Th. Etat--Musicologie--Paris 4, 1999. / Glossaire p. 497-500. Bibliogr. p. 501-516.

Ce mémoire de maîtrise porte sur l’intégration de l’improvisation dans la création de trois de mes œuvres récentes. Ces œuvres sont : Nyctophilia – minimum 11’00’’ – pour quatuor à cordes et soliste improvisateur ; Æther – 10’ – pour trio à instrumentation non définie ; Presqu’étoile – 10’ – pour grand orchestre. En guise d’introduction, je présente mes préoccupations artistiques, l’origine de mon travail ainsi que la dualité qui semble opposer l’improvisation et la composition. Je dresse ensuite, en lien avec mes influences personnelles, un bref portrait de l’improvisation dans le jazz et dans la musique savante axé sur la seconde moitié du 20e siècle. Finalement, les œuvres font l’objet d’une analyse ciblée afin de démontrer les moyens utilisés pour intégrer l’improvisation dans la composition. Chacune des trois œuvres expose un moyen spécifique issu de ma réflexion et de mes recherches afin de gérer l’improvisation : Nyctophilia – axe de gestion de l’information ; Æther – conversationnalité et improvisation libre ; Presqu’étoile – comprovisation à partir d’Æther. / The focus of this master’s thesis is the integration of improvisation in three of my recent pieces: Nyctophilia – minimum 11’00’’ – for string quartet and soloist improviser ; Æther – 10’’ – for a trio of undetermined instruments ; Presqu’étoile – for full orchestra. As an introduction, I present my artistic concerns, the origin of my work, and the seeming duality that places improvisation in opposition to composition. Then I draw, according to my personal influences, a brief portrait of improvisation in jazz and in art music, primarily in the second half of the 20th century. Finally, I analyze three of my pieces to show the means utilized to integrate improvisation into composition. Each piece exhibits a specific way to manage the inclusion of improvisation, these methods being the result of my reflections and research. Nyctophilia – axis as a means of information management ; Æther – conversationnality and free improvisation ; Presqu’étoile – comprovisation in relation to Æther.

Titre de l'écran-titre (visionné le 31 juillet 2023) / L'objectif principal de cette recherche est de résoudre les problèmes liés à l'intégration des cycles rythmiques irréguliers faisant partie du vocabulaire des compositeurs de jazz moderne du 20ᵉ et 21ᵉ siècle. Leurs ouvrages mettent en valeur des concepts novateurs qui sont de plus en plus répandus dans le répertoire moderne. Cinq concepts différents, provenant de cinq pièces modèles, sont traités dans cette recherche pour approfondir la compréhension du processus d'intégration des cycles rythmiques irréguliers. Les pièces ainsi que les compositeurs en question sont les suivants : (1) Vardavar par Tigran Hamasyan provenant de son disque EP No 1 en 2011. (2) Close to You composée par The Carpenters en 1970 et arrangée par Jacob Collier en 2014. (3) 427 Mass Ave par Warren Wolf provenant de son disque du même nom en 2011. (4) The Poet par Tigran Hamasyan tirée du disque Shadow Theater en 2013 et, finalement, (5) Green Spleen par Ari Hoenig parue en 2018 sur le disque Bert's Playground. Les concepts examinés dans chaque pièce sont : (a) la subdivision irrégulière, (b) le swing irrégulier, (c) la syncope, (d) la superposition et, finalement, (e) les déplacements rythmiques. Chacun de ces concepts implique des défis liés à l'irrégularité cyclique ainsi qu'une multitude d'effets musicaux à explorer. Ces défis sont particulièrement intéressants, car ils servent à réévaluer la notion d'irrégularité ainsi que les possibilités de mutations cycliques au sein d'une perspective de circularité polymétrique. Pour intégrer ces concepts et offrir mes propres solutions face à ces défis, j'analyse les concepts présentés par chaque pièce modèle ainsi que mon propre processus d'intégration. Je compose cinq pièces, inspirées des compositeurs modèles, et je note aussi mon processus créatif dans le Journal de Compositions (Chapitre 2). Celui-ci sert à examiner comment ce nouveau vocabulaire affecte le développement de mes compositions ainsi qu'à noter les épreuves que je surmonte pour en ressortir avec une œuvre personnalisée. Par la suite, je compose cinq nouvelles pièces qui me permettent d'explorer les cycles rythmiques irréguliers d'une manière plus libre et créative. Le but ultime est d'approfondir mes connaissances de ces concepts qui prennent de plus en plus de place dans la palette sonore d'aujourd'hui.

