnant entre les sphères publiques et privées, l'environnement culturel des académies fut très propice à la « lecture » analytique de textes par la musique. Lors de lezioni musicales d'extraits de l'épopée chevaleresque Orlando furioso d'Arioste, Jachet de Berchem, Vincenzo Ruffo et Jan Nasco se montrèrent sensibles aux mêmes problèmes que les critiques littéraires contemporains (l'interprétation d'images et de métaphores), mais en même temps, ils ont également créé des interprétations émotionnelles et psychologiques complexes des subjectivités des personnages principaux d'une manière qui va au-delà de celle des critiques contemporains sur les écrits d'Arioste. L'association de ces trois compositeurs et leur musique avec l'Accademia Filarmonica di Verona suggère donc que les compositeurs eurent un rôle important à jouer lors de discussions académiques sur l'esthétique littéraire, et que le madrigal peut être vu comme une forme de critique littéraire préservant certains aspects du discours académique, autrement perdu. Mon analyse représente donc une nouvelle façon d'interpréter les madrigaux et interprète leur signification via le contexte de ce discours.

Audio morphing is a timbre-transformation technique that produces timbres which lie in between those of two or more given tones. It can thus be seen as the interpolation of timbre descriptors or features. Morphing is most convincing when the features are perceptually relevant and the interpolation is perceived to be smooth and linear. Our research aims at producing practical guidelines for morphing musical sound objects. We define a set of features aimed at representing timbre in a quantifiable fashion, as completely and with as little redundancies as possible. We then report the interpolation of each single feature imposed on an otherwise neutral synthetic sound, exploring strategies to obtain smooth-sounding interpolations. Chosen strategies are then evaluated by morphing recorded acoustic instrumental sounds. All of the scripts and the resulting sounds are available through the www to the reader. / Le morphing audio est une transformation sonore produisant des timbres intermédiaires entre ceux de sons donnés. On peut considérer qu'il s'agit d'une interpolation des descripteurs du timbre. Le morphing est plus convaincant lorsque les descripteurs choisis sont pertinents perceptivement et quand l'interpolation est perçue comme ́étant linéaire. Le but de nos recherches est de constituer un guide pratique pour le morphing des objets musicaux. Nous définissons une collection de descripteurs qui dérivent le timbre d'une façon complète et non redondante. Nous nous livrons ensuite à une ́étude systématique ayant pour objectif de déterminer les meilleures stratégies d'interpolation, pour chaque descripteur sur des sons synthétiques simples. Les stratégies adaptées au traitement des signaux synthétiques sont ensuite ́évaluées pour la modification de sons d'instruments acoustiques. Toutes les routines et les fichiers audio sont disponibles sur un site internet.

Synthesized sound is ubiquitous in contemporary music and aural environments around the world. Yet, relatively little has been written on its cultural origins and meanings. This dissertation constructs a long history of synthesized sound that examines the century before synthesizers were mass-produced in the 1970s, and attends to ancient and mythic themes that circulate in contemporary audio-technical discourse. Research draws upon archival materials including late-nineteenth and early-twentieth century acoustics texts, and inventors' publications, correspondence, and synthesizer product manuals from the 1940s through the 1970s. As a feminist history of synthesized sound, this project investigates how metaphors in audio-technical discourse are invested with notions of identity and difference. Through analyses of key concepts in the history of synthesized sound, I argue that audio-technical language and representation, which typically stands as neutral, in fact privileges the perspective of an archetypal Western, white, and male subject. I identify two primary metaphors for conceiving electronic sounds that were in use by the early-twentieth century and continue to inform sonic epistemologies: electronic sounds as waves, and electronic sounds as individuals. The wave metaphor, in circulation since ancient times, produces an affective orientation to audio technologies based on a masculinist and colonizing subject position, whereby the generation and control of electronic sound entails the pleasure and danger of navigating and taming unruly waves. The second metaphor took shape over the nineteenth century as sounds, like modern bodies and subjects, came to be understood as individual entities with varying properties to be analyzed and controlled. Notions of sonic individuation and variability emerged in the contexts of Darwinian thought and a cultural fascination with electricity as a kind of animating force. Practices of classifying sounds as individuals, sorted by desirable and undesirable aesthetic variations, were deeply entwined with epistemologies of gender and racial difference in Western philosophy and modern science. Synthesized sound also inherits other histories, including applications of the terms synthesis and synthetic in diverse cultural fields; designs of earlier mechanical and electronic devices; and developments in musical modernism and electronics hobbyist cultures. The long-term and broad perspective on synthesis history adopted in this study aims to challenge received truths in audio-technical discourse and resist the linear and coherent progress narratives often found in histories of technology and new media. This dissertation aims to make important contributions to fields of sound and media studies, which can benefit from feminist contributions generally and elaboration on forms and