The dissertation develops an interdisciplinary account of the psychological and affective state of shyness, and examines representations of the emotion, along with its variant states shame, bashfulness, and modesty, in Shakespeare and in other early English literature. It brings together work from various fields: literature, psychology, neuroscience, sociology, religious studies, classics, and ancient philosophy. It is a literary study, but also considers medical, political, theological, and social tracts. The dissertation begins with an exploration of the classical emotion concept the fear of shame, and finds the roots of shyness in the virtue ethics tradition of Aristotle. It then moves on to examine the influence Aristotle's moral philosophy had on early modern conceptions of shyness, especially as a religious passion associated with conscience. In view of the way new modes of courtesy, social humility, and courtly interaction infiltrated the predominantly male world of civil conversation, the dissertation outlines how the cultural status of shyness shifted throughout the period. As I demonstrate, shyness underwent a radical secularization and went from being widely understood as a religious emotion to a pathological condition linked to melancholy.Chapter one investigates Shakespeare's interest in the gendering of shyness, and argues that the rising prevalence of bashfulness amongst male courtiers contributed to the medicalization of the emotion in the period. The chapter develops an account of Shakespeare's King Henry the Sixth: a figure whose characterization exemplifies the rapid transformation of shyness as it devolved from a virtuous moral and religious passion into one associated with notions of male disease and political immorality. The following chapters, however, reveal a shift in perspective. In Coriolanus, The Merchant of Venice, and Measure for Measure, Shakespeare questions the early modern pathologization of bashfulness through his endorsement of an Aristotelian account of shyness as a social, ethical, and religious virtue. In these plays the experience of bashfulness operates as a governing emotional force over the advancement of sinful forms of pride and vengeance, and produces a spiritually reformative and transformative effect within the Christian subject. By calling attention to the moral and religious connotations associated with bashfulness throughout its history, the dissertation seeks to counter the medicalization and denigration of shyness currently taking place in the modern world. / La présente thèse s'inscrit dans le cadre interdisciplinaire d'une étude psychologique et affective de la timidité. Aussi rend-elle compte, chez Shakespeare et autres premiers littérateurs anglais, des représentations de l'émotion dans ses états de honte, d'embarras et de modestie. Elle fait également appel à plusieurs disciplines: littérature (y compris celle des Anciens), psychologie, neuroscience, sociologie, études religieuses. Elle est assurément une étude littéraire, encore qu'elle s'appuie également sur les apports de la médecine, de la politique, de la théologie et de la sociologie. La thèse débute par une étude sur la crainte de la honte sous l'angle classique et dans la tradition de l'éthique aristotélicienne. Elle enchaîne sur l'influence exercée par la philosophie morale d'Aristote sur les premières conceptions modernes de la timidité, vue essentiellement comme passion religieuse en étroit lien avec la conscience. Par ailleurs, à mesure que s'établissait un nouveau code de bienséances (courtoisie, humilité, courtisanerie), le monde largement masculin et le comportement qui s'ensuivit en furent affectés. D'où un changement de l'état culturel de la timidité au cours de l'époque. C'est dire que la timidité se vit entièrement sécularisée et devint, d'émotion religieuse qu'elle avait été, une condition pathologique causée par une humeur mélancolique.Le premier chapitre a, pour objet, l'intérêt porté par Shakespeare pour la différentiation sexuelle de la timidité. Son constat: la prévalence grandissante de la timidité chez les courtisans mâles eut pour effet, à l'époque, la médicalisation de l'émotion. Le chapitre renvoie au roi Henri VI, personnage qui illustre la transformation religieuse et morale de la timidité en une maladie d'homme immoral et politique. Les chapitres suivants, toutefois, font montre d'une perspective nouvelle. Dans Coriolanus, The Merchant of Venice et Measure for Measure, Shakespeare revient sur son idée initiale. Il met en doute la pathogenèse de la timidité pour reprendre le concept aristotélicien de vertu religieuse, éthique et sociale. Dans les pièces citées, un sentiment de timidité apparaît comme un état émotionnel en pleine force maîtresse plutôt que comme la manifestation d'un péché d'orgueil et de vengeance. Il appelle ainsi à une réformation du cœur et de la spiritualité dans une dogmatique chrétienne. Ainsi, par son retour historique aux diverses connotations morales et religieuses liées à l'embarras, la thèse s'emploie ici, dans un renversement du pour au contre, à démythifier l'actuelle et universelle conception de la timidité, tout ensemble gratuite et dénigrante, comme une source profane de stigmatisation médicale.

