Cette recherche-création jette un regard au niveau de la représentation religieuse contemporaine et ce qu'elle évoque encore de nos jours. Quel sens, et surtout quelle importance prennent le sacré et le profane dans les oeuvres d'art actuel ? Le développement par une archéologie d'un système signifiant relié au mythique en arts visuels me permet d'aborder l'iconographie religieuse de façon singulière, subjective et communicative dans mon processus de création. Ce qui était sacré autrefois au Québec ne l'est plus. Des artistes québécois ont su revendiquer leurs points de vue en 1948 par le manifeste artistique du Refus global. Désirant changer la mentalité de la société et la rigidité de la pensée, ces artistes contestataires ont provoqué des changements sociaux importants, comme la séparation de l'Église catholique et de l'État, ce qui a créé le Québec moderne. De cela découle le refus de l'autorité religieuse, ce qui a permis par la suite aux artistes de produire des oeuvres qui, à l'époque, auraient mal été admises. Mon travail se situe dans un mouvement d'art québécois en lien avec ce manifeste. Mes oeuvres ont comme objectif d'impliquer le spectateur-acteur dans une expérimentation privée. Ainsi, je veux charmer l'autre par une expérience esthétique, un échange physique et sensoriel. Je réalise des dispositifs, des installations et des projets picturaux qui détournent et invitent le participant à un jeu, une génuflexion, une prière, un signe de la croix... Une rencontre. Parfois, l'assemblage, le collage et la fusion d'images populaires (strates de culture) provenant des médias composent le champ pictural, d'autres fois, une installation qui présente la multiplication de statuettes sacrées transformées en objets utilitaires. Ce genre de proposition évoque encore des discours actuels tout en remémorant certains souvenirs. Je propose des projets qui utilisent des stéréotypes de l'art commercial et populaire afin de transposer un sujet qui est à la fois sacré et profane. Autrement dit, je produis dans l'intention de créer une ambiguïté, afin de détourner la lecture de l'oeuvre. Par le biais de projets critiques et d'archétypes religieux, j'amène à un questionnement, à une réflexion en superposant le vrai au faux et le faux au vrai. Cet exercice artistique sur l'Église et son patrimoine est développé à l'aide d'entrevues d'experts dans des domaines connexes à cette recherche et d'un approfondissement du sujet par les écrits anciens et actuels. Le sacré est un sujet amplement utilisé chez certains artistes d'aujourd'hui comme : Peter Fuss, Bert, Gregor Podgorski, Marc Quinn, Cosimo Cavallaro, Conrad Botes et le Québécois Jean-Marc Mathieu-Lajoie. Alors, on conviendra que le fait de participer au développement de nouvelles interprétations religieuses issues de la culture occidentale puisse m'intéresser grandement.

J'explore dans ce travail l'idée de rencontre en tant qu'artiste singulier : les rencontres réalisées dans le cadre d'ateliers scolaires ou d'un travail collectif et les rencontres qui impliquent la communauté dans une démarche artistique. De ces expériences, je tente de démontrer l'aspect favorable au développement de chacun des acteurs, et plus particulièrement de l'artiste, à savoir l'influence de ces rencontres sur le travail créateur. Le chemin que j'emprunte s'inspire du concept du rhizome développé par Gilles Deleuze et Félix Guattari dans Mille plateaux où plusieurs facteurs se rencontrent et se transforment. Ce concept génère multiples possibilités de développements, de connexions et d'apprentissages qui permettent aux artistes actuels d'ouvrir leur démarche à la relation avec autrui. Ce rapprochement entre l'art et la communauté se fait, selon Nicolas-Le Strat, dans la transaction, la négociation et l'interaction. Ces actions s'inscrivent dans la démarche de l'artiste. Afin de saisir l'élan de l'artiste vers les autres, je fais la synthèse du processus créateur tel que perçu par Didier Anzieu dans son livre Le corps de l'?uvre. Par la même occasion, je tente d'appliquer ce processus au travail collectif. Dans ma démarche artistique, je cherche, fabrique et photographie des objets qui sont le plus souvent ronds. Le cercle représente la matrice où la société prend forme, c'est aussi le cercle que symboliquement je trace autour de moi et qui me conduit à faire des rencontres afin d'explorer d'autres cercles. C'est donc basé sur mon propre travail artistique en installation et photographie que je décris mon cheminement et l'évolution de celui-ci par rapport aux rencontres afférentes. Je mets en place, par rapport à ma réalité, différents types d'actions à caractère artistique par lesquelles l'artiste peut forger son identité: les rencontres dans un cadre scolaire, les rencontres entre artistes professionnels, les rencontres liées à la communauté. J'avance dans ce travail que la rencontre à caractère artistique serait une synergie appliquée dans la démarche et qu'elle serait porteuse d'apprentissages et favoriserait la formation d'identité.