meanings of synthesis technologies specifically. Also, feminist scholars have extensively theorized visual cultures and technologies, with few extended investigations of sound and audio technologies. This project also aims to open up new directions in a field of feminist sound studies by historicizing notions of identity and difference in audio-technical discourse, and claiming the usefulness of sound to feminist thought. / Le son synthétique est omniprésent dans la musique contemporaine et dans l'environnement sonore à l'échelle mondiale. Cependant, on a relativement peu écrit sur sa signification ou sur ses origines culturelles. Cette thèse construit une longue histoire du son synthétique au cours du siècle avant que ne soit massivement introduit le synthétiseur dans les années 1970; et s'attache aux thèmes anciens et mythiques qui émanent dans le discours contemporain de la technique audio. Cette recherche s'appuie sur des documents d'archives, y compris ceux de la fin du xixe siècle et du début du xxe siècle, comprenant des textes acoustiques, des publications d'inventeurs, de la correspondance ou des manuels d'utilisation des synthétiseurs à partir des années 1940 jusqu'aux années 1970.En tant que récit féministe du son synthétique, ce projet étudie comment les métaphores dans le discours de la technique audio sont porteuses de notions d'identité et de différence. À travers l'analyse de concepts clés de l'histoire du son synthétique, j'affirme que le langage de la technique audio et sa représentation, qui passe habituellement pour neutre, privilégie en fait la perspective masculine, archétypale du sujet blanc occidental. J'identifie deux métaphores primaires pour la conception des sons électroniques qui ont été utilisés à l'aube du xxe siècle et qui contribuent sans cesse à une épistémologie du son: des sons électroniques comme des vagues et les sons électroniques en tant qu'individus. La métaphore des vagues, en circulation depuis l'aube des temps, est productrice d'un affect aux technologies audio, typiquement basé sur un point de vue masculin et colonisateur; où la création et le contrôle du son électronique entraîne le plaisir et le danger propre à la navigation sur une mer houleuse. La seconde métaphore a pris forme au cours du xixe siècle au moment où les sons, comme des organismes vivants modernes, sujets, se sont vus interprétés comme de véritables entités individuelles aux propriétés variables pouvant faire l'objet d'analyse et de contrôle. Les notions d'individuation et de variabilité sonore émergèrent dans le contexte d'une pensée Darwinienne, alors qu'une fascination culturelle pour l'électricité vue comme une sorte de puissance immuable, se forgeait. Les méthodes de classification des sons en tant qu'individus, triés en fonction de variations esthétiques désirables ou indésirables, ont été intimement liées aux épistémologies du sexe et de la différence raciale dans la philosophie occidentale et dans les sciences modernes. Le son électronique est aussi l'héritier d'autres histoires, incluant les usages de notions telles que synthèse ou synthétique dans divers champs culturels; le design des premiers dispositifs mécaniques et électroniques, ou encore l'évolution de la modernité musicale et le développement d'un public amateur de culture électronique. La perspective à long terme et le large spectre sur l'histoire de la synthèse musicale adoptée dans cette étude vise à contester les vérités reçues dans le discours ambiant de la technique audio et à résister à la progression d'histoires linéaires et cohérentes qu'on trouve encore trop souvent dans l'histoire de la technologie et des nouveaux médias. Cette thèse contribue d'une façon importante au domaine des études en son et médias, qui pourraient à leur tour bénéficier d'un apport féministe en général et plus spécifiquement de l'élaboration des formes et des significations des technologies de la synthèse musicale. En outre, si les universitaires féministes ont largement théorisé les nouvelles cultures technologiques ou visuelles, peu d'entre elles ont exploré le son et les techniques audio. Ce projet veut ouvrir de nouvelles voies dans un domaine d'études féministes du son dans une perspective historienne avec des notions d'identité et de différence dans le discours de la technique audio, tout en clamant l'utilité du son à une pensée féministe.

This dissertation is a study of gender transitivity as I see it at work in three of Robert Schumann's dramatic works: the Szenen aus Goethes Faust, WoO 3, the opera Genoveva op. 81, and the oratorio Das Paradies und die Peri op. 50. In this study, I use the term gender transitivity to refer to the fluid movement along feminine and masculine subject positions. While on the surface Schumann created seemingly passive, Gretchen-like female characters in his dramatic works, he also worked with pluralistic ideas about gender drawn from his extensive knowledge of early nineteenth-century literature and philosophy. He explored alternative femininities and masculinities for fictional characters in his works, acknowledging the transitive or fluid nature of gender concepts as theorized by Romantic writers. I argue that Clara Schumann, at once a strong woman active in the public sphere and yet reiterating stereotypes of proper feminine behaviour, blurred categories of gender and thus, provided for her husband a fitting model for the three female characters discussed below. For my analysis, I use a wide range of critical theories on gender such as psychoanalysis and the semiotic chora (Julia Kristeva), literary constructions of gender (Barbara Becker-Cantarino), androgyny (Sara Friedrichsmeyer), bi-gendrism (Mary R. Strand), bisexuality (Alice Kuzniar), specular reciprocity and gender hybridity (Tacey A. Rosolowski), feminine writing (Luce Irigaray, Martha Helfer), gender synergy (Lawrence Kramer, Elizabeth