Orientador: Marcos Fernandes Pupo Nogueira / Banca: Achille Guido Picchi / Banca: Maurício Funcia de Bonis / Banca: Adriana Lopes da Cunha Moreira / Banca: Paulo de Tarso Camargo Cambraia Salles / Resumo: Esta pesquisa investiga a relação texto-música e as estratégias de composição musical em obras que tomam um texto poético como ponto de partida. As obras estudadas foram Pétala Petulância de Eduardo Guimarães Álvares, sobre poemas de Alícia Duarte Penna, Le Fruit Ardent (do Portrait de Nadia Boulanger) de Almeida Prado, baseada em poema de Paul Valéry e As Estrelasde Harry Crowl, sobre poema de Cruz e Sousa. O estudo dessas obras envolveu a análise musical baseada na análise motívica a partir de Schoenberg, na Teoria dos Conjuntos a partir de Forte, Oliveira, Straus, além de referências a outros teóricos musicais como Motte e Cook. Também foi realizada uma análise poética dos textos musicados, baseada em Bosi, Cândido, Jakobson, Goldstein e Tavares, complementada pela leitura de estudos sobre Cruz e Sousa (realizados por Bastide, Rabello, entre outros) e Paul Valéry (realizados por Andersen, Daniel Lefèvre, entre outros). A partir de uma comparação entre as obras estudadas, esta pesquisa verificou como a diferença entre os poemas escolhidos por cada compositor se reflete nas relações entre texto e música. A maior abstração ou, diferentemente, a maior concretude das imagens dos poemas influencia na maneira como são percebidos os elos entre um poema e a composição musical nele baseada. Esta tese detectou também que o interesse dos compositores abordados pelas imagens dos textos musicados está associado a uma busca de sonoridades e texturas musicais específicas. Esta pesquisa demonstrou que muitas conexões entre poesia e música resultam do fato de as duas linguagens se desenrolarem no tempo e envolverem relações de similaridade e contraste entre momentos distintos de seu percurso temporal. Um poema, quando declamado, inclui várias pausas, decorrentes de fatores sintáticos, semânticos, métricos ou formais, e um importante ponto de contato ou de tensão entre poema... / Abstract: This research investigates the text-music relationship and strategies of musical composition in works that take a poetic text as a point of departure. The works approached were Pétala Petulânciaby Eduardo Guimarães Álvares on poems by Alícia Duarte Penna, Le Fruit Ardent (from Portrait de Nadia Boulanger) by Almeida Prado, on a poem by Paul Valéry and As Estrelasby Harry Crowl, on a poem by Cruz e Sousa. The study of this works involves a musical analysis making use of a MotivicAnalysis based on Schoenberg and of the Set Theory based on Forte, Oliveira and Straus. It also refers to other musical theorists such as Cook and Motte. This study encompass too a poetic analysis of the texts of the musical pieces approached, based on Bosi, Cândido, Goldstein, Jakobson and Tavares, complemented by studies on Cruz e Sousa (by Bastide, Rabello) and on Paul Valéry (by Andersen and Daniel Lefèvre). This research has verified that the differences between the poems chosen by each composer affect the text-music relationship. This study demonstrates that many connections between poetry and music results from the fact thatboth are temporal languages and involve relations of similarity and contrast between different moments of their temporal trajectory. This research has also explained elements of the musical pieces that sometimes are independent of the text, such as their motivic elaboration. / Doutor

Orientador: Graziela Bortz / Banca: Edilson Vicente de Lima / Banca: Yara Casnók / Resumo: Esta pesquisa investigou as ferramentas composicionais utilizadas por Villa-Lobos ao compor as Bachianas Brasileiras no 4, e como ele se apropriou do neoclassicismo musical sem perder sua originalidade artística, integrando elementos da música brasileira com a poética musical de J. S. Bach. Pelo fato da obra aqui investigada ser construída sobre uma sintaxe musical de distintos períodos da História da Música, foi necessário recorrermos a diferentes teóricos musicais. Foram eles: Berry (1987), Lester (1989), Neumeyer & Tepping (1992), Caplin (1998) e Strauss (2013). Para abordar o possível uso de figuras retóricas, como aquelas utilizadas por J. S. Bach, consultou-se Bartel (1997). O estudo constatou que, apesar de Villa-Lobos não ter tido uma educação musical formal no Brasil, nem ter ido à Europa para estudar, como foi o caso de Carlos Gomes, Nepomuceno, entre outros, ele tinha plena consciência das ferramentas composicionais europeias, tanto