Ce mémoire de maîtrise vise à expliquer l'influence de musiques exotiques dans la composition de trois de mes œuvres récentes: 1. Cuarteto de Cuerdas pour quatuor à cordes; 2. Hódidò Atòn pour ensemble de percussions; 3.The Unknown Rails pour orchestre. La première œuvre est influencée par le flamenco espagnol, laseconde par la musique d’Afrique de l'Ouest et la troisième par la musique indonésienne. Le but n'est pas de reproduire authentiquement la musique de ces cultures, mais d'intégrer de différentes façons certaines de leurs caractéristiques à mon propre style musical. Ces diverses formes d'intégration sont exemplifiées dans le mémoire à partir d'extraits ciblés des partitions. Le mémoire comporte (1°) une introduction où sont présentés le sujet général et les objectifs spécifiques de mon travail de création, (2°) un chapitre sur le rapport aux musiques exotiques chez certains compositeurs (Debussy, Messiaen, Stockhausen), (3°) trois chapitres où sont analysés pour chaque œuvre les principes généraux de l'influence de la musique exotique sélectionnée, et (4°) une conclusion synthèse. / This master's thesis aims to explain the influence of exotic music in the composition of three of my recent works: 1. Cuarteto de Cuerdas for string quartet; 2. Hódidò Atòn for percussion instruments; 3. The Unknown Rails for orchestra. The first work is influenced by Spanish flamenco, the second by West African music and the third by Indonesian music. These influences are, however, partial. The goal is not to authentically reproduce the music of these cultures, but to integrate in some ways some of their characteristics into my own musical style. These various forms of integration are exemplified in this master's thesis from extracts targeted partitions. This master's thesis contains (1°) an introduction where the general subject and the specific objectives of my creative work are presented, (2°) a chapter on the relation to exotic music by certain composers (Debussy, Messiaen, Stockhausen), (3°) three chapters in which are analyzed for each work the general principles of the influence of the selected exotic music, and (4°) a summary conclusion.

Le présent mémoire traite principalement de l'association du hatun charango – un instrument de ma création appartenant à la famille du charango andin – à des formations instrumentales occidentales (musique de chambre et d’orchestre). La conception de ces œuvres a engendré une réflexion sur l’importance, dans mon travail artistique, des relations entre la culture de tradition orale – ici, la culture andine – et la culture de tradition écrite – la culture occidentale en général –, et tout particulièrement dans le domaine musical. Ces enjeux sont ici abordés selon une réflexion personnelle liée à ma pratique artistique de création musicale. Ce mémoire est donc le reflet de certains aspects importants de mon travail de création pour les trois œuvres à l’étude. Ces œuvres sont : 1°) Yampayec pour hatun charango et quatuor à cordes 2°) Chavin pour flûte, clarinette, 2 percussionnistes, hatun charango, piano, violon et violoncelle 3°) Khipufonía pour hatun charango, quenacho et orchestre

Ce mémoire de maîtrise porte sur un projet de création dont le fruit consiste en trois œuvres instrumentales récentes ayant pour source d’inspiration les timbres percussifs. Ces trois œuvres sont : 1. Et pourtant elle tourne ! pour quatuor à cordes ; 2. Obsession pour mezzo-soprano, flûte, clarinette, vibraphone, piano, violon et violoncelle ; 3. Au bord de l’eau pour orchestre. De manière générale, ce mémoire présente mes réflexions sur les manières dont le timbre peut servir d’élément de cohésion du discours musical. Plus spécifiquement, ce mémoire traite de mon souci de produire des timbres percussifs par des instruments de non percussion et des timbres non percussifs par des instruments de percussion, le tout en des discours cohérents et intéressants. Quant à la structure même du mémoire, suite à une introduction où sont exposés les origines du projet de création et son cadre théorique, le premier chapitre présente un survol historique de l’évolution du paramètre du timbre et de la place des percussions dans les musiques occidentales. Ce premier chapitre dévoile également un système permettant d’évaluer la qualité percussive d’une sonorité. Le deuxième chapitre présente, à l’aide de nombreux exemples tirés des œuvres à l’étude, les diverses incarnations du timbre percussif aux instruments de non percussion, ou son évitement aux instruments de percussion. La conclusion traite de l’incidence du projet de recherche sur mon langage musical. / This master’s thesis examines three of my recent instrumental compositions that use percussive timbres as inspiration. These three pieces are: 1. Et pourtant elle tourne ! for string quartet; 2. Obsession for mezzo-soprano, flute, clarinet, vibraphone, piano, violin and violoncello; 3. Au bord de l’eau for orchestra. This thesis presents my reflections on the parameter of timbre as a mean of strengthening the cohesion of the musical discourse. More specifically, this thesis explores how to generate percussive timbres by non-percussion instruments, as well as non-percussive timbres by percussion instruments, in the context of a coherent and interesting musical discourse. Following an introduction where the origins, objectives and theoretical framework of this creative project are presented, the first chapter lays out my preparatory research, outlining the history of the evolution of timbre and the role of percussion instruments in Western music, as well as building a system to identify and qualify sounds for their percussive qualities. In the second chapter, the pieces are examined and examples are provided. These examinations illustrate how percussive and non-percussive timbres were used. The conclusion discusses the impacts of this creative project on my musical language and future works.

