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Did Bach compose musical works? An evaluation of Goehr's watershed thesisDyck, John 08 September 2010 (has links)
This thesis evaluates Lydia Goehr’s claim that the musical work-concept did not regulate musical practice before the watershed date of 1800. In the first chapter, I evaluate Goehr’s arguments for this claim from historical musicology. I appeal both to recent secondary research sources in musicology, and to philosophical analysis.
The second and third chapters focus on philosophical aspects of Goehr’s watershed claim. In the second chapter, I focus on understanding Goehr’s claim that a regulative shift occurred during the watershed date—that is, a change in the norms of musical practice. I argue that this shift is properly understood as a shift in unconscious, rather than conscious, concepts about musical practice. In the third chapter, I consider the ontological implications of Goehr’s view; Goehr adopts a view according to which musical works do not exist. I show that the argument for this view is unsound.
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Did Bach compose musical works? An evaluation of Goehr's watershed thesisDyck, John 08 September 2010 (has links)
This thesis evaluates Lydia Goehr’s claim that the musical work-concept did not regulate musical practice before the watershed date of 1800. In the first chapter, I evaluate Goehr’s arguments for this claim from historical musicology. I appeal both to recent secondary research sources in musicology, and to philosophical analysis.
The second and third chapters focus on philosophical aspects of Goehr’s watershed claim. In the second chapter, I focus on understanding Goehr’s claim that a regulative shift occurred during the watershed date—that is, a change in the norms of musical practice. I argue that this shift is properly understood as a shift in unconscious, rather than conscious, concepts about musical practice. In the third chapter, I consider the ontological implications of Goehr’s view; Goehr adopts a view according to which musical works do not exist. I show that the argument for this view is unsound.
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Vibrações das singularidades culturais da Escola do choro / Vibrations of the Choro School cultural singularitiesMoura, Jorge Antonio Cardoso January 2017 (has links)
MOURA, Jorge Antonio Cardoso. Vibrações das singularidades culturais da Escola do choro. 2017. 282f. –Tese (Doutorado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Educação Brasileira, Fortaleza (CE), 2017. / Submitted by Gustavo Daher (gdaherufc@hotmail.com) on 2017-09-22T15:50:05Z
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Previous issue date: 2017 / This thesis proposes to study the process of formation and appropriation of the habitus of the musician of Choro from the unveiling of its potentialities as a Brazilian musical school. With the theoretical references of Historical Musicology and the concept of habitus, Field and Cultural Capitals of Pierre Bourdieu the research had as hypothesis the existence of a Brazilian School of Choro based on the habitus constructed by the formative trajectory of the musician of Choro and its interactions in the Field. The study of his habitus sought the unveiling for his understanding and recognition of the potentialities of Choro as a cultural product of a social class, its identity, multiplicity of meanings and its increasing diffusion. The lack of bibliographical sources as to the way (s) of touching it in Brazil and the limitations of its inclusion in formal education curricula motivated the adoption of qualitative research with an ethnographic approach to the collection of sources. The connections between Choro and Brazilian culture were studied making it visible for use as a foundation for Brazilian music education with its knowledges, its common stylistic aspects of performance, its repertoire, institutions, followers, productivity, technical characteristics, diffusion and consecration. Motivated by the professional activity of the author as a choro musician, teacher, composer and instrumentalist, in the testimonies of his agents and in the study of his musical culture, the research sought to identify its forms of transmission by the musical school of Choro and its meanings according to its context. Methodological procedures such as data collection strategies, with participant observation, questionnaire, semi-structured interview with Brazilian musicians, aspects of the author's experience in