Digital musical instruments, which are defined here as interactive musical systems containing a control mechanism and a sound generation mechanism, are powerful tools for analyzing performance practice and for transforming and reimagining the bounds of musical performance. However, the transitory nature of digital technology and the complexity of maintaining and configuring a digital musical instrument involving tens, if not hundreds, of interconnected, discrete components presents a unique problem. Even the most mechanically complex acoustic musical instruments, like a piano, are robust enough to withstand the daily grind without expert intervention by someone with intimate knowledge of the material and mechanical construction of the instrument. Furthermore, they are standardized enough that repairs can be conducted by any number of trained professionals. By contrast, digital musical instruments are often configured differently for each performance (this configurability being one of the virtues of a digital musical instrument), incorporate any number of non-standard pieces of hardware and software, and often can only be reliably configured by their creator. This problem is exacerbated as the number of sensors that make up the control mechanism in an instrument increases and the interaction of the control mechanism with the sound generation mechanism grows more complex. This relationship between the control mechanism and the sound generation mechanism is referred to here as the "mapping" of the instrument. The mapping for an instrument represents the aspect of an instrument that is usually most configurable because it is defined by software (as opposed to hardware) and also most crucial to the character of the instrument. In the case of a digital musical instrument, being able to easily configure the musical instrument becomes a point of artistic freedom in addition to a point of maintainability. This thesis builds upon work encompassed in two projects at the Input Devices and Musical Interaction Lab, the Digital Orchestra Project and Libmapper, to tackle the problem of building an interface/system for configuring a complex musical system without expert programming skills. The intent is to present a targeted survey of user interface design and data visualization design research through the years to inform the design of a graphical user interface for performing this configuration task. / Les instruments de musique numériques, que l'on définit ici comme des systèmes musicaux interactifs contenant un mecanisme de contrôle ainsi qu'un mécanisme de production sonore, constituent de puissants outils pour l'analyse des méthodes de performance ainsi que pour la transformation et la redéfinition de la la performance musicale. Cependant, la nature éphémère des technologie digitales ainsi que la complexité du maintien de la configuration d'un instrument de musique numérique, comprenant des dizaines voire centaines de composantes discrètes interconnectées, présente un reel problème. Même les systèmes musicaux acoustiques le plus complexes, comme le piano, sont assez robustes pour résister à l'usure quotidienne sans l'intervention d'une main experte ayant une connaissance aiguisée des matériaux et de la mecanique de l'instrument. Par ailleurs, ces instruments sont assez standards pour que tout luthier qualifíe soit en mesure d'intervenir sur l'instrument en cas de besoin. A l'inverse, les instruments de musique numériques présentent souvent des configurations propres a chaque performance (cette configurabilité étant une des vertus des instruments digitaux), incluent divers type de système hardware et software, et ne peuvent souvent être configurés de manière fiable que par leur créateur. Le problème grandit lorsque le nombre de capteurs utilisés pour la partie contrôle d'un instrument augmente et que l'interaction entre les sous-blocs contrôle et production sonore se complexifient. Cette relation entre le mécanisme de contrôle et de production sonore est appelée "mapping" de l'instrument. Le "mapping" d'un instrument se rapporte aux aspects les plus configurables définis par le logiciel (par opposition au éléments hardware), et mais aussi faisant partie les caractéristiques les plus importantes de l'instrument. Dans le cas d'un instrument de musique numérique, la capacite a agir facilement sur la configuration devient alors un enjeux de liberté d'expression artistique, en plus d'une condition de pérennisation. Ce travail de thèse se construit sur la base de deux projets menés au sein du laboratoire IDMIL (Input Devices and Musical Interaction Lab), le "Digital Orchestra" et "Libmapper", et traite du problème de construction d'un système/interface pour la configuration de système musicaux complexes sans connaissances expertes en programmation. L'objectif est de présenter un sondage ciblé sur la recherche en conception d'interface utilisateur et visualisation de données, dans le but d'apporter des éléments nouveaux a la conception d'interfaces destinées aux taches de configuration d'instruments digitaux.

