La presente investigación teórico-práctica desde las artes se trata de mi proceso como directora que aboga por una escenificación horizontal de la obra La Edad de la Ciruela de Arístides Vargas. La creación se basó en un lenguaje alejado del realismo a partir de una teatralidad no mimética, del uso de la polifonía y del juego como herramienta metodológica de construcción. A partir de conceptos de la canadiense Josette Féral, este estudio se vale de la teatralidad como soporte poético que puede hacer uso de una mímesis activa o pasiva, y como brecha entre ilusión y realidad sin dejar de lado al espectador como elemento necesario para que esta realidad pueda existir. La polifonía se trabaja a partir de la investigadora Locatelli. Su estudio de este concepto permite expandir su aplicación en escenarios teatrales desde el uso equilibrado de elementos en el espacio, incluyendo al público para la creación de una obra en la que el texto no ocupe el eje central. Por último, el juego como herramienta primaria para la creación se presenta como arma contra una escena amarrada en la representación e imitación. El objetivo de esta investigación teórico-práctica desde las artes es analizar, explorar y registrar de qué manera estos conceptos se desarrollan durante la creación interesada en problematizar un lenguaje realista y hegemónico, y con eso ensayar nuevas maneras de mirar y pensar el mundo. El resultado de esta experiencia fue la creación de tres escenas de la obra bajo mi dirección en un lenguaje no mimético. / The present theoretical-practical research from the arts is about my process as a director that advocates a horizontal direction of the play La Edad de la Ciruela by Arístides Vargas. The creation was based on a language far from realism from a non-mimetic theatricality, the use of polyphony and play as a methodological tool of construction. Based on concepts of the Canadian Josette Féral, this study uses theatricality as a poetic support that can make use of an active or passive mimesis, and as a gap between illusion and reality without leaving aside the spectator as a necessary element for this reality to exist. Polyphony is worked on by the researcher Locatelli. Her study of this concept allows to expand its application in theatrical scenarios from the balanced use of elements in space, including the audience for the creation of a work in which the text does not occupy the central axis. Finally, the game as a primary tool for creation is presented as a weapon against a scene tied up in representation and imitation. The objective of this theoretical-practical research from the arts is to analyze, explore and record how these concepts are developed during the creation interested in problematizing a realistic and hegemonic language, and with that to test new ways of looking at and thinking about the world. The result of this experience was the creation of three scenes of the play under my direction in a non-mimetic language.

El concepto estético de la mímesis ha contribuido a la constante construcción y enriquecimiento de la narrativa teórica y crítica de la Historia del Arte. La envergadura del término es tal, que en torno a éste se han justificado los ánimos de independencia de los referentes, dando paso a los movimientos de vanguardia a inicios del siglo XX. En la contemporaneidad artística y ante la preponderancia de lo subjetivo como uno de los valores de la Posmodernidad, parecería que lo que tiene que aportar la mímesis como recurso validador en la relación artista-mundo se circunscribe al marco de una discusión caduca. Bajo dicho escenario, los conocimientos y herramientas provenientes de la ciencia y la tecnología han posibilitado, durante la década de 1980, el arte generativoevolutivo del artista inglés William Latham. El discurso estético de su obra se construye desde la imitación de procesos naturales, concretamente, de la genética y de la biología evolutiva, invitando a un repensar de la significación de la mímesis. Ello implica una revisión del orden semántico–histórico del término hasta su innegable repercusión como uno de los relatos legitimadores del Arte, incluyendo, necesariamente, las posibilidades de representación objetiva prevenientes de la inter o la multidisciplinariedad, las mismas que caracterizan la obra del artista. El corpus de obras de Latham, tomado como caso de estudio, deja entrever la manifestación de la mímesis en su dimensión procesual, implicancia que no solo repercutiría en su completitud terminológica, sino también en la manera de enfrentar y discurrir el Arte mismo / The aesthetic concept of mimesis has contributed to the constant construction and enrichment of the theoretical and critical narrative of Art History. The significance of the term is such that around it the attempts of the models to be independent have been justified, giving way to the avant-garde movements at the beginning of the 20th century. In Contemporary Art, and given the preponderance of the subjective as one of the values of Postmodernism, it would seem that what mimesis has to contribute as a validating resource in the artist-world relationship is limited to the framework of an outdated discussion. In this context, knowledge and tools from science and technology have enabled, during the 1980s, the generative-evolutionary art of the English artist William Latham. The aesthetic discourse of his work is constructed from the imitation of natural processes, specifically, of genetics and evolutionary biology, which invites to rethink the meaning of mimesis. This implies a review of the semantic-historical order of the term until its undeniable impact as one of the legitimizing narratives of Art, necessarily including the possibilities of objective representation from inter or multidisciplinarity, which distinguish the artist's work. Latham's corpus of works, as a case study, shows the manifestation of mimesis in its procedural dimension, an implication that would not only have an impact on its terminological completeness, but also on the way of facing and reflect about the Art itself. / Tesis

La presente investigación nace con la necesidad de brindar, desde las artes escénicas, un aporte al debate sobre la representación escénica de la colectividad andina peruana por parte de personas blancas, la cual legitima su exclusión y discriminación étnico-racial. Así, por medio de una obra de teatro testimonial, un grupo de cuatro personas, conformado por recién egresados y estudiantes andinos de actuación de la FARES y la ENSAD, se presentan de manera crítica frente a esta. Para esto, realizamos un laboratorio donde contemplamos diferentes dinámicas del teatro testimonial como el trabajo con documentos, la relación con objetos, la narración de vivencias, entre otras. Asimismo, registramos audiovisualmente las sesiones, analizamos las bitácoras, los comentarios de los participantes y las opiniones del público. De esta manera, la recolección de información se basa principalmente en este laboratorio, donde los estudiantes o egresados andinos tienen el espacio para hablar desde sus voces. En consecuencia, los participantes demuestran una estructura de poder, cuyos cimientos se remontan a la Colonia, y la imposición de la identidad andina a partir de una ideología racista que plasma en las representaciones escénicas imágenes estereotipadas de las personas andinas. Finalmente, los testimoniantes se reconocen como personas andinas, hijos de migrantes y en proceso de conexión con su andinidad.