Several clusters of metaphors were routinely used to represent the sex trade onstage in early modern England. Close philological study of these figures reveals that even the most conventional metaphors for whores and their work were capable of meaning many things at once, especially in the discursive context of the drama. This project follows a practice of reading that admits multiple significations for the words used by characters on the early modern stage. I argue that metaphors are social phenomena with consequences as varied and complex as the human interactions they're meant to describe. Each chapter treats a different set of images: commodities and commercial transactions, buildings and thoroughfares, food and drink, and rhetorical and theatrical ingenuity. Using methods based on the study of conceptual metaphor in the field of cognitive linguistics, I trace the deployment of conventional figures for prostitution in plays by William Shakespeare, Thomas Middleton, Thomas Dekker, Ben Jonson, and John Marston. I also introduce occurrences of these metaphors in other genres (news pamphlets, prose narratives, homilies, medical manuals, and so on) to show that they were part of pervasive cultural patterns. The readings below dwell on the figurative associations that were most available to early modern writers as they fashioned prostitute characters for the stage—metaphors commonly taken for granted as literal descriptions of sex work. An understanding of the social force of metaphor begins with the realization that words convey more than any writer, printer, or actor intends. The language of prostitution in the early modern theatre is therefore both common and complex, much like the characters it conjures. / Pendant la Renaissance, divers grappes de métaphores étaient utilisées couramment dans les représentations théâtrale de la prostitution en Angleterre. Des études minutieuses philologiques des métaphores pour les putains et leur travail révéler que même les plus conventionnelles pouvaient signifier plusieurs choses à la fois, particulièrement dans le contexte discursif du théâtre. Le projet suit un procédé de lecture qui admet plusieurs significations pour les mots utilisés par des personnages de la Renaissance. Je soutiens que les métaphores sont des phénomènes sociaux qui ont des conséquences aussi variées et complexes que les interactions humaines qu'elles sont censées décrire. Chaque chapitre met en évidence une différente série d'images: les marchandises et transactions commerciales, les bâtiments et les voies urbaines, la nourriture et les boissons, l'ingénuité rhétorique et théâtrale. En utilisant des méthodes basées sur l'étude des métaphores conceptuelles dans le domaine de la linguistique cognitive, je retrace le cortège des figures conventionnelles de prostitution dans les pièces de théâtre de William Shakespeare, Thomas Middleton, Thomas Dekker, Ben Jonson, et John Marston. Je signale aussi l'existence de ces métaphores dans d'autres genres littéraires (pamphlets de nouvelles, narratives en prose, homélies, manuels médicaux, etc.) pour démontrer qu'elles faisaient partie des tendances culturelles omniprésentes. Les explications ci-dessous s'entendent sur les associations figurées qui étaiaent les plus à la disposition des écrivains de la Renaissance en façonnant les personnages des prostituées—les métaphores qui étaient souvent considerées comme constituant les descriptions littérales du travail sexuel. Pour bien comprendre la force sociale de la métaphore, il faut realiser d'abord que les mots communiquent beaucoup plus qu'un écrivain, un imprimeur, ou un acteur les destine. La la

This thesis examines representations of the madman in British Romantic poetry through a psychogeographical lens to argue that the poet strategically constructs madness as an unreachable place in order to secure his own role in society. In an age that privileges quantifiable labour and the tenets of Reason, the Romantic poet expresses anxiety that his more abstract, imaginative work will not be valued and his social position will thus be considered irrelevant or unproductive. The poet promotes himself as an eccentric, but not an outcast, by hierarchizing types of social exclusion, implicitly privileging his own work through his representations of the madman's existence as stagnant, nonproductive and ultimately destructive. Further, in depicting the place of madness itself as a realm only the poet can navigate, and from which he returns to reveal insights about his rational culture's psychology, the poet reaffirms his unique position as an intuitive truth-teller—and even a prophet—for his age. / Cette thèse examine, du point de vue psychogéographique, la représentation du fou dans la poésie romantique britannique pour soutenir que le poète édifie la folie de façon stratégique comme un endroit impossible à atteindre, sécurisant ainsi son rôle dans la société. Dans une époque qui privilégie le travail quantifiable et les principes de la raison, le poète romantique s'inquiète que ses oeuvres les plus abstraites et imaginatives ne seront pas valorisées et qu e sa position sociale sera par la même considérée dépourvue de pertinence et non productive. Le poète se fait donc valoir comme un original, sans toutefois être un paria, en hiérarchisant les types d'exclusion de sa société, en privilégiant implicitement son oeuvre par la représentation de l'existence du fou comme une existence stagnante, non productive et, à la limite, destructive. En outre, en illustrant la folie comme un endroit où seul le poète peut naviguer, et d'où il retourne pour révéler sa sagesse sur la psychologie de sa culture rationnelle, le poète réaffirme son unique position en tant que porteur de vérité et même en tant que prophète de son époque.