This thesis examines the ghostly collectives in William Shakespeare's Richard III and Cymbeline. It brings together two fields of research: the study of death as a religious experience in early modernity and more recent theories of audience response that are predicated on the very liveliness of playgoers. Although these fields may seem disparate, I argue that Shakespeare appears to have seen something productive in the death state – something that, if learned by the living, would make for a more engaged audience in the playhouse. By putting crowds of spectres onstage, Shakespeare explores the experience of mass spectatorship, presenting it as a kind of collective witnessing that becomes necessary to the creation of moving art. I argue that both Richard III and Cymbeline privilege a Catholic model of mourning and mortality, despite the presence of characters that espouse a Protestant view of the same issue. Rather than reading this as Shakespeare's religious bias, I suggest that the unorthodox portrayal of death in these plays allows the spectral spirits onstage to more closely resemble Shakespeare's spirited spectators. Transgressive though these onstage crowds may be, they bring about each play's happy ending. As a result, they put in question much of the work done on Shakespeare's opinion of crowds, scholarship that has primarily relied on scenes taken from Julius Caesar or Coriolanus. In contrast to these plays, Richard III and Cymbeline mount a mirror onstage that positively reflects the audience's role back to them. That mirror also expands their role. A throng of spectral beings, these plays suggest, has interpretive agency and creative potential, and as such, it is integral to the construction of compelling stories. / Cette thèse examine les représentations spectrales dans « Richard III » et « Cymbeline » de William Shakespeare. Elle rassemble deux champs d'études distincts : l'exploration de la mort comme expérience religieuse et les théories de l'engagement des auditoires. Dans ces œuvres, l'expérience du spectateur est représentée sur scène par des ensembles spectraux. Cette illustration décrit le phénomène d'observation collective ; un élément nécessaire pour la création de l'oeuvre artistique. Cette thèse propose que « Richard III » et « Cymbeline » privilégient l'exemplaire catholique au sein des notions du deuil et de la mortalité, malgré la présence des personnages qui soutient des perspectives protestantes. Contrairement aux critiques qui attribuent son interprétation peu orthodoxe de la mort aux préjugés religieux, cette thèse suggère que l'intention de Shakespeare était d'incarner l'esprit de son public dans ces représentations spectrales. Bien qu'ils soient fauteurs de troubles, les spectres suscitent un dénouement heureux auprès de l'histoire. Ces évènements, par conséquent remettent en question beaucoup des théories concernant la représentation des foules – notamment les théories qui s'inspirent de « Julius Caesar » et « Coriolanus ». Contrairement à ces œuvres, « Richard III » et « Cymbeline » dépeignent une image positive des spectateurs et leur reflète ce rôle d'auditoire, tout en l'approfondissant. L'évidence suggère que les spectateurs, avec leur esprit imaginatif et leur pouvoir d'interprétation, jouent un rôle essentiel dans la création des histoires.

"Reflection and Revision in the Novels of Frances Burney" constitutes the only comprehensive portrait of this major author as novelist at work (active 1778-1832), incorporating analysis of her revisions in manuscripts, proofs, and subsequent editions. Burney's Evelina, Cecilia, and Camilla are among a very small number of eighteenth-century novels with surviving manuscript drafts. The term "revision" is thus essential for my study, and I use it to describe Burney's process of composition, which is closely connected to the other key term in my study, "reflection." Reflection, a reflexive act often synonymous with self-awareness, is an important characteristic of the novel of development, or Bildungsroman, and Burney is mindful of the term's philosophical roots. In chapters devoted to each of Burney's four novels, I trace the tropes of revision and reflection, which often indicate the necessary process of repentance and reform that Burney's heroines must undergo before the end of her novels. Burney's eponymous heroines are transformed between the different editions of her novels: Evelina becomes slightly more mature; Cecilia loses some of her hasty sarcasm; Camilla, remarkably, becomes more thoughtful; and Burney's mysterious heroine from The Wanderer becomes less secretive. The final chapter of my dissertation goes beyond Burney to discuss the drafts and later editions of William Godwin's Caleb Williams and Jane Austen's Persuasion, as my archival and contextual work on Burney's novels opens up a new interpretive framework through which late eighteenth- and early nineteenth-century novelists with surviving manuscripts, proof drafts, and published revisions can be understood. / « Réflexion et révision dans les romans de Frances Burney » constitue le seul tableau complet de cette importante auteure (productive de 1778 à 1832). Je présente une analyse de ses révisions dans les manuscrits, les épreuves, et les éditions subséquentes. Ses romans, Evelina, Cecilia, et Camilla, sont parmi un très petit nombre de romans du dix-huitième siècle dont le manuscrit existe encore. Le mot « révision » est donc essentiel pour mon étude, et je l'utilise pour décrire le processus d'écriture de Burney. Ce mot est étroitement associé avec l'autre mot important de mon étude, soit « réflexion. » Réflexion, défini comme étant un acte réfléchi, est souvent synonyme de connaissance de soi. C'est une importante caractéristique du roman de formation ou Bildungsroman. Burney est attentive aux origines philosophiques de ce mot. Dans les chapitres consacrés à chacun des romans de Burney, je poursuis les thèmes de révision et de réflexion, qui indiquent souvent le processus de repentance et de réforme suivi par les héroïnes de Burney avant la conclusion du roman. Les héroïnes éponymes sont transformées au cours des différentes éditions de ses romans : Evelina devient plus mûre; Cecilia perd de son sarcasme précipité; Camilla, remarquablement, devient plus pensive; et l'héroïne mystérieuse de The Wanderer devient moins secrète. Le dernier chapitre de ma thèse va au-delà de Burney pour discuter des manuscrits et des éditions de Caleb Williams, par William Godwin, et de Persuasion, par Jane Austen. Ma technique d'analyse des romans de Burney, qui incorpore des recherches documentaires au contexte littéraire, ouvre une nouvelle base interprétative qui permet une meilleure compréhension des romanciers des dix-huitième et dix-neuvième siècles dont les manuscrits, épreuves et éditions révisées existent encore.

