Orientadores: Eduardo Antonio Conde Garcia Junior, Mauricy Matos Martin / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-17T14:54:19Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Shigeta_Ayumi_M.pdf: 1413010 bytes, checksum: 17ec7f031c9fa9ac2b3f8399fc2ab4a5 (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: Esta dissertação trata de questões referentes à interpretação pianística contemporânea e à importância de sua aproximação com a história. Para tanto, primeiramente, elaborou-se um breve estudo de duas concepções interpretativas opostas, mostrando os prós e os contras de cada uma delas, a saber, a da execução histórica ou historicamente autêntica, representada pelo movimento da Música Antiga, e a da abordagem atemporal ou anti-histórica da interpretação, dita também "pós-moderna", tributária do estruturalismo. A seguir, combinaram-se as duas, resultando na perspectiva de interpretação aqui defendida, à qual se denomina "historicamente informada". Igualmente procede-se a uma análise focada na execução da última obra para piano de Beethoven, as Bagatelas op.126, mostrando como um músico prático pode valer-se da história para aperfeiçoar sua interpretação. A metodologia de análise baseou-se nos livros Beethoven on Beethoven: playing his piano music his way de William S. Newman e Performance Practices in Classic Piano Music de Sandra P. Rosenblum / Abstract: This dissertation is about questions concerning to the contemporary piano interpretation and the importance of its approximation to history. So, firstly, a brief study on two opposite interpretative conceptions was prepared showing the pros and cons of each one of them, namely the historical or historically authentic performance, represented by the Ancient Music movement, and the atemporal or antihistorical approach of performance, also called "post-modern", tributary of structuralism. Next, both of them were combined resulting in the performance prospect here defended, so named "historically informed". Then, an analysis focused on the last Beethoven piano pieces, the six Bagatelles op.126, was carried out, showing how a practical musician can make use of history in order to improve his performance. The analytic methodology is based on the books Beethoven on Beethoven: playing his piano music his way by William S. Newman and Performance Practices in Classic Piano Music by Sandra P. Rosenblum / Mestrado / Mestre em Música

Orientador: Mauricy Matos Martin / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-05T01:49:33Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Shimabuco_LucianaSayure_D.pdf: 32711734 bytes, checksum: f295ec999192b805044f68e56539e7d4 (MD5) Previous issue date: 2005 / Resumo: A forma como resultante do processo composicional de Gyõrgy Ligeti no primeiro livro de Estudos para piano salienta aspectos que estabelecem os Estudos de Ligeti entre os expoentes do repertório pianístico contemporâneo, não apenas pela sua substância composicional, mas também pela renovadora abordagem das possibilidades oferecidas pelo piano. Para tanto, a tese está estruturada em três capítulos: CAPÍTULO 1 - O compositor: Gyõrgy Ligeti. Trata-se de um estudo que transita cronologicamente pelos diversos períodos biográficos do compositor, reconhecendo eventos que agiiram diretamente em seu desenvolvimento e em sua conformação artística. Contextualiza compositor e obra no cenário artístico e cultural dos séculos XX e XXI, estabelecendo um campo de informações embasadas em textos e entrevistas do próprio compositor e necessárias a uma compreensão mais frutífera da obra abordada neste trabalho. CAPÍTULO 2 - A obra: primeiro livro de Estudos para piano. Após uma breve abordagem histórica da produção pianística do compositor - desde o período húngaro até o surgimento dos Estudos, na década de 80 - este capítulo oferece o levantamento e a análise dos materiais e processos composicionais empregados na elaboração da obra estudada, enfocando aspectos especificamente musicais. Salienta, sobretudo, a interação desses aspectos no delineamento de uma forma individual para cada estudo. CAPÍTULO 3 - Considerações sobre realização e interpretação pianísticas dos Estudos para piano de Gyõrgy Ligeti, com foco em "Cordes à vide". Este capítulo é dedicado à apresentação de alternativas que contribuam para uma melhor performance pianística da obra, acatando Cordes à vide como objeto de estudo. Serão enfocados tanto aspectos técnicos pianísticos, levantados durante o processo de estudo e preparação da peça, quanto interpretativos, respaldados em informações oferecidas pela partitura e em conclusões extraídas da análise musical realizada / Abstract: The Form as' a Result of Gyõrgy Ligeti's Compositional Process in the First Book of Etudes for Piano emphasizes aspects of Ligeti's Etudes that establish them among the best exponents of contemporary pianistic repertoire, not only by their compositional substance, but also by their innovative approach of the possibilities offered by the piano. Thus, the thesis is organized in three chapters: CHAPTER 1 - The Composer: Gyõrgy Ligeti. This chapter deals with a chronological study of the diverse periods of the composer's biography, identifying events that direct1y influenced his personal and artistic development. It puts into context the composer and his works within the artistic and cultural scenario of the XX and XXI centuries. This work has established a record