The Arctic and the Antarctic are put forward as among the few remaining ‘blank' spaces on the map available to nineteenth-century writers for speculative fiction, with polar narratives functioning as a bridge between the travelogue and science-fiction proper. Examining gender in these narratives, the Arctic is typically sexed as male, whereas the Antarctic is designated female. The male explorer protagonist is emasculated before the hyper-masculinity of the Arctic and the overpowering femininity of the Antarctic alike. Turning to race, white explorers venturing into white regions find that their racial status is challenged by superior instances of whiteness. They are also confronted by competing ideologies wherein their whiteness is denied, or the very notion of white superiority is inverted. However, polar narratives also introduce doubt about the internal credibility of their stories through a number of narrative techniques, curtailing the effect of the questions they raise regarding received notions of race and gender. / L'arctique et l'antarctique sont présentées comme parmi les derniers endroits ‘blancs' sur la carte où les auteurs du dix-neuvième siècle pouvaient situés leurs récits fantastiques; ils forment un lien entre le récit de voyages et la science-fiction comme telle. Examinant l'usage des sexes dans ces récits, l'arctique est typiquement présenté de façon masculin; cependant, l'antarctique rappelle le féminin. Le héro explorateur mâle est aussi émasculé devant l'hyper-masculinité de l'arctique comme la puissance féminine de l'antarctique. Considérant l'idée de la ‘race,' les explorateurs blancs qui s'aventure dans des régions blanches découvrent que leur statu racial est confronté par des exemples de blancheur supérieure à leurs. Ils sont aussi confrontés par des idéologies locales dans lesquelles leur blancheur est dénié, ou l'idée même de la supériorité blanche est inversée. Cependant, les récits polaires introd uise du doute envers la crédibilité interne de leurs histories grâce a un nombre de techniques littéraires, courbant l'impacte des questions qu'ils posent sur les idées typique de sexe et race.

This dissertation argues that Shakespeare's plays Othello, The Taming of the Shrew, and The Winter's Tale engage deeply with representations of, and associations with, that early modern social person known as the juggler, a type of popular entertainer who specialized in legerdemain, feats of agility, and more. Iago, Petruchio, Katherina, Autolycus, and Paulina reflect this figure and recall other con artists and tricksters who were compared to jugglers in Shakespeare's England. Based on perceptions of street magicians and of what were considered their cultural and professional forerunners—gypsies, witches, minstrels and joculators—the word "juggling" was applied to a diverse set of social and religious practices, many of which were branded morally dubious or unlawful. The activities most frequently compared to juggling were Catholic miracles and language, confederate trickery, spiritual magic and witchcraft, illicit sexual behaviour, and, finally, stage-playing. This project takes the study of early modern juggling, and of juggling in Shakespeare, in several new directions. While detailing the juggler's more insidious attributes, my dissertation also discovers characterizations of a morally ambiguous and potentially productive juggling magician within other early modern magic texts, most notably Reginald Scot's Discovery of Witchcraft. These more positive characterizations have heretofore gone largely unnoticed by modern scholarship. This dissertation also notes that women too were called jugglers and that at least a few of Shakespeare's female characters (Katherina and Paulina) may be read as jugglers. Rather than confine itself to a study of the juggler as magician or juggler as metaphor, this dissertation looks carefully both at the social figure of the juggler and at the shadows of perception that that figure casts in philosophical, criminological and religious discourses, all shaping Shakespeare's plays and their reception. Finally, and most importantly, this dissertation considers how juggling and early modern practices associated with juggling are conjured in Shakespeare's plays not peripherally or didactically, but as structuring principles that crucially inform the plays' dramatic action. / Cette thèse soutient que les pièces Othello, La mégère apprivoisée, et Le Conte d'hiver de Shakespeare engagent profondément les représentations de, et associations avec, la personne sociale de la Renaissance connue en tant que bateleur, une sorte de saltimbanque qui spécialisait entre autres en prestidigitation et en prouesses d'agilité. Iago, Petruchio, Katherina, Autolycus et Paulina reflètent ce personnage, et rappellent autres escrocs et filous qui étaient comparés aux bateleurs de l'Angleterre au temps de Shakespeare. Basé sur des perceptions des magiciens de rue et de ceux qui étaient considérés leurs ancêtres culturels et professionnels—les bohémiens, sorcières, ménestrels, et jongleurs—le mot « juggling » s'appliquaient à une série de diverses pratiques sociales et religieuses, dont plusieurs marquées comme illégales ou moralement douteuses. Les activités les plus souvent