Le présent ouvrage traite de la création et du développement d'un processus créatif par les arts plastiques utilisant comme matière première le contact humain dans son sens le plus brut. La rencontre interculturelle m'a toujours intéressé en tant que génératrice d'une interaction pouvant occasionner des chocs de diverses natures, entre des personnes venant de milieux différents. Les rapports humains dans notre société occidentale peuvent être repensés pour se rapprocher d'une certaine idée d'universalisme. Pour aborder cette volonté d'explorer l'intersubjectivité par ma pratique graphique, j'ai cherché à me rapprocher des Innus, des membres des Premières Nations résidant au sein de communautés autochtones sur le territoire du Québec. Par la suite, j'ai décidé d'ouvrir mes champs d'expérimentation en allant à la rencontre d'une autre communauté : les immigrants de la région du Saguenay- Lac-St-Jean. Étant citoyen français, je joue avec la rencontre pour en faire une communication entre représentants de deux nations, qui ont peu de choses en commun, que ce soit d'un point de vue culturel, historique, social, etc. Le dessin et la pratique de l'encre de Chine sont des pratiques personnelles que j'ai utilisées pour réaliser un projet dans lequel le portrait est la pierre angulaire. En effet, le portrait artistique me permet de provoquer la rencontre avec l'autre et de la confirmer. La figuration du visage que je mets en oeuvre est la trace d'un moment cristallisé, un instant passé entre deux personnes n'ayant que peu en commun de prime abord. La bande dessinée, la peinture, l'animation ainsi que la photographie sont des médiums importants pour moi et ces domaines rejaillissent dans ma création et par rapport à mes choix plastiques. J'ai réalisé la mise en espace de communautés plastiques créées à partir de communautés réelles que je délimiterai durant mon exposé. Je me suis rendu compte à quel point l'éthique était importante au sein de mon processus de création au fil du développement de ma recherche, autant plastique que théorique. Pour expliciter cela, les tenants et les aboutissants de ma démarche prenant en compte la sociologie, l'éthique et les arts sont mis en avant.

Ce mémoire explore les attitudes propices à la transférabilité de la dynamique de création (Gosselin, 2003) comme mode de connaissance, aux disciplines du curriculum scolaire. Il s'agit d'une recherche appliquée. Elle est arrimée à.la réalité du milieu scolaire actuel. Le programme de formation du ministère de l'éducation du Québec (2003) a choisi ce modèle théorique, qui structure puis explicite les compétences à développer dans les quatre disciplines du domaine des arts. Cette recherche a des visées pratiques. Elle veut insister sur la mise en oeuvre d'un mode de connaissance développé par les artistes depuis toujours et qui a fait l'objet des travaux de nombreux chercheurs. Présenter le modèle choisi, constater la justesse du propos quant à l'éducation à la création et l'expérimenter pour laisser apparaître quelles seraient les attitudes permettant de l'intégrer comme mode de coimaissance aux divers domaines de formation, voilà le but, la nature et l'envergure de cette recherche. Il est question principalement de la création sous l'angle d'un processus et d'une démarche. La dynamique de création décrit avec précision les caractéristiques de ce véritable mode de connaissance. Les autres sujets traités découlent de cette approche. De plus, pour assurer la transférabilité du phénomène à l'étude aux disciplines du curriculum, il est nécessaire de considérer les conditions de travail des enseignants et la réalité du milieu scolaire. Une expérience de plusieurs années en enseignement des arts et une réflexion approfondie du programme de formation, en. regard des méthodes d'apprentissage proposées dans les différents domaines de connaissance, fournissent le cadre des hypothèses de travail. Le choix de la phénoménologie comme méthodologie de recherche a permis de rester près de la réalité du phénomène à l'étude. Les actions faites pour cueillir les données, se déroulent en trois temps : des entretiens individuels traitant des expériences de création d'un groupe d'enseignants, une expérimentation artistique commune aux participants et une intégration de la dynamique de création dans leurs cours réguliers, indépendamment de la discipline enseignée. Les principaux résultats portent sur les attitudes propices au transfert du phénomène étudié chez les principaux intervenants : soit le chercheur, les enseignants, les dirigeants scolaires et les élèves. Les conclusions pourront déboucher sur un plan de formation continue et un accompagnement des enseignants.