learning and teaching of crying, field notes, documentary analysis on recordings in LPs, CDs , cassette tapes, notes, newspaper news made possible the collection of data and with which, were worked in order to present the results later. / Esta tese se propõe estudar o processo de formação e apropriação do habitus do músico de Choro a partir do desvelamento de suas potencialidades como uma escola musical brasileira. Com os referenciais teóricos da Musicologia Histórica e do conceito de habitus, Campo e Capitais Culturais de Pierre Bourdieu a pesquisa teve como hipótese a existência de uma Escola Brasileira de Choro baseada no habitus construído pela trajetória formativa do músico de Choro e suas interações no Campo. O estudo de seu habitus buscou o desvelamento para a sua compreensão e reconhecimento das potencialidades do Choro como produto cultural de uma classe social, sua identidade, multiplicidade de significados e sua crescente difusão. A exiguidade de fontes bibliográficas quanto à(s) forma(s) de tocá-lo no Brasil e limitações quanto a sua inclusão nos currículos de ensino formal, motivou a adoção de pesquisa qualitativa com abordagem etnográfica para a coleta das fontes. As conexões entre o Choro e a cultura brasileira foram estudadas tornando-o visível para sua utilização como fundamento para a educação musical brasileira com seus saberes, seus aspectos estilísticos comuns de execução, seu repertório, instituições, seguidores, produtividade, características técnicas, instâncias de difusão e consagração. Motivada pela atividade profissional do autor enquanto músico de choro, professor, compositor e instrumentista, nos depoimentos de seus agentes e no estudo de sua cultura musical, a pesquisa buscou identificar suas formas de transmissão pela escola musical do Choro e seus significados de acordo com seu contexto. Procedimentos metodológicos como estratégias de coleta de dados, com a observação participante, o questionário, a entrevista semiestruturada a músicos brasileiros, aspectos da experiência do autor no aprendizado e ensino do choro, as notas de terreno, a análise documental sobre gravações em LPs, CDs, fitas-cassete, notas, notícias de jornal possibilitaram a coleta de dados e, com os quais, foram trabalhados no intuito de apresentar posteriormente os resultados levantados.
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Sacabuxa : a adaptação do musico atual ao instrumento de epoca / Sackbut : historical overview and reflection about the adaptation of the Modern Musician to the historical InstrumentsSantos, Rodrigo Alexandre Soares, 1983- 14 August 2018 (has links)
Orientador: Helena Jank / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-14T11:47:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2009 / Resumo: Esta dissertação é o resultado de dois anos de experimentações com sacabuxa. O objetivo deste trabalho é de compartilhar informações sobre a história e principalmente sobre a prática do sacabuxa e do trombone. As informações históricas foram extraídas de fontes bibliográficas atuais sobre a história do trombone e de documentos de época, como os tratados escritos por Michael Praetorius (1571 - 1621), Marin Mersenne (1588 - 1648) e Daniel Speer (1636-1707). A pesquisa histórica permite visualizar o desenvolvimento da construção dos instrumentos de metal desde o trompete reto romano até o sacabuxa. A comparação entre o sacabuxa e o trombone abrange aspectos da construção, tais como a campana e barras transversais de estabilização, facilitando também a compreensão de aspectos da performance. O trabalho se encerra com um relato do autor sobre a sua experiência com uma réplica de sacabuxa e com uma análise das manifestações de profissionais que atuam igualmente na prática do sacabuxa e do trombone, em resposta a um questionário elaborado para fornecer subsídios à pesquisa em questão. / Abstract: This dissertation is the result of two years of experiments with sackbut. The goal is to share information on the history and especially about the practice of the sackbut and the trombone. The historical information was extracted from current literature sources on the history of the trombone and documents of the time, such as the treatises written by Michael Praetorius (1571-1621), Marin Mersenne (1588 - 1648) and Daniel Speer (1636-1707). This research allows the reader to view historical development of the construction of brass instruments from the straight Roman trumpet to the sackbut. The comparison between the sackbut and the trombone covers aspects of construction such as bell and the stays, also facilitating the understanding of aspects of performance. The work concludes with an account of the author about his personal experience with a replica of the sackbut and an analysis of opinions of professionals that perform both on the sackbut and trombone in response to a prepared questionnaire to provide data and subsidies to this overall research. / Mestrado / Musica / Mestre em Música
