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Mecanismos de financiamiento del teatro en Chile y su impacto en los proyectos de creación y producciónCabezas Sánchez, Bernardita, Vargas Arriagada, Natalia January 2014 (has links)
Magíster n gestión cultural / Autor no autoriza el acceso a texto completo de su documento / La presente investigación profundiza en la mecánica de financiamiento de las compañías de teatro en Chile desde sus orígenes; analiza tanto las principales fuentes de financiamiento que el Estado ofrece en la actualidad al sector, como las formas de financiamiento fuera de este marco, tomando en cuenta los diversos mecanismos existentes – tanto privados y mixtos-, comparándolas con las necesidades del sector teatral respecto al financiamiento. Investiga, a través de un estudio de campo, la opinión ‘evaluativa’ del sector teatral en cuanto a los avances que se han hecho desde la institucionalidad del Estado a este nivel, sus políticas, nuevas legislaciones y posibilidades; devela así los grados de satisfacción del sector teatro con las políticas y posibilidades de financiamiento existentes.
Para estos efectos, se realiza un recorrido por la historia del teatro en Chile y sus principales fuentes de financiamiento, como un análisis de la institucionalidad cultural y sus fuentes de financiamiento. Hace un completo diagnóstico del sector, apoyado en una investigación realizada en 2012 por ProTeatro es el que permite establecer las bases de esta investigación como datos primarios que llevaron a realizar el estudio de campo y el posterior análisis de datos. El estudio toma como principal fuente de financiamiento el Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes “Fondart”, dada su importancia en las líneas de postulación de creación y producción de obras de teatro, que es la variable que se estableció para realizar este estudio.
Esta investigación arroja conclusiones importantes que pueden ayudar, entre otras cosas, en el apoyo del fortalecimiento y desarrollo del sector teatral en Chile y la descentralización de las políticas de fomento a la cultura del Estado.
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La relación entre el actor y el director a lo largo del proceso de montaje teatralBarrantes del Río, Carolina 30 April 2018 (has links)
A partir de los conceptos de actor, director y elementos escénicos planteados por Peter Brook y de la idea de distanciamiento brechtiano creado por Bertolt Brecht, la presente investigación profundiza en la relación entre el director y el actor que se desarrolla a lo largo del proceso de montaje teatral. Para dicho análisis, ha sido elegido el proceso de montaje de la obra Casi Transilvania, escrita por la autora Bárbara Colio, realizado por el director Alberto Isola, puesto en escena en el Instituto Cultural Peruano Norte Americano (ICPNA) de Miraflores en el mes de mayo del año 2015. Es así que el presente trabajo desarrolla las etapas del proceso de montaje: las primeras reuniones del equipo, el trabajo de mesa dentro del cual el director explica y desarrolla su y los ensayos de las escenas, y la temporada de funciones. Como conclusión principal se determina que el director teatral guía a cada actor a lo largo de las etapas del proceso mencionado, dándole las herramientas necesarias para que éste construya tanto la imagen interna como externa de su personaje, determine sus acciones y comprenda la estética que el director ha planteado para una particular puesta en escena. De esta manera, se obtiene como resultado una puesta coherente que emita un mensaje claro que permita al espectador observar y reflexionar sobre los temas que trata la obra. / Trabajo de suficiencia profesional
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La escucha periférica: convergencia técnica y simbólica entre los viewpoints y el site specificDiaz Allca, Maritza Alexandra 23 January 2024 (has links)
La presente investigación analiza de qué forma la escucha del intérprete se potencia a través
de la ejecución de intervenciones de site specific en el espacio público. Para hacerlo posible,
se emplearon tres herramientas: los cuatro principios del site specific, la técnica de los
viewpoints y la propiocepción. El objetivo de esta investigación es que estas herramientas
activen la conciencia corporal a nivel personal, a través de la propiocepción; a nivel grupal, a
través de los viewpoints; y a nivel espacial, con los principios del site specific. De esta forma,
la conciencia expandida en estos tres niveles propone un estado activo de alerta, atención y
respuesta, que se manifiesta como una propuesta escénica, a través de la identificación de los
estímulos presentes en los niveles mencionados. Para llevar a cabo esta investigación,
desarrollé un laboratorio teórico–práctico en modalidad presencial donde se compartió con
cuatro interpretes, dos mujeres y dos hombres, las herramientas mencionadas. Los resultados
del estudio confirman la presencia y activación de la escucha “periférica”, término que
agrega el mismo grupo, en las intervenciones callejeras. Se reconoce a la escucha periférica
como un estado de presencia atenta y activa, dispuesto a resolver creativamente y sostener la
propuesta. Es así como se comprueba que la escucha puede potenciarse a través de esta
práctica. Finalmente, en el marco del 22 Festival Saliendo de la Caja, mezclé la técnica
desarrollada en laboratorio con una narrativa que surge de mi relación con el espacio y que
resultó en la obra “En el punto quieto del mundo girando” dirigida por mí y que fue
presentada en marco del festival.