Mes préoccupations d'artiste et d'étudiante en recherche sont reliées à la valorisation de l'identité, la mienne et celle de l'Autre1. Je veux pouvoir être une facilitatrice ou une médiatrice afin d'aider l'Autre à articuler sa pensée (par la mise en exposition) dans le but de l'amener vers une compréhension plus juste et de sa vision du monde et de sa culture. Mon engagement comme étudiante et assistante de recherche au projet Design et culture matérielle: développement communautaire et cultures autochtones se situe d'ailleurs dans Sa valorisation de cette identité culturelle autochtone, par le développement d'une approche participative en design d'exposition. Au coeur des diverses expérimentations réalisées avec trois communautés (Mashteuiatsh, Uashat mak Mani-Utenam, Odanak) en vue du développement d'une méthode basée sur la participation pour la réalisation d'une exposition, une double question de recherche me préoccupait particulièrement : est-ce que !e niveau de participation à l'expérience des principaux acteurs autochtones influence ensuite leur degré de reconnaissance de l'oeuvre muséologique? La participation permet-elle une meilleure compréhension et une interprétation plus cohérente, plus juste de la culture de l'Autre? Je me suis intéressée à l'Autre avec l'idée qu'il y avait là, pour moi, quelque chose à apprendre, à comprendre, à conceptualiser; je me suis intéressée à sa cohérence, à sa façon de penser et de raisonner pour l'encourager à analyser, à conceptualiser et à exprimer son appartenance. Cette approche est basée principalement sur la rencontre, l'entretien, l'écoute, l'échange et la quête d e perceptions sensibles, ainsi que sur la validation constante des contenus et des choix muséographiques à travers le concept participatif. Plusieurs des expériences menées entre 2003 et 2007 ont fait avancer mon questionnement et ont nourri ma réflexion. À la suite de ces expériences terrains, j'ai pris conscience des niveaux de participation et des niveaux de reconnaissance des acteurs. 11 s'agit d'un véritable travail de collaboration entre designers, muséologues et les acteurs impliqués, ceux que Hugues de Varine2 (1976) nomme les experts d'usage3. J'ai travaillé également dans plusieurs situations : observatrice, médiatrice, faciiitatrice, designer et artiste. Je me suis engagée concrètement dans l'action, ce qui m'a permis de comprendre, de l'intérieur, la réalité des participants.

Malgré un programme de formation en faveur des pratiques d’enseignement interdisciplinaire, les ressources et les recherches qui s’intéressent à l’enseignement des arts dans une perspective interdisciplinaire intégrant les sciences sont peu nombreuses, d’où l’intérêt de cette recherche pour le thème de l’interdisciplinarité dans le cadre de l’enseignement des arts. Pour ce faire, nous avons conçu une SAÉ interdisciplinaire qui met en jeu un processus mitoyen intégrant le processus de résolution de problème de la discipline des sciences et le processus de création de la discipline des arts dans le cadre d’un enseignement artistique au secondaire. L’observation de l’expérimentation menée par une enseignante, qui a participé à la conception et la conduite de la SAÉ, et des entrevues semi-structurées en amont et en aval de l’expérimentation menées auprès de l’enseignante participante, ont permis l’étude de la posture de l’enseignante et des changements opérés dans sa pratique d’enseignement. Elles ont permis aussi de constater l’importance et la nécessité de l’intégration des processus d’apprentissage des disciplines convoquées dans les SAÉ interdisciplinaires ainsi que de la mise en place d’une forme de culture interdisciplinaire. C’est une recherche de type recherche-action qualitative qui s’est intéressée à l’étude d’un cas unique afin de produire une compréhension profonde d’un phénomène qui intègre de nombreux facteurs.