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Vibrations of the Choro School Cultural Singularities / VibraÃÃes das singularidades culturais da Escola do choroJorge Antonio Cardoso Moura 06 September 2017 (has links)
This is a methodology of the process of training and appropriation of the Choro musician's Habitus from the inauguration of his potential as a Brazilian musical school. With the theoretical references of Music and History of the concept of Habitus, Field and Culture Capitals of Pierre Bourdieu, research with hypothesis of existence of the Brazilian School of Choro, without habit built by the formative trajectory of the musician of Choro and its Non-Field Interactions. The study of its Habitus, its development, understanding and recognition of the potentialities of Choro as a cultural product of a social class, its identity, multiplicity of meanings and its increasing diffusion. The lack of bibliographic sources on how to touch it in Brazil and the limitations of its inclusion in formal education curricula, promote a qualitative research approach with a basic approach to a collection of sources. The connections between Choro and Brazilian culture are studied with the intention of making it visible for use as a basis for Brazilian musical education with its knowledge, its common physical aspects of performance, its repertoire, institutions, followers, diffusion and consecration. Motivated by the class, as a composer and instrumentalist, in the testimonies of its agents and in the study of its musical culture, the research seeks to identify its forms of transmission through the teaching and musical learning of Choro and its meanings according to its context. Methodological procedures, such as data collection strategy, participatory observation, questionnaire, semi-structured interview and Brazilian musicians, such as analysis of documentation on LPs, CDs, cassettes, notes, newspaper news will allow the collection of data and Which they are worked on without intention of later presentation of the results raised. / Esta tese propÃe estudar o processo de formaÃÃo e apropriaÃÃo do habitus do mÃsico de Choro a partir do desvelamento de suas potencialidades como uma escola musical brasileira. Com os referenciais teÃricos da Musicologia HistÃrica e do conceito de habitus, Campo e Capitais Culturais de Pierre Bourdieu a pesquisa tem como hipÃtese a existÃncia de uma Escola Brasileira de Choro baseada no habitus construÃdo pela trajetÃria formativa do mÃsico de Choro e suas interaÃÃes no Campo. O estudo de seu habitus buscarà o desvelamento para a sua compreensÃo e reconhecimento das potencialidades do Choro como produto cultural de uma classe social, sua identidade, multiplicidade de significados e sua crescente difusÃo. A exiguidade de fontes bibliogrÃficas quanto Ã(s) forma(s) de tocÃ-lo no Brasil e limitaÃÃes quanto a sua inclusÃo nos currÃculos de ensino formal, motivou a adoÃÃo de pesquisa qualitativa com abordagem etnogrÃfica para a coleta das fontes. As conexÃes entre o Choro e a cultura brasileira serÃo estudadas com o intuito de tornÃ-lo visÃvel para sua utilizaÃÃo como fundamento para a educaÃÃo musical brasileira com seus saberes, seus aspectos estilÃsticos comuns de execuÃÃo, seu repertÃrio, instituiÃÃes, seguidores, produtividade, caracterÃsticas tÃcnicas, instÃncias de difusÃo e consagraÃÃo. Motivada pela atividade profissional do autor enquanto mÃsico de choro, professor, compositor e instrumentista, nos depoimentos de seus agentes e no estudo de sua cultura musical, a pesquisa busca identificar suas formas de transmissÃo pelo ensino e aprendizado musical do Choro e seus significados de acordo com seu contexto. Procedimentos metodolÃgicos como estratÃgias de coleta de dados, com a observaÃÃo participante, o questionÃrio, a entrevista semiestruturada a mÃsicos brasileiros, aspectos da experiÃncia do autor no aprendizado e ensino do choro, as notas de terreno, a anÃlise documental sobre gravaÃÃes em LPs, CDs, fitas-cassete, notas, notÃcias de jornal possibilitarÃo a coleta de dados e com os quais serÃo trabalhados no intuito de apresentar posteriormente os resultados levantados.
