Cette recherche débute par la compréhension d'une pratique éducative emprunte de divers malaises vécus en milieu scolaire pendant la formation initiale à l'enseignement des arts. Elle se poursuit avec la modélisation et l'expérimentation d'un nouveau modèle de spécialiste en arts contribuant à dissiper ces différentes difficultés tout en conciliant une pratique artistique à une pratique éducative. Ce modèle, appelé intervenant en situation artistique, assure un enseignement des arts de qualité favorisant l'interdisciplinarité et l'intégration de l'art actuel dans le contexte d'une école primaire. La présence constante de l'intervenant en situation artistique au sein d'une même école et l'établissement de partenariats entre les autres enseignants et celui-ci assure la réussite des situations artistiques que je crois riches et significatives. Cette expérimentation a également été vérifiée dans un contexte précis, soit celui d'une école primaire. La méthodologie employée dans le cadre de cette recherche est la méthode heuristique. Compte tenu du sujet de recherche, l'emploi de la méthode heuristique m'est apparu judicieux parce qu'il a mis à jour les inconforts vécus en situation de pratique éducative dans une gestion habituelle de la classe d'art et qu'il a permis le développement d'un modèle répondant davantage à mes intérêts artistiques et pédagogiques. Les étapes développées par Craig (1978) sont utilisées pour l'ensemble de la démarche de recherche. Le présent mémoire comporte diverses parties. Tout d'abord, le récit de la pratique est décrit afin de mettre le lecteur dans le véritable contexte dans lequel s'est développée la pratique originale, c'est-à-dire au moment de la formation initiale en enseignement des arts. Puis, différents modèles pédagogiques ont été une source d'inspiration lors de la modélisation et de l'expérimentation de l'intervenant en situation artistique. Finalement, la dernière partie du mémoire est consacrée à l'ensemble des projets artistiques expérimentés et à la modélisation. Les principaux résultats démontrent qu'il est possible de développer un autre modèle d'enseignant en arts tout en assurant un enseignement des arts de qualité. Le développement de situations artistiques innovatrices et variées assure cette qualité. Le travail en étroite collaboration avec les enseignants assure la conceptualisation de situations artistiques interdisciplinaires et diminue l'isolement vécus par les spécialistes.

Une société de bébés L'art performance et l'installation : Épuiser l'objet Ma recherche a pour objectif de faire cheminer deux pratiques artistiques en parallèle et d'opérer des ponts entre elles : il s'agit de l'art performance et de l'installation. En performance, je cherche à créer des images mutantes qui, par la posture du corps, peuvent susciter de nouvelles interprétations. J'examine et veux comprendre d'où provient la force de ces images. Par ailleurs, j'interroge le rôle de l'indétermination qui déstabilise le performeur lors d'interactions avec diverses matières animales et humaines. Dans cette même direction, j'interroge les événements performatifs qui se matérialisent sous forme d'installation. J'essaie de rendre l'objetmatière plus performatif et de comprendre les différentes formes que prend î'« installation d'occasion » dans tous ses déploiements performatifs. Voyageant entre ces deux pratiques, je détermine également l'apport et l'importance de l'Autre et des autres dans mes créations actuelles. Une société de bébés est l'oeuvre de fin de maîtrise que je vous présente. Elle aborde une forme installative dans laquelle je suggère plusieurs petits regroupements d'objets-accessoires dans un multi-espace, c'est-à-dire un espace qui fait naître des formes et qui est l'aboutissement de l'espace conçu lui-même comme « objet ». Cette production présente plusieurs situations objectales qui se communiquent les unes aux autres au sein d'une présentation éclatée. Étant rapprochés et juxtaposés, les objetsaccessoires et/ou objets-sculptures se répondent entre eux dans un même espace sans suggérer de conclusion définitive.