La présente recherche tente de fournir une solution à la difficulté de l'intégration des technologies de l'information et de la communication (TIC) en enseignement des arts plastiques et ce dans le secteur de l'adaptation scolaire. Elle propose ainsi l'élaboration d'un guide de création qui permettra à l'élève de cheminement continu d'intégrer ces nouvelles technologies dans sa démarche de création en arts plastiques. De ce fait, le spécialiste en art aura un document pédagogique à sa disposition pour l'aider à introduire les TIC dans sa pratique éducative. En se basant sur l'approche pédagogique par projet qui s'inscrit dans une vision socio-constructiviste de l'apprentissage et en s'inspirant des productions contemporaines en arts médiatiques, nous avons élaboré un guide de création dans le cadre d'une recherche de développement (Van der Maren, 1999). Ce guide est constitué de neuf projets et permet à l'élève de faire l'expérience de création avec de nouveaux outils et médiums virtuels. La thématique des projets réunit les principaux centres d'intérêts des élèves. Le guide de création a été mis à l'épreuve du terrain. En effet, durant une période de deux mois, les élèves ont expérimenté les projets de ce document pédagogique. Cette période de mise à l'essai a fait l'objet d'une observation participante. D'autres outils, tel un questionnaire, une entrevue semi-dirigée et une grille d'évaluation du portfolio de l'élève, se sont ajoutés pour recueillir des données quant à l'efficience du guide dans son contexte réel d'utilisation. Les résultats démontrent que le guide a su maintenir l'intérêt des élèves, a permis à la majorité d'entre eux d'atteindre des compétences en conception graphique et à les réinvestir dans d'autres contextes, et finalement par les éléments de nouveautés qu'il introduisait dans le parcours scolaire de l'élève, le guide a permis d'atténuer momentanément la fréquence des comportements perturbateurs. Toutefois, l'une des limites de notre recherche réside dans le fait que le guide n'a pas été évalué par un échantillon de spécialistes en arts plastiques. En guise de conclusion, le guide a démontré son efficacité tout en incitant les élèves à faire un usage créatif des nouvelles technologies dans un cadre d'enseignement avec des objectifs pédagogiques préétablis.

J'explore dans ce travail l'idée de rencontre en tant qu'artiste singulier : les rencontres réalisées dans le cadre d'ateliers scolaires ou d'un travail collectif et les rencontres qui impliquent la communauté dans une démarche artistique. De ces expériences, je tente de démontrer l'aspect favorable au développement de chacun des acteurs, et plus particulièrement de l'artiste, à savoir l'influence de ces rencontres sur le travail créateur. Le chemin que j'emprunte s'inspire du concept du rhizome développé par Gilles Deleuze et Félix Guattari dans Mille plateaux où plusieurs facteurs se rencontrent et se transforment. Ce concept génère multiples possibilités de développements, de connexions et d'apprentissages qui permettent aux artistes actuels d'ouvrir leur démarche à la relation avec autrui. Ce rapprochement entre l'art et la communauté se fait, selon Nicolas-Le Strat, dans la transaction, la négociation et l'interaction. Ces actions s'inscrivent dans la démarche de l'artiste. Afin de saisir l'élan de l'artiste vers les autres, je fais la synthèse du processus créateur tel que perçu par Didier Anzieu dans son livre Le corps de l'?uvre. Par la même occasion, je tente d'appliquer ce processus au travail collectif. Dans ma démarche artistique, je cherche, fabrique et photographie des objets qui sont le plus souvent ronds. Le cercle représente la matrice où la société prend forme, c'est aussi le cercle que symboliquement je trace autour de moi et qui me conduit à faire des rencontres afin d'explorer d'autres cercles. C'est donc basé sur mon propre travail artistique en installation et photographie que je décris mon cheminement et l'évolution de celui-ci par rapport aux rencontres afférentes. Je mets en place, par rapport à ma réalité, différents types d'actions à caractère artistique par lesquelles l'artiste peut forger son identité: les rencontres dans un cadre scolaire, les rencontres entre artistes professionnels, les rencontres liées à la communauté. J'avance dans ce travail que la rencontre à caractère artistique serait une synergie appliquée dans la démarche et qu'elle serait porteuse d'apprentissages et favoriserait la formation d'identité.