"Knowing Children" describes the means by which telepathic devices present the mind of the child in novels by Charles Dickens, Henry James, William Faulkner, and Carson McCullers. An intellectual interest in the child and childhood flourished not only during the same period as the formal study of telepathy, but also within the same circles. "Telepathy" can be understood for my purposes as a mode of narrative representation of consciousness and knowledge. Because social, linguistic, and cognitive limitations generally prevent child characters from articulating the contours of their surprisingly complex knowledge, their minds can best be rendered through the use of telepathic literary techniques that enable the child figures themselves to influence the course of their narratives. The theoretical core of the thesis illustrates how telepathic techniques in fiction influence causality, characterization, and reader reception. More broadly, the thesis demonstrates how the telepathic mode challenges the historical assumptions, narrative effects, and readerly responsibilities of so-called omniscient narration, showing how characters' minds are revealed through those of other characters, especially those of children, who would properly be sheltered from the discourses of authority. Thus, the thesis also calls into question the conventional category of childhood itself. / « Enfants savants » décrit les méthodes par lesquelles les dispositifs télépathiques présentent l'esprit des enfants dans les romans de Charles Dickens, Henry James, William Faulkner, et Carson McCullers. Un intérêt intellectuel pour l'enfant et l'enfance ont proliféré en tant qu'étude formelle de la télépathie, non seulement lors de la même période, mais aussi à l'intérieur des mêmes milieux. Pour mes fins, la "télépathie" peut être comprise en tant qu'un mode de représentation narrative de la conscience et de la connaissance. Puisque les limitations sociales, linguistiques et cognitives empêchent généralement les personnages d'enfant d'articuler les contours de leur connaissance étonnamment complexe, leurs esprits peuvent le mieux être traduits par le biais de dispositifs télépathiques-dispositifs qui permettent fondamentalement aux personnages d'enfants à influencer eux-mêmes le courant de leurs récits. Le principe théorique de ma thèse souligne la manière dont les techniques télépathiques influence la causalité, la caractérisation et la perception du lecteur. D'une manière générale, la thèse démontre la manière par laquelle le mode télépathique remet en question les suppositions historiques, effets narratifs et responsabilités du lecteur lors d'une narration autrefois omnisciente, montrant comment l'esprit des personnages est relevé à travers d'autres personnages, particulièrement ceux des enfants, qui seraient probablement gardés à l'écart des discours de l'autorité.