of texts and interviews of the composer which are essential in the full comprehension of the Etudes for Piano. CHAPTER 2 - The Work: First Book of Etudes for Piano. Afier a brief historical overview ofthe composer's piano works - from the Hungarian period to the Etudesofthe 80's - this chapter surveys and analyzes the compositional process employed by the composer in the Etudes, focusing on specific musical aspects and above all, how these aspects contributed to the individual form of each Etude. CHAPTER 3 - Considerations on the Performance and Pianistic Interpretation of the Etudes for Piano by Gyõrgy Ligeti, with Special Focus on "Cordes à vide". This chapter offers altematives that are intended to improve the pianstic performance of the work, using Cordes à vide as the object for study. It will not only address, the technical pianistic aspects that were observed during the process of study and preparation of the piece, but also interpretive aspects, supported by information contained in the score and on conclusions extracted from the musical analysis / Doutorado / Doutor em Música

Acompanha 1 anexo: L'Orfeo favola in musica, de Claudio Monteverdi / Orientador: Eduardo Augusto Ostergen / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-12T16:57:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rocha_AbelLuisBernardoda_D.pdf: 9114279 bytes, checksum: 2529bd2853d709dbe5436634ed75c5ab (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: Este trabalho tem por objetivo apresentar a realização de uma PARTITURA CONTEMPORÂNEA DE EXECUÇÃO da ópera L'Orfeo - Favola in Musica, de Claudio Monteverdi, composta em 1607, apresentada aqui como uma transcrição historicamente informada, sugerindo a utilização de uma mescla de recursos e instrumentos contemporâneos combinados àqueles específicos da prática musical do repertório setecentista. Tal realização embasou-se na teoria e prática musical do século XVII. Num primeiro momento, foi realizada a análise da linguagem harmônica de Claudio Monteverdi, especialmente empregada nesta ópera, tomada dentro da prática musical sua contemporânea, a partir de tratados teóricos da época, de escritos de Monteverdi e críticas à sua obra. Numa segunda parte, estudaram-se as necessidades técnicas e estéticas para realizar a transcrição da partitura original e a recuperação do significado simbólico dessa linguagem harmônica. E, finalmente, apresenta os passos de construção de uma dentre várias possíveis orquestrações contemporâneas, com sugestões de soluções orquestrais modernas que visam a recuperação dos significados dramáticos sugeridos pela escrita de Monteverdi, sugerindo um conjunto de recursos expressivos, que possam incutir no público de nosso século os afetos de "terror" e "piedade", como definidos na teoria clássica do teatro. / Abstract: The purpose of this study is to present a modern realization of the orchestral score of Claudio Monteverdi's L'Orfeo - Favola in Musica, originally written in 1607. It is presented here as a historically informed transcription, suggesting the use of a mix of contemporary instrumental resources and tools combined with those specific to practices of the seventeenth century. As an initial step, an analysis of the specific harmonic language employed by Claudio Monteverdi in L'Orfeo was done, approached from within his own contemporary musical practice and writings and based on theoretical treatises of the time as well as criticisms of his work. In a second part, technical and aesthetic needs to perform the transcription of the original orchestral score and the recovery of the symbolic significance of this harmonic language are studied as well. At last, it presents steps for the contemporary elaboration of one of the many possible orchestrations of this work proposing modern orchestral solutions that seek the recovery of specific meanings suggested by the dramatic writing of Monteverdi, a suggestive set of expressive resources that can instill in our contemporary public the affects of "terror" and "mercy" as defined in the classical theory of theater. / Doutorado / Doutor em Música

Este trabalho apresenta um estudo comparativo das Sinfonias n° 4 e 5 de Dmitri Chostakovitch, analisando as características das duas obras à luz dos acontecimentos que separam a composição das duas sinfonias, em especial o banimento da obra do compositor a partir da publicação do artigo Caos em vez de música em caráter oficial no jornal Pravda em 1936, motivado pelo comparecimento de Stálin à uma apresentação da ópera Lady Macbeth do Distrito de Mtsensk. Este trabalho propõe-se a realizar uma análise que possa evidenciar os diferentes aspectos do impacto da perseguição governamental no discurso musical de Chostakovitch e sua significação para a música do século XX. / This work presents a comparative study of the Symphonies No. 4 and 5 of Dmitri Shostakovich, analyzing the characteristics of the two works in connection with the events that separated the composition of the two symphonies, especially the ban of his works after the publication of the article Chaos instead music in the official media Pravda in 1936, motivated by the presence of Stalin to a performance of the opera Lady Macbeth of the Mtsensk District. This work intends to show the various aspects of the impact of government persecution in the musical discourse of Shostakovich and its significance to the music of the twentieth century.