Cheval mémoire (a piano drama) is a thirty-minute musical composition scored for solo piano, electronics, and six antique radios. In the broadest sense, the piece metaphorically dramatizes the processes of memory: how events, experiences, and information either transform into memories or forever vanish. To this end, two narrative elements push the action forward: a poetic text, which features a young woman recollecting the memory of her mother's departure; and a visual metaphor in which the piano, the pianist, the antique radios, and the audience symbolize the inside of a human head. The piece then alternates between sections where the pianist musically reacts to the poetic text heard from speakers surrounding the audience, and sections where the pianist performs various dramatic actions around the piano, including moving the radios from on top of the instrument to the stage floor. The sum of these actions symbolizes the creation and consolidation of memories. The composition's musical materials stem primarily from computer-assisted processes, including spectral analyses and various graphical derivations, applied to a series of recorded interviews on the topic of radio, which contrast with the poetic text. On a technical level, the piece explores the idea of live loudspeaker repositioning (i.e., physically moving speakers during a performance) to modify the perceived dimension of a sound source on stage; and also examines how synthesized piano resonance combined with other synthesized sounds can expand the registral and timbral possibilities of the live piano. / Cheval mémoire (a piano drama) est une composition musicale de trente minutes écrite pour piano solo et électronique, intégrant six radios anciennes. La pièce explore métaphoriquement les processus de la mémoire, c'est-à-dire comment des évènements, des expériences, et des informations se transforment en souvenir, ou disparaissent à jamais. Pour ce faire, deux éléments narratifs alimentent l'action : un texte poétique où une jeune femme se rappelle et raconte la disparition de sa mère; et une métaphore visuelle où la pianiste, le piano, les radios anciennes, et le public représentent l'intérieur de la tête de la jeune femme. La pièce alterne alors entre des sections où la pianiste réagit musicalement au texte poétique qu'elle entend grâce à des haut-parleurs placés autour de l'auditoire, et d'autres où elle accomplit diverses actions dramatiques autour du piano, incluant le déplacement des radios à partir du piano vers le plancher. L'ensemble de ces actions symbolise la création et la consolidation de souvenirs. Les éléments musicaux de la composition émergent principalement de processus informatiques, découlant d'analyses spectrales et de diverses dérivations graphiques, appliquées à une série d'entrevues enregistrées au sujet de la radio, dont le contenu se distingue du texte poétique. Sur le plan technique, la pièce explore l'idée du redéploiement des haut-parleurs (c'est-à-dire le déplacement physique des haut-parleurs durant la performance) dans le but de modifier la perception de la dimension de l'image sonore sur scène; de plus, la pièce étudie comment la combinaison d'une simulation de la résonance du piano à d'autres sons synthétisés peut amplifier le potentiel du timbre et du registre du piano durant la performance.

Plague, a recurring affliction throughout pre-modern Europe, affected multiple facets of life; not only was it a biological problem, pestilence was also read as a symptom of spiritual degeneracy, and it caused widespread social disorder. Assembling a picture of the complex and sometimes contradictory responses to plague from the medical, spiritual, and civic perspectives, I examine the role of music in the culture of plague. Through the course of the dissertation, I analyze polyphonic songs that invoke St. Sebastian, the premier plague saint of the age, to illustrate the ways in which plague discourses may have shaped musical composition and, conversely, the contributions of the musical works to practical strategies against the disease. / Les épidémies de peste qui sévirent dans l'Europe pré-moderne affectèrent cette dernière de multiples façons. Non seulement la peste posait-elle un grave problème biologique, mais elle était également perçue comme un symptôme de dégénérescence spirituelle et fut la cause de désordres sociaux généralisés. Dans cette thèse, je brosse un tableau des réactions complexes et souvent contradictoires qu'elle provoqua dans les milieux médical et spirituel ainsi que dans la vie citoyenne. Je me penche également sur le rôle de la musique au sein de la culture qui se développa autour de cette maladie. J'analyse des chansons polyphoniques invoquant Saint-Sébastien, le protecteur de la peste le plus important de l'époque, afin d'illustrer comment les discours portant sur la peste purent influencer la composition de ces œuvres, et je mets en lumière les façons dont ces chansons contribuèrent à leur tour aux stratégies élaborées pour combattre la maladie.