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Um repertorio real e imperial para os clarins : resgate para a historia do trompete no Brasil / A royal and imperial repertoire for the clarins : a retrieval for the history of the trumpet in BrazilRolfini, Ulisses Santos 14 August 2018 (has links)
Orientador: Edmundo Pacheco Hora / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto Artes / Made available in DSpace on 2018-08-14T15:54:33Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2009 / Resumo: Esta dissertação tem como tema principal a presença do Clarim no Brasil e enfatiza a utilização deste instrumento musical na Capela Real e Imperial do Rio de Janeiro no início do século XIX. De acordo com nossas pesquisas, clarim foi um dos nomes utilizados no decorrer da história brasileira para se referir ao trompete natural. Neste trabalho apresentamos as informações mais antigas, encontradas até o presente momento, que possuem ligação com o trompete em território nacional, ou seja, coletamos dados referentes ao período que corresponde desde a "descoberta do país" até o início da utilização do trompete cromático, ocorrida aproximadamente em meados do século em questão. Inicialmente, demonstramos uma contextualização histórica sobre o trompete de uma maneira geral, destacando aspectos como suas possíveis origens e seu desenvolvimento até a introdução das válvulas, além de evidenciar dados recentes sobre a pesquisa de reconstrução dos trompetes históricos empregados na prática musical historicamente orientada. Em seguida, relacionamos os primeiros povos que tiveram vínculo de qualquer natureza com o trompete natural já em território pertencente ao Brasil, ressaltando ainda o uso deste instrumento na região Nordeste, em Minas Gerais e, sobremaneira, no Rio de Janeiro do século XIX, mais especificamente na Capela Real e Imperial. Acerca desta época, na qual a corte portuguesa chegou ao continente americano, abordamos assuntos como: o reflexo da prática musical européia em nosso país; o repertório interpretado pelo clarim e possibilidades interpretativas para o mesmo - exemplificado por partituras manuscritas pertencentes ao Acervo do Cabido Metropolitano do Rio de Janeiro dentre outros documentos -; além de organizar, por meio de bibliografia condizente ao tema, informações biográficas de intérpretes de trompete que atuaram na Capela ou mesmo no Rio de Janeiro durante este século. / Abstract: This dissertation has as its main theme the presence of the "Clarim" in Brazil and it uses as a musical instrument in the Royal and Imperial Chapel of Rio de Janeiro in the beginning of the nineteenth century. According to our research, in the course of Brazilian history "clarim" was one of the names used to refer to the natural trumpet. In this work mention is made to extant information available on the presence of the trumpet in this country; data has been collected on its use from the earliest days of the nation to the middle of the 19thcentury which coincides with the appearance and use of the chromatic trumpet by the introduction of valves. Initially we demonstrate the historical contextualization of this instrument in a general way, investigating aspects about its possible origins and development to the time of the introduction of valves; research is also included on the reconstruction of the historical trumpet and its use in modern day performances. We have also investigated the earliest ethnic groups in this country that may have had involvement with the natural trumpet with special attention to its use in the Northeastern region and in the State of Minas Gerais, but most especially in the Royal and Imperial Chapel of Rio de Janeiro in the early Nineteenth Century. At this time upon the arrival of the Portuguese Court to the South American continent, questions are raised on subjects such as the influence and reflection of European musical practice of the time in Brazil; repertoire and performance possibilities of the clarim as exemplified by musical manuscripts belonging to the "Acervo do Cabido Metropolitano" of Rio de Janeiro. A thematic bibliography and biographical information on trumpet players active in the Chapel or in the city of Rio de Janeiro during the nineteenth century is also provided. / Mestrado / Praticas Interpretativas / Mestre em Música
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O violino violado : rabeca, hibridismo e desvio do metodo nas praticas interpretativas contemporaneas : tradição e inovação em Jose Eduardo Gramani / A fiddle forgotten : Jose Eduardo Gramani and the revival of the Brazilian rabeca : postmodernism and performance practiceFiammenghi, Luiz Henrique 12 May 2008 (has links)
Orientador: Esdras Rodrigues Silva / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-12T09:27:34Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2008 / Resumo: Este trabalho aborda as mudanças de parâmetros interpretativos no âmbito musical ocorridas a partir da segunda metade do séc. XX. Toma como exemplo e reflexo destas mudanças, a obra de José Eduardo Gramani e suas pesquisas sobre a rabeca brasileira e o movimento de interpretação histórica da música antiga. Tem como ponto de referência o ensaio Em defesa de Bach contra seus admiradores de Theodor Adorno (1951), que discute o papel do intérprete contemporâneo face à música escrita no passado, em especial a de J. S. Bach, e a questão da autenticidade e do historicismo. A presente tese toma este ensaio do filósofo de Frankfurt como um ponto divisor, de onde pode-se vislumbrar as mudanças ocorridas no âmbito da interpretação musical dentro do que se convencionou chamar de pós-modernismo.