da tradição como da vanguarda / Abstract: This research investigates compositional elements used by Villa-Lobos at Bachianas Brasileiras no 4 and how the elements of Brazilian music and those used by JS Bach are integrated. The organizational elements in its structure and its compositional unfolding are observed. Because Villa-Lobos uses a diffuse musical language, it is impossible to approach his grammar with one analytical tool only. For this reason, we make use of different theoretical tools to analyze the Bachianas Brasileiras no 4 for piano solo. Theoretical and analytical authors, such as Berry (1987), Lester (1989), Neumeyer & Tepping (1992) e Strauss (2013) are referred here. To address the possible use of rhetorical figures, such as those used by JS Bach, we consulted Bartel (1997). This study observes that, despite of Villa-Lobos' and creative spirit, his mystic image as an intuitive composer, folklorist and wild, he was fully aware of the European compositional avant-garde techniques, and dialogued with those compositional currents / Mestre

Orientador: Paulo Augusto Castagna / Banca: Marcos Fernandes Pupo Nogueira / Banca: Lia Vera Tomás / Banca: Mônica Isabel Lucas / Banca: Carin Zwilling / Resumo: Esta Tese procura elucidar o impacto local e internacional do "Muzico e Moderno Systema para Solfejar sem Confuzão", método escrito em 1776 por Luís Álvares Pinto, músico pernambucano do século XVIII. A importância do método não se encontra somente no fato de este ser um texto brasileiro ainda não estudado, mas especialmente em seu conteúdo, que de acordo com pesquisas recentes, é o primeiro tratado em língua portuguesa a defender a prática um novo sistema de solfejo, baseado no heptacorde, também conhecido como "solfejo francês". A primeira descrição conhecida do solfejo heptacordal francês, por um teórico luso-brasileiro, está presente na "Escola de Canto de Órgão" escrita pelo Padre Caetano de Melo de Jesus em 1759, sendo que o mesmo advoga pela manutenção do sistema hexacordal aretino. Apenas dois anos após, em 1761, Álvares Pinto defende o sistema francês em sua "Arte de Solfejar", primeiro método escrito pelo músico pernambucano e localizado na Biblioteca Nacional de Portugal. Foi somente em 1778 que o solfejo francês foi mencionado por um teórico português, no tratado "O Eclesiástico Instruído" de Frei Bernardo da Conceição. O "Muzico e Moderno Systema" representa uma revisão ampliada do conteúdo da breve "Arte de Solfejar", descrevendo o seu método a partir de Observações amplas e complexas, fundamentadas em autores dos séculos XVII e XVIII, especialmente Sebastien de Brossard. No decorrer desta pesquisa iremos analisar o método do "Muzico e Moderno Systema", relacion... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This thesis aims at elucidating the local and international impact of "Muzico e Moderno Systema para Solfejar sem Confuzão", method written in 1776 by Luís Álvares Pinto, a eighteenth century musician born in Pernambuco, Brazil. The importance of this method is not only the fact that it remains practically unstudied, but especially in its content, which according to recent researches, is the first theoretical music text to defend the practice of a new solmization system, based on the heptachord, also known as French solmization. The first known description of the French heptachordal solmization, by a Portuguese-Brazilian theorist was found in "Escola de Canto de Órgão", written by the Brazilian priest Caetano de Mello de Jesus, in 1759, although he still supports maintaining the hexachordal system of Guido of Arezzo. Only two years later, in 1761, Álvares Pinto defends the French system in the "Arte de Sofejar", first method written by the Brazilian musician and located in the Portuguese National Library. It eas only in 1778 that this French solmization was first mentioned by a Portuguese music theorist, in the treatise "O Eclesiástico Instruído" by Friar Bernardo da Conceição. The "Muzico e Moderno Systema" is a expanded revision of the content present in the brief method "Arte de Solfejar", describing its system with large and complex Observations, based on authors of the seventeenth and eighteenth centuries, especially Sebastien de Brossard. During this research we will ex... (Complete abstract click electronic access below) / Doutor