comparées au jonglage étaient les miracles et le langage catholiques, la tromperie confédérée, la magie spirituelle et la sorcellerie, les comportements sexuels illicites, et, finalement, le jeu sur scène. Ce projet amène en plusieurs nouvelles directions l'étude du jonglage dans les œuvres de Shakespeare et pendant la Renaissance. Tout en énumérant les attributs les plus insidieux du bateleur, ma thèse découvre aussi des caractérisations ambigües et potentiellement productives du magicien jongleur dans d'autres textes de magie de l'époque, notamment dans Discovery of Witchcraft de Reginald Scot. Ces caractérisations plus positives ont jusqu'ici passées plutôt inaperçues dans des études contemporaines. Cette thèse note d'ailleurs que les femmes aussi étaient nommées bateleuses, et qu'au moins quelques-unes des personnages de Shakespeare (Katherina et Paulina) peuvent être interprétées de cette façon. Plutôt que se restreindre à une analyse du bateleur en tant que magicien ou en tant que métaphore, cette thèse examine autant le personnage social du bateleur que les ombres que jette celui-ci dans les discours philosophiques, criminologiques et religieux, donnant forme aux pièces de Shakespeare ainsi qu'à leur réception par son public. Finalement, et du plus important, cette thèse considère comment le jonglage et les pratiques y associées pendant la Renaissance sont évoqués dans les pièces de Shakespeare, non de façon périphérique ou didactique, mais comme principes structurants qui informent crucialement l'action dramatique des pièces.

This dissertation focuses on practices of stock characterisation as they are represented in literature and drama of the fourteenth to sixteenth centuries in England, with particular emphasis on the transformations of social types from medieval literature to early modern drama, specifically Shakespeare's English history plays. Its wider focus is on the social context in which medieval authors created their characters, and on the conventional construction of medieval characters from what Elizabeth Fowler defines as "social persons." I argue that stock characters allow for permeability between past history and present performance. Attendant on their deployment in literature and drama is their recollection of past literary and cultural traditions. This is why Shakespeare employs them to such great effect in his English history plays: stock characters have an overt purchase on the past that makes history more socially immediate to early modern audiences. Shakespeare's stock characters recall medieval privileging of family and community, and thus are particularly suitable to the English histories' narratives of a country subsumed by family tragedy. The dissertation focuses on four social persons which Shakespeare uses to construct stock characters: the Garcio, the Alewife, the Corrupt Clergyman and the Romance Heroine. He employs these social persons in four characters: the Bastard Faulconbridge in King John, Mistress Quickly in the second "tetralogy," Cardinal Beaufort in the first "tetralogy" and Queen Isabel in Richard II. This dissertation is intended to provoke reconsideration of the stock characters as "flat" stereotypes, and to elaborate upon their complex roles in literary and dramatic history. / Cette thèse examine la représentation des personnages types dans la littérature et le drame en Angleterre du quatorzième au seizième siècle en mettant particulièrement l'accent sur les transformations des types sociaux entre la littérature médiévale et le drame de la Renaissance, surtout dans les pièces historiques britanniques de Shakespeare. Au plus large, la thèse porte sur le contexte social dans lequel les auteurs médiévaux ont façonné leurs personnages et sur la fabrication conventionnelle des personnages médiévaux à partir des « personnes sociales » telles que définies par Elizabeth Fowler. Les personnages types, je soutiens, créent un espace de perméabilité entre l'histoire du passé et la performance au moment présent. L'emploi de ces personnages dans la littérature et dans le drame est associé à leurs souvenirs des traditions littéraires et culturelles du passé. C'est pourquoi Shakespeare s'en sert si bien dans ses pièces historiques : les personnages types ont une prise sur le passé qui rend l'histoire plus immédiate sur le plan social pour les spectateurs de la Renaissance. Les personnages types de Shakespeare rapellent l'emphase sur la famille et la communauté pendant l'époque médiévale, ce qui les rend particulièrement appropriés aux récits des pièces historiques d'un pays subsumé par la tragédie familiale.Cette thèse porte sur quatre personnes sociales à partir desquelles Shakespeare fabrique des personnages types, soit le « garcio », la femme du tavernier, le curé corrompu, et l'héroïne des histoires romanesques. Il a recours à ces personnes sociales dans quatre personnages, soit le bâtard Faulconbridge dans La vie et la mort du roi Jean, Madame Quickly dans la deuxième tétralogie, Cardinal Beaufort dans la première tétralogie, et la Reine Isabel dans Richard II. Le but de cette thèse est de provoquer une reconsidération des personnages types comme des stéréotypes « plats » et d'élaborer sur leurs rôles complexes dans l'histoire littéraire et dramatique.