Ma recherche-création, alliant la biologie à l'art, invite à une réflexion sur la complexité du rapport vivant/non-vivant. Celui-ci est étudié par une confrontation naturel/artificiel; pour démontrer la dualité entre les deux types de matériaux, des matières vivantes et/ou naturelles sont mises en contact avec des matériaux artificiels. Je suis également intéressée par le concept de duplicité suggérant l'hypocrisie de l'homme toujours en représentation de lui-même. Ces idées, bases de travail, germes de questionnements, toujours en ébullition, ont nourrit ma production artistique qui s'est développée au cours des deux années de ce cheminement de recherche. En pratique, je favorise des propositions de petits formats, car je veux inviter le visiteur à s'approcher, afin qu'il puisse vivre un moment d'intimité avec l'oeuvre. Avec des petites expérimentations répétées, je tente de mettre en correspondance toutes les espèces vivantes (animales, végétales et humaines) dans un même système : le vivant. Je veux troubler ce vivant pour étudier ses réactions sensibles à l'intérieur de l'oeuvre et ainsi créer des liens avec l'humain. La relation sensible existant entre l'homme et la nature me préoccupe. C'est avec l'art que je veux analyser cette préoccupation personnelle; je dois alors établir un langage visuel qui me permettra de le faire. Je suis à la recherche d'une symbiose esthétique entre les deux types de matières. C'est à partir de l'expression bio-sensible que ma recherche s'est articulée. Je veux emprisonner l'éphémère en l'immergeant afin de conserver la vie à l'intérieur de l'oeuvre. Cela suggère l'idée de l'oeuvre transitoire, en transformation. Mon travail peut être comparé à celui de certains photographes, au Land art ou au Bio art. Cependant, il n'adhère souvent qu'à une seule idée de chacun de ces courants ce qui lui donne un caractère singulier provenant de l'hybridation. Mon travail d'artiste se définit par des expérimentations qui sont faites en atelier. L'exposition finale Quelques symbioses dans le détail (2006) présente un parcours de réflexions à travers des échantillons d'expériences. Je revisite les mêmes idées à travers différentes séries de dessins, tableaux, sculptures statiques ou évolutives. Ce principe m'a permis de faire cheminer mes questionnements et de trouver des éléments de réponse. Je crois que ma pratique artistique n'aurait pu évoluer si toutes les réponses étaient arrivées clairement. En bref, cette recherche m'a aidée à déterminer de nouvelles bases pour un travail à plus long terme. Toutes mes expérimentations me permettront de pousser plus loin cette quête artistique sur un sujet inépuisable : les relations homme-nature. Mots clés : bio-sensible, art, biologie, vivant, non-vivant, dualité, duplicité, naturel, artificiel, déstabilisation, adaptation.

Ce mémoire se propose, en prenant principalement appui sur les données, les recommandations et les commentaires recueillis dans le Projet de recherche sur l'implantation des programmes d'arts plastiques au primaire et au secondaire au Saguenay-Lac-St-Jean, dans le Mémoire sur l'enseignement des arts plastiques dans les écoles primaires et secondaires du Québec ainsi que dans l?avis du Conseil supérieur de l'éducation intitulé L'éducation artistique à l'école, d'analyser et dévaluer dans un premier temps la place que tient dans la région, l'enseignement des arts plastiques. Dans un second temps, seront présentées les réactions des enseignants -titulaires et spécialistes en arts plastiques- face à ces programmes au primaire et au secondaire. Cet exercice nous permettra de constater la volonté de la majorité de ces professionnels de voir s'implanter de façon vigoureuse un enseignement de qualité en arts. Bien qu'il devienne dès lors possible de nommer et d'analyser les principaux besoins liés à cette qualité d'enseignement recherchée, il nous est apparu nécessaire, dans le cadre de ce mémoire, de ne porter notre attention que sur un seul de ces besoins, en englobant plusieurs; celui de la nécessité de voir des spécialistes, formés adéquatement dans cette discipline, enseigner les arts plastiques au primaire et au secondaire. 11 nous sera possible d?analyser l'importance de la présence de ces derniers tant au niveau de la démarche pédagogique qu au niveau de la reconnaissance des arts plastiques comme discipline. Il sera également possible d'analyser les besoins et les outils de formation et de perfectionnement disponibles pour leur venir en aide. Ainsi porterons-nous quelques instants notre attention sur la formation en enseignement des arts à l'université de même que sur le perfectionnement professionnel tel que vécu dans les écoles, sans vouloir d'aucune façon en faire le procès. Nous tenterons également de proposer certaines hypothèses de travail concernant la formation ou le perfectionnement personnel des spécialistes en arts plastiques.

