Thèse de doctorat : Musicologie : Rennes 2 : 2007. / Bibliogr. p. 459-484. Index.

Cette étude descriptive examine les profils motivationnels en création musicale des enseignants participant à un partenariat culturel, soit le projet Grand jeu / Grande écoute de la Société de musique contemporaine du Québec. Ce projet, élaboré conjointement par l’institution culturelle, des compositeurs, des conseillers pédagogiques et des enseignants de musique, rejoint plusieurs dizaines de milliers d’élèves à chaque édition au moyen d’une trousse pédagogique, d’ateliers pour les enseignants et de concerts mettant à l’honneur des créations musicales d’élèves. Confirmant en partie nos hypothèses initiales, le degré d’engagement des enseignants de musique dans ce projet, et plus particulièrement leur participation à l’atelier préparatoire, prédit la satisfaction des besoins psychologiques de compétence et d’autonomie des enseignants envers la création musicale, ainsi que leurs motivations autonomes pour l’intégration de la compétence « créer » dans leur enseignement, telles que conceptualisé par la théorie de l’autodétermination (Ryan et Deci, 2017). La participation à l’atelier était également liée à la réalisation d’un plus grand nombre d’activités de création effectuées en classe ainsi qu’à une plus forte intention des enseignants de faire ou de refaire des activités de création musicale avec leurs élèves. Ce partenariat culturel offre donc un modèle intéressant pour favoriser l’intégration de la compétence « créer », souvent délaissée dans les cours de musique, et amener les enseignants à renforcer leur confiance et leurs motivations autonomes pour cette dimension de l’éducation musicale. Ainsi, en travaillant étroitement avec le réseau scolaire et en contribuant à leurs expertises artistiques, les institutions culturelles peuvent devenir des alliés constructifs en éducation des arts. / This descriptive study examines the motivational profiles in musical creativity of teachers participating in a cultural partnership, namely the All Ears / All Play project of the Contemporary Music Society of Quebec. This project, developed jointly by the cultural institution, composers, pedagogical consultants, and music teachers, reaches tens of thousands of students each year by means of an educational kit, workshops for teachers and live music concerts featuring students’ compositions. Confirming in part our initial hypotheses, based on self-determination theory (Ryan & Deci, 2017), music teachers’ degree of engagement of, and more particularly their participation in the preparatory workshop, predicted the satisfaction of their psychological needs for competence and autonomy toward musical creation, as well as their more autonomous motivations for the integration of the creative competency in their teaching. Participation in the workshop was also linked to the integration of more creative activities in the classroom as well as teachers’ stronger intention to do or repeat creative activities with their students. This cultural partnership offers a promising model for supporting the integration of the creative competency, often neglected in music classes, and enables teachers to strengthen their competence and motivation for this dimension of music education. By working side by side with music specialists in schools and contributing to their artistic expertise, cultural institutions may become constructive allies in arts education.

Th. Etat--Esthétique, sciences et technologie des arts--Paris 8, 1996. / Contient quelques partitions en fin de volume : trio à cordes "Virtualité et conscience du vide" ; pièce pour flûte "Du sens au sens" ; septuor avec récitant et soprano "Ce que tout cadavre devrait savoir" Bibliogr. p. 316-318.

Th. Etat--Musicologie--Paris 4, 2002. / Thèse rédigée en italien avec un résumé en français de 66 p. Bibliogr. p. 67-82 (en fin de volume.