For more than a decade, music information science and musicology have been at what Nicholas Cook has described as a 'moment of opportunity' for collaboration on database-driven musicology. The literature contains relatively few examples of mathematical tools that are suitable for analysing temporally structured data like music, however, and there are surprisingly few large databases of music that contain information at the semantic levels of interest to musicologists. This dissertation compiles a bibliography of the most important concepts from probability and statistics for analysing musical data, reviews how previous researchers have used statistics to study temporal relationships in music, and presents a new corpus of carefully curated chord labels from more than 1000 popular songs from the latter half of the twentieth century, as ranked by Billboard magazine's Hot 100 chart. The corpus is based on a careful sampling methodology that maintained cost efficiency while ensuring that the corpus is well suited to drawing conclusions about how harmonic practises may have evolved over time and to what extent they may have affected songs' popularity. This dissertation also introduces techniques new to the musicological community for analysing databases of this size and scope, most importantly the Dirichlet-multinomial distribution and constraint-based structure learning for causal Bayesian networks. The analysis confirms some common intuitions about harmonic practises in popular music and suggests several intriguing directions for further research. / Depuis plus d'une décennie, la science de l'information de la musique et la musicologie sont à ce que Nicholas Cook décrit comme "un moment clé" en ce qui concerne une collaboration pouvant mener à une réelle science de la musique fondé sur l'analyse de large quantité de données. Toutefois, la littérature comporte rélativement peu d'exemples d'outils mathématiques qui conviendraient à l'analyse des données qui, comme les données musicales, ont des dépendances temporelles, et il y a très peu de bases de données qui contiennent des informations avec la richesse sémantique intéressant d'ordinaire les musicologues. Cette thèse assemble une bibliographie des concepts les plus importants de la probabilité et de la statistique pour analyser les données musicales, revisite la manière dont les chercheurs précédents se servaient de la statistique pour étudier les rapports temporels, et présente un nouveau corpus soigneusement préparé contenant les transcriptions d'accords pour plus de 1000 chansons populaires de la deuxième moitié du XXe siècle, figurant du "Hot 100" de la revue Billboard. Le corpus résulte d'une méthodologie d'échantillonnage qui optimise les coûts et s'assure que le corpus conviendrait à tirer des conclusions montrant comment les pratiques harmoniques ont pu évoluer au fils du temps et dans quelle mesure elles peuvent avoir une incidence sur la popularité des chansons. Cette thèse introduit aussi quelques techniques qui sont nouvelles en musicologie pour analyser les bases de données d'une telle taille et d'une telle portée; les plus importantes parmi ces techniques sont la distribution multinomiale de Dirichlet et l'apprentissage via contraintes de structure des réseaux causaux de Bayes. L'analyse confirme quelques intuitions courantes concernant les pratiques harmoniques de la musique populaire et suggère quelques voies intéressantes pour la recherche à venir.

ABSTRACT Musicians and Intelligence Operations, 1570-1612: Politics, Surveillance, and Patronage in the Late Tudor and Early Stuart Years by Rachelle C.-Taylor The problem of musicians’ involvement in intelligence operations during the late Tudor and early Stuart years has to date remained relatively unexplored. There is convincing evidence, however, that artists from different disciplines were particularly targeted for recruitment in intelligence operations, designed by Elizabeth I’s councillors, Willam Cecil, Lord Burghley and Francis Walsingham, to infiltrate and disable Catholic oppositional networks on the Continent and in England in the aftermath of the Elizabethan settlement on religion. The Scottish revolt that preceded the arrival of Mary, Queen of Scots in England (1568), the Northern Rising of Catholic Earls (end of 1569), the excommunication of Elizabeth I (1570), and the so-called “Ridolfi” plot to assassinate Elizabeth and raise the Queen of Scots to the English throne (uncovered in 1571) combined to create a large-scale political crisis that galvanized the fledgling intelligence operations, dubbed by scholars as the first “modern” secret service. Religious and political upheavals in late Tudor England had marked consequences on artistic patronage. Although this dissertation is not a comprehensive study of music patronage as it shifted with changing networks of power, I will propose that a form of alternative patronage did emerge with the growth industry in intelligence operations. By the 1580s, large numbers of university students and artists, among them the great Eizabethan dramatist Christopher Marlowe, were recruited to serve in the covert war that mirrored mounting overt hostilities in the Netherlands and in France. By the 1590s, after Walsingham’s death, the Earl of Essex created his own intelligence service, which gradually became an instrument of Essexian aspiration to royal favour. Robert Cecil, Burghley / RESUME ANALYTIQUE Musiciens et services de renseignements élisabéthains et jacobéens, 1570-1612 : politique, contrôle, et mécénat Le phénomène de l’implication de musiciens dans les services de renseignements aux confins des époques élisabéthaine et jacobéenne n’a pas été beaucoup exploré jusqu’à date. Il existe cependant des preuves tangibles démontrant que des artistes de différentes disciplines étaient bel et bien concernés lorsqu’ il était question de recrutement au sein de ces services. Deux conseillers à la cour d’Elizabeth Ière, William Cecil, Lord Burghley, et son protégé Sir Francis Walsingham, conçurent un système d’espionnage qui avait comme objet d’infiltrer et d’affaiblir les réseaux d’opposition catholiques en pleine croissance autant sur les