Beethoven's contribution to the expansion and development of musical form is a prevalent topic in the scholarly literature on this composer. Surprisingly, though, one important aspect of this contribution remains unexplored—the role that thematic introduction plays in the structure of his works and the development of his style. According to William Caplin, introductions fall into one of two categories: thematic or slow. Whereas the former consists of 2-4 measures that precede the onset of the main theme, the latter comprises a more extensive section of music that prepares the exposition. This binary position, however, does not capture the plurality of introduction techniques employed by the composer. Chapter 1 confronts this difficulty, among others, in conjunction with current theories of thematic introduction. The remainder of the thesis lays out and develops the theoretical foundations for a fresh perspective on thematic introduction in Beethoven. By systematically presenting introduction types and integration techniques, we come to understand the highly varied nature of introduction function in this music. Chapter 2 outlines briefly the five introduction types found in Beethoven's oeuvre: accompanimental, hammer-stroke, generative, head-motive and anacrusis. Chapter 3 provides in-depth analyses of specific works to illustrate these types in greater detail and incorporates three integration techniques (framing, motivic influence, and metamorphic) to show the various ways in which Beethoven uses introductory material throughout a given composition. / La contribution de Beethoven à l'expansion et au développement de la forme musicale est un sujet répandu dans la littérature savante portant sur ce compositeur. Cependant, il est curieux qu'un aspect important de sa contribution demeure encore inexploré - le rôle joué par l'introduction thématique dans la structure de ses œuvres et le développement de son style. Selon William Caplin, les introductions se répartissent en deux catégories, soit thématiques ou lentes. Alors que la première se compose de deux à quatre mesures qui précèdent l'apparition du thème principal, la dernière comprend une section de musique plus vaste qui prépare l'exposition. Cette position binaire ne tient cependant pas compte de la pluralité des techniques d'introductions utilisées par le compositeur. Le chapitre 1 confronte cette difficulté, entre autres, en conjonction avec les théories actuelles de l'introduction thématique. Le reste de la thèse expose et développe les fondements théoriques d'une nouvelle perspective sur l'introduction thématique dans la musique de Beethoven. En exposant systématiquement les types d'introductions et les techniques d'intégration, nous arrivons à comprendre la nature très variée des introductions utilisées dans cette musique. Le chapitre 2 décrit brièvement les cinq types d'introductions que l'on retrouve dans l'œuvre de Beethoven: accompagnement, premier coup d'archet, générative, motif et anacrouse. Le chapitre 3 fournit une analyse en profondeur d'œuvres spécifiques permettant de mieux illustrer ces types d'introductions et présente trois techniques d'intégration (cadrage, influence motivique, et métamorphique) démontrant les différentes façons dont Beethoven utilise les introductions tout au long d'une composition.

This dissertation takes as its historical point of departure the radical appearance in print in 1777 and 1779 of technically difficult keyboard music, composed by Muzio Clementi. The difficult passages contained within these works are unique amongst keyboard music published for a market that was understood at the time to consist almost entirely of female amateur keyboardists. Clementi's music affords female pianists a new kind of musical expression. This dissertation maps the ideological changes in English and European keyboard culture from 1779 to Clementi's death in 1832 and asserts that Clementi's works and entrepreneurial career mark him as far more of an influential strategist operating within the parameters of early capitalism than has been previously thought. Attempting to understand the social, musical, and gendered implications of technically difficult music helps underline important changes in keyboard culture that can be seen to have had significant consequences across the cultural landscape of the Western world. / Cette thèse examine les conséquences de l'impression, entre 1777 et 1779, de partitions d'œuvres pour instruments à clavier de Muzio Clémenti, œuvres dont l'exécution présente un degré de difficulté élevé. Les exigences techniques imposées par certains passages de ces œuvres n'ont aucun équivalent dans le répertoire pour clavier de cette époque, répertoire dont le public cible était principalement constitué de pianistes amatrices à qui la musique de Clementi offrit des possibilités d'expression entièrement nouvelles. Cette thèse retrace les changements idéologiques qui survinrent au sein de la culture anglaise et européenne de la musique pour clavier entre 1779 et la mort de Clementi en 1832. Les œuvres et les qualités d'entrepreneuriat de ce dernier révèlent qu'il fut, bien davantage qu'on ne le croit, un stratège influent ayant manœuvré avec succès à l'intérieur des paramètres du capitalisme primitif. L'étude des répercussions des difficultés techniques sur les plans social, musical et lié au genre met en lumière des changements majeurs dans la culture de la musique pour instruments à clavier, changements qui eurent un impact significatif sur le paysage culturel du monde occidental.