Cette recherche-création porte un éclairage poétique sur les articulations souterraines de ma pratique artistique. Le contenu de ce mémoire synthétise les diverses avenues qui traversent le projet EXCÉDEZ présentant des pièces multidisciplinaires ? peintures, infographies, dessins, vidéos et livre d'artiste ? installées de façon à écrire poétiquement l'espace. Née à partir d'une image-mère « Je suis une auto mais je n'ai pas de mobile », l'exposition, par le préfixe « auto », explore les correspondances et les limites des relations entre l'automobile et moi. Dans ce présent texte, je propose donc une rencontre entre l'auto-représentation et la voiture. Par cela, l'accident, le dépassement et la transportation sont des notions qui s'attachent à cette recherche-création. Divisé en trois chapitres, le texte présente mon travail pratique et il se retrouve explicité d'une façon fragmentée. Il est construit dans une dynamique, où la pratique traverse la théorie. La production de l'exposition ainsi que la méthode d'écriture de ce mémoire ont été réalisées dans un esprit de transversalité, ce qui m'invite à référer une même pièce pour expliciter une variété de notions. Mon travail artistique est un système inter relié. Le premier chapitre se consacre aux concepts d'auto-représentation et d'auto-engendrement, par lesquels sont explorées les notions de double et de transformation. Je réfléchis également à la correspondance entre la voiture et moi-même. J'explique par la suite comment ce travail de recherche-création fait le récit allégorique de l'épuisement. Dans un deuxième temps, il sera question des tensions contenues dans la passion. Ici, je fais un parallèle entre mon travail artistique et la catastrophe de la mort. Nous passerons ainsi, de l'infigurable mort à la défiguration, dans laquelle j'étudie l'importance du visage dans l'exposition EXCÉDEZ. À l'intérieur de ce chapitre, il sera question de la notion d'accident, d'abord dans le travail de la matérialité, ensuite dans le travail numérique. Au chapitre trois, je fais l'autopsie de l'esprit baroque en regard de ma pratique artistique. Il sera question de la recherche de relations, c'est-à-dire comment le préfixe tans passe à travers, marque le changement et exprime un « au-delà ». Je propose ainsi une recherche-création qui s'intéresse aux relations traversantes, par une écriture poétique et multidisciplinaire de l'espace, passant par l?auto-représentation et l'automobile.