Ce mémoire témoigne d'un projet de création qui tourne autour de mon utilisation de la symétrie et de la dissymétrie dans trois de mes œuvres récentes. Comme nous le verrons, la dissymétrie implique nécessairement la symétrie. Or, cette dernière est, de manière générale, intentionnellement évitée pour des raisons esthétiques ou pratiques. Les trois œuvres à l'étude sont : 1. Anaphora pour flûte, clarinette, violoncelle et piano ; 2. Cryotopia pour sextuor de percussions ; 3. Kaleidokósmos pour orchestre de chambre. À la suite d'une introduction où sont exposées les origines de mon projet de création et les diverses définitions nécessaires à sa compréhension, le premier chapitre présente un bref survol historique de l'usage de la symétrie en musique ainsi que les aspects de cette dernière qui m'ont intéressé et influencé. Le deuxième chapitre débute par la présentation des musiques à l'étude, puis démontre les diverses applications de la symétrie et de la dissymétrie dans ces œuvres. La conclusion énonce globalement mes préoccupations artistiques récentes et envisage différentes façons de traiter la symétrie comme élément discursif, notamment à l'aide de nouvelles technologies. / This thesis documents the use of symmetry and dissymmetry in three of my recent musical works. In this project, I explore the resources offered by these two forms, insisting more on their aesthetic and practical complementarity than on their theoretical incompatibility. In that, I consider various ways of treating symmetry as an element of the musical discourse. The three pieces studied are: 1. Anaphora for flute, clarinet, cello, and piano; 2. Cryotopia for percussion sextet; 3. Kaleidokósmos for chamber orchestra. To develop the notions corresponding to my approach, the first chapter proposes a comparative study of the uses of symmetry in geometry and music. The second chapter exposes the applications of the various symmetrical and dissymmetrical patterns in the three pieces studied. After this analysis, I consider a possible development of my approach as well as the treatment of symmetry through new technologies.

Mon mémoire traite de l’utilisation des outils de composition assistée par ordinateur (CAO) dans cinq de mes œuvres: 1. De deux choses Lune, pour flûte, clarinette, violon, violoncelle et électronique; 2. L’ombre véritable, pour harpe, voix, voix enregistrée et électronique; 3. Par ailleurs, musique acousmatique; 4. Musique du rocher, musique acousmatique; 5. Or Chess, orchestre symphonique. Après avoir présenté mes préoccupations artistiques, j’établis le contexte historique dans lequel s’inscrit mon travail. Je présente ensuite mes recherches ayant conduit à la composition des œuvres à l’étude. Finalement, j’explique, par l’analyse ciblée de chacune des pièces, en quoi les outils de CAO se sont avérés déterminants dans la composition de mes œuvres. J’y aborde, notamment, la programmation textuelle (De deux choses Lune, Par ailleurs), la programmation visuelle (Musique du rocher, Or Chess), ainsi que la manipulation audio (L’ombre véritable).

Ce mémoire témoigne d'un projet de création qui tourne autour de mon utilisation de la symétrie et de la dissymétrie dans trois de mes œuvres récentes. Comme nous le verrons, la dissymétrie implique nécessairement la symétrie. Or, cette dernière est, de manière générale, intentionnellement évitée pour des raisons esthétiques ou pratiques. Les trois œuvres à l'étude sont : 1. Anaphora pour flûte, clarinette, violoncelle et piano ; 2. Cryotopia pour sextuor de percussions ; 3. Kaleidokósmos pour orchestre de chambre. À la suite d'une introduction où sont exposées les origines de mon projet de création et les diverses définitions nécessaires à sa compréhension, le premier chapitre présente un bref survol historique de l'usage de la symétrie en musique ainsi que les aspects de cette dernière qui m'ont intéressé et influencé. Le deuxième chapitre débute par la présentation des musiques à l'étude, puis démontre les diverses applications de la symétrie et de la dissymétrie dans ces œuvres. La conclusion énonce globalement mes préoccupations artistiques récentes et envisage différentes façons de traiter la symétrie comme élément discursif, notamment à l'aide de nouvelles technologies. / This thesis documents the use of symmetry and dissymmetry in three of my recent musical works. In this project, I explore the resources offered by these two forms, insisting more on their aesthetic and practical complementarity than on their theoretical incompatibility. In that, I consider various ways of treating symmetry as an element of the musical discourse. The three pieces studied are: 1. Anaphora for flute, clarinet, cello, and piano; 2. Cryotopia for percussion sextet; 3. Kaleidokósmos for chamber orchestra. To develop the notions corresponding to my approach, the first chapter proposes a comparative study of the uses of symmetry in geometry and music. The second chapter exposes the applications of the various symmetrical and dissymmetrical patterns in the three pieces studied. After this analysis, I consider a possible development of my approach as well as the treatment of symmetry through new technologies.