In the representation of musical audio, it is common to favour either a signal or symbol interpretation, where mid-level representation is an emerging topic. In this thesis we investigate the perspective of structured, intermediate representations through an integration of theoretical aspects related to separable sound objects, dictionary-based methods of signal analysis, and object-oriented programming. In contrast to examples in the literature that approach an intermediate representation from the signal level, we orient our formulation towards the symbolic level. This methodology is applied to both the specification of analytical techniques and the design of a software framework. Experimental results demonstrate that our method is able to achieve a lower Itakura-Saito distance, a perceptually-motivated measure of spectral dissimilarity, when compared to a generic model and that our structured representation can be applied to visualization as well as agglomerative post-processing. / Dans la représentation du signal audio musical, il est commun de favoriser une interprétation de type signal ou bien de type symbole, alors que la représentation de type mi-niveau, ou intermédiaire, devient un sujet d'actualité. Dans cette thèse nous investiguons la perspective de ces représentations intermédiaires et structurées. Notre recherche intègre tant les aspects théoriques liés à des objets sonores séparables, que les méthodes d'analyse des signaux fondées sur des dictionnaires, et ce jusqu'à la conception de logiciels conus dans le cadre de la programmation orienté objet. Contrairement aux exemples disponibles dans la littérature notre approche des représentations intermédiaires part du niveau symbolique pour aller vers le signal, plutôt que le contraire. Cette méthodologie est appliquée non seulement à la spécification de techniques analytiques mais aussi à la conception d'un système logiciel afférent. Les résultats expérimentaux montrent que notre méthode est capable de réduire la distance d'Itakura-Saito, distance fondé sur la perception, ceci en comparaison à une méthode de décomposition générique. Nous montrons également que notre représentation structurée peut être utilisée dans des applications pratiques telles que la visualisation, l'agrégation post-traitement ainsi qu'en composition musicale.

Responding to a severe lack of score-based music-theoretical analyses in the academic discourse surrounding video game music, this study proposes such an analysis of several tunes from the Super Mario video game series written by series lead composer Koji Kondo. Specifically, this study offers a variational analysis of those musical tunes featuring common motives and/or themes. The study divides tunes into two categories: series themes, in which a melody recurs in multiple tunes excerpted from several Super Mario games; and game themes, in which a melody recurs in multiple tunes within a single Super Mario game. Following reviews of the design of Super Mario video games, the life and music of Koji Kondo, and the existing principal literature on video game music, the study analyzes 26 works composed by Kondo between 1985 and 2002. Series and game themes are analyzed in terms of variational technique, designating the most plausibly earliest-written tune as the 'original' theme and deeming other tunes that came afterwards variations upon this original. In reviewing the results of these analyses, the study concludes that the musical features of series themes, and by extension the variational approaches used in developing them, are unlike those of game themes. Series themes feature an unchanging musical parameter (often the melody), called the essential element, that Kondo refuses to modify in any variation; rather, variation is applied to musical events surrounding the essential element. Game themes are much more flexible, and constructed from smaller motives which develop themselves into larger chunks of music through a process which is generally analogous to Schoenberg's concept of the developing variation. In all, the study shows that Koji Kondo purposefully differentiates his compositional approach to both themes and variations depending upon whether the theme in question is a series theme or a game theme. / Répondant à un manque d'analyses à base de partitions dans le discours académique portant sur la musique de jeu vidéo, cette étude propose une telle analyse de plusieurs oeuvres musicales de la série Super Mario du compositeur principal de la série, Koji Kondo. Spécifiquement, ce mémoire étudie la variation dans les pièces présentant des motifs et/ou thèmes musicaux communs. Il divise ces pièces en deux catégories: les thèmes de la série, c'est-à-dire les thèmes qui se présentent dans plusieurs jeux de la série Super Mario ; et les thèmes de jeu, c'est-à-dire les thèmes que l'on retrouve seulement dans un seul jeu de la série Super Mario. Suite à des survols de la conception des jeux vidéo Super Mario, de la vie et musique de Koji Kondo et de la littérature actuelle portant sur la musique de jeu vidéo, cette étude présente une analyse de 26 pièces composées par Kondo entre 1985 et 2002. Les thèmes sont analysés en fonction des techniques de variation, où l'oeuvre la plus probablement composée en premier est désignée «l'originale» et toutes les autres sont comprises en tant que variations développées à partir de cette originale. En révisant les résultats, le mémoire conclue que les caractéristiques musicales principales des thèmes de la série, et par extension leurs développements variationnels, sont dissemblables à celles des thèmes de jeu. Les thèmes de la série sont marqués par un paramètre musical inflexible (souvent la mélodie), nommé ici l'élément essentiel, que Kondo refuse de modifier dans ses variations ; ce sont plutôt les événements musicaux qui enveloppent cet élément essentiel qui sont variés. Les thèmes de jeu se montrent davantage flexibles, et sont construits à partir de petits motifs qui se développent en plus grands fragments par un processus généralement semblable à la variation développée telle que conçue par Schoenberg. En fin de compte, l'étude démontre que Koji Kondo différencie son approche à la composition d'un thème et de ses variations dépendant de si le thème en question est de la série ou de jeu.