This MA Thesis is a study of the relationship between Jane Austen's critical views on the novel and her own creative practice as a novelist. The first chapter delineates Austen's novelistic theory using the five letters on fiction that Austen wrote to Anna Lefroy. The second chapter focuses on "Opinions of Mansfield Park" and "Opinions of Emma," examining how Austen's editorial ventriloquism of the opinions reflects her own critical voice. The third chapter shows how Austen modified her reviewers' hints from "Plan of a Novel" to fit within her own novelistic standards in Persuasion. The fourth chapter comprises a comparative reading of the cancelled and published versions of the final chapters of Persuasion, observing the effects of Austen's literary standards on her writing practice. Collectively, these chapters explore the degree to which Austen's theoretical literary standards, and her reflections on the criticisms that her readership made of her own works, inflect her own novelistic technique. / La présente thèse de maîtrise étudie le rapport entre les idées théoriques de Jane Austen sur le genre du roman, et sa propre pratique créative comme romancière. Le premier chapitre extrait sa théorie du roman des cinq lettres qu'elle a écrites à propos du roman de sa nièce, Anna Lefroy. Le deuxième chapitre porte sur les « Opinions of Mansfield Park » et « Opinions of Emma » rassemblées par Austen. Ce chapitre examine la manière dont sa ventriloquie et sa mise au point des opinions reflètent sa voix de critique. Le troisième chapitre montre comment Austen a modifié les suggestions des critiques dans « Plan of a Novel » pour les rendre compatibles avec ses principes littéraires dans Persuasion. Le quatrième chapitre compare les deux versions, publiée et non publiée, des derniers chapitres de Persuasion. Ce chapitre examine les effets des normes littéraires d'Austen sur sa pratique comme ro mancière. Collectivement, ces chapitres évaluent dans quelle mesure ses principes littéraires, et ses réflexions sur les critiques que ses lecteurs ont faites de ses œuvres, guident sa propre technique comme romancière.

This thesis explores ways in which Second World War food shortages, rationing, and propaganda affected midcentury British fiction. Arguing that food imagery offers a useful barometer of the domestic war climate, the thesis is divided into two main sections: the first focusing on the representation and regulation of food by the government, and the second analyzing the depiction of food in contemporary fiction as a response both to the government's martialization of food and to the shortages themselves. Taking novels by Barbara Pym and Elizabeth Taylor as examples, it discusses ways in which the “official food narratives” defined in the first chapter were acknowledged and transformed in contemporary fiction. / Cette thèse explore les façons dont les pénuries alimentaires, le rationnement de la nourriture et la propagande gouvernementale de la deuxième guerre mondiale ont touché la littérature britannique de l'époque. Soutenant que l'imagerie des aliments offre un baromètre utile du climat domestique de la guerre, la thèse est divisée en deux sections principales : la première se concentrant sur la représentation et la règlementation de la nourriture par le gouvernement, et la deuxième analysant la représentation de la nourriture dans la fiction contemporaine comme réponse à la fois à la « martialisation » de la nourriture par le gouvernement et aux pénuries alimentaires eux-mêmes. Prenant des romans par Barbara Pym et Elizabeth Taylor à titres d'exemples, elle traite de la façon dont les récits officiels des denrées alimentaires définis dans le premier chapitre ont été reconnus et transformés dans la littérature contemporaine.