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¿Cuál es el truco para que el jugo sea vino y no vinagre?: teatralidades no miméticas en la dirección de La Edad de la CiruelaAlvarado Ferruzo, Amanda 12 March 2024 (has links)
La presente investigación teórico-práctica desde las artes se trata de mi proceso como
directora que aboga por una escenificación horizontal de la obra La Edad de la Ciruela de
Arístides Vargas. La creación se basó en un lenguaje alejado del realismo a partir de una
teatralidad no mimética, del uso de la polifonía y del juego como herramienta metodológica
de construcción. A partir de conceptos de la canadiense Josette Féral, este estudio se vale de
la teatralidad como soporte poético que puede hacer uso de una mímesis activa o pasiva, y
como brecha entre ilusión y realidad sin dejar de lado al espectador como elemento necesario
para que esta realidad pueda existir. La polifonía se trabaja a partir de la investigadora
Locatelli. Su estudio de este concepto permite expandir su aplicación en escenarios teatrales
desde el uso equilibrado de elementos en el espacio, incluyendo al público para la creación de
una obra en la que el texto no ocupe el eje central. Por último, el juego como herramienta
primaria para la creación se presenta como arma contra una escena amarrada en la
representación e imitación. El objetivo de esta investigación teórico-práctica desde las artes
es analizar, explorar y registrar de qué manera estos conceptos se desarrollan durante la
creación interesada en problematizar un lenguaje realista y hegemónico, y con eso ensayar
nuevas maneras de mirar y pensar el mundo. El resultado de esta experiencia fue la creación
de tres escenas de la obra bajo mi dirección en un lenguaje no mimético. / The present theoretical-practical research from the arts is about my process as a director that
advocates a horizontal direction of the play La Edad de la Ciruela by Arístides Vargas. The
creation was based on a language far from realism from a non-mimetic theatricality, the use
of polyphony and play as a methodological tool of construction. Based on concepts of the
Canadian Josette Féral, this study uses theatricality as a poetic support that can make use of
an active or passive mimesis, and as a gap between illusion and reality without leaving aside
the spectator as a necessary element for this reality to exist. Polyphony is worked on by the
researcher Locatelli. Her study of this concept allows to expand its application in theatrical
scenarios from the balanced use of elements in space, including the audience for the creation
of a work in which the text does not occupy the central axis. Finally, the game as a primary
tool for creation is presented as a weapon against a scene tied up in representation and
imitation. The objective of this theoretical-practical research from the arts is to analyze,
explore and record how these concepts are developed during the creation interested in
problematizing a realistic and hegemonic language, and with that to test new ways of looking
at and thinking about the world. The result of this experience was the creation of three scenes
of the play under my direction in a non-mimetic language.
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La dirección de arte en el teatro peruano en Lima: Integración de la propuesta estética visual escénica y la gráfica publicitaria del montaje teatralBlotte Gallarday, Andrea Janeth 31 August 2021 (has links)
La dirección de arte es una disciplina que se encarga de articular la propuesta estética de
un proyecto con todos los elementos visuales que se tienen a disposición, con el fin de
transmitir un mensaje o la visión que el director del proyecto tiene para él. Esta disciplina
es realizada por una persona especializada y está presente en medios como el cine o la
publicidad. Asimismo, el teatro tiene elementos en su puesta en escena y la gráfica
publicitaria que comparte con estos dos medios, sin embargo, no es tan común escuchar
el término “dirección de arte” o tener a una persona que se encargue de ella en un montaje.
La presente tesis, entonces, busca definir qué es la dirección de arte tanto en el cine como
en la publicidad, además que quiere demostrar cómo esta puede ser aplicada en la
integración de la propuesta visual escénica y los elementos de gráfica publicitaria en el
montaje. Esto se hará en base a teoría reunida del cine, teatro, publicidad y diseño gráfico;
así como con apoyo de una encuesta a personas del medio teatral limeño y entrevistas a
profesionales locales en dirección de arte, dirección y producción escénica. Finalmente,
esto, además de mostrarnos cómo se ejecuta la dirección de arte en el teatro, nos permitirá
entender la situación del teatro peruano en Lima en torno a este tema.