This thesis has been written with the aim of integrating the two parallel paths which have characterized my formative years: on the one side an early contact with and practice of popular music, on the other, a more 'classical' training in music in a university context. This suggested a path of investigation within a song cycle for solo baritone and 17 musicians, where a musical space is extended beyond an imagined 'popular' world, through the creation of 'models' – based upon my own popular-music inspired songs – which are then set into 'perspective' through various combinations and transformations. The form of the work, based on an original poetic narrative of artistic self-searching and alienation, charts a path of perspectives that moves from the original popular space to others that are increasingly remote and speculative, which eventually acquire a new autonomy. / Cette thèse a pour but de faire converger les deux voies jusqu'ici parallèles qui ont caractérisé mes années de formation musicale: d'une part une pratique acquise jeune de la musique populaire et de l'autre une formation plus 'classique' dans un cadre universitaire. Celà m'a suggéré un mode d'investigation particulier exemplifié par la composition d'un cycle de chansons pour baryton solo et dix-sept musiciens. Dans cette oeuvre, j'ai imaginé un espace musical se développant au-delà de l'idiome 'populaire' par la création de 'modèles' – eux-mêmes distillés de mes propres chansons inspirés de l'idiome populaire – qui sont littéralement 'mis en perspective' par les biais de divers processus de combinaison et de transformation. Issue de la structure poétique de la narration que j'ai écrite pour cette occasion et qui traite de questionnement identitaire et d'aliénation, la forme de l'oeuvre s'articule au fil de différentes perspectives qui s'éloignent graduellement de l'espace artistique populaire vers des régions éloignées plus spéculatives qui acquirèrent leur autonomie propre.

Many audio signals of historical interest are stored on degraded analog media, such as phonograph records. Degradation is often associated with audible disturbances that can be annoying for listeners. Audio restoration uses digital signal processing technology to reduce artifacts associated with noise in audio signals. Click restoration, in particular, addresses corruption by impulsive noises. This project developed click restoration software using a well-known autoregressive model-based method for the detection and suppression of clicks. The restoration results were subjectively assessed by expert listeners who rated the audio quality associated with phonograph recordings restored by the autoregressive method and compared to a commercially available well-respected hardware restoration device. This thesis document reviews previous work in audio restoration, describes the design and implementation of the restoration software, explains the evaluation procedure, gives results, draws conclusions, and provides suggestions for future work. / De nombreux signaux musicaux d'intérêt historique sont stockés sur des supports analogues dégradés, tels que les enregistrements phonographiques. La dégradation est souvent associée à des gênes sonores qui sont désagréables pour l'auditeur. La restauration audio utilise les technologies de traitement du signal numérique pour réduire ces artefacts associés aux bruits des signaux audionumériques. La restauration des clics, en particulier, s'attaque à la corruption du signal par des bruits impulsifs. Ce projet a permi de développer un logiciel de restauration de clics, lequel utilise une méthode fondée sur le modèle auto-régressif bien connu pour détecter et supprimer les clics. Les résultats de la restauration ont été évalués subjectivement par des auditeurs experts, qui ont comparé la qualité sonore associée aux enregistrements phonographiques restaurés par la méthode d'autocorrélation avec celle d'un système matériel de restauration très respecté et disponible commercialement. Cette thèse revisite les travaux précédents sur la restauration audio, décrit la conception et la mise en œuvre du logiciel de restauration, explique la procédure d'évaluation, indique les résultats obtenus, dresse les conclusions et propose des suggestions de travaux futurs.