Nesse trabalho procuro examinar as relações de João Gilberto com o samba e com os modos tradicionais do canto brasileiro, particularmente o estilo do samba sincopado. Representante fundamental de um estilo que levou a música brasileira ao centro da indústria cultural, estarei em busca das continuidades e desenvolvimentos que esse estilo promove em relação ao samba feito nos subúrbios das cidades brasileiras em formação. Invertendo a orientação frequentemente biográfica da bibliografia tradicional, estarei em busca das novidades trazidas por João Gilberto no que diz respeito aos parâmetros musicais dos timbres, durações, alturas e intensidades. Longe de desprezar os estudos biográficos já feitos sobre o autor, a estratégia da inversão pretende fomentar um novo ambiente de debate com bases tão sólidas quanto aquelas, no qual se criem condições de dialogar com a bibliografia tradicional por um novo viés: o da musicologia. / In this academic work I examine the relation of João Gilberto with samba and traditional Brazilian singing, particularly the syncopated samba style. Through this representative of a style that brought Brazilian music to the center of the cultural industry, I will be searching for continuities and developments of the samba made in the outskirts of emerging Brazilian cities, promoted by that style. Inverting the orientation, frequently biographic of his traditional bibliography, I will be looking for new developments brought by João Gilberto on tones, durations, intensities and timbres. The strategy of this inversion does not intend to ignore the biographical studies already done, but to foster a new environment for discussion with a solid bases as well, in which conditions are created to dialogue with the traditional bibliography by a new bias: one of musicology.

Esta tese teve como objetivo principal a investigação de estratégias na utilização da simetria inversiva em obras de Villa-Lobos, tendo como recorte obras compostas entre os anos de 1945 e 1950, período em que o compositor realizou diversas viagens aos Estados Unidos. Dentre as obras selecionadas para análise, constam os Quartetos de cordas n. 9 (1945), n. 10 (1946), n. 11 (1947) e n. 12 (1950), as Sinfonias n. 7 (1945) e n. 8 (1950), o Trio de cordas (1945) e o Duo de cordas (1946), o poema sinfônico Erosão (1950), o Concerto n. 1 para piano e orquestra (1945) e o Quarteto de cordas n. 4, que traz em seu manuscrito o ano de 1917, mas foi estreado apenas em 1949. Foi efetuado um breve levantamento musicológico acerca da vida de Villa- Lobos no período investigado e uma pesquisa sobre as propriedades estéticas da simetria nas artes visuais, demonstrando uma grande proximidade destas com o resultado sonoro, sendo a simetria relacionada à estaticidade e a assimetria, ao movimento. Por ser um dos compositores mais analisados no que diz respeito ao uso de simetria inversiva, obras de Béla Bartók foram analisadas e serviram como base metodológica, a saber: 14 Bagatelas op. 6: n. 2 (1908), 8 Improvisações sobre canções camponesas húngaras op. 20: n. 3 (1920) e excertos do Quarteto de cordas n. 3 (1927). A análise das obras, tanto de Bartók quanto de Villa-Lobos, revelou a presença de diversos eixos de simetria, tal qual a organização destes em torno de metaeixos, recurso analítico desenvolvido pelo autor deste trabalho. / The aim of this thesis is to investigate the usage of inversional symmetry in Villa-Lobos music, analyzing works composed between 1945 and 1950, after his first visit to the United States of America. The compositions selected were: the Ninth, Tenth, Eleventh and Twelfth String Quartets (1945, 1946, 1947, 1950); the String Trio (1945) and Duo (1946); the Seventh and Eighth Symphonies (1945, 1950); the First Concerto for Piano and Orchestra (1945); the symphonic poem Erosão (1950); and the Fourth String Quartet, that brings 1917 as the year of composition on its manuscript, but was premiered only in 1949. A brief musicological study was conducted about Villa-Lobos in the period. An investigation about symmetry and its aesthetic properties in visual arts was also proposed, revealing a great proximity between its visual and hearing perception, being symmetry related to stasis, and asymmetry to movement. In order to provide a basis for the methodological study of symmetry, three works composed by Béla Bartók, a composer well known for the use of inversional symmetry, were analyzed: Fourteen Bagatelles op. 6: no. 2 (1908); Eight Improvisations on Hungarian Peasant Songs op. 20: no. 3 (1920); and parts of the Third String Quartet (1927). The analysis of these works by both composers revealed the presence of several axes of symmetry, such as the structuring of these around meta-axes of symmetry, an analytical resource developed by the author of this work.