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La influencia pictórica en la técnica de dirección de Jorge GuerraOlivos Saavedra, Stefany Milagros 31 January 2020 (has links)
El presente proyecto es un acercamiento a la técnica de dirección escénica
desarrollada por Jorge Guerra Castro para conocer cómo esta ha sido delimitada y
afianzada con base en una serie de herramientas propias de la pintura. Estos elementos
son tanto definiciones técnicas pictóricas (perspectiva, color y textura) como
corrientes vanguardistas de la historia de la pintura europea. Dichos elementos se
aplican en momentos indistintos de un proceso creativo, dependiendo de una serie de
factores que la obra a realizar exige. Las principales influencias pictóricas de Jorge
Guerra provienen de tres vertientes diferentes: el expresionismo alemán, el desarrollo
del diseño escenográfico de Adolphe Appia y el legado de Erwin Piscator y Bertolt
Brecht. Se logrará sistematizar la influencia de dichos principios estudiando cómo es
que los aplica en la dirección de dos de las obras que ha realizado en Perú: La cura en
Troya de Seamus Heaney y La cocina de Arnold Wesker. El análisis se dará a partir de
apuntes y bocetos realizados por el propio artista. Todos los componentes pictóricos son
filtrados por el director bajo el concepto brechtiano de gestus escénico, teniendo una
percepción gráfica de dicha definición, tanto en el proceso creativo de los personajes
como en la concepción general del montaje. Este es un estudio que surge de la
necesidad de indagar en la técnica de un director peruano poco estudiado en el campo
académico de las Artes Escénicas.
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La relación entre el actor y el director a lo largo del proceso de montaje teatralBarrantes del Río, Carolina 30 April 2018 (has links)
A partir de los conceptos de actor, director y elementos escénicos planteados por Peter Brook y de la idea de distanciamiento brechtiano creado por Bertolt Brecht, la presente investigación profundiza en la relación entre el director y el actor que se desarrolla a lo largo del proceso de montaje teatral. Para dicho análisis, ha sido elegido el proceso de montaje de la obra Casi Transilvania, escrita por la autora Bárbara Colio, realizado por el director Alberto Isola, puesto en escena en el Instituto Cultural Peruano Norte Americano (ICPNA) de Miraflores en el mes de mayo del año 2015. Es así que el presente trabajo desarrolla las etapas del proceso de montaje: las primeras reuniones del equipo, el trabajo de mesa dentro del cual el director explica y desarrolla su y los ensayos de las escenas, y la temporada de funciones. Como conclusión principal se determina que el director teatral guía a cada actor a lo largo de las etapas del proceso mencionado, dándole las herramientas necesarias para que éste construya tanto la imagen interna como externa de su personaje, determine sus acciones y comprenda la estética que el director ha planteado para una particular puesta en escena. De esta manera, se obtiene como resultado una puesta coherente que emita un mensaje claro que permita al espectador observar y reflexionar sobre los temas que trata la obra.
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Crisis política de las elecciones presidenciales 2021 desde la escena empleando la sátira: corporalidades y discursos en el proyecto Presidencia en JuegoAlvarado Rivera, Alejandra Mariafe 22 May 2024 (has links)
El presente trabajo de investigación aborda la crisis política de las elecciones presidenciales
de 2021 desde la escena empleando la sátira en el hecho escénico Presidencia en Juego. La
investigación se desarrolla a través de la elaboración y realización de un laboratorio de
creación escénica en el cual se trabaja la construcción de las corporalidades y discursos
satíricos. A partir de ello, la investigación presenta el proceso de experimentación escénica
dentro de las sesiones de laboratorio que aporta a la reflexión sobre el comportamiento
político desde un lugar de crítica, el cual es una de las primeras funciones de la sátira como
elemento de creación. Como principales objetivos, se logra analizar la corporalidad y los
discursos de los personajes Castillo y Fujimori interpretados por los dos participantes dentro
del laboratorio. A partir del trabajo en el laboratorio, se logra construir cuerpos satíricos que
emiten discursos de crítica hacia la condición de la política peruana. Es así como podemos
decir que la sátira es también una herramienta escénica con lo cual se puede construir nuevas
corporalidades para la interpretación de un personaje y brinda diversas maneras de trabajar
los discursos de crítica y/o denuncia hacia la política observándolo como una toma de poder,
en este caso, presidencial.