This two-volume dissertation contains an analysis text (Volume 1) of the complete musical score for Catching Air and the Superman (Volume 2), which is an approximately fifteen-minute, one-movement composition for sixteen musicians. It features interactive electronics through an integration of gestural controllers, known as t-sticks, and acoustic instruments. In total, three digital instruments are heard in the work: MIDI keyboard and two soprano t-sticks. The acoustic instruments constitute a chamber orchestra: flute (piccolo), oboe, clarinet, tenor saxophone, baritone saxophone, trumpet, trombone, two percussion, two violins, viola and violoncello. The following analysis begins with a contextual examination of electronic music technology in relation to the compositional project. Next, the concepts and models of Catching Air and the Superman are outlined. The remainder of Volume 1 contains a detailed discussion pertaining to: compositional structure and form, spectral and pitch space, object and motif, rhythm, timing and tempo. / Ce document en deux volumes comprend une analyse (volume 1) de l'intégralité de la partition (volume 2) de Catching Air and the Superman, une composition pour seize musiciens, en un mouvement, d'environ quinze minutes. L'oeuvre fait intervenir à la fois des éléments électroniques, contrôlés par deux interfaces gestuelles, appelés t-sticks, et des instruments acoustiques. Au total, trois instruments électroniques peuvent être entendus dans cette pièce : un clavier MIDI et deux t-sticks sopranos. Les instruments acoustiques constituent un orchestre de chambre comprenant : une flûte (piccolo), un hautbois, une clarinette, deux saxophones, un ténor et un baryton, une trompette, un trombone, deux jeux de percussions, deux violons, un alto ainsi qu'un violoncelle. L'analyse qui suit débute par un historique de l'évolution de l'usage des technologies électroniques en composition pour arriver au contexte de ce projet spécifique. Les concepts et modèles intervenant dans Catching Air and the Superman sont présentés à la suite de cet historique. Le restant du volume 1 comprend une discussion détaillée des aspects suivants : structure et forme de la composition, espace spectrale et champ des hauteurs, traitement des objets sonores et travail motivique, rythmes, minutage et tempo.

Intonation in singing is a complex phenomenon that has received only limited empirical attention in the literature to date. Previous studies have observed that singers do not conform to either equal temperament or any other fixed-intonation system. However, none of these studies have explored whether singers' intonation practices are systematically related to musical context. The main objective of this dissertation is to examine the ways in which intonation is related to musical context, in both solo singing and in one voice-per-part SATB ensembles. The intonation-related data was extracted automatically from the recordings using a score-audio alignment algorithm optimized for the singing voice that was developed for this dissertation. Fundamental frequency estimates were made using an existing algorithm and a single perceived pitch for each note was obtained by taking a weighted mean of these estimates. This dissertation also uses the discrete cosine transform to explore novel ways to describe how the fundamental frequency changes over the duration of a note (for example, if singers scoop up into certain notes rather than others). The dissertation consists of two experiments. The first uses two groups of singers (undergraduate vocal majors and professionals) to study the role of musical context in the intonation of melodic semitones and whole tones. The impact of accompaniment is also explored. Each singer performed the test piece, Schubert's "Ave Maria," three times a cappella and three times with recorded accompaniment. The participants in the second experiment are one SATB ensemble of semi-professional singers and two SATB ensembles of professional singers. This experiment explores the ways in which observable melodic and vertical intonation tendencies are influenced by the organization of musical context. Specifically, the intonation of semitones and whole tones is compared when they occur between different scale degrees and vertical tunings are examined in different harmonic contexts. The repertoire for the second experiment consists of several short composed exercises where the melodic intervals occur over a range of harmonic functions, a chord progression by Benedetti, and Praetorius' "Es ist ein Ros