Comment co-écrire une chanson? Comment les idées sont-elles nouées les unes aux autres? Si la création collaborative fait l'objet de nombreuses recherches en éducation comme en psychologie, elle est encore peu étudiée en musicologie, encore moins « de l'intérieur ». Dans ce mémoire, je rends compte d'un projet de musicologie adoptant l'approche de recherche création : le volet recherche vise à mieux comprendre le processus de co-création d'une chanson avec des jeunes grâce à l'observation participante active, tandis que le volet création vise à produire une chanson significative pour ses jeunes co-créateurs et créatrices. Ma démarche de recherche, ancrée dans l'herméneutique, le socioconstructivisme et l'épistémologie du lien, souhaite s'émanciper de l'injonction de neutralité positiviste. Je soutiens en effet que c'est par la prise en compte de mon cheminement que je suis parvenue à élaborer et à mener mes analyses. Celles-ci, effectuées à partir de transcriptions des rencontres, d'un journal de bord, d'entretiens individuels et d'une autoconfrontation croisée, m'ont permis de mieux comprendre, entre autres, les facteurs affectant le déroulement d'un processus de co-création, la nature complexe des interactions entre les membres du groupe, ainsi que l'ampleur de la collaboration ayant donné lieu à chaque vers et à chaque motif mélodique de la chanson. Elles m'ont aussi permis de réfléchir au rôle d'une personne en situation d'autorité au sein d'un projet de co-création : comment doit-elle intervenir pour « faciliter » le processus, tout en minimisant son influence sur celui-ci? Est-il possible de mesurer cette influence? En faisant preuve de réflexivité émotionnelle à l'égard de mon rôle, j'ai pu mettre en lumière la relation particulière entre les co-créateurs et créatrices et leur chanson. Mes résultats montrent ainsi que le recours à une posture épistémologique plus traditionnelle n'aurait pas permis de révéler certaines subtilités intersubjectives du processus de co-création de la chanson.

Le but principal de ce mémoire est d’explorer les concepts et les gestes musicaux du statisme et mouvement en musique. Le mémoire va présenter comment ces concepts et gestes peuvent enrichir la compréhension d’une composition, au niveau de sa forme, du rythme, etc. Les trois œuvres à l’étude sont : 1) Brume, pour quatuor à cordes, où l’atmosphère statique présente très peu de matériaux qui n’évoluent guère, et ce, pendant un long moment. 2) Sous le Sol, pour quintette à vents, où le statisme de la pulsation est dynamisé par les changements métriques, agogiques, et tonaux.3) Lumière et Couleurs, pour l’orchestre, dans laquelle tous les éléments du discours musicale (harmonie, durée, hauteur) sont prédéterminés à l’aide d’une série de Fibonacci. Dans le contexte du mémoire, je vais définir les mots « statisme » et « mouvement », expliquer les sources d’inspiration musicales et littéraires qui me sont dirigées vers cet approche, et, en finale, je vais analyser les trois œuvres mentionnées ci-haut et présenter les concepts de statisme et de mouvement se présentent au niveau de la composition. / This thesis is meant to be an exploration of musical gestures pertaining to the concepts of stasis and motion in music, in three of my original compositions. The intent of this exploration is to demonstrate how looking at musical compositions from the perspective of stasis and motion can help both the composer and the listeners to understand their formal structures, as well as be interesting, inspiring, and can add more depth to a work. The compositions are as follows: 1) Brume, for String Quartet, which details my attempt at creating an overall atmosphere of stasis with little, minutely -detailed motion over a long period of time, using very little musical material. 2) Sous le Sol, for Woodwind Quintet, where changes in metre, rhythmic accent, and key signature (motion) come to the fore to obscure an unchanging (static) rhythmic drive. 3) Lumière et Couleurs, for Orchestra, where all of the elements of stasis and motion, such as harmony, rhythm, and pitch are guided in part by a pre-determined compositional process, namely, the Fibonacci sequence. I will first define what is meant by stasis and motion in the context of this essay, then I will explain the musical and literary sources of inspiration that led to my choosing this approach, and, finally, I will analyze the three-aforementioned works and how I applied stasis and motion throughout their compositional processes.