fronts étranger que domestique. Dès 1570, la réforme protestante avait cédé à une crise politico-religieuse de très grande envergure qui eut l’effet de galvaniser les services de renseignements de Burghley et Walsingham, services dont on dit qu’ils furent les premiers d’envergure « moderne ». Cette crise eut également un effet profond sur le mécénat artistique. Dès 1580, les services de renseignements constituaient ni plus ni moins qu’une industrie en pleine expansion. Artistes et académiques étaient recrutés pour servir dans une guerre secrète à l’image des hostilités ouvertes qui sévissaient sur le continent. Après la mort de Walsingham en 1590, le Baron Essex créa lui-même ses propres services de renseignements qui rivalisèrent avec ceux que gérait Burghley. Essex saisit également l’occasion de se servir de l’appareil secret qu’il avait érigé dans le but de se promouvoir auprès de la reine et au sein de la cour, où les luttes intestines s’intensifiaient durant l’ultime décennie du XVIe siècle. Des études de cas font la structure de la présente thèse. En examinant des documents d’archives$

This dissertation presents an optical approach for reproducing stereo audio from the stereo disc phonograph records (LPs). Since the late nineteenth century, as one of the most influential recording technologies, the phonograph recording has enjoyed its popularity and produced numerous cylinders and discs that carry speeches, music, and all kinds of audio cultural heritage. The preservation of phonograph sound recordings is thus of world-wide concern. This research provides an alternative approach to digitizing the stereo disc phonograph records, potentially for long-term preservation, by optically acquiring the 3D disc record surface profile and extracting the audio signals from the record surface profile images by using software algorithms. The dissertation discusses the workflow of optically reproducing stereo audio from the stereo disc phonograph records by using the white-light interferometry technique. This workflow includes the acquisition of the 3D disc record surface profile by using a commercial white-light interferometry microscope, the extraction of the record groove undulations, which encodes the stereo audio information, by using our custom image processing algorithms, and finally the reproduction of the stereo audio signal from the groove undulations through signal processing. The workflow is evaluated with a test stereo record containing standard sinusoid signals and a musical record. The quality of the optically-reproduced audio is quantitatively evaluated and compared with that of the audio digitized by a turntable. The dissertation contains three main parts. The first include an introduction to the general background of the optical audio reproduction for the stereo disc phonograph records and the review of the phonograph recording technology, the previous efforts in optically reproducing audio from the cylinder and disc phonograph records, and the relevant optical techniques including the white-light interferometry. The second part focuses on our complete workflow for optically reproducing the stereo audio from the stereo disc phonograph records. This is followed by the evaluation of our workflow and the output audio quality. The dissertation concludes by introducing the challenges and the possible directions in the future development of our optical audio reproduction workflow. / Cette thèse présente une nouvelle approche de reproduction optique d'enregistrements phonographiques stéréo. L'enregistrement phonographique s'est imposé, vers la fin du XIXème siècle, comme la technologie d'enregistrement de référence partout dans le monde. Il existe donc une pléthore de cylindres et autres disques où ont été gravés discours, morceaux de musique, et autres artefacts culturel sonores. La préservation de ces enregistrements sonores phonographiques est donc une préoccupation mondiale. Le présent travail de recherche propose une approche alternative de numérisation des enregistrements phonographiques stéréo en vue de leur éventuelle préservation. En effet, à partir de l'acquisition optique du profil (en trois dimensions) de la surface d'enregistrement du disque, les signaux audio peuvent être reconstruits grâce à nos algorithmes d'analyse d'images. Cette thèse examine les étapes de la reproduction optique audio stéréo à partir d'enregistrements phonographiques sur disques stéréo en utilisant l'interférométrie en lumière blanche. Ces étapes comportent: l'acquisition du profil de la surface d'enregistrement d'un disque 3D en utilisant un microscope commercial interférométrique en lumière blanche ; l'extraction des ondulations du sillon, qui encode l'information audio stéréo en utilisant nos algorithmes de traitement d'images ; et finalement, la reproduction du signal audio stéréo depuis les ondulations du sillon par des techniques de traitement du signal. Le processus complet est évalué sur un enregistrement stéréo test comprenant des signaux sinusoïdaux et un enregistrement musical. La qualité de l'audio reproduit par voie optique est évaluée de façon quantitative et comparée avec celle de l'audio numérisé de manière « traditionnelle », à l'aide d'une platine. Cette thèse s'articule en trois parties. La première comporte une introduction des principes nécessaires à la reproduction d'enregistrements phonographiques stéréo par voie optique. Plus précisément, les principes de la technologie d'enregistrement phonographique sont passés en revue ; l'état de l'art des efforts de reproduction optique des enregistrements phonographiques sur disques et cylindres est présenté ; et enfin, les techniques optiques pertinentes incluant l'interférométrie en lumière blanche sont décrites. La deuxième partie livre une présentation détaillée du processus de reproduction optique que nous avons développé. Dans la troisième partie, l'évaluation quantitative de la qualité de la restitution du signal audio obtenue par notre procédé est aussi décrite. La thèse se conclue sur un bilan des défis et des directions possibles dans le futur développement de notre approche de reproduction des signaux audio par voie optique.