The Merchant of Venice's seemingly disconnected and interweaving plots contribute to the difficulty of assessing its characters and genre. The comic-tragic ambiguity of the character of Shylock only deepens this ambiguity. There is a precedent in the literature for looking to Aristotle and the Poetics to inform the study of the Shakespeare canon, but few have attempted to understand MV in terms of the taxonomy of ancient classical poetics. I attempt to do this, and find this approach very fruitful for addressing some of the problematic characteristics of the play, especially with regard to plot and character. Specifically, I find that the disunified plot simulates the 'fog' of indecision that surrounds making choices under the constraints of time and limited information, and that the structure of the play places the audience in the position of experiencing how the relatively fixed goals of the characters shift and become distorted as they encounter new and dissonant information. / Les intrigues entremelees et sans lien apparent du Marchant de Venise contribuent a rendre la caracterisation de la piece difficile, tant selon le genre que la structure. L'ambiguite du personnage de Shylock, entre comique et tragique, ne fait que renforcer cette incertitude. Certains se sont deja tournes vers Aristote et la Poetique pour construire leur etude litteraire du cannon shakesperien, mais jusqu'ici rares sont ceux qui ont tente de comprendre specifiquement Le MV en s'appuyant sur la taxinomie de la poetique classique ancienne. J'essaie de faire cela, et cette approche me semble enrichir la comprehension de certaines des caracteristiques problematiques de la piece, surtout en ce qui concerne le concept d'intrigue et celui de personnage. En particulier, l'intrigue multiple me semble simuler le "brouillard" d'indecision qui entoure les choix sous contraintes de temps et d'information limitee, et la structure de la piece me semble ainsi permettre a l'audience d'experimenter comment les buts relativement fixes des personnages se deplacent et se transforment, tandis qu'ils font face a des informations nouvelles et dissonantes, a travers une rapide succession de retournements de situation.

This thesis examines the literary incompatibility of two different currents in eighteenth-century Scottish history, exemplified by the figurative use of 'slavery' to refer to the oppression of Scots and the simultaneous effacement of Scotland's involvement in the practice of plantation slavery in the colonies. The focus of the competing histories is Scotland's entry into the sphere of social and economic progress opened up by the Union of 1707. In the traditional version, this happens at the expense of the Jacobites, who are left out of the modern British polity because of their unassimilable backwardness and cultural otherness. In more recent re-evaluations, it also happens at the expense of the slaves whose labour underpins British commercial development. This thesis studies four novels about the 1745 Jacobite uprising: Walter Scott's Waverley, whose hero personifies the rejection of Jacobitism in favour of unified Britishness; James Robertson's Joseph Knight, which sets slavery and Jacobitism side by side; and Robert Louis Stevenson's Kidnapped and Catriona, which fall somewhere in between. It argues that these novels negotiate history in linguistic and spatial terms. Jacobites are closely associated with a particular place, the Highlands, but this space is also conceived as a linguistic gap or 'vacuity'; confronting Scotland with Jamaica brings the semantic flexibility of 'slavery' into question; and the narrative function of Scots dialect is to resist the fixity of histories that either ignore slavery or incorporate it too completely. / Ce mémoire examine l'incompatibilité, en littérature, de deux tendances simultanées dans l'histoire de l'Écosse au dix-huitième siècle, représentées, d'un côté, par l'usage figuratif de « l'esclavage » pour indiquer l'oppression des Écossais et, de l'autre, par le silence de l'Écosse au sujet de sa participation à l'esclavage colonial dans les plantations. Ces tendances contradictoires se concentrent sur l'entrée de l'Écosse dans la sphère du progrès social et économique suite à l'Union de 1707. Dans la version traditionnelle, cette entrée se fait au détriment des jacobites, qui sont tenus à l'écart du régime politique de la Grande-Bretagne moderne, puisque considérés comme inassimilables du fait de leur altérité et de leur retard culturels. Dans des relectures plus récentes, elle se fait aussi au détriment des esclaves dont le travail est le fondement du développement commercial britannique. Ce mémoire explore le soulèvement jacobite de 1745 à travers l'étude de quatre romans : Waverley de Walter Scott, dont le héros incarne la rejection du jacobitisme en faveur d'une identité britannique unie, Joseph Knight de James Robertson, qui met en parallèle esclavage et jacobitisme, ainsi que Kidnapped et Catriona de Robert Louis Stevenson, qui mêlent les deux tendances. Ce mémoire soutient que ces romans négocient l'histoire à la fois linguistiquement et spatialement. Tout d'abord, les jacobites sont intimement liés à un lieu spécifique, les Highlands, mais cet espace est également conçu comme un fossé ou « vide » linguistique. De plus, mettre en tension l'Écosse et la Jamaïque pose la question de la flexibilité sémantique de « l'esclavage ». Enfin, la fonction narrative du dialecte écossais est de résister la fixité des histoires qui ignorent l'esclavage ou, à l'inverse, l'incluent sans l'interroger.