Cette recherche-création associe la mobilité numérique immersive et la composition musicale interactive. Elle développe une approche de création en art numérique propre à favoriser l’engagement et prolonger l’expérimentation d’un dispositif artistique dans un espace public extérieur. Nous nous intéressons à l’être-ensemble numérique en réalité mixte, où présence physique et virtuelle se superposent et s’hybrident. Poursuivant et renouvelant d’anciennes traditions culturelles participatives, notre création, ScnVir offre une scène virtuelle de réalité mixte et un design d’interaction favorisant l’émergence d’expériences artistiques participatives. Notre hypothèse est que l’être-ensemble numérique, à travers ses indices communiqués par l’agentivité de groupe, favorise l’engagement et prolonge l’expérienced’un dispositif d’art numérique. Ce qui suppose que l’être-ensemble numérique émerge en fournissant des indices associés à cet état et que la simulation située est une technologie qui permet de matérialiser de tels indices au sein d’un dispositif artistique. Afin de poursuivre cette recherche, nous avons établi une démarche de recherche-création interdisciplinaire incluant l’art numérique, le design d’interaction et la géomatique, qui comporte des objectifs d’ordres conceptuel, méthodologique et artistique. Nous avons déterminé et validé des phases de l’être-ensemble numérique (l’être-là, l’hymersion et l’interaction de groupe) et des indices de l’être-ensemble numérique en simulation située (la proximité, la sociabilité, la coordination des mouvements, la réussite d’une mission). Pour la réalisation du projet, nous avons conçu un design d’interaction basé sur des mouvements simples mettant en œuvre de tels indices. Nous avons élaboré une méthodologie de création et créé une œuvre artistique appliquant les phases de l’être-ensemble numérique dans un dispositif artistique en simulation située. Pour valider notre recherche, nous avons élaboré une méthodologie hybride combinant une approche quantitative et qualitative d’analyse. Les résultats attestent que tous les participants ont accédé à la première phase de l’être-ensemble numérique, l’être-là et que tous les participants ont accédé, au moins partiellement, à la seconde phase de l’être-ensemble numérique, l’hymersion. La réussite de la seconde phase de l’être-ensemble numérique valide que notre dispositif favorise bien l’engagement des participants dans l’expérience, car l’hymersion nécessite l’engagement. Du point de vue de l’interaction de groupe, soit la troisième phase, nos résultats mettent en évidence denombreux indices de l’être-ensemble numérique et un taux de succès de la mission cachée mitigé (28 %), ce qui nous permet d’affirmer que des formes d’être-ensemble numérique ont émergé de notre dispositif. Cependant, les participants n’ont pas tous réussila mission cachée qui nous servait de validation quantitative de l’émergence de l’être-ensemble numérique, car les conditions expérimentales, l’implémentation du design d’interaction et notre démarche de validation démontrent des faiblesses. D’autre part, la présence de nombreux indices de l’être-ensemble numérique atteste que la simulation située est une technologie propre à mettre en œuvre l’agentivité de groupe. Ces résultats démontrent que la mise en œuvre de l’être-ensemble numérique au sein d’un dispositif artistique est possible. Pour y parvenir, des conditions sont à respecter: les phases de l’être-ensemble numérique doivent être rencontrées; le dispositif doit permettre la communication d’indices comportementaux par l’agentivité de groupe; les interactions de groupe doivent être médiatisées dans l’interface par des contenus médiatiques adaptés. Les résultats observés établissent que notre dispositif offre une expérimentation d’assez longue durée et donc favorise la prolongation de l’expérimentation d’un dispositif d’interaction gestuelle simple. Ainsi, nos résultats nous permettent d’affirmer que l’être-ensemble numérique favorise l’engagement et prolonge la participation à un dispositif d’art numérique dans l’espace public. Du point de vue artistique, notre démarche de création est satisfaisante, car elle offre des événements à la fois imprévisibles et significatifs, connectés à l’expérience des utilisateurs, propre à l’expression musicale et artistique. La diffusion de notre projet dans un festival reconnu valide l’intérêt de notre démarche de création et de la simulation située