Partindo do pressuposto da visão do intérprete musical, na qual incluo minha própria experiência enquanto intérprete do violino barroco e das rabecas brasileiras, bem como minha relação profissional direta com o músico José E. Gramani, analiso as mudanças do eixo que oscila entre subjetividade e objetividade na interpretação da obra musical, e que implicam decididamente na relevância do papel do intérprete como intermediário entre a obra musical e o ouvinte - de um lado o campo poiético, representado pela cultura do autor e do texto, e de outro o estésico, que considera a performance de uma obra como o resultado da colaboração entre o compositor e seus intérpretes, conforme sustenta o semiólogo Jean-Jacques Nattiez (2005). Ao abordar os princípios encampados por músicos alinhados com a musicologia aplicada, ou seja, que recuperaram a prática de música antiga em instrumentos de época, utilizo como porta-voz o músico, regente e pesquisador Nikolaus Harnoncourt que, a partir do início da década de 50, direcionou seus esforços para uma abordagem fenomenológica da interpretação musical, onde a praxis procura um equilíbrio em relação a theoria.
A incômoda pergunta - porque instrumentos históricos? - implícita na crítica contida no ensaio de Adorno aos puristas, subsiste também de forma latente no questionamento da retomada de interesse pela cultura popular e seus agentes, nesse caso representado pelas rabecas brasileiras. Como resposta, analiso os processos que permitiram a esses instrumentos emergirem e redefinirem os seus estatutos dentro do contexto da cultura hegemônica de matriz erudita, não como indícios de uma nova onda nacionalista, aos moldes do espírito romântico de busca do puro e das origens, mas como renovação da linguagem erudita contemporânea, espelhando-se na criação literária de Guimarães Rosa. Procura-se definir de que forma a crise de centralidade característica do pós-modernismo e a questão do hibridismo e da autonomização de elementos da cultura popular, representados pela rabeca, foram musicalmente colocados na obra de José Eduardo Gramani, e de que forma seu interesse pelas rabecas é também tributário de seu enfoque inovador no ensino de rítmica e reflexo das mudanças nas práticas performáticas musicais ocorridas nas últimas décadas do séc. XX. / Abstract: This study examines changes in ways of performing music that took place in the second half of the 20th century. As an example and reflection of these changes, it takes the opus of José Eduardo Gramani and his research on the Brazilian rabeca and the context of "historically informed performance" (HIP). My point of reference is Adorno's essay 'Bach Defended against his Admirers' (1951), which discusses the role of contemporary performers in relation to music written in the past, particularly Bach's, and the question of
authenticity and historicism. This thesis takes the Frankfurt philosopher's argument as a
watershed for showing the changes in musical interpretation posed by what is conventionally called post-modernism. Based on the point of view of the musical performer, including my own experience playing Baroque violin and Brazilian rabecas, and my professional relationship with the musician José E. Gramani, I set out to analyze these changes on an axis that fluctuates between subjectivity and objectivity in rendering musical works, one which points to the key role of performers as intermediaries between listener and musical work - poietis represented by the culture of author and text, and esthesis examining the performance of a work as the outcome of collaboration between composer and performers, as posed by the semiotician Jean-Jacques Nattiez (2005). To look at the principles posed by musicians aligned with applied musicology, meaning those playing early music on period instruments, I have used the emblematic figure of Nikolaus Harnoncourt, the musician, conductor and researcher who strove to develop a phenomenological approach to playing music in the early 1950s, in which praxis is balanced by theory. The disturbing question - why historical instruments? - raised by Adorno's essay and its critique of purists is also latent in the questioning of renewed interest in popular culture and its agents, in this case Brazilian rabecas. As a response, I analyze the processes leading to the emergence of these instruments and redefine their status within the context of the hegemonic culture of the classical matrix, not as signs of a new wave of national consciousness on the lines of the Romantic spirit's pursuit of purity and origins, but as a renewal of contemporary classical language, as in the literary work of Guimarães Rosa. The study looks at the way in which the crisis of centrality characteristic of post-modernism and the question of hybridism and autonomization of elements of popular culture, represented by the rabeca, were posed musically in the work of José Eduardo Gramani, and how his interest in rabecas also derived from his innovative focus on teaching rhythm while reflecting the changes in musical performance practices that occurred in the late 20th century. / Doutorado / Praticas Interpretativas / Doutor em Música