Continuous response measurement offers a data-rich trace of a listener's experiences of music in time. Listeners' responses are most often studied in collections---each a set of time series of the same response measure to the same stimulus from multiple listenings. Inter-response variability and the challenges of time series analysis complicate the interpretation of these collections. This thesis describes traditional and novel methods of analyzing collections of continuous responses to music with the goal of identifying what information can be found in these collections before trying to establish possible relationships to the features of the stimulating music. Besides mathematical investigations of these analysis methods, their potential outcomes are assessed by applying each to forty experimental collections of continuous rating responses and four artificial collections of unrelated continuous rating responses. The traditional analyses studied include the average response time series and Pearson correlations between continuous responses as a measure of response reliability. The chapter on novel techniques introduces activity analysis and coordination tests, evaluates measures of the relative significance of time points in these collection, and applies cluster analysis in search of distinct patterns of response to the same stimuli. The results of these analyses suggest that though music does not provoke the same continuous response from all listeners, musical works can induce distinct and repeatable listening experiences which are measurable in collections of continuous responses. / L'évaluation des réactions continues permet d'obtenir un tracé riche en données de l'expérience des auditeurs par rapport à la musique au fil du temps. En règle générale, les réactions des auditeurs sont analysées par ensembles, c'est-à-dire par groupes de séries chronologiques portant sur de mêmes relevés de réactions au même stimulus provenant d'écoutes multiples. La variabilité entre les réactions et les défis inhérents à l'analyse des séries chronologiques rendent l'interprétation de ces ensembles encore plus complexe. La présente thèse décrit des méthodes traditionnelles et nouvelles d'analyse d'ensembles de réactions continues à la musique afin d'identifier quelles informations peuvent être recueillies dans ces ensembles avant de tenter d'établir des liens possibles avec les caractéristiques de la musique stimulante. En plus de l'étude mathématique de ces méthodes d'analyse, leurs résultats potentiels ont été évalués en appliquant chacune d'entre elles à quarante de ces ensembles d'évaluation de réactions continues ainsi qu'à quatre ensembles artificiels d'évaluations de réactions continues non apparentés. Les analyses traditionnelles étudiées comprennent les séries chronologiques moyennes et des corrélations de Pearson entre les réactions continues comme évaluation de la fiabilité de la réaction. Le chapitre portant sur les nouvelles techniques commence par une présentation de l'analyse de l'activité et des tests de coordination. Par la suite, il évalue les mesures de pertinence des repères temporels de ces ensembles, puis il rend compte de l'analyse par regroupements visant à identifier des modèles précis de réactions aux mêmes stimuli. Les résultats de ces analyses sous-tendent que bien que la musique ne provoque pas la même réaction chez tous les auditeurs, l'oeuvre musicale peut créer des expériences d'écoute distinctes et reproductibles pouvant être évaluées dans des ensembles de réactions continues.

