Ce mémoire tente de répondre à la question suivante : est-ce que le concept d'industrie culturelle (Kulturindustrie) mis de l'avant dans le chapitre « La production industrielle de biens culturels » de La dialectique de la Raison, est valide aujourd'hui ? Adorno et Horkheimer élaborent le concept afin de mettre en lumière l'échec de la culture dans la formation (Bildung) des subjectivités. La thèse des deux auteurs selon laquelle « la [Kultur] actuelle confère à tout un air de ressemblance » souligne la tendance propre à la société capitaliste à réduire tout à une forme d'équivalence marchande. En effet -- et c'est le constat de l'École de Francfort --, les promesses d'émancipations de l'humanité propres à l'Aufklärung se révèlent être une extension de la domination à laquelle elle tentait d'échapper. Ce processus concerne autant la marchandisation de la culture que la réduction des sujets au rang de consommateurs. Tout d'abord, ce mémoire montre comment l'art subit un processus de fétichisation qui le transforme en objet de consommation de masse. En partant de ses origines cultuelles, nous retraçons l'évolution de l'œuvre d'art jusqu'à l'apparition de sa valeur d'exposition. À l'aide des travaux de Walter Benjamin, nous constatons que l'art a évolué en même temps que le développement des techniques de production et, surtout, de reproduction. Cependant, selon Adorno le perfectionnement des techniques de reproduction participe à la marchandisation de l'art et, par extension, à l'aliénation des masses. En effet, la reproductibilité technique s'accompagne d'une intensification de la production, dans laquelle les biens culturels sont produits dans le but, non pas d'être vus, mais d'être consommés. Le concept de fétichisme de la marchandise, introduit par Marx, nous est utile pour illustrer comment les objets culturels se transforment en marchandises, à la suite de la disparition du caractère auratique. Ensuite, ce mémoire explore le XIIe chant de l'Odyssée afin d'y dégager le paradigme à travers lequel examiner le rapport de l'industrie culturelle à la formation des subjectivités. La présentation de l'épopée comme prolongement et émancipation du mythe renseigne sur la nature et la fonction ambiguës de l'art. D'une part, nous nous penchons sur le rapport entre Ulysse et ses compagnons. La division du travail sur le navire a pour but d'exempter le héros du travail manuel et lui permettre de jouir du chant sans tomber entre les mains des Sirènes. Cette division préfigure la séparation entre le plaisir et le travail, de même que l'attitude des masses face à l'industrie culturelle. D'autre part, nous examinons le rapport entre Ulysse et les Sirènes. L'autonomie que conserve le héros face au chant est purement abstraite et relève d'un esprit sans corps. Adorno et Horkheimer voient dans l'attitude contemplative du héros face au chant la séparation entre l'art et la pratique. Les deux auteurs font un parallèle entre l'attitude contemplative du héros et la passivité des masses dans l'industrie culturelle. Pour terminer, ce mémoire examine comment l'industrie culturelle affecte l'imagination des individus, en rationalisant et standardisant le temps libre. Les films de superhéros, par exemple, sont des produits de l'industrie culturelle qui perpétuent le statu quo et endorment l'imagination, renforçant ainsi la domination sociale.

Thèse (M.A.)--Université Laval, 2006. / Bibliogr.: f. 93-100. Publié aussi en version électronique.

Depuis les années 2000, l’émergence de nouveaux acteurs issus des industries de lacommunication a été suivie de profonds bouleversements au sein des industries de la musique. L’hypothèse développée dans cette recherche suggère que, par l’intermédiaire d’un mouvement d’influence réciproque des musiciens et des acteurs de la musique, s’opère un déplacement vers la création du centre de gravité de l'industrialisation de la musique. L’adaptation des logiques socioéconomiques des musiciens, en phase avec les stratégies industrielles des acteurs de l’intermédiation numérique, indique la montée en importance des dimensions de rationalisation et d’idéologisation au sein des mondes de la musique. La démarche méthodologique adoptée s’appuie sur une analyse des discours et des pratiques socio-économiques des musiciens, au moyen d’une série d’entretiens semi-directifs réalisés en France et au Royaume-Uni. Les résultats de ces analyses mettent notamment en lumière chez les « musiciens connectés » étudiés, la disparité des pratiques, des compétences et des représentations à l’égard des activités de diffusion et de communication sur internet. Les disparités de ces pratiques font alors ressortir les enjeux relatifs à la construction de la figure contemporaine du musicien. Mots-clés : théories des industries culturelles, industries de la musique, industries de la communication, internet, Web 2.0, genres musicaux, pratiques communicationnelles, compétences, représentations sociales, rock, musiques électroniques, France, Royaume-Uni. / Since the 2000s and the emergence of new players from the communication industries, profound changes have occurred within the music industry. The hypothesis developed in this research suggests that, following a movement of mutual influence between musicians and economic players, there has been a shift in emphasis towards the industrialization of music, which is now concerning the creation itself. The adaptation of the musicians’ socio-economic logics, in line with the industrial strategies of the actors of the digital world, indicates the growing importance of rationalization and ideologization in the music worlds. The methodological approach is based on the analysis of discourses and socio-economic practices of musicians, using semi-structured interviews made in France and the United Kingdom. The results of these analyses highlights the the great disparity of the practices, skills and representations of these ‘connected musicians’, with regard to dissemination and communication activities on the internet. These practices’ disparities outlines the issues relating to the construction of the musician’s contemporary figure.