Cette recherche-création porte un éclairage poétique sur les articulations souterraines de ma pratique artistique. Le contenu de ce mémoire synthétise les diverses avenues qui traversent le projet EXCÉDEZ présentant des pièces multidisciplinaires ? peintures, infographies, dessins, vidéos et livre d'artiste ? installées de façon à écrire poétiquement l'espace. Née à partir d'une image-mère « Je suis une auto mais je n'ai pas de mobile », l'exposition, par le préfixe « auto », explore les correspondances et les limites des relations entre l'automobile et moi. Dans ce présent texte, je propose donc une rencontre entre l'auto-représentation et la voiture. Par cela, l'accident, le dépassement et la transportation sont des notions qui s'attachent à cette recherche-création. Divisé en trois chapitres, le texte présente mon travail pratique et il se retrouve explicité d'une façon fragmentée. Il est construit dans une dynamique, où la pratique traverse la théorie. La production de l'exposition ainsi que la méthode d'écriture de ce mémoire ont été réalisées dans un esprit de transversalité, ce qui m'invite à référer une même pièce pour expliciter une variété de notions. Mon travail artistique est un système inter relié. Le premier chapitre se consacre aux concepts d'auto-représentation et d'auto-engendrement, par lesquels sont explorées les notions de double et de transformation. Je réfléchis également à la correspondance entre la voiture et moi-même. J'explique par la suite comment ce travail de recherche-création fait le récit allégorique de l'épuisement. Dans un deuxième temps, il sera question des tensions contenues dans la passion. Ici, je fais un parallèle entre mon travail artistique et la catastrophe de la mort. Nous passerons ainsi, de l'infigurable mort à la défiguration, dans laquelle j'étudie l'importance du visage dans l'exposition EXCÉDEZ. À l'intérieur de ce chapitre, il sera question de la notion d'accident, d'abord dans le travail de la matérialité, ensuite dans le travail numérique. Au chapitre trois, je fais l'autopsie de l'esprit baroque en regard de ma pratique artistique. Il sera question de la recherche de relations, c'est-à-dire comment le préfixe tans passe à travers, marque le changement et exprime un « au-delà ». Je propose ainsi une recherche-création qui s'intéresse aux relations traversantes, par une écriture poétique et multidisciplinaire de l'espace, passant par l?auto-représentation et l'automobile.

«La préparation d'une oeuvre consiste à se donner laborieusement la liberté de l'exécuter légèrement (Valéry, 1974:1016)». Réfléchissant sur la philosophie de la création, je place sous les projecteurs l'oeuvre à faire me permettant ainsi d'amener ma peinture vers l'avant, plus près du prochain millénaire. J'instaure de nouvelles données dans mon processus sous un désir de contrer la surconsommation de l'image, le marché et son pouvoir de même que la réception du regardeur. La tâche consiste à imaginer, à pressentir, à concevoir et à faire vivre l'?uvre à faire afin de l'amener vers sa finalité, l'exposition. Dans les nouvelles données, on pense au jeu d'alternance entre la photographie, la vidéo et la participation de l'autre à l'intérieur même de l'oeuvre peinte. L'oeuvre à faire ne porte plus le poids d'être mineure sous les lumières de la poïétique.

Thèse (Ph.D.)--Université Laval, 2006. / Bibliogr.: f. 128-134. Publié aussi en version électronique dans la Collection Mémoires et thèses électroniques.

L'analyse ergonomique de l'activité adoptée ici pour analyser celle des professeurs d'arts plastiques (PAP) au collège se fonde clairement sur l'approche historico-culturelle (Vygotski, 1934/1997). Cette dernière avance notamment que l'expérience et son développement ne sont pas immédiatement accessibles par l'observation directe, mais à partir de “ traces” qu'il faut reconstruire, ce qui nécessite le recours à des “méthodes indirectes” (Vygotski, 1999 ; Clot, 2001). Le cadre méthodologique utilisé est la création d'un espace-temps particulier qui consiste en la mise en place d'un dispositif d' “autoconfrontations ” (Clot et Faïta) permettant de mettre au jour les zones d ‘ombre de l'activité professorale en arts plastiques : depuis l'interprétation individuelle et collective des prescriptions officielles, au travail du débutant et du conseiller pédagogique – de l'aménagement d'un milieu de travail pour les élèves, à la création d'outils professionnels. L'analyse ergonomique se fondant sur l'intervention en milieu de travail, notre recherche vise autant à produire des connaissances sur l'objet d'étude (l'activité de travail des PAP) que sur le processus de recherche provoquant, à la fois, le développement des situations et des individus en présence, (y compris le chercheur). Par la confrontation de façons individuelles et collectives de penser, de faire et de dire le métier de PAP, notre recherche croise la spécificité de la didactique des arts plastiques et le caractère générique du métier enseignant, questionnant par là-même les dispositifs de formation.