entsprungen." / L'intonation du chant est un phénomène complexe qui a été peu étudié jusqu'à présent. Les évaluations empiriques qui ont eu lieu indiquent que les chanteurs ne se conforment pas à un tempérament égal, ni à aucun autre système d'intonation fixe, mais ces études n'ont pas cherché à déterminer si les pratiques d'intonation des chanteurs sont reliées de façon systématique au contexte musical. L'objectif principal de cette thèse est d'examiner les façons dont l'intonation est liée à un contexte musical, à la fois pour des chanteurs solistes et pour des choeurs SATB (une seule voix par partie). Les données liées à intonation ont été extraites automatiquement à partir des enregistrements des chanteurs en utilisant un algorithme d'alignement et suivi de partition optimisé pour les voix chantées et développé spécifiquement pour cette thèse. Les estimations de fréquences fondamentales ont été obtenues via un algorithme existant, et une unique hauteur perçue a été calculée, pour chaque note, par moyenne pondérée de ces estimations. Cette thèse utilise également la transformée en cosinus discrète afin d'explorer de nouveaux moyens de décrire la manière dont la fréquence fondamentale varie pendant la durée d'une note ; par exemple, si un chanteur monte plus pendant certaines notes que d'autres. La thèse se compose de deux expériences. La première fait appel à deux groupes de chanteurs (des étudiants en chant de premier cycle universitaire et des chanteurs professionnels) pour étudier le rôle que joue le contexte musical dans l'intonation des tons et demi-tons mélodiques. L'impact de l'accompagnement musical est aussi étudié. Chaque participant a chanté « Ave Maria » de Schubert trois fois a cappella et trois fois avec un accompagnement enregistré. Les participants à la seconde expérience faisaient partie d'un ensemble SATB semi-professionnel et de deux ensembles SATB professionnels. Cette expérience étudie les manières dont le contexte musical influence les tendances d'intonation observables mélodiques et verticales. Plus précisément, les intonations des demi-tons et des tons sont comparées en différents degrés de la gamme. De plus, les intonations des intervalles verticaux sont examinées dans différents contextes harmoniques. Le répertoire utilisé pour la seconde expérience est constitué de plusieurs courts exercices composés, au cours desquels l'intervalle mélodique apparaît sur une gamme de fonctions harmoniques, d'une progression d'accords de Benedetti, et du « Es ist ein Ros entsprungen » de Praetorius.

Analyzing the form or structure of pieces of music is a fundamental task for music theorists. Several algorithms have been developed to automatically produce formal analyses of music. However, comparing these algorithms to one another and judging their relative merits has been very difficult, principally because the algorithms are usually evaluated on separate data sets, consisting of different songs or representing wholly different genres of music, and methods of evaluating the performance of these algorithms have varied significantly. As a result, there has been little benchmarking of performance in this area of research. This work aims to address this by directly comparing several music structure analysis algorithms.Five structure analysis algorithms representing a variety of approaches have been executed on three corpora of music, one of which was newly assembled from freely distributable music. The performance of each algorithm on each corpus has been measured using each of an extensive list of performance metrics. / Faire une analyse de la structure d'un pièce de musique est une tâche de première importance pour les théoriciens de musique. Ainsi, plusieurs algorithmes qui visent à produire de telles analyses automatiquement ont été développés. Il est toutefois difficile de comparer ces algorithmes parce qu'ils sont souvent évalués sur des corpus provenant de différentes œuvres musicales ou même de différents genres de musique, et la façon d'en faire l'évaluation a varié beaucoup. En conséquence, peu d'analyses comparatives de la performance de ces algorithmes ont été effectuées. Ce travail vise à aborder ce problème en comparant directement plusieurs algorithmes de l'analyse de structure musicale.Cinq algorithmes représentant une gamme d'approches à l'analyse de structure musicale ont été exécutés sur trois corpus de musique, dont un créé de sources publiques afin qu'il soit libre à partager. La performance de chaque algorithme sur chaque corpus a été évalué à l'aide de plusieurs mesures standard.