Le travail qui suit a été réalisé dans le cadre de la maîtrise en art, concentration enseignement et transmission; création. Mes préoccupations concernent la construction et le développement d'une démarche artistique réflexive chez les étudiants en arts plastiques au collégial. Dans mon projet, je propose l'art comme moyen de réflexion, réflexion signifiant à la fois pensée et reflet. Ayant constaté le trop peu d'outils destinés aux enseignants en arts plastiques au collégial et permettant de développer la démarche de création chez leurs étudiants, j'ai décidé de développer une stratégie d'enseignement/apprentissage, des ?uvres pédagogiques qui pourraient aider à la fois enseignants et étudiants. L'identité personnelle et artistique de l'étudiant est amenée à se développer à la fois visuellement dans l'?uvre qu'il réalise et dans la pensée critique, à travers un mouvement alternatif entre théorie et pratique. L'étudiant développe donc des connaissances à la fois sur lui-même et sur l'art contemporain, ce qui l'amène à acquérir une attitude critique. Par le biais de la recherche développement, j'ai effectué de nombreuses lectures et des observations sur le terrain (stage et expérimentations informelles) avant d'aboutir à la création de mon produit. Le tout s'articule en une série de sept ateliers réflexifs et éducatifs qui sont des ?uvres pédagogiques. Destinés aux enseignants, ce sont des mises en situation, des projets de création à faire vivre aux étudiants. Par ailleurs, j'ai moi-même mis à l'essai chaque atelier en effectuant le travail de création demandé. Il s'agit d'une première évaluation, une évaluation subjective. Ainsi, j'ai réalisé sept ?uvres artistiques en lien avec les sept thèmes des ateliers, soit le musée personnel, la culture, les matériaux non traditionnels, l'hybridité entre disciplines, l'interaction avec le spectateur, la notion de lieu, ainsi que l'éphémère et la trace. Par ailleurs, ces sept ?uvres artistiques et ateliers font partie de l'exposition Réflexion : quand les attitudes deviennent formes, présentée à la galerie Espace Virtuel, en mai 2003. Cette exposition, ?uvre de transmission, donne à voir le parcours d'une démarche de création, tout en présentant les spécificités didactico-pédagogiques de chacun des ateliers. Évidemment, les étapes de la mise à l'essai à plus grande échelle, de l'évaluation et de la diffusion du produit éducatif n'ont pas pu être effectuées. Ce sont des opérations que j'ai envisagées, mais elles appartiendront à une recherche ultérieure.

Actuellement, dans le domaine de l'éducation, on est à la recherche de moyens permettant aux élèves de maximiser leur potentiel de développement. Toutefois l'élève est trop souvent confronté à des approches très structurées et très sophistiquées qui souvent lui font perdre ses moyens dont les notions apprises, sa confiance en lui, sa concentration, sa spontanéité, sa créativité. La valeur formative des arts peut être considérée. Aussi, il ne s'agit plus dorénavant de limiter l'enseignement d'un art, dont la musique, à l'acquisition de quelques-uns de ses aspects techniques, mais de reconnaître le volet artistique comme un langage qui permet l'expression personnelle du jeune. La recherche porte sur l'élaboration d'un programme pour l'enseignement de la musique aux élèves d'ordre secondaire des niveaux I et II. Un programme de formation musicale créative (FMC) est proposé. Il préconise des orientations ainsi qu'une approche pédagogique favorisant l'implication de l'élève dans l'appropriation et l'utilisation efficace de ses stratégies cognitives. Cette nouvelle conception de l'éducation musicale s'appuie sur des considérations d'ordres philosophique, artistique et pédagogique. Dans cette optique, on prône des modes esthétiques de connaissances qui permettent à l'élève d'apprendre par la résolution de problèmes et de développer des habiletés métacognitives. La proposition initiale du programme a été soumise à la validation auprès d'experts en éducation musicale. Ces personnes occupaient des fonctions différentes dans ce champ de savoirs et, par conséquent, avaient des expertises variées. Quatre critères leur ont été proposés afin de procéder à l'exercice de validation : la cohérence, la pertinence, la complétude et le réalisme. L'analyse des résultats obtenus des experts a permis de dégager des constances et des particularités. Pour l'aspect philosophique, deux experts sur trois rappellent la nécessité d'inclure tous les éléments qui serviront de balises à l'élaboration du programme dont les composantes sont : les principes directeurs, la structure du programme à partir d'objectifs, la démarche pédagogique, le rôle de l'élève et de l'enseignant et, finalement, l'évaluation. Un degré de satisfaction peut être noté à l'égard de l'établissement des liens de conformité et de ressemblance entre l'objectif général de la FMC et les composantes du MÉQ. Les experts 1 et 3 ont apporté des commentaires judicieux qui ont permis d'effectuer des corrections précises à l'objectifs général de FMC. À la lumière des commentaires qui ont été émis, il est nécessaire de développer des stratégies d'enseignement et d'apprentissage. En ce sens, des commentaires, fort à propos, ont été faits afin de mettre le focus sur la création, l'apport du langage des sons et les règles se rapportant à l'élaboration d'activités créatrices. Bref, il convient de souligner l'apport important des experts aux réajustements qui s'avéraient nécessaires à la FMC. Suite à ces commentaires, des modifications ont été apportées au programme de FMC afin de l'enrichir. De plus, les activités d'enseignement-apprentissage ont été bonifiées dans le sens proposé par les experts. L'étude menée peut servir d'ancrage à un renouveau pédagogique au secondaire. Elle peut également être utile dans l'exercice de conception des nouveaux programmes que nécessite la Réforme scolaire en cours.