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To Speak - To Listen: To Write - To Read: To Sing:The Interplay of Orality and Literacy in Hebrew Torah CantillationOwen, Beth E. January 2021 (has links)
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Cravo Caboclo : uma reflexão sobre o cravo e sua abordagem na música brasileira popular - dois estudos de caso / "Caboclo" Harpsichord : a reflection about the harpsichord and its approach by the popular brazilian music - two instance studiesGatti, Patricia, 1961- 25 August 2018 (has links)
Orientador: Edmundo Pacheco Hora / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-25T11:49:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2014 / Resumo: O presente estudo propõe um olhar diferenciado sobre o cravo que busca ir além de sua identificação, do ponto de vista organológico e de repertório, exclusivamente com um projeto da música erudita europeia. A partir de uma reconstrução do percurso histórico do instrumento ¿ no que diz respeito aos seus aspectos construtivos, repertório ou na prática interpretativa ¿ traçam-se considerações sobre os vários debates estéticos acerca da sua adoção, a questão da autenticidade, que remete a critérios de fidelidade e legitimidade do instrumento e da sua flexibilização. Numa segunda linha de abordagem histórica do percurso do instrumento, busca-se refazer a trajetória da inserção do cravo no Brasil, com destaque em São Paulo e Campinas, a partir das referências do período colonial, das décadas de 1950 a 1970, até a formação do primeiro curso superior de cravo na Universidade Estadual de Campinas. Nesse trajeto desenhado interviram diversidade de concepções relacionadas a hábitos culturais e exigências de gostos musicais, conduzindo-se uma leitura menos restritiva dos usos do cravo ou "cravos". Dialogando com o panorama de diversidade de práticas musicais, evidencia-se a presença sutil, mas significativa do cravo em manifestações musicais modernas da cultura pop, tais como Rock, Jovem Guarda e Tropicalismo, entre outras. O estudo também aborda repertórios da atualidade, escrito para o cravo em linguagem da música brasileira de fonte popular. Por meio de dois estudos de caso, apresenta leitura analítica de peças escritas para dueto instrumental com cravo dos compositores: José Eduardo Gramani (1944-1998), que escreveu quarenta e sete peças para "cravo e rabeca", e Ricardo Matsuda (n. 1965), que compôs doze peças para "cravo e viola caipira". Buscou-se o referencial da Teoria das Tópicas, como ferramenta analítica proposta a partir do material musical usado, obtendo-se a caracterização do discurso musical para compreensão da musicalidade brasileira. O enfoque analítico orienta não só os leitores a compreenderem os mecanismos estruturais e traços significativos de peças selecionadas, mas também promovem uma possível escuta informada e um diálogo com dois autores que deixam registros musicais criativos e expressivos para o cravo, em sons com tempero e atmosfera de brasilidade / Abstract: The present study proposes a differentiated look at the harpsichord which seeks beyond its identification, from the organological and repertoire¿s viewpoint, solely with a European "soft music" project. From a reconstruction of the instrument¿s historical course ¿ regarding its constructive, repertoire and practice aspects ¿ considerations are traced about the many aesthetical debates over its adoption and authenticity, referring to accuracy and legitimacy criteria of the harpsichord and its pliancy. In a second historical approach to the instrument¿s course, the study aims to reconstruct the trajectory of its Brazilian insertion highlighting São Paulo and Campinas, from references from the Colonial period, of the 1950¿s to 70¿s, until the formation of the first higher education course in harpsichord at the Universidade Estadual de Campinas (State