String Quartet No. 1: Dialogues Funérailles is a composition that models the predominantly narrative dialectic of the string quartet genre. Dialectic is modeled from the structural level of the piece through to the surface interaction of the four instruments. The pitch plan involves a four-stage pitch structure whose final stage produces two contrasting pitch fields (A and B). Each of the five movements of the quartet takes a different view of the pitch system, creating a formal dialogue between five entities, whose topic is explored through textural changes and contrasting uses of the overall structure. / Le quatuor à cordes, no 1 : Dialogues Funérailles, fait appel à la dialectique narrative prédominante du genre des quatuors à cordes en tant que modèle. La dialectique se conforme au niveau structurel jusqu'à l'interaction des quatre instruments à la surface de la composition. Le plan des hauteurs s'arrange autour d'une structure de hauteurs à quatre étapes, dont l'ultime étape produit deux agrégats contrastés (A et B). Chacun des cinq mouvements du quatuor approche ce système de hauteurs de façon particulier, créant ainsi un dialogue formel entre cinq objets, dont le sujet est exploré par moyen des changements de la texture et l'emploi contrastant de la structure englobante.

This study investigates the particular integration of drama and music into the unique genre of opera through the common element of time. Its aim is to offer new conceptualisations of time in opera that will provide composers with tools to understand and control various aspects of the temporal dimension within the genre, as well as expand my own techniques and facility to compose music-dramatic works. To this end, this document is in two parts; the first, a research text; the second, an original monodrama composition. In Part I, Temporality in Twentieth-Century Opera, four types of artistic time are proposed, which form the basis of this dissertation's arguments. Issues related to formal organisation, continuity, discontinuity, and the perception of temporal proportions are discussed in relation to music, while the nature of narrative and temporal representation are considered in the realm of drama. This text shows how the temporal multiplicities inherent in both music and drama occur simultaneously and often in apparent conflict with one another. When combined, music and drama's individual temporal properties create Operatic Time, and in order to account for the various resulting possible combinations I offer categorical systems based upon historical references, and issues of temporal unity. Lastly, I propose a particular conceptualisation of how time advances in opera based upon the temporal function of text, and present an original analytical system that I call Text Index Series Analysis. With it, several opera excerpts from the last century are analysed and the results demonstrate various approaches to pacing and their effect on music-dramatic temporal meanings with / La thèse fait une enquête sur l'intégration particulière, au domaine inimitable de l'opéra, de l'art dramatique avec la musique à travers un élément en commun au deux, le temps. Elle vise de nouvelles conceptualisations du temps dans l'opéra en fournissant des outils aux compositeurs pour qu'ils puissent comprendre et régir divers aspects de la dimension temporelle ; elle vise aussi à élargir mes propres techniques et moyens dans la facture d'œuvres musico-dramatiques. Dans ce but, le document est divisé en deux parties : un mémoire de recherche ; un monodrame, œuvre lyrique originale. À la partie I, « Temporalité dans l'opéra au vingtième siècle », je propose quatre types de temps artistique qui constitue la base de discussion. Relativement à la musique, les questions examinées sont liées à l'organisation formelle, ainsi qu'à la continuité et à la discontinuité et à la perception de proportions temporelles, tandis que la nature de la représentation narrative et temporelle est examinée en ce qui concerne le théâtre. Ce texte démontre comment les multiplicités temporelles propres à la musique et au théâtre se produisent simultanément et comment elles entrent souvent en conflit apparent. Une fois fusionnés, les composants temporels propres aux deux arts créent le Temps opératique. Afin d'expliquer les combinaisons possibles qui en résultent, je propose un système de catégories fondées sur de repères historiques et de l'unité temporelle. Finalement, je propose une conceptualisation particulière de la manière dont, fondé sur un fonctionnement temporel du texte, le temps avance dans l'opéra ; je propose aussi un systè

This thesis aims to identify best practices for musical recording, involving the capture of multiple takes of a musical work in studio. Digital technologies and Internet file sharing have brought the recording industry to a transitional phase in which studio professions (sound engineer and record producer) need to be reinvented. To better understand the impact of technological advances on recording production, there is a critical need to investigate studio practices and studio professional's tacit knowledge, an area that has received scant attention in the academic research. This investigation lies at the intersection of knowledge management, and cultural and media studies. It is based on the theoretical concept of mediating roles in artistic creation and management.This thesis on studio professionals' practices includes three parts: 1) musicians' expectations when collaborating with studio professions; 2) record producers' best practices; and 3) the impact of record producers' comments on perceived quality. Specifically, this