No description available.

Dans ce mémoire, nous nous intéressons aux phases de l'existence de Croc, un magazine québécois à teneur humoristique dont la publication s'est étendue de 1979 à 1995. Nous y procédons à une mise en perspective historique et socioéconomique de sa gestation et de son évolution, puis détaillons les structures administrative et éditoriale de Ludcom, l'entreprise qui en présidait les destinées. Nous tentons par la suite d'expliquer à la lumière de la théorie des industries culturelles les raisons de l'échec de la plupart des stratégies de croissance déployées par ses dirigeants, stratégies qui ont ultimement mené à sa fermeture dans le contexte de conditions structurantes défavorables malgré qu'elles présentaient toutes les apparences du contraire. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Croc, Safarir, Ludcom, Québec, Canada, Magazines québécois, Humour québécois, Industrialisation du comique, Industries culturelles québécoises, Entreprises culturelles québécoises.

L'intégration de publics au sein de productions culturelles s'observe dans plusieurs sphères, notamment musicale (street teams, fan-clubs), des jeux vidéo (plateformes collaboratives) et de la télévision (télé-réalité, jeux télévisés). Certaines de leurs productions offrent des espaces à investir par des publics afin qu'ils puissent participer à la création de contenu. Pour ce faire, elles interpellent différents publics; un d'eux se distingue par le fait qu'il soit actif et doté de compétences spécifiques : le public de fans. Dans ce mémoire, nous avons procédé à une étude de cas à propos de l'émission On connaît la chanson. Nous nous sommes plus particulièrement intéressés à la manière dont elle intègre un public de fans dans la définition de ses contenus, questionnant par le fait même la place de cette contribution et les bénéfices qui en sont retirés, à la fois par ces contributeurs et par l'équipe de production. Nous avons tout d'abord dressé un portrait global de l'objet d'étude, en mobilisant des théories communicationnelles et sociologiques. Nous avons ensuite dégagé une figure nous permettant de renouveler l'étude de l'intégration d'un public de fans au sein de productions culturelles : le fan agissant à titre de main-d'œuvre. Nous avons ensuite élaboré un cadre conceptuel dans lequel nous avons mobilisé deux concepts liés au travail pouvant être effectué par ce public : le fan labor et la coproduction collaborative. Ces derniers sont respectivement liés aux recherches sur les fans studies ainsi qu'à la sociologie du travail et aux approches socio-marketing portant sur la participation du consommateur. Cela nous a permis d'émettre une hypothèse exploratoire de recherche : le rapport entre les concurrents-fans et l'équipe de production peut s'avérer conflictuel en raison de leurs conceptions différenciées de la pat1icipation, basée sur la place et la reconnaissance du travail immatériel. Une recherche qualitative a été menée par le biais d'observations issues du visionnement des émissions de la première saison (n=12) et réalisées en studio lors d'enregistrements (n=2), de même que d'entrevues effectuées auprès du producteur et de cinq concurrents ayant participé à l'émission (n=6). Les résultats obtenus sont toutefois venus infirmer notre hypothèse. Principalement parce que l'équipe de production procède à un mode d'organisation du travail satisfaisant pour les deux parties, découlant du fait qu'elle démontre une compréhension du mode de fonctionnement et de sociabilité des concurrents, le rapport avec ces derniers ne s'avère pas conflictuel, mais compatible. Nous avons également relevé que, même si certains concurrents déploient un discours négatif relativement à différentes facettes de leur expérience, aucun d'eux n'est prêt à utiliser les mots « travail » et « main-d'œuvre », ni à envisager leur participation comme de l'exploitation ou de l'abus de la part des producteurs. À l'inverse, les concurrents parlent plutôt de « déception » et relèvent que les producteurs semblent avoir fait preuve d'injustice à leur égard. Rappelons également que ce travail nous a permis de confirmer que l'émission On connaît la chanson met bel et bien en scène des fans de musique; mobiliser les fan studies pour mieux comprendre notre étude de cas est donc approprié. L'importance de l'expérience vécue, influencée par la sélection de chansons et le montant d'argent remporté, de même que le manque de lucidité dont font preuve les concurrents relativement aux retombées financières pouvant être générées par leur participation à l'émission, sont également des éléments de conclusion intéressants et non négligeables. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Fans, industries culturelles, télévision, travail, main-d'œuvre.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