Cette recherche-création jette un regard au niveau de la représentation religieuse contemporaine et ce qu'elle évoque encore de nos jours. Quel sens, et surtout quelle importance prennent le sacré et le profane dans les oeuvres d'art actuel ? Le développement par une archéologie d'un système signifiant relié au mythique en arts visuels me permet d'aborder l'iconographie religieuse de façon singulière, subjective et communicative dans mon processus de création. Ce qui était sacré autrefois au Québec ne l'est plus. Des artistes québécois ont su revendiquer leurs points de vue en 1948 par le manifeste artistique du Refus global. Désirant changer la mentalité de la société et la rigidité de la pensée, ces artistes contestataires ont provoqué des changements sociaux importants, comme la séparation de l'Église catholique et de l'État, ce qui a créé le Québec moderne. De cela découle le refus de l'autorité religieuse, ce qui a permis par la suite aux artistes de produire des oeuvres qui, à l'époque, auraient mal été admises. Mon travail se situe dans un mouvement d'art québécois en lien avec ce manifeste. Mes oeuvres ont comme objectif d'impliquer le spectateur-acteur dans une expérimentation privée. Ainsi, je veux charmer l'autre par une expérience esthétique, un échange physique et sensoriel. Je réalise des dispositifs, des installations et des projets picturaux qui détournent et invitent le participant à un jeu, une génuflexion, une prière, un signe de la croix... Une rencontre. Parfois, l'assemblage, le collage et la fusion d'images populaires (strates de culture) provenant des médias composent le champ pictural, d'autres fois, une installation qui présente la multiplication de statuettes sacrées transformées en objets utilitaires. Ce genre de proposition évoque encore des discours actuels tout en remémorant certains souvenirs. Je propose des projets qui utilisent des stéréotypes de l'art commercial et populaire afin de transposer un sujet qui est à la fois sacré et profane. Autrement dit, je produis dans l'intention de créer une ambiguïté, afin de détourner la lecture de l'oeuvre. Par le biais de projets critiques et d'archétypes religieux, j'amène à un questionnement, à une réflexion en superposant le vrai au faux et le faux au vrai. Cet exercice artistique sur l'Église et son patrimoine est développé à l'aide d'entrevues d'experts dans des domaines connexes à cette recherche et d'un approfondissement du sujet par les écrits anciens et actuels. Le sacré est un sujet amplement utilisé chez certains artistes d'aujourd'hui comme : Peter Fuss, Bert, Gregor Podgorski, Marc Quinn, Cosimo Cavallaro, Conrad Botes et le Québécois Jean-Marc Mathieu-Lajoie. Alors, on conviendra que le fait de participer au développement de nouvelles interprétations religieuses issues de la culture occidentale puisse m'intéresser grandement.

«La préparation d'une oeuvre consiste à se donner laborieusement la liberté de l'exécuter légèrement (Valéry, 1974:1016)». Réfléchissant sur la philosophie de la création, je place sous les projecteurs l'oeuvre à faire me permettant ainsi d'amener ma peinture vers l'avant, plus près du prochain millénaire. J'instaure de nouvelles données dans mon processus sous un désir de contrer la surconsommation de l'image, le marché et son pouvoir de même que la réception du regardeur. La tâche consiste à imaginer, à pressentir, à concevoir et à faire vivre l'?uvre à faire afin de l'amener vers sa finalité, l'exposition. Dans les nouvelles données, on pense au jeu d'alternance entre la photographie, la vidéo et la participation de l'autre à l'intérieur même de l'oeuvre peinte. L'oeuvre à faire ne porte plus le poids d'être mineure sous les lumières de la poïétique.

Ce mémoire de maîtrise en arts, volet enseignement et transmission, porte sur les conditions du jeu performatif en vue de son enseignement auprès d’un groupe d’adolescents québécois. Cette problématique émane d’un questionnement portant sur la fonction de l’enseignement des arts dans l’école québécoise en tant que vecteur de construction identitaire. Fonction qui, selon mes constats, est défaillante. Un outil d’enseignement à caractère pédago-didactique couronne cette recherche. Prenant la forme d’un recueil de propositions performatives à l’usage des responsables du développement des adolescents au moyen des arts, il a été développé à partir des conclusions tirées de cette recherche. Sous la forme pédagogique du jeu, elles sont construites à partir des caractéristiques communes de l’adolescence et de l’art performance. Ce mémoire est composé de quatre chapitres dont les titres émanent des concepts clés de la problématique soit l’adolescence, le jeu performatif et l’enseignement. Le dernier chapitre est consacré au recueil d’expériences performatives. L’intégration de ces trois concepts clés de la problématique à l’outil pédagogique final s’est harmonisée grâce à plusieurs expérimentations artistiques. Ce recueil de jeu performatif offre une conciliation des éléments caractéristiques majeurs à son enseignement auprès d’un groupe d’adolescents québécois.