Divided in (5) chapters and followed by our translation of Book I of The Faerie Queene, our thesis is about the failure of the translation project of Spenser in French and the justification of a new project focusing on the quest, an essential aspect of Spenser's poem, despite the fact it has been neglected by the French translators. In Chapter 1, we bring the translation of Spenser back to life by examining the author and his work, his influence and the reception of his work, and his fate outside the boundaries of England, while taking a look at the genre of The Faerie Queene, its form and its project. In this chapter, which serves as an introduction to our thesis, we pay particular attention to the expression "poet's poet", which is at the heart of the problem of perception of Spenser's work. In Chapter 2, we take a closer look at the narrative of Book I by analysing the heroes and adversaries of the story. By doing so, we establish the quest of the characters, the true core of The Faerie Queene. In Chapter 3, we take another look at the subject of the quest, but from the point of view of the reader. We thus detach ourselves from the story to focus on the allegorical dimension of the poem and the engaged position of the reader toward the poem. In Chapter 4, we look at the quest from the point of view of the poet. We look at the challenge that The Faerie Queene poses, in terms of genre, and at the interventions of Spenser within the story. Once these three aspects of the quest are well established, we take a look, in Chapter 5, at how the different French projects of translation failed, at how they didn't respect the quest, as we demonstrated. We consider different hypotheses that could explain this failure and the question of translation of poetry. Through this analysis, we establish the bases for our own project of translation, which respects both the spirit of the theories of translation of poetry and the spirit of Spenser's text. Our translation of Book I follows, written according to these principles. / Divisée en (5) cinq chapitres et accompagnée de notre traduction du livre I de The Faerie Queene, notre thèse porte sur l'échec du projet de translation de Spenser en français et sur la justification d'un nouveau projet de traduction axé sur le respect de la quête, une composante essentielle de l'œuvre spensérienne, pourtant négligée par les traducteurs français. Au chapitre 1, nous réamorçons la translation de Spenser en examinant l'auteur et son œuvre, son influence et sa réception, son destin à l'étranger, tout en jetant un regard sur le genre de The Faerie Queene, sa forme et son projet. Dans ce chapitre qui nous sert d'introduction, nous retenons notamment l'expression « poète du poète », qui se trouve au cœur de l'erreur de perception de Spenser. Au chapitre 2, nous examinons de plus près la trame narrative du livre I en analysant les héros et adversaires qui peuplent le récit. Nous établissons ainsi la quête des personnages, le véritable noyau de The Faerie Queene. Au chapitre 3, nous abordons à nouveau cette même quête, mais du point de vue du lecteur. Nous nous détachons donc du récit pour observer davantage la dimension allégorique de l'œuvre et la position engagée du lecteur face à l'œuvre. Au chapitre 4, nous abordons la quête du point de vue du poète. Nous examinons le défi que présente The Faerie Queene, notamment en termes de genre, et les interventions de Spenser dans le récit. Une fois ces trois aspects de la quête bien établis, nous examinons, au chapitre 5, en quoi les différents projets de translation français ont échoué, en quoi ils ne respectent pas la quête, telle que nous l'avons démontrée. Nous nous attardons à diverses hypothèses pouvant expliquer cet échec ainsi qu'à la question de la traduction de la poésie. À travers cette analyse, nous établissons les bases de notre propre projet de traduction, qui respecte à la fois l'esprit des théories de la traduction de la poésie et celui de l'œuvre spensérienne. Suit notre traduction du livre I, en accord avec ces principes.