La présente recherche tente de fournir une solution à la difficulté de l'intégration des technologies de l'information et de la communication (TIC) en enseignement des arts plastiques et ce dans le secteur de l'adaptation scolaire. Elle propose ainsi l'élaboration d'un guide de création qui permettra à l'élève de cheminement continu d'intégrer ces nouvelles technologies dans sa démarche de création en arts plastiques. De ce fait, le spécialiste en art aura un document pédagogique à sa disposition pour l'aider à introduire les TIC dans sa pratique éducative. En se basant sur l'approche pédagogique par projet qui s'inscrit dans une vision socio-constructiviste de l'apprentissage et en s'inspirant des productions contemporaines en arts médiatiques, nous avons élaboré un guide de création dans le cadre d'une recherche de développement (Van der Maren, 1999). Ce guide est constitué de neuf projets et permet à l'élève de faire l'expérience de création avec de nouveaux outils et médiums virtuels. La thématique des projets réunit les principaux centres d'intérêts des élèves. Le guide de création a été mis à l'épreuve du terrain. En effet, durant une période de deux mois, les élèves ont expérimenté les projets de ce document pédagogique. Cette période de mise à l'essai a fait l'objet d'une observation participante. D'autres outils, tel un questionnaire, une entrevue semi-dirigée et une grille d'évaluation du portfolio de l'élève, se sont ajoutés pour recueillir des données quant à l'efficience du guide dans son contexte réel d'utilisation. Les résultats démontrent que le guide a su maintenir l'intérêt des élèves, a permis à la majorité d'entre eux d'atteindre des compétences en conception graphique et à les réinvestir dans d'autres contextes, et finalement par les éléments de nouveautés qu'il introduisait dans le parcours scolaire de l'élève, le guide a permis d'atténuer momentanément la fréquence des comportements perturbateurs. Toutefois, l'une des limites de notre recherche réside dans le fait que le guide n'a pas été évalué par un échantillon de spécialistes en arts plastiques. En guise de conclusion, le guide a démontré son efficacité tout en incitant les élèves à faire un usage créatif des nouvelles technologies dans un cadre d'enseignement avec des objectifs pédagogiques préétablis.

Le présent ouvrage traite de la création et du développement d'un processus créatif par les arts plastiques utilisant comme matière première le contact humain dans son sens le plus brut. La rencontre interculturelle m'a toujours intéressé en tant que génératrice d'une interaction pouvant occasionner des chocs de diverses natures, entre des personnes venant de milieux différents. Les rapports humains dans notre société occidentale peuvent être repensés pour se rapprocher d'une certaine idée d'universalisme. Pour aborder cette volonté d'explorer l'intersubjectivité par ma pratique graphique, j'ai cherché à me rapprocher des Innus, des membres des Premières Nations résidant au sein de communautés autochtones sur le territoire du Québec. Par la suite, j'ai décidé d'ouvrir mes champs d'expérimentation en allant à la rencontre d'une autre communauté : les immigrants de la région du Saguenay- Lac-St-Jean. Étant citoyen français, je joue avec la rencontre pour en faire une communication entre représentants de deux nations, qui ont peu de choses en commun, que ce soit d'un point de vue culturel, historique, social, etc. Le dessin et la pratique de l'encre de Chine sont des pratiques personnelles que j'ai utilisées pour réaliser un projet dans lequel le portrait est la pierre angulaire. En effet, le portrait artistique me permet de provoquer la rencontre avec l'autre et de la confirmer. La figuration du visage que je mets en oeuvre est la trace d'un moment cristallisé, un instant passé entre deux personnes n'ayant que peu en commun de prime abord. La bande dessinée, la peinture, l'animation ainsi que la photographie sont des médiums importants pour moi et ces domaines rejaillissent dans ma création et par rapport à mes choix plastiques. J'ai réalisé la mise en espace de communautés plastiques créées à partir de communautés réelles que je délimiterai durant mon exposé. Je me suis rendu compte à quel point l'éthique était importante au sein de mon processus de création au fil du développement de ma recherche, autant plastique que théorique. Pour expliciter cela, les tenants et les aboutissants de ma démarche prenant en compte la sociologie, l'éthique et les arts sont mis en avant.