Orientador: Martha Herr / Banca: Márcia Aparecida Baldin Guimarães / Banca: Adriana Giarola Kayama / Banca: Angelo José Fernandes / Banca: Lenine Alves dos Santos / Resumo: A parceria entre a poetisa Suzanna de Campos e o compositor Camargo Guarnieri resultou em 18 canções para canto e piano. Neste estudo apresentamos as principais características poéticas e musicais de cada uma das canções desses dois artistas proporcionando, assim, um leque de informações e dados que objetivam servir de inspiração para o intérprete. No estudo da poesia, apresentamos o poema original, sua forma, seu ritmo, sua métrica e sua sonoridade. No estudo da música, fornecemos informações sobre a melodia, o ritmo, a dinâmica, o acompanhamento e a forma da canção. Os aspectos musicais foram destacados a partir do texto, já que foi ele o primeiro a inspirar o compositor e é através dele que os intérpretes podem desvendar os segredos da canção, para que o ouvinte receba a plenitude de seu significado poético e musical. Através do estudo das canções pudemos constatar uma íntima relação entre a escrita da linha vocal de Guarnieri e a prolação livre do português brasileiro. A metodologia proposta e utilizada para o estudo das canções é resultado da compilação de ideias e sugestões de vários musicólogos e da própria autora e, além de contribuir para a riqueza interpretativa das 18 canções estudadas, pode servir de modelo para estudo de outras canções. Um levantamento das principais características estilísticas de composição das canções foi feita, com intuito de familiarizar o leitor com a escrita guarnieriana. Todas as 18 canções foram editoradas com base nos manuscritos do compositor e essa editoração apresenta transcrição fonética e tradução para o inglês. / Abstract: The partnership between the poet Suzanna de Campos and the composer Camargo Guarnieri resulted in 18 art songs for voice and piano. In the current work, we present the main poetical and musical characteristics of each of the songs by those artists, offering, thus, a host of information and data that aim at serving as inspiration for the interpreter. When studying the poem, we presented the original text, its form, rhythm, meter and sonority. When studying the music, we pro vided information about the melody, the rhythm, the dynamics, the accompaniment and the form of the song. The musical aspects were highlighted using the text as lens, being as it was the first inspiration to the composer and it is through it that interpret ers can uncover the secrets of the song, so that the listener receives the plenitude of its poetical and musical meaning. Through the study of the art songs, we could evidence an intimate relationship between Guarnieri's vocal lines and the free prolation of the Brazilian Portuguese. The methodology proposed and used for studying the songs is the result of the compilation of ideas and suggestions from various musicologists and the author herself and, beyond contributing to the interpretative riches of the 18 songs studied, may serve as a model for the study of other songs. A survey of the main compositional stylistic characteristics of the songs was undertaken, with the objective of getting the reader acquainted with Guarnieri's writing traits. All of the 18 art songs were edited using the composer's manuscripts and this editoration includes phonetic transcriptions and translations into English. / Doutor

Este trabalho de Mestrado propõe uma análise sobre a escrita orquestral da música brasileira com foco na Suíte Brasiliana n.1 de Cyro Pereira, composta em 1962. Assim, contextualiza e apresenta um histórico da escrita da música popular brasileira para orquestra, citando trechos de partituras de alguns arranjos de Pixinguinha e Radamés Gnattali na Época de Ouro da década de 1930. Analisa como os instrumentos musicais não convencionais são inseridos na orquestra e como são utilizados novos elementos rítmicos em obras do repertório sinfônico brasileiro, destacando composições de Heitor Villa-Lobos. Registra, ainda, uma pesquisa sobre os ritmos brasileiros: dobrado, toada, choro, valsa e baião. Explana sobre utilização dos recursos composicionais e das técnicas de orquestração na obra de Cyro Pereira, fazendo uso de exemplos construídos tendo como base a partitura da suíte na versão adaptada e reorquestrada de 1992. Por fim, vale ressaltar que, como parte deste trabalho, foi realizada uma edição revisada da partitura da Suíte Brasiliana n. 1 (versão de 1992). / This fine Masters work aims at analyzing the orchestral score of the Brazilian music focusing at Suite Brasiliana n.1 by Cyro Pereira, composed in 1962. Therefore, it contextualizes and presents a detailed report of the written composition of the Brazilian Popular Music for orchestra, making