This dissertation investigated the perception of intrinsic formal functionality—the out-of-context projection of beginning, middle, and end functions—in the piano sonatas of W. A. Mozart (1756–1791). We explored three core issues: (1) listeners' capacity to identify the formal function of out-of-context musical excerpts; (2) the effect of musical training (musicians vs. non-musicians) on the accuracy of functional judgments; and (3) the musical properties that influence musicians' and non-musicians' perception of beginning, middle, and end functions. These issues were addressed with listening experiments and statistical analyses of our experimental data. Our first experiment was designed to address the first two issues. Participants heard excerpts taken from the beginning, middle, and end of themes from Mozart's piano sonatas and categorized them as a beginning, middle, or end. All functions were identified significantly and comfortably above chance level, but musicians fared significantly better than non-musicians in the evaluation task. Moreover, ends were, by far, the most accurately identified, while beginnings and middles seemed harder to distinguish from one another. The second and third experiments sought to address the third issue mentioned above. We presented participants with modifications of Mozart's original excerpts. Each modification was based on a specific hypothesis regarding the form-functional role of a musical property. As in Experiment 1, participants categorized the excerpts as a beginning, middle, or end. We found a strong influence of tonal and harmonic factors on musicians' and non-musicians' perception of ends, but only on musicians' perception of beginnings and middles. Rhythmic, textural, and metric properties affected both groups' perception of beginnings and middles, but non-musicians relied on these properties to a greater extent than musicians. Overall, musical information located at the opening and closing time-points of excerpts was perceptually relevant for all three formal functions, whereas information located over larger time-spans was mostly used to distinguish beginnings from middles. Experiments 2 and 3 also comprised two secondary tasks: for each excerpt, participants performed a speeded form-functional judgment task and a rating task whereby the strength of excerpts' form-functional expression was evaluated. Analyses performed on the data from these two tasks combined with analyses on participants' judgments from the main functional identification task suggested that although the three functions were evaluated within similar time delays, ends were generally more clearly expressed than beginnings and middles. By combining music-theoretical concepts of form, stylistically relevant recompositions of Mozart's materials, and methodologies from cognitive psychology, this interdisciplinary study provides new and unique insight about the perception of musical temporality, a key issue in both fields of music theory and psychology. / Cette thèse étudie la perception de la fonctionnalité formelle intrinsèque—la projection hors contexte des fonctions de début, milieu, et fin—dans les sonates pour piano de W. A. Mozart (1756–1791). Trois principaux problèmes sont étudiés : (1) la capacité des auditeurs à identifier les fonctions formelles (début, milieu, fin) hors contexte; (2) l'effet de l'expertise musicale (musiciens vs. non musiciens) sur l'exactitude des jugements de fonctionnalité; et (3) les propriétés du matériau musical influençant la perception des fonctions formelles chez les musiciens et les non musiciens. Ces problèmes sont explorés au moyen d'expériences d'écoute et de l'étude statistique des données expérimentales. La première expérience examine les deux premiers problèmes énumérés ci-dessus. Les participants ont écouté des extraits tirés du début, du milieu, ou de la fin de thèmes provenant des sonates pour piano de Mozart et en ont identifié la fonction formelle. Toutes les fonctions ont été identifiées significativement et confortablement au-dessus du niveau de chance, mais les performances des musiciens ont été meilleures que celles des non musiciens. De plus, les fins ont été identifiées avec le plus haut taux d'exactitude, loin devant les débuts et les milieux, lesquels ont semblé plus difficiles à distinguer les uns des autres. Les deuxième et troisième expériences explorent le troisième problème mentionné ci-dessus. Les participants ont écouté des extraits originaux auxquels certaines modifications avaient été apportées, chacune de ces modifications étant basée sur une hypothèse concernant le rôle fonctionnel d'une propriété musicale. Comme pour la première expérience, les participants ont identifié la fonction formelle (début, milieu, fin) des extraits. Nos résultats ont montré une forte influence de l'harmonie et la tonalité sur la perception de la fonction de fin chez les deux groupes de participants, mais seulement chez les musiciens pour les fonctions de début et de milieu. Certaines propriétés rythmiques, métriques, et de texture ont eu un effet sur la perception des débuts et milieux chez les deux groupes d'auditeurs, mais les non musiciens se sont davantage fiés à ces propriétés que les musiciens. En général, l'information musicale située aux points temporels d'ouverture et de fermeture des extraits a été utilisée pour identifier les trois fonctions formelles alors que l'information située sur des espaces temporels plus étendus a surtout été utilisée pour distinguer les débuts des milieux. Les deuxième et troisième expériences comprenaient également deux tâches secondaires : pour chaque extrait entendu, les participants ont fourni un jugement fonctionnel rapide et une cote évaluant le niveau de force de l'expression fonctionnelle. Nos analyses des ces données combinées à celles faites sur les jugements provenant de la principale tâche d'identification nous ont suggéré que bien que les trois fonctions formelles soient évaluées dans des délais similaires, la fonction de fin est exprimée plus clairement que les deux autres.En combinant des concepts musico-théoriques relatifs à la forme, des recompositions stylistiquement pertinentes du matériau musical de Mozart et un cadre méthodologique propre à la psychologie cognitive, cette étude interdisciplinaire apporte des connaissances nouvelles et uniques concernant la perception de la temporalité musicale, un concept clé dans les domaines de la théorie et la psychologie musicales.