A presente pesquisa se propõe a investigar as características fundamentais da música-teatro de Gilberto Mendes. O trabalho divide-se em três partes. No primeiro capítulo, apresentamos uma ampla revisão bibliográfica sobre o desenvolvimento do gênero música-teatro, buscando sua raiz desde a ideia de Gesamtkunstwerk de Wagner, passando pelas experiências das primeiras décadas do século XX, até seu estabelecimento de fato como uma prática, nos anos 60. Também procuramos promover um diálogo entre a obra de Gilberto Mendes e as pesquisas contemporâneas sobre música-teatro, especialmente com Salzman & Dési (2008) e Roesner & Rebstock (2012), a fim de inserir o compositor dentro da discussão internacional sobre o gênero. No segundo capítulo, investigamos minuciosamente os principais traços constituintes da linguagem composicional de música-teatro do compositor, visando identificar seus processos mais recorrentes e idiomáticos. Por fim, no terceiro capítulo analisamos quatro obras de Gilberto Mendes: Cidade (1964), Son et Lumière (1968), O Último Tango em Vila Parisi (1987) e Escorbuto - Cantos da Costa (2006). Para desenvolver as análises, adaptamos a teoria de multimídia musical de Nicholas Cook (1998), de modo que pudéssemos identificar os tipos de relações e soluções operados por Gilberto Mendes na composição com elementos artísticos de origens diversas. Consideramos que esta pesquisa contribuirá para as pesquisas sobre a música-teatro produzida fora dos grandes centros europeus, além de aumentar o escopo de estudos sobre o gênero no Brasil e, especialmente, sobre a produção de Gilberto Mendes. / This current research aims at investigating the fundamental characteristics of Gilberto Mendes\'s music theater. This work is divided into three parts. In the first chapter, we present a broad bibliographical review about the development of music theater genre, seeking its root from Wagner\'s idea of Gesamtkunstwerk, going from the experiences of the first decades of the twentieth century to its actual establishment as a practice, in the 60s. We also seek to promote a dialogue between Gilberto Mendes\'s works and contemporary researches on music theater, especially Salzman & Dési (2008) and Roesner & Rebstock (2012), in order to insert the composer into the international discussion about the genre. In the second chapter, we scrutinize the main constituent features of the composer\'s compositional language of music theater, in order to identify its most recurrent and idiomatic processes. Finally, in the third chapter we analyze four Gilberto Mendes\'s works: Cidade (1964), Son et Lumière (1968), O Último Tango em Vila Parisi (1987) and Escorbuto - Cantos da Costa (2006). In order to develop the analyses, we adapted Nicholas Cook\'s musical multimedia theory (1998), so that we could identify types of relations and solutions operated by Gilberto Mendes in the composition with artistic elements from diverse origins. We consider that this research will contribute with music theater researches done outside major European centers, in addition to increasing the scope of studies about this genre in Brazil and, especially, about Gilberto Mendes\'s production.