reference to passages of scores from some musical arrangements by Pixinguinha and Radamés Gnattali in the Época de Ouro (The Golden Period) in the thirties. It analyzes both the way through which non conventional instruments are put in the orchestra and how the new rhythmic elements of some Brazilian symphonic opuses are used, giving emphasis to the musical work composed by Villas-Lobos. It also shows a research about Brazilian rhythms: dobrado (marching music), toada, choro, valsa (waltz) and baião. Besides, it explains how the compositional resources and the techniques for orchestration are used in Cyro Pereira´s work, giving examples from the score of the suite adapted and reorchestrated in the 1992 version. Finally, it is worth to point out that it was part of this paper to make a revised version of the score Suite Brasiliana n.1 by Cyro Pereira (in the 1992 version).

Orientador: Alberto Tsuyoshi Ikeda / Banca: Arnaldo Contier / Banca: Carlos Stasi / Banca: Tânia da Costa Garcia / Banca: Dorotéa Kerr / Resumo: Conhecido por sua atuação como compositor, arranjador e instrumentista (violonista) no exterior, o brasileiro Laurindo Almeida (1917-1995) encontra-se em relativa "margem" de nossa historiografia musical, tanto erudita quanto popular. Um dos prováveis motivos: a suposta perda de vínculo do músico com as "coisas do Brasil" no campo musical, como resultado de sua emigração para Estados Unidos da América, país que escolhera para viver e exercer sua profissão a partir de 1947 - conforme argumento de parte de nossos historiadores e musicólogos. Posto isto, no sentido de suprir esta lacuna historiográfica, propusemos primeiramente descortinar sua trajetória artista, traçar o seu "perfil identitário musical" e, por conseguinte, também averiguar a razão (ou as razões) desta situação marginal de sua carreira em terras brasileiras. Para tanto, dedicamos especial atenção às parcerias que o violonista estabeleceu ao longo de sua vida. No Brasil, dentre elas tiveram destaque Aníbal Augusto Sardinha, o "Garoto", Carmem Miranda, Radamés Gnattali, e, por fim, Heitor Villa-Lobos. Nos EUA, destacamos o band lider Stan Kenton, David Raksin (maestro, compositor e arranjador de trilhas sonoras), e também Igor Stravinsky; personalidades com as quais trabalhou em diferentes momentos de sua trajetória artística. Seu perfil identitário foi traçado, sobretudo, a partir da análise de sua produção musical gravada em disco, e também por meio do reconhecimento de concepção estética, bem como de determinadas estruturas musicais que, diante da sua recorrência, tomamos como características do violonista. Contrariando o argumento supramencionado, procuramos demonstrar que Laurindo Almeida manteve sim, forte lastro com a música erudita e popular brasileira ao longo de toda a sua carreira no exterior. Porém, num contexto histórico... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: Recognized by his career overseas as a composer, arranger and performer (guitar player), Brazilian Laurindo Almeida (1917-1995) is found apart from our musical historiography, both classical and popular. One of the most likely reasons: his supposed loss of connection with "Brazilian things" in the musical field, as a result of his migration to the United States of America, country chosen by him for living and developing his career from 1947 - according to the arguments of our musicologists and historians. Therefore, in order to make up for this historical gap, we propose at first to reveal his path as an artist, to map his "musical identity profile" and, consequently, to analyze the reason (or reasons) of the marginal situation of his carrier in the Brazilian context. Thereunto, we dedicate special attention to the partnerships that this guitarist established along his life. In Brazil, among the outstanding ones are Aníbal Augusto Sardinha, or "Garoto", Carmen Miranda, Radamés Gnattali, and, lastly, Heitor Villa- Lobos. In the USA, we highlight the band-leader Stan Kenton, David Raksin (conductor, composer and arranger of soundtracks), as well as Igor Stravinsky; personalities with whom he worked in different moments of his artistic trajectory. His identity profile was drawn mainly from the analysis of his musical production recorded in disc, and also by recognizing aesthetic conception and musical structures which due to their recurrence, we take as features of the guitar player. Unlike the aforementioned argument, we seek to demonstrate that Laurindo Almeida maintained indeed, strong involvement with classical and popular Brazilian music along his entire career abroad. Nevertheless, in the "globalized" historical context that the United States already... (Complete abstract click electronic access below) / Doutor