<p> This thesis argues that H.G. Wells' attempts to craft a successful narrative of the predicted future, as viewed through three primary texts (<i>Anticipations, A Modern Utopia</i> and <i>The Shape of Things to Come</i>) are not only trials at the most effective textual platform for his social ideology but also explicit attempts to create a new hybrid literature. The author first embarks on a close reading of <i>Anticipations</i> to analyze Wells' social ideology and his early theory of the role of fiction. Next, the author examines the two later novels, <i>A Modern Utopia</i> and <i>The Shape of Things to Come,</i> reading their forms and content against Anticipations. Using all three texts, the author constructs a theory about Wells' final beliefs regarding the role of literature in education, society, and history.</p>

This study examines three novels by contemporary Caribbean-American authors – Julia Alvarez, Edwidge Danticat and Junot Díaz – which attend to the history of the Trujillo dictatorship in the Dominican Republic. While recent studies on Trujillo focus on the cultural discourses that enabled the dictator to consolidate power and establish hegemony, they neglect subtle forms of resistance. I argue that the three writers attend to various discursive models of masculinity, femininity, and ethnicity through which Trujillo's regime induced individuals to understand their own bodies and the bodies of others. They also seek out and valorize alternative modes of relating to thebody, which enable the characters to formulate new conceptions of resistant subjectivity. / Ce mémoire analyse trois romans d'auteurs caribano-américains – Julia Alvarez, Edwidge Danticat et Junot Diaz – qui traitent de la dictature de Trujillo en République Dominicaine. Même si plusieurs études sur Trujillo examinent déjà les discours culturels qui ont permis au dictateur de solidifier son pouvoir et d'établir une hégémonie, elles ne s'intéressent pas suffisamment à des formes plus subtiles de résistance. Nous montrerons ici comment Alvarez, Danticat et Diaz considèrent différents modèles de discours sur la masculinité, la féminité et l'ethnicité - des discours à travers lesquels le régime de Trujillo a façonné la compréhension qu'ont les individus de leur propre corps et de celui des autres. Nous analyserons aussi comment les auteurs explorent et valorisent des rapports alternatifs au corps, qui permettent aux personnages de formuler de nouvelles conceptions d'une résistance subjective.

Shakespeare’s plays articulate their author’s understanding of sound at various registers of theatrical and linguistic representation. I have tried to make listening my own critical practice by attending to the ways Shakespeare is attuned to, and rebroadcasts throughout his work, the many interrelated valences sound has in the early modern period. “Shakespearience” is the term I use for a re-invigorated phenomenological approach to the study of Shakespeare’s works, one which considers them the products of an embodied consciousness that is itself informed by cultural beliefs and attitudes. Shakespearience allows us to inquire not only into what Shakespeare thought about sound, but what he may have thought through it as well. Religious, philosophical, and anatomical discourses on sound and hearing in the early modern period all associate this perceptual domain with notions of obedience, receptivity, transformation, reproduction, and cognitive nourishment. In Coriolanus and other plays, he investigates the subjective and political consequences, as well as the ultimate impossibility, of refusing to hear. In A Midsummer Night’s Dream he associates sound and hearing with notions of metamorphosis and grotesque continuity. Throughout his works, he represents sound as a privileged mode of access to the deep subjectivity of others. These ideas resonate strongly in our own culture, where references to sound and hearing increasingly figure in our estimations of his genius. / Les pièces de Shakespeare articulent sa compréhension du son à registres divers de représentation théâtrale et linguistique. J’ai essayé moi-même d’employer l’écoute comme méthode critique en prêtant attention à la façon dont Shakespeare se met à l’écoute des maintes sens corrélatifs qu’avait le son à l’époque moderne, et les (re)transmet partout dans son œuvre. J’utilise le terme «Shakespearience» pour signaler une méthode phénoménologique revigorée à l’étude de l’œuvre de Shakespeare, une méthode qui considère ces textes comme produits d’une conscience incarnée qui est elle-même informée par les croyances et attitudes culturelles. La Shakespearience nous permet d’examiner non seulement ce que pensait Shakespeare au sujet du son, mais aussi ce qu’il aurait pu penser par le son. Les discours religieux, philosophique, et anatomique sur le son et l’ouïe à l’époque moderne associent ce domaine de perception aux idées d’obéissance, réceptivité, transformation, reproduction, et nourriture cognitif. Dans Coriolan et autres pièces Shakespeare examine les conséquences subjectives et politiques de refuser d’entendre…aussi bien que l’impossibilité fondamentale d’un tel refus. Dans La Nuit d’une songe d’été il associe le son et l’ouïe à la métamorphose et la continuité grotesque. Souvent dans ses pièces il représente le son comme un mode d’accès à la subjectivité insondable d’autrui. Ces idées résonnent profondément dans notre culture, où des reférences au son et à l’ouïe figurent de plus en plus dans nos estimations du génie de Shakespeare. fr