Ce mémoire explore les attitudes propices à la transférabilité de la dynamique de création (Gosselin, 2003) comme mode de connaissance, aux disciplines du curriculum scolaire. Il s'agit d'une recherche appliquée. Elle est arrimée à.la réalité du milieu scolaire actuel. Le programme de formation du ministère de l'éducation du Québec (2003) a choisi ce modèle théorique, qui structure puis explicite les compétences à développer dans les quatre disciplines du domaine des arts. Cette recherche a des visées pratiques. Elle veut insister sur la mise en oeuvre d'un mode de connaissance développé par les artistes depuis toujours et qui a fait l'objet des travaux de nombreux chercheurs. Présenter le modèle choisi, constater la justesse du propos quant à l'éducation à la création et l'expérimenter pour laisser apparaître quelles seraient les attitudes permettant de l'intégrer comme mode de coimaissance aux divers domaines de formation, voilà le but, la nature et l'envergure de cette recherche. Il est question principalement de la création sous l'angle d'un processus et d'une démarche. La dynamique de création décrit avec précision les caractéristiques de ce véritable mode de connaissance. Les autres sujets traités découlent de cette approche. De plus, pour assurer la transférabilité du phénomène à l'étude aux disciplines du curriculum, il est nécessaire de considérer les conditions de travail des enseignants et la réalité du milieu scolaire. Une expérience de plusieurs années en enseignement des arts et une réflexion approfondie du programme de formation, en. regard des méthodes d'apprentissage proposées dans les différents domaines de connaissance, fournissent le cadre des hypothèses de travail. Le choix de la phénoménologie comme méthodologie de recherche a permis de rester près de la réalité du phénomène à l'étude. Les actions faites pour cueillir les données, se déroulent en trois temps : des entretiens individuels traitant des expériences de création d'un groupe d'enseignants, une expérimentation artistique commune aux participants et une intégration de la dynamique de création dans leurs cours réguliers, indépendamment de la discipline enseignée. Les principaux résultats portent sur les attitudes propices au transfert du phénomène étudié chez les principaux intervenants : soit le chercheur, les enseignants, les dirigeants scolaires et les élèves. Les conclusions pourront déboucher sur un plan de formation continue et un accompagnement des enseignants.

Mes préoccupations d'artiste et d'étudiante en recherche sont reliées à la valorisation de l'identité, la mienne et celle de l'Autre1. Je veux pouvoir être une facilitatrice ou une médiatrice afin d'aider l'Autre à articuler sa pensée (par la mise en exposition) dans le but de l'amener vers une compréhension plus juste et de sa vision du monde et de sa culture. Mon engagement comme étudiante et assistante de recherche au projet Design et culture matérielle: développement communautaire et cultures autochtones se situe d'ailleurs dans Sa valorisation de cette identité culturelle autochtone, par le développement d'une approche participative en design d'exposition. Au coeur des diverses expérimentations réalisées avec trois communautés (Mashteuiatsh, Uashat mak Mani-Utenam, Odanak) en vue du développement d'une méthode basée sur la participation pour la réalisation d'une exposition, une double question de recherche me préoccupait particulièrement : est-ce que !e niveau de participation à l'expérience des principaux acteurs autochtones influence ensuite leur degré de reconnaissance de l'oeuvre muséologique? La participation permet-elle une meilleure compréhension et une interprétation plus cohérente, plus juste de la culture de l'Autre? Je me suis intéressée à l'Autre avec l'idée qu'il y avait là, pour moi, quelque chose à apprendre, à comprendre, à conceptualiser; je me suis intéressée à sa cohérence, à sa façon de penser et de raisonner pour l'encourager à analyser, à conceptualiser et à exprimer son appartenance. Cette approche est basée principalement sur la rencontre, l'entretien, l'écoute, l'échange et la quête d e perceptions sensibles, ainsi que sur la validation constante des contenus et des choix muséographiques à travers le concept participatif. Plusieurs des expériences menées entre 2003 et 2007 ont fait avancer mon questionnement et ont nourri ma réflexion. À la suite de ces expériences terrains, j'ai pris conscience des niveaux de participation et des niveaux de reconnaissance des acteurs. 11 s'agit d'un véritable travail de collaboration entre designers, muséologues et les acteurs impliqués, ceux que Hugues de Varine2 (1976) nomme les experts d'usage3. J'ai travaillé également dans plusieurs situations : observatrice, médiatrice, faciiitatrice, designer et artiste. Je me suis engagée concrètement dans l'action, ce qui m'a permis de comprendre, de l'intérieur, la réalité des participants.