Orientador: Giacomo Bartoloni / Banca: Paulo de Tarso Camargo Cambraia Salles / Banca: Achille Guido Picchi / Resumo: Esta dissertação tem como foco o idiomatismo em música e sua manifestação na obra para violão solo de Sebastião Tapajós, em que procuramos verificar, através de uma pesquisa de cunho bibliográfico, a utilização do termo idiomatismo no âmbito acadêmico musical, com ênfase para o meio violonístico, e sua aplicabilidade analítica na obra do compositor. Iniciamos este trabalho discutindo sobre os significados do termo e sua utilização nas produções acadêmicas brasileiras, abrangendo as possibilidades conceituais do termo como linguagem musical, linguagem composicional, e linguagem instrumental, com ênfase para o instrumento violão. A segunda parte da pesquisa é dedicada ao compositor Sebastião Tapajós, em que traçamos um perfil biográfico do violonista, destacando sua trajetória, influência, e sua obra para violão solo. E na terceira parte, foi realizada uma análise de cinco peças para violão solo do compositor, destacando o idiomático em sua linguagem musical, instrumental e em sua linguagem composicional / Abstract: This research focuses on idioms in music and its manifestation in the works for solo guitar by Sebastião Tapajós that we seek to verify, through a bibliographical research, the use of the term idiomatically in the academic musical scope, with emphasis in the guitar world and its applicability in the analytical work of the composer. We started this work discussing the meanings of the term and its use in the Brazilian academic production, including the conceptual possibilities of the term as musical language, compositional language, with emphasis on the instrument guitar. The second part of the research is dedicated to the composer Sebastião Tapajós, where we described a biographical profile of the guitarist, highlighting his history, influence, and his work for solo guitar. And in the third part, an analysis was made of five pieces for solo guitar by composer, highlighting his idiomatic musical language, and instrumental in his compositional language / Mestre

Este trabalho de Mestrado propõe uma análise sobre a escrita orquestral da música brasileira com foco na Suíte Brasiliana n.1 de Cyro Pereira, composta em 1962. Assim, contextualiza e apresenta um histórico da escrita da música popular brasileira para orquestra, citando trechos de partituras de alguns arranjos de Pixinguinha e Radamés Gnattali na Época de Ouro da década de 1930. Analisa como os instrumentos musicais não convencionais são inseridos na orquestra e como são utilizados novos elementos rítmicos em obras do repertório sinfônico brasileiro, destacando composições de Heitor Villa-Lobos. Registra, ainda, uma pesquisa sobre os ritmos brasileiros: dobrado, toada, choro, valsa e baião. Explana sobre utilização dos recursos composicionais e das técnicas de orquestração na obra de Cyro Pereira, fazendo uso de exemplos construídos tendo como base a partitura da suíte na versão adaptada e reorquestrada de 1992. Por fim, vale ressaltar que, como parte deste trabalho, foi realizada uma edição revisada da partitura da Suíte Brasiliana n. 1 (versão de 1992). / This fine Masters work aims at analyzing the orchestral score of the Brazilian music focusing at Suite Brasiliana n.1 by Cyro Pereira, composed in 1962. Therefore, it contextualizes and presents a detailed report of the written composition of the Brazilian Popular Music for orchestra, making reference to passages of scores from some musical arrangements by Pixinguinha and Radamés Gnattali in the Época de Ouro (The Golden Period) in the thirties. It analyzes both the way through which non conventional instruments are put in the orchestra and how the new rhythmic elements of some Brazilian symphonic opuses are used, giving emphasis to the musical work composed by Villas-Lobos. It also shows a research about Brazilian rhythms: dobrado (marching music), toada, choro, valsa (waltz) and baião. Besides, it explains how the compositional resources and the techniques for orchestration are used in Cyro Pereira´s work, giving examples from the score of the suite adapted and reorchestrated in the 1992 version. Finally, it is worth to point out that it was part of this paper to make a revised version of the score Suite Brasiliana n.1 by Cyro Pereira (in the 1992 version).