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El Hombre Ave, el Robot y una búsqueda por el cuidado en las dinámicas de poder entre directora y performerBullard Elias, Ines 20 July 2022 (has links)
La presente investigación busca identificar y analizar cuáles fueron los mecanismos
implementados para buscar asegurar el cuidado en las dinámicas de poder entre directora performer en la obra peruana "El Hombre Ave y el Robot" (2021). La obra escénica y
audiovisual analizada partió de la escenificación del vínculo fraternal entre Alfredo, una
persona neurodiverso, y yo, su hermana mayor. Esta escenificación tuvo dos grandes puntos
de partida: Lo documental y la creación conjunta de una narrativa fantástica. Se encontró que
los cuestionamientos éticos en la relación directora-performer se complejizan por sus varias
vertientes: El hecho que también asumí el rol de editora y documentalista, Alfredo siendo
neurodiverso y yo neurotípica y finalmente, que se trata de una relación fraternal. Esto llevó a
potenciales cuestionamientos morales cómo el peligro de caer en estereotipos, el deber moral
del documentalista para representar una realidad “objetiva”, y el debate que trae consigo el
buscar representar las facetas afectivas y vulnerables de una relación. Posteriormente, se
analizaron tres mecanismos implementados durante el proceso para identificar de qué formas
cuidan estas dinámicas de poder: La entrada multidimensional a la representación, el juego
como herramienta predilecta de escenificación, y la creación colaborativa. Se logró concluir
que si bien las jerarquías en los procesos de creación son ineludibles, la implementación de
estos mecanismos, en conjunto con el objetivo del proceso de crear un producto colaborativo
y conjunto, logró generar un espacio de mayor libertad y en donde ambos teníamos agencia
creativa. El mostrar este proceso ante el espectador también invitó a la reflexión y
cuestionamiento de estereotipos y discursos hegemónicos sobre lo neurodiverso, lo
neurotípico, y el poder cómo meramente vertical. / This research-based paper seeks to identify and analyze what mechanisms were implemented
to ensure an ethical care in the dynamics of power between director and performer in the
Peruvian play "El Hombre Ave y el Robot" (2021). This theatrical and audiovisual play took
as a starting point the representation of the fraternal bond between a neurodiverse subject,
Alfredo, and me, his older sister. This process had two axes: the documentary and the joint
creation of a fantastic narrative. It was found that ethical questions in the director-performer
relationship are made more complex by the fact that it contains various aspects: The fact that I
also assumed the role of editor and documentarian, Alfredo being neurodiverse and I
neurotypical, and finally, that it was a fraternal relationship. This led to potential moral
questioning such as the danger of representation stereotypes, the documentary filmmaker's
moral duty to represent an “objective” reality, and the debate that comes with seeking to
represent the affective and vulnerable facets of a relationship. Subsequently, three mechanisms
implemented during the process were analyzed to identify in what ways they looked out for
these ethical dilemmas: The multidimensional entrance to the representation, play as the most
utilized tool of representation, and collaborative creation. It was possible to conclude that
although the hierarchies in creation processes are inescapable, the implementation of these
mechanisms, together with the process´ objective to create a collaborative and jointly created
product, managed to generate a space of greater freedom and where we both had creative
agency. Showing this process to the spectator also invited reflection and questioning of
stereotypes and hegemonic discourses regarding neurodiversity, the neurotypical, and the
application of power as solely a vertical practice.
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Al Deseo de Seguir Viviendo: Performance feminista, visualidad y reivindicación del cuerpo político de la mujerGutierrez Almanza, Gabriela Alejandra 19 June 2024 (has links)
La presente investigación se realiza desde las artes escénicas, cuyo objetivo fue la creación de
la pieza performática “Al deseo de seguir viviendo”. Se trabajó desde un laboratorio de
creación e investigación, cuya base conceptual fue el cuerpo de la mujer como herramienta
política que busca la reivindicación a partir de la violencia de género ejercida sobre nuestros
cuerpos. El laboratorio fue concebido como un espacio seguro para el diálogo y la
exploración, la relación entre mi compañera y yo provino del soporte, el afecto y sobre todo,
el respeto a nuestros propios límites en el momento de trabajar. Gracias a este espacio seguro,
pudimos acercarnos con responsabilidad y cuidado a tres casos específicos de feminicidios,
Solsiret Rodríguez, Marisol Estela Alva y Shirley Enriquez. Es importante aclarar que la
pieza performática no fue una interpretación o escenificación de sucesos violentos, sino que
partió desde el deseo de transformar la violencia sobre nuestros cuerpos y lograr la
reivindicación sobre nosotras, nuestros cuerpos y nuestras historias de vida más allá de la
violencia de género que atravesamos.
En este sentido, la performance “Al deseo de seguir viviendo” se realizó en un espacio
abierto, introduciendo al espacio diversos medios performáticos como mi cuerpo, los cuerpos
de mis compañeras, las presencias ausentes mediante el uso de la ropa como puente a la
resignificación de sus cuerpos, y de manera transversal, la caminata sostenida que nos
permite transitar y anunciarnos en el espacio.
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