Depuis 2001, le Programme de formation de l’école québécoise impose l’enseignement de la compétence « apprécier » dans les quatre disciplines artistiques. Ce mémoire s’intéresse à l’influence que peuvent avoir des activités intégrant les arts plastiques à la musique sur l’expérience d’appréciation musicale d’élèves de sixième année du primaire. Plus spécifiquement, elle vise à rendre compte des différentes dimensions présentes dans la description que font les élèves de leur expérience d’appréciation ainsi qu’à comprendre de quelle façon les activités d’appréciation intégrant les arts plastiques à la musique affectent la verbalisation que font les élèves de cette expérience. La recherche prend la forme d’études de cas réalisées auprès de cinq élèves de sixième année du primaire. Ces élèves, ainsi que tous les élèves de leur classe, ont participé à une activité d’appréciation musicale intradisciplinaire ainsi qu’à deux activités d’appréciation interdisciplinaires. Après chacune des activités, ces cinq élèves ont été rencontrés individuellement. Au cours d’entrevues semi-dirigées, il leur était demandé de rendre compte de leur expérience d’appréciation. Quatre grandes tendances ont émergé de l’analyse des propos des élèves, soit le sentiment de mieux s’approprier l’œuvre entendue, une verbalisation plus précise des éléments perçus, une verbalisation plus précise des sentiments ressentis et enfin, une forme de distraction par rapport à l’œuvre entendue. Au terme de cette étude, il semble que l’utilisation d’activité d’appréciation intégrant les arts plastiques à la musique, sans faire l’objet d’un usage systématique, pourrait constituer une forme de différenciation pédagogique qui serait utile à certains types d’apprenants. / Since 2001, the Quebec school program states that an « appreciation » competency has to be taught within all four artistic school disciplines. This study describes the influence of activities integrating visual arts and music on the appreciation experience of 6th grade students. More specifically, this study aims to relate the different dimensions that can be found in the students’ verbal account of their appreciation experience and to show how the interdisciplinary activities affect their verbalization of these dimensions. Five case studies conducted with 6th grade elementary school students are presented. These five students, along with the other students in their class, have participated in one intradisciplinary activity and two interdisciplinary activities integrating visual arts and music. Following each activity, the students were met for semi-structured interviews in which they were asked to share their appreciation experience. Four tendencies have emerged from qualitative data analysis: a more insightful listening, a more accurate description of perceptual elements, a more accurate description of the student’s feelings and finally a form of distraction from the music. It appears that appreciation activities which integrate visual arts and music could be, if not a systematic approach, a way to differentiate teaching in a way that could be helpful to some types of learners.

Depuis 2001, le Programme de formation de l’école québécoise impose l’enseignement de la compétence « apprécier » dans les quatre disciplines artistiques. Ce mémoire s’intéresse à l’influence que peuvent avoir des activités intégrant les arts plastiques à la musique sur l’expérience d’appréciation musicale d’élèves de sixième année du primaire. Plus spécifiquement, elle vise à rendre compte des différentes dimensions présentes dans la description que font les élèves de leur expérience d’appréciation ainsi qu’à comprendre de quelle façon les activités d’appréciation intégrant les arts plastiques à la musique affectent la verbalisation que font les élèves de cette expérience. La recherche prend la forme d’études de cas réalisées auprès de cinq élèves de sixième année du primaire. Ces élèves, ainsi que tous les élèves de leur classe, ont participé à une activité d’appréciation musicale intradisciplinaire ainsi qu’à deux activités d’appréciation interdisciplinaires. Après chacune des activités, ces cinq élèves ont été rencontrés individuellement. Au cours d’entrevues semi-dirigées, il leur était demandé de rendre compte de leur expérience d’appréciation. Quatre grandes tendances ont émergé de l’analyse des propos des élèves, soit le sentiment de mieux s’approprier l’œuvre entendue, une verbalisation plus précise des éléments perçus, une verbalisation plus précise des sentiments ressentis et enfin, une forme de distraction par rapport à l’œuvre entendue. Au terme de cette étude, il semble que l’utilisation d’activité d’appréciation intégrant les arts plastiques à la musique, sans faire l’objet d’un usage systématique, pourrait constituer une forme de différenciation pédagogique qui serait utile à certains types d’apprenants. / Since 2001, the Quebec school program states that an « appreciation » competency has to be taught within all four artistic school disciplines. This study describes the influence of activities integrating visual arts and music on the appreciation experience of 6th grade students. More specifically, this study aims to relate the different dimensions that can be found in the students’ verbal account of their appreciation experience and to show how the interdisciplinary activities affect their verbalization of these dimensions. Five case studies conducted with 6th grade elementary school students are presented. These five students, along with the other students in their class, have participated in one intradisciplinary activity and two interdisciplinary activities integrating visual arts and music. Following each activity, the students were met for semi-structured interviews in which they were asked to share their appreciation experience. Four tendencies have emerged from qualitative data analysis: a more insightful listening, a more accurate description of perceptual elements, a more accurate description of the student’s feelings and finally a form of distraction from the music. It appears that appreciation activities which integrate visual arts and music could be, if not a systematic approach, a way to differentiate teaching in a way that could be helpful to some types of learners.