Este trabalho tem como objetivo principal descobrir e revelar como Francisco Mignone compôs as 12 Valsas de Esquina e as 12 Valsas-Choro para piano solo, contribuindo para o estudo e a divulgação da música brasileira. Através da análise realizada nesta tese, revelou-se o idiomático de Mignone referente a essas obras. Além disso, investigaram-se os dados biográficos desse compositor, o gênero valsa e a contextualização da época em que as peças foram compostas. Como acréscimo, foi elaborado um guia interpretativo baseado na análise dessas Valsas e realizada uma entrevista com a pianista e viúva do compositor, Maria Josephina Mignone. A conclusão desta pesquisa, a partir das importantes informações apresentadas nos capítulos e também do resultado da análise, identifica a estrutura musical utilizada nas 12 Valsas de Esquina e nas 12 Valsas-Choro. / This paper\'s main objective is to discover and reveal how Francisco Mignone wrote the 12 Waltzes Corner and Choro-12 Waltzes for piano, contributing to the study and dissemination of Brazilian music. Through the analysis conducted in this thesis, proved the idiom of Mignone on these works. Furthermore, we investigated the biographical data of the composer, the dance, and the gender context of the time in which the pieces were composed. How increase has produced a guide for interpretation based on analysis of waltzes and held an interview with the pianist and composer\'s widow, Maria Josephina Mignone. The conclusion of this research, from the important information presented in the chapters and also the result of the analysis identifies the musical structure used in the 12 Waltzes Corner and 12 Waltzes-Choro.

Este trabalho tem como objetivo principal descobrir e revelar como Francisco Mignone compôs as 12 Valsas de Esquina e as 12 Valsas-Choro para piano solo, contribuindo para o estudo e a divulgação da música brasileira. Através da análise realizada nesta tese, revelou-se o idiomático de Mignone referente a essas obras. Além disso, investigaram-se os dados biográficos desse compositor, o gênero valsa e a contextualização da época em que as peças foram compostas. Como acréscimo, foi elaborado um guia interpretativo baseado na análise dessas Valsas e realizada uma entrevista com a pianista e viúva do compositor, Maria Josephina Mignone. A conclusão desta pesquisa, a partir das importantes informações apresentadas nos capítulos e também do resultado da análise, identifica a estrutura musical utilizada nas 12 Valsas de Esquina e nas 12 Valsas-Choro. / This paper\'s main objective is to discover and reveal how Francisco Mignone wrote the 12 Waltzes Corner and Choro-12 Waltzes for piano, contributing to the study and dissemination of Brazilian music. Through the analysis conducted in this thesis, proved the idiom of Mignone on these works. Furthermore, we investigated the biographical data of the composer, the dance, and the gender context of the time in which the pieces were composed. How increase has produced a guide for interpretation based on analysis of waltzes and held an interview with the pianist and composer\'s widow, Maria Josephina Mignone. The conclusion of this research, from the important information presented in the chapters and also the result of the analysis identifies the musical structure used in the 12 Waltzes Corner and 12 Waltzes-Choro.