L’actualité socio-économique montre la forte importance qu’ont pris les termes « entrepreneuriat » ou « startup » dans les discours politiques et économiques. Sous l’impulsion des politiques publiques dans le cadre d’une idéologie de la « révolution entrepreneuriale », l’environnement financier dans lequel se développent les jeunes entreprises évolue. Basées sur un travail de terrain mené auprès de jeunes entreprises des TIC et s’inspirant particulièrement des travaux menés sur les industries culturelles en sciences de l’information et de la communication, ces recherches questionnent l'évolution et les enjeux des politiques publiques françaises en matière de soutien aux jeunes entreprises. Grâce à l’étude des différents dispositifs de soutien et de leur mise en complémentarité, nous montrons, dans la première partie, la place centrale que prend la sphère financière dans les conditions d’émergence des jeunes entreprises, avec un soutien réglementaire et financier majeur apporté par les politiques publiques. En nous appuyant sur les travaux menés sur la financiarisation des grandes entreprises, nous montrons que les mouvements de concentration touchent aussi les jeunes entreprises. Bien qu’il y ait des éléments de cohérence entre la financiarisation des grandes entreprises et le phénomène que nous mettons en lumière, ceux-ci se distinguent par le recours aux récits organisationnels comme facteurs d’objectivation. En étudiant la filière du jeu vidéo mobile et plus particulièrement une entreprise que nous avons accompagnée dans différentes campagnes de levée de fonds entre 2012 et 2015, la seconde partie de ce travail de thèse questionne l’impact de cette financiarisation sur le fonctionnement des jeunes entreprises. Nous mettons en lumière comment le recours à la sphère financière et la prédominance de l’idéologie de la valeur actionnariale pèse sur les stratégies des entreprises. Ainsi la financiarisation contraint les jeunes entreprises à l’adoption de modes de développement spécifiques et accentue les tendances industrialisantes. Les impacts de la financiarisation sur les jeunes entreprises semblent enfin dessiner les traits d’un idéal-type de la jeune entreprise financiarisée, une conception idéologisée de l’entreprise : la startup. / The socio-economic actuality is filled with examples showing the importance that the words entrepreneurship and startups have taken in political and economic discourses. Driven by policy makers and influenced by the « entrepreneurial revolution” ideology, the financial framework in which young companies venture is evolving. Based on a study on young companies in the ICT sectors, and strongly inspired by the previous works on cultural industries, this research seek to question the stakes of an evolving French policy towards young companies. By studying various funding schemes and their complementarity, we show in the first section the central role that the financial sphere has taken in the conditions of young venture’s emergence, with a major financial support of public policy. Using academic research on financialisation, we show that concentration movements also apply to young companies. Although many elements plead for an important coherency between the financialisation of big companies and the phenomenon we point at, the financialisation of young companies seems to characterize itself by the use of growth narratives as objectivation factor. Through an analysis of the mobile game sector and more especially a company we adviced in various fundraising campaigns between 2012 and 2015, the second section questions the impact of financialisation on young companies’ development. We show how the recourse to the financial sphere and the dominance of the shareholder value ideology impacts the companies’ strategies. Therefore, financialisation forces young companies into the adoption of specific development strategies and emphasize the industrialization tendencies. In that study, appear the traits of an ideal-type of the financialised young company, an ideological conception of venture creation: the startup.

Dans le premier chapitre, celui de la problématique, nous situons le phénomène du succès commercial récent du cinéma québécois par rapport à sa propre évolution historique, mais surtout dans le cadre plus large de l'accélération de la mondialisation et de l'augmentation de la concurrence sur le plan des flux audiovisuels. Nous expliquons en quoi l'industrie cinématographique est une filière économique particulière par son développement, effectué lors de l'essor du néolibéralisme, de même que les particularités de fonctionnement du cinéma. De plus, ce chapitre fait l'état de la question entourant l'explication du succès commercial récent que connaît l'industrie cinématographique québécoise. Dans le deuxième chapitre, nous présentons les auteurs de même que les concepts qui ont servi plus particulièrement pour l'approche théorique de ce mémoire. Le succès commercial récent du cinéma québécois s'explique par le fait que les acteurs de l'industrie, plus particulièrement ceux du secteur de la distribution, depuis les dix dernières années, ont modifié leur façon d'effectuer la mise en marché et la promotion des films québécois au niveau stratégique et opérationnel. Cela est causé par les contraintes exercées par la filière et le contexte économique actuel dominé par les États-Unis. Aussi, avec l'augmentation considérable des budgets de distribution surgit un nouveau paradigme: celui de la performance. Les distributeurs ont une position privilégiée et travaillent avec plusieurs alliés afin d'optimiser les chances de réussite des films québécois au box office. Lors du troisième chapitre, nous précisons pourquoi nous avons privilégié la démarche qualitative pour effectuer le terrain de même que l'entretien semi-dirigé comme technique de collecte de données. Le quatrième chapitre examine les différents aspects entourant les changements récents en distribution. Ces modifications jettent les bases d'une nouvelle méthode de mise en marché qui vise l'optimisation du succès commercial des films québécois. De plus, il révèle les dynamiques relationnelles entre les divers acteurs et comment se positionne le secteur de la distribution à l'intérieur de celles-ci. Finalement, le cinquième chapitre montre concrètement, à travers les étapes de la mise en marché de films, quels changements ont été effectués et en quoi ceux-ci ont un lien avec la performance au box office. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Cinéma québécois, Distribution, Marketing, Promotion, Industrie culturelle, Financement, Succès commercial, Mondialisation.