pour la création numérique. Les perspectives de développement artistiques sont extraordinaires.Mots clés: être-ensemble numérique, réalité mixte, simulation située, art numérique, design d’interaction, musique interactive, scène virtuelle, interaction gestuelle, interaction de groupe, agentivité de groupe. / This research associate immersive digital mobility and interactivemusic composition. We develop an approach to creation that encourages engagement and prolongs the experimentation of an artistic installation in an outdoor public space. We are interested in digital togetherness in mixed reality, where physical and virtual presence overlap and hybridize. Continuing and renewing ancient participatory cultural traditions, our creation, ScnVir offers a virtual scene of mixed reality and interactive design that promotes the emergence of participatory artistic experiences. Our hypothesis is that digital togetherness, through its clues communicated by group agency, favors engagement and extends the experience of a digital art installation. This assumes that the digital togetherness emerges by providing clues associated with this state and that the situated simulation is a technology that makes it possible to materialize such clues within an artistic installation. In order to continue this research, we have established an interdisciplinary research-creation approach including digital art, interaction design and geomatics, which includes conceptual, methodological and artistic objectives. We have determined and validated phases of the digital togetherness (the being-there, the hymersion and the group interaction) and the indices of the digital togetherness in situated simulation (proximity, sociability, the coordination of movements, the success of a mission). For the realization of the project, we designed interactivity based on simple movements using such indices. We have developed a creative methodology and created an artistic work applying the phases of digital togetherness in an artistic installation in situated simulation. To validate our research, we have developed a hybrid methodology combining a quantitative and qualitative analysis approach. The results show that all the participants have reached the first phase of the digital togetherness, the being-there and that all the participants have acceded, at least partially, to the second phase of the digital togetherness, the hymersion. The success of the second phase of digital togetherness validates that our device promotes the commitment of the participants in the experience, because hymersion requires commitment. For the third phase involving group interaction, our results highlight many digital togetherness indices and a mitigate success (28%) for the hidden mission, which allows us to affirm that some forms of digital togetherness have emerged from our installation. However, not all the participants succeeded in the hidden mission that served us as a quantitative validation of the emergence of digital togetherness, because the experimental conditions, the implementation of interaction design and our validation process demonstrate weaknesses. On the other hand, the presence of numerous indices of the digital togetherness attests that the situated simulation is a effective technology to implement the group agency. These results demonstrate that the implementation of digital togetherness within an artistic installation is possible. To achieve this, conditions must be respected: the phases of the digital togetherness must be met; the installation must allow the communication of behavioral indices by the group agency; group interactions must be mediated in the interface by appropriate media content. The observed results establish that our installation offers an experiment of rather long duration and thus favors the prolongation of the experimentation of a device of simple gestural interaction. Thus, our results allow us to affirm that digital togetherness promotes engagement and prolongs participation in a digital art installation in the public space. From an artistic point of view, our creative process is satisfactory because it offers both unpredictable and significant events, connected to the user experience, adapted to musical and artistic expression. The diffusion of our project in a recognized festival validates the interest of our approach of creation for the digital creation. The prospects for artistic development are extraordinary.