University of Campinas). Over that course of events, intervened a variety of conceptions related to cultural manners and demands of musical tastes, with a much less restrictive reading of the uses of harpsichord, or "harpsichords", being conducted. Dialoguing with the diverse panorama of musical practices, the study evidences the subtle, but significant presence of the harpsichord in modern pop culture music manifestations, such as Rock, Jovem Guarda, Tropicalismo, among others. It also approaches current repertoire written for harpsichord in the language of Brazilian popular-sourced music. Through two instance studies, it presents analytical readings of compositions for instrumental duets with harpsichord from composers José Eduardo Gramani (1944-1998), who wrote forty seven works for harpsichord and Brazilian fiddle, and Ricardo Matsuda (b. 1965), who composed twelve works for harpsichord and Brazilian ten-stringed guitar. The Topic Theory¿s referential was sought as the proposed analytical tool for the musical material utilized, obtaining the characterization of the musical speech as to comprehend Brazilian musicality. Such foci of analysis guide not only the readers as to comprehend the structural mechanisms and significant features of selected works, but also does promote an informed listening and a dialogue with the two authors, which leave creative and expressive musical records for the harpsichord, in sounds with particular Brazilian temper and atmosphere / Doutorado / Praticas Interpretativas / Doutora em Música
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Frei Bernardino Bortolotti (1896-1966) e a cena musical em Lages: uma contribuição para a historiografia da música na Serra CatarinenseBatista, Andrey Garcia 15 September 2009 (has links)
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Previous issue date: 2009-09-15 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Friar Bernardino Bortolotti (1896-1966) was a Franciscan priest who lived for about three decades in Lages, state of Santa Catarina, Brazil, working as a musician, conductor
and composer. The friar worked locally in the ecclesiastical administration and in the Catholic press, acting at the same time in sacred musical practice as a composer and choir director. By the time of his arrival, in the end of the 1930 decade, there was a busy artistic-musical scene in the city, to which the friar maintained certain degree of relationship. Linked to his religious path, the musical formation of the friar developed during the validity of Motu Proprio Tra Le Sollicitudini (code of musical laws written by the Pope Pius X in 1903); beyond this, his music was also influenced by composers of the cecilian movement. In Friar Bernardino Bortolotti s musical work, pieces for 4-voice choir prevail. During the years that he lived in Lages, his activities (as a priest, musician, Catholic journalist or ecclesiastical leader) put Friar Bernardino in a particular position of centrality which granted him a role of mediation among several different social groups / Frei Bernardino Bortolotti (1896-1966), padre franciscano nascido em Descalvado (SP), foi músico, regente e compositor, e residiu por aproximadamente três décadas em
Lages, região do Planalto Serrano, em Santa Catarina. O frei trabalhou na administração eclesiástica e na imprensa católica, atuando, paralelamente, na prática musical sacra
como compositor e regente. À época de sua chegada, no final da década de 1930, a cidade possuía uma movimentada cena artístico-musical, com a qual o frei mantinha certo grau de relação; os registros documentais deste cenário estão nos vários acervos ainda presentes na cidade. Vinculada à sua trajetória religiosa, a formação musical do frei Bernardino se desenvolveu durante a vigência do Motu Proprio Tra Le Sollicitudini (código de leis escrito pelo papa Pio X, em 1903, que versava sobre os parâmetros a serem adotados para prática musical sacra), além de ter sofrido influência dos preceitos defendidos pelo chamado movimento cecilianista, surgido na Europa, no século XIX, que preconizava uma reforma da música católica. Na sua obra musical predominam as peças para coro a cappella, a quatro vozes mistas. Durante os anos em que viveu em Lages, a sua atuação, seja como sacerdote, músico, jornalista ou líder eclesiástico, colocou o frei Bernardino numa singular posição de centralidade, e lhe conferia um papel social de mediação entre diferentes grupos sociais
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