Le but de ce travail est de mener une enquête sur les principaux aspects du choro brésilien et sur l'approche compositionnelle du pianiste et compositeur américain Thelonious Monk afin de créer des pièces originales inspirées de l'hybridation de ces deux approches musicales. Le choro est un genre musical qui a beaucoup influencé la musique brésilienne depuis son apparition au XIXe siècle. Par ailleurs, l'énigmatique musique de Thelonious a contribué à la création et au développement du bebop jazz. Ces deux approches ont subi le processus d'hybridation musicale comme élément clé dans leurs consolidation et création au cours du temps. Pour mon projet, l'approche compositionnelle de Monk m'a inspiré en tant que source d'expérimentation pour restructurer le choro. De la même façon, les différents aspects du choro m'incitent à les utiliser comme des outils permettant la modification du style de Monk. Leurs façons de structurer la mélodie, l'harmonie et le rythme sont à la base de mes compositions. J'explore plus précisément le défi de mettre en interaction ces deux approches en développant un vocabulaire capable d'équilibrer leurs éléments, et ce à travers mes propres compositions. Par l'observation et l'analyse de ces éléments et structures, j'ajoute quelques considérations interprétatives dans le but de collaborer aussi à la performance. Ce projet retrace aussi les aspects historiques du choro et de Monk avec l'idée de faire mieux comprendre leurs origines et leurs processus de formation. Chaque composition présente une combinaison d'éléments structurels assez variés qui visent à une interaction et à une intégration équilibrées, stimulées par ma propre individualité artistique. Ce projet a pour ambition d'aider les musiciens dans leur interprétation musicale en encourageant la création. / The aim of this work is to investigate the main aspects of Brazilian choro and the compositional approach of American pianist and composer Thelonious Monk to create original pieces inspired by the hybridization of these two musical approaches. Choro is a musical genre that has greatly influenced Brazilian music since its appearance in the nineteenth century. In addition, the enigmatic music of Thelonious contributed to the creation and development of Bebop jazz. Both approaches have undergone the process of musical hybridization as a key element in their consolidation and creation over time. For my project, Monk's compositional approach inspired me as a source of experimentation to restructure the choro. In the same way, the different aspects of choro encourage me to use them as tools allowing the modification of Monk's style. Their ways of structuring melody, harmony and rhythm are at the base of my compositions. I explore more precisely the challenge of interacting these two approaches by developing a vocabulary able to balance their elements, and this through my own compositions. By observing and analyzing these elements and structures, I add some interpretative considerations in order to collaborate also on performance. This project also traces the historical aspects of Choro and Monk with the idea of making better understand their origins and their training processes. Each composition presents a combination of quite varied structural elements that aim at balanced interaction and integration, stimulated by my own artistic individuality. This project aims to help the musicians in their musical interpretation by encouraging the creation.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2010-2011 / Ce mémoire porte sur trois musiques de concert que j'ai composées entre 2006 et 2009. Il traite plus spécifiquement de l'écriture par gestes-piliers dans la démarche compositionnelle qui a mené à leur réalisation. Au départ, ma réflexion sur la genèse de ces oeuvres - À propos des îles de lumières, Cinq pamphlets pour ailleurs et Les fatras du contre-jour - a mis au jour l'importance du concept d'art dans ma démarche. J'ai aussi noté que des notions comme intuition, intention, technique, imaginaire et projet esthétique sont essentielles à la compréhension de ce concept. Je me suis également penché plus spécifiquement sur ma méthode de composition : l'écriture par gestes-piliers s'est révélée comme l'axe principal de cette méthode. Je me suis alors questionné sur l'origine de ces gestes-piliers et j'ai identifié plusieurs sources d'influence, soit les musiques de Varèse, Scelsi, Sciarrino et Berio. Outre l'introduction et la conclusion, ce mémoire est construit en deux parties : chapitre 1, l'énoncé des différents concepts nécessaires à la compréhension de ma démarche compositionnelle et chapitre 2, l'illustration et l'analyse de l'écriture par gestes-piliers dans les oeuvres à l'étude.