Morrison), the cry (Michel Poizat) and the narrative voice (Carolyn Abbate, Paul Robinson). What I call gender transitivity is enabled by these concepts, which have been developed by scholars of feminist and gender studies to analyze the blurring, flexibility and mobility of gender boundaries in sources from the first half of the nineteenth century. The first part of this dissertation consists of two chapters. Chapter One provides a literature review and my methodological apparatus, drawn from contemporary feminist critiques of German romantic philosophy and literature. Next, I focus on Schumann's views on gender in his writings and other sources from the mid-1820s to his death in 1856. The remainder of this chapter finally critically examines three common literary archetypes: women as redemptive figures, women as suffering images of the Virgin Mary, and women as angelic figures. Ultimately, these archetypes are male fabrications, presenting women as passive and idealized. However, they have strength and power in their own ways. Chapter Two studies the figure of Clara Schumann, her multiple roles as pianist, composer, mother, wife and muse. I argue that Clara, who on one level embodied for her husband a deeply romanticized, idealized Goethean archetype of the "Eternal feminine," was also a strong, assertive woman active in the public sphere, who assumed unconventional gender roles. Schumann modified the stereotype by toning down (but without omitting altogether) some of its more stereotypical elements. The three chapters in the second part of my dissertation are intended as case studies that demonstrate how Schumann's dramatic works reflect his multifaceted views on gender as expressed in his letters, diaries and criticism. I present close literary and musical analyses of three dramatic works, focusing on important scenes in each. I read three female characters (Gretchen, Genoveva, and the Peri) through the lenses of gender transitivity in order to convey their complexity in these works, as well as to provide insights into little-investigated aspects of their psychological development. / Cette thèse est une étude de la transitivité du genre dans trois œuvres dramatiques de Robert Schumann: les Szenen aus Goethes Faust, WoO 3, l'opéra Genoveva op. 81, et l'oratorio Das Paradies und die Peri op. 50. J'emploie le terme transitivité du genre en référence à un mouvement fluide entre une position féminine et masculine du sujet. Bien que Schumann semble avoir créé des personnages féminins passifs, à l'image de Gretchen, dans ses œuvres dramatiques, il fut également influencé par une conception pluraliste du genre, de par sa connaissance étendue de la littérature et de la philosophie du 19e siècle. Il a exploré pour ses personnages fictifs des féminités et masculinités alternatives, en tenant compte de la nature transitive et fluide du genre, telle que mise en théorie par divers auteurs romantiques. Je suggère que Clara Schumann fut à la fois une femme forte et active dans la sphère publique, et réitérant les stéréotypes pour une conduite féminine convenable, mêlant les catégories du genre et ainsi, procura à son mari un modèle approprié pour les trois personnages féminins discutés plus bas. Pour mon analyse, j'ai utilisé un large éventail de théories concernant le genre telles que la psychoanalyse et le sémiotique (Julia Kristeva), la construction littéraire du genre (Barbara Becker-Cantarino), l'androgynie (Sara Friedrichsmeyer), le bi-gendrisme (Mary R. Strand), la bisexualité (Alice Kuzniar), la réciprocité spéculaire et l'hybridité du genre (Tacey A. Rosolowski), l'écriture féminine (Luce Irigaray, Martha Helfer), la sygergie du genre (Lawrence Kramer), le cri (Michel Poizat) et la voix narrative (Carolyn Abbate, Paul Robinson). Ce que je nomme transitivité du genre est facilité par ces concepts, développés par les études féministes et du genre afin d'analyser la flexibilité et mobilité des limites du genre dans les sources de la première moitié du 19e siècle. Ces théories féministes, en faisant fi des oppositions binaires du genre, aident à mettre au jour le pouvoir féminin dans les œuvres artistiques et théoriques. La première partie de cette thèse comprend deux chapitres. Le premier présente une revue de la littérature et le cadre méthodologique, provenant de théories féministes contemporaines concernant la philosophie et la littérature allemandes. J'examine ensuite la pensée de Schumann sur le genre présente dans ses écrits et diverses sources, de 1825 jusqu'à sa mort en 1856. J'examine ensuite trois archétypes littéraires: la femme en tant que figure rédemptrice, incarnation de la Vierge Marie, et figure angélique. Ces archétypes, issues de l'imaginaire masculin, présentent les personnages féminins comme passifs et idéalisés. Pourtant, elles possèdent également force et pouvoir. Le chapitre deux étudie Clara Schumann et ses roles multiples (pianiste, compositrice, mère, épouse et muse). Clara, qui incarne aux yeux de son mari l'idéal Goethéen romantique de l'éternel féminin, fut également une femme active dans la sphère publique, qui a remis en question le stéréotype oppressif en assumant des roles non conventionnels. Grâce à son influence, Schumann a modifié le stéréotype en modifiant certains de ses éléments les plus oppressifs. La deuxième partie de cette thèse sont trois études de cas, démontrant de quelle manière les œuvres dramatiques de Schumann reflètent sa vision complexe du genre. Je présente une analyse musicale et littéraire approfondie de trois œuvres dramatiques, en mettant l'emphase sur les scènes importantes de chacune. J'analyse les trois personnages féminins (Gretchen, Genoveva, la Péri) à travers le prisme de la transitivité du genre, pour rendre compte de leur complexité, contribuer à une meilleure compréhension de certains éléments peu discutés de leur développement psychologique.