De tout temps, plusieurs groupes sociaux ont tenté de subordonner la question de l’art, des artistes et de leurs œuvres à des impératifs idéologiques et des valeurs propres à leur époque, reconfigurant ainsi la place sociale de l’art et sa portée symbolique. De nos jours, certaines idéologies travailleraient à inscrire la valeur des formes sociales de l’art, mais également du savoir et de la connaissance, à l’émergence d’une économie dite créative et de ses logiques de marché. Depuis la Commission d’enquête sur l’enseignement des arts et la publication du rapport Rioux en 1968, la constitutionnalité d’un rapport esthétique au monde se développe essentiellement dans un cadre scolaire. Par l’entremise d’une quinzaine d’entrevues auprès d’enseignants en arts plastiques (AP), notre mémoire vise à investiguer sous quelles modalités se construit un rapport esthétique au monde chez les élèves des écoles secondaires du Québec. Pour ce faire, nous nous sommes particulièrement intéressés aux modalités sociales de la configuration des savoirs artistiques dans le programme des AP et à leur transmission par l’établissement de relations pédagogiques entre l’enseignant et les élèves. L’analyse de nos résultats nous a permis de constater que malgré une explicitation égalitaire de la distribution d’une connaissance de l’art envers tous les élèves, les enseignants effectuaient une différenciation implicite des capacités esthétiques des élèves, modulant en ce sens leurs interventions en classe. Deux modèles pédagogiques fondés sur cette catégorisation des élèves par les enseignants ont été relevés : un modèle basé sur la performance et un autre sur la compétence, affectant le développement d’une valeur cognitive chez les élèves et l’élargissement de leur champ des possibles. Conséquemment, il pourrait être avantageux d’instituer le cours d’AP sous une valeur formative du plaisir par la création, rejoignant ainsi une valeur poétisante de l’art, au détriment de la survalorisation de la valeur sommative des apprentissages artistiques en vue du développement de la valeur scolaire des élèves et ultimement, de leur valeur économique. / At any time, several social groups have tried to enforce the question of art, artists and their works to ideological imperatives and values specific to their time, thus reconfiguring the art’s social place and symbolic significance. Nowadays, certain ideologies work to limit the value of the social forms of the art, but also of the knowledge, to the emergence of a so-called creative economy and its logic of the market. Since the Commission of inquiry on arts education and the publication of the Rioux report in 1968, the foundation of an aesthetic relationship to the world develops essentially in school. Using fifteen interviews with visual arts teachers, our work aims to investigate the ways in which an aesthetic relationship to the world is formed among students in Quebec high schools. To do so, we were particularly interested in the social modalities of the configuration of artistic knowledge in the visual arts program and in their transmission through the pedagogical relationships between the teacher and the students. Our analysis showed that despite an egalitarian description of the distribution of the knowledge of art towards all the students, the teachers carried out an implicit differentiation of the aesthetic capacities of the students, which modulated their interventions in class. Two pedagogical models, based on this categorization of students by teachers, were identified: a performance-based model and a competency-based model. These are affecting the development of cognitive value in students and the expansion of their range of social possibilities. Therefore, it could be beneficial to institute the visual arts course under the formative value of pleasure through creation, thus reaching a poetizing value of art. This would prevent the overvaluation of the summative value of the artistic learning of the student, of the development of their academic value and ultimately, of their economic value.