The Middle English lai Sir Orfeo combines elements from the Greco-Roman, Christian, and Northern European folkloric traditions in a narrative which is both a successful romance and a text informed by Christian allegory. Through an examination of the poem's possible sources and analogues, I demonstrate that the lai's representation of Orpheus is rooted in the archaic Greek myth of Orpheus' triumphant rescue of individuals from the underworld. In Sir Orfeo, the early myth's emphasis on Orpheus' positive qualities—in particular his musical prowess—and its continuation in the literature and art of early Christianity is merged with folkloric elements which similarly focus on the power of music to defeat the destructive forces of the otherworld. The thesis argues that the protagonist, Orfeo, is thus represented as an agent of God's order and his defeat of otherworldly forces as an act of Christian heroism. / Le lai moyen anglais Sir Orfeo lie des éléments des traditions folkloriques l'Europe septentionale, Greco-Romaines et chrétiennes dans une narration à la fris une romance bien réussie et un texte influencé d'une allégorie chrétienne. Par un examen des sources et des analogues possibles du poem, je veux démontrer que la représentation du lai a ses racines dans le myths archaïque d'Orphée qui, triomphant réussit à sauver des individues du monde au delà. Dans Sir Orfeo l'emphase du mythe archaïque est sur les qualités positives d'Orphée, surtout ses talents musicaux, en plus sa continuation dans la litterature et l'art de la premiere époque chrétienne, est liée aux éléments folkloriques, en même temps attachant l'importance au pouvoir de la musique pour vaincre las forces destructives du monde au delà. Le protagoniste, Orfeo, est de cette manière representé comme un agent de l'ordre divin et sa défaite des forces du monde au delà est un acte de l'héroïsme chrétien.

This thesis examines the historical and fictional character of Margaret Nicholson (1745-1828), a labouring woman who became notorious for her failed attempt to assassinate King George III in August 1786. After a quick trial, Nicholson was diagnosed as insane and spent the rest of her life in Bedlam. Her story continued to interest readers: she was the subject of multiple biographical chapbooks, the supposed author of a collection of radical poetry actually written by Percy Bysshe Shelley, and a source of mingled terror and fascination for both eighteenth- and nineteenth-century readers. The thesis evaluates how Nicholson's story has undergone fictionalization from her time to the present, and examines how the boundaries between fact and fiction in the case have become so nebulous that history itself has become fictionalized. / Ce mémoire examine le personnage historique et fictif qu'est Margaret Nicholson (1745-1828), une ouvrière qui devint notoire pour sa tentative infructueuse d'assassiner le roi George III en août 1786. Lors d'un procès rapide, Nicholson fut déclarée folle et passa ensuite le reste de sa vie à l'Hôpital psychiatrique de Bedlam. Son histoire continua à intéresser les lecteurs: elle fut l'objet de nombreux opuscules biographiques; on la crut l'auteure d'un recueil de poésie radicale dont le véritable auteur était Percy Bysshe Shelley; elle resta une source de terreur et de fascination aux dix-huitième et dix-neuvième siècles. Le mémoire examine la façon dont la vie de Nicholson devint fiction au fil des siècles et la façon dont les limites entre faits et fiction devinrent tellement brouillées que l'Histoire elle-même devint romancée.

<p>Representations of death in nineteenth-century British literature highlight the shared experiences of the poor and working classes and give voice to their common fears and perceptions. The poor negotiate their connection to the past, present, and future via spaces associated with death, which is indicative of the desperation of their situation as well as their differences from the middle and upper classes. This dissertation focuses on the period between the 1830s and early 1860s, a time of intense political activity by and concerning the poor. Charles Dickens, sympathetic to the lower classes and keenly attuned to his culture, offers a wealth of material to theorize the relationships between death, poverty, and literature. I also include texts by authors such as Elizabeth Gaskell, Charlotte Bront&euml;, Wilkie Collins, and George Eliot, as well as less-studied writers such as Thomas Noel, W.J. Linton, and Thomas Cooper. </p><p> The first chapter focuses on the workhouse, whose association with death arises from the lower-classes&rsquo; widespread fear of dying inside workhouse walls. In the second chapter, I argue that walking funeral processions transform the landscape, which becomes a space for social reunion and highlights the importance of mobility to class identity. Chapter three considers how the grave is used to recall the past and to contemplate the future in Dickens&rsquo;s novels and in the works of Chartist poets. The fourth, and final, chapter explores the afterlife as a site to comment on and imaginatively correct the plight of the poor. The coda focuses on <i>Our Mutual Friend</i> (1865) to analyze briefly the use of the river as a space of death that encapsulates both danger and redemption. </p>