dissertation reports five studies combining surveys addressed to young musicians and sound engineers, interviews of experienced record producers who have worked throughout the transition of the recording industry, and studio experiments bringing together musicians and studio professionals. A mixed-design approach was chosen with qualitative (content and discourse) analyses of verbal descriptions and statistical analyses of closed-ended questions.Results show that musicians expect studio professionals to exhibit strong communication and interpersonal skills, and to take into consideration the aesthetics of their project. In response, record producers adapt their level of involvement from light coaching to deeper artistic collaboration according to the musicians' requests and personality. Furthermore, producers' comments between takes give a common ground to the ensemble and enhance musicians' focus throughout the recording session. Taken together, the findings highlighted the fact that recent changes in the music industry have not yet transformed the perceived roles and the recording approaches of sound engineers and record producers. However, studio professionals have adapted their organization to budget constraints and challenging conditions to produce high-quality recordings.ivvRecord producers "extend" the ears of the musicians, guide them and provide feedback according to the aesthetic context of the project. Their mediating role between musicians and their audience is similar to the role of actor directors, and comparable with the role of managers in other production contexts. Theoretical investigations with field experiments provided a deep understanding of studio professionals' contribution to the quality of musical recording, hence this thesis contributes to a new methodology for artistic creation studies. On a practical ground, this study of the artistic aspect of recording production can help musicians make informed decisions when hiring studio professionals. On a theoretical ground, this dissertation extends the framework of mediating roles from management to the context of artistic creation. / Cette thèse a pour but d'identifier les pratiques professionnelles de l'enregistrement musical qui implique la «capture» en studio de nombreuses prises d'une même œuvre. Les technologies numériques et les échanges de fichiers sur Internet ont déclenché une phase de transition de l'industrie de l'enregistrement dans laquelle les professions du studio (ingénieur du son et directeur artistique) ont besoin d'être réinventées. Pour mieux com- prendre l'impact des avancées technologiques sur la production d'enregistrements, il est important d'enquêter sur les pratiques et les connaissances tacites des professionnels du studio, un domaine qui a reçu peu d'attention dans la recherche académique. Cette investigation se situe à l'intersection de la gestion des connaissances, de l'étude des cultures et de l'étude des médias. Elle est basée sur le concept théorique des rôles de médiateur en création artistique et en gestion.Cette thèse inclut trois parties : 1) les attentes des musiciens lorsqu'ils collaborent avec des professionnels du studio ; 2) les «meilleures pratiques» des directeurs artistiques ; et 3) l'impact des commentaires des directeurs artistiques sur la qualité perçue. En particulier, cinq études sont présentées alliant des enquêtes adressées à des jeunes musiciens et ingénieurs du son, des entretiens avec des directeurs artistiques expérimentés qui ont travaillé à travers la transition de l'industrie de l'enregistrement, et des études en studio réunissant des musiciens et des professionnels du studio. Une approche mixte a été choisie avec des analyses qualitatives (de contenu et de discours) des descriptions verbales et des analyses statistiques des questions fermées.Les résultats montrent que les musiciens attendent des professionnels du studio d'afficher des aptitudes de communication et de prendre en considération l'esthétique de leur projet. En réponse, les directeurs artistiques adaptent leur niveau d'implication d'un accompagnement léger à une collaboration artistique profonde selon les demandes des musiciens et leur personnalité. De plus, les commentaires des directeurs artistiques donnent une base commune à l'ensemble et améliorent la concentration des musiciens pendant la séance d'enregistrement. Les résultats soulignent le fait que les changements récents de l'industrie de l'enregistrement n'ont pas encore transformé la perception des rôles et les approches des ingénieurs du son et directeurs artistiques. Cependant, les professionnels de studio ont du adapter leur organisation aux contraintes budgétaires et aux conditions difficiles pour produire des enregistrements de qualité.Les directeurs artistiques «prolongent» les oreilles des musiciens, guident et critiquent selon le contexte esthétique du projet. Leur rôle de médiateur entre les musiciens et leur public est similaire au rôle des directeurs d'acteurs, et comparable à celui des directeurs dans d'autres contextes de production. Les investigations théoriques avec les expériences en studio ont fourni une compréhension profonde de la contribution des professionnels de studio dans la qualité des enregistrements musicaux, donc cette thèse valide une nouvelle méthodologie pour les études en création artistique. D'un point de vue pratique, cette étude de l'aspect artistique de la production d'enregistrement peut aider les musiciens à prendre des décisions fondées lorsqu'ils embauchent des professionnels du studio. D'un point de vue théorique, cette thèse élargit le cadre du rôle de médiateur au contexte de la création artistique.