Inserido na linha de pesquisa que se dispõe a examinar os processos discursivos (estruturas retóricas e tópicas) da música religiosa no período colonial, desenvolvida pelo Laboratório de Musicologia do Departamento de Música da FFCLRP, sob a coordenação do Prof. Dr. Diósnio Machado Neto, e como consequência natural de minhas atividades acadêmicas, das quais, em 2008, sob os auspícios da Pró Reitoria de Graduação da Universidade de São Paulo, realizei Iniciação Científica sob o título: \"Retórica Musical na Obra de André da Silva Gomes\", este trabalho visa contribuir com o conjunto de pesquisas que tratam de estudos recentes acerca da retórica musical, inserida no campo da musicologia e análise, dando continuidade às pesquisas já realizadas, procurando, entretanto, aprofundar e solidificar as teorias sobre o uso da retórica na obra do compositor luso-brasileiro através de uma maior sistematização analítica em sua obra. Para tanto, buscar-se-á observar modus operandi de Silva Gomes acerca da relação Música e Sintaxe em sua obra através do esquadrinhamento de figuras e elementos discursivos relacionados entre texto e música, na obra do quarto Mestre de Capela da Sé de São Paulo. O corpus deste trabalho é constituído pela obra sacra do compositor, sobretudo os seus Ofertórios, que se insere dentro de da linha de pesquisa desenvolvida pelo LAMUS - DM/FFCLRP, sob a coordenação do Prof. Dr. Diósnio Machado Neto. Além disso, serão consultados tratados e artigos sobre o período em questão, bem como novos referenciais teóricos, fundamentados na cognição musical, teoria das tópicas, dentro outras, no sentido de aprofundar nas teorias acerca da retórica musical do compositor luso-brasileiro. / Inserted into the line of research that is willing to examine the discursive processes (rhetorical and topical structures) of religious music in the colonial period, developed by Musicology Laboratory of the Department of Music (LAMSU- DM/FFCLRP), under the direction of Prof. Dr. Diósnio Machado Neto, and as a natural consequence of my academic activities, which, in 2008, under the auspices of Pro Dean of Graduate University of São Paulo, accomplished Scientific Initiation under the title, \"Musical Rhetoric in Andrew\'s Society of Silva Gomes \", this work aims to contribute to the body of research dealing with recent studies of musical rhetoric, inserted in musicology and analysis, continuing the research already carried out, looking for, however, deepen and solidify theories about the use the rhetoric in the work of the Luso-Brazilian composer through greater analytical systematic in his work. To this end, we will seek to observe modus operandi of Silva Gomes on the relationship Music and syntax in their work by scrutinizing figures and discursive elements related between text and music in the work of the Master bedroom Chapel of the Cathedral of São Paulo. The corpus of this work is constituted by the sacred work of the composer, especially their Offertories, which falls within the line of research developed by LAMUS - DM / FFCLRP, under the coordination of Prof. Dr. Diósnio Machado Neto. There will also be consulted treaties and articles on the period in question as well as new theoretical framework, based on music cognition, theory of point, in others, to deepen the theories of musical rhetoric of the Luso-Brazilian composer.

Cláudio Santoro (1919-1989) compôs, ao todo, quatorze sinfonias ao longo de toda a sua vida. A Primeira Sinfonia para duas orquestras de cordas (1940), além de possuir uma formação instrumental curiosa, também representa uma das obras inaugurais de sua primeira etapa como compositor, procurando ao lado de Koellreutter, novos paradigmas para a composição musical de seu tempo, tendo influenciado uma geração de compositores brasileiros. Este trabalho pretendeu desenvolver uma atenta e inédita análise da Primeira Sinfonia de Cláudio Santoro, procurando demonstrar sobre qual estética atonal, sendo ela dodecafônica ou livre, a obra foi escrita. Além da identificação sugerida, propõe-se também a averiguação de possíveis hibridismos estéticos que podem ter ocorrido na Primeira Sinfonia de Santoro. A análise atenta dos movimentos que constituem essa obra, utilizando métodos como a Teoria dos Conjuntos desenvolvido por Allen Forte, a Teoria dos Contornos Musicais de Robert Morris e a relação parcimoniosa entre diferentes coleções tal como proposto por Dmitri Tymoczko, nos permitiu identificar alguns processos pós-tonais, que indicam influencias de autores como Claude Debussy, Paul Hindemith e Heitor Villa-Lobos no primeiro movimento Allegro Majestoso da Primeira Sinfonia de Santoro. A manutenção de algumas sonoridades como a coleção pentatônica, a escala de tons inteiros e a coleção acústica, são alguns dos indícios que nos permite identificar tais influencias na obra de Santoro. No segundo movimento Andante quasi adagio, podemos observar um processo serial tradicional, que se desenvolveu a partir de duas séries que se relacionam. Tal apontamento foi possível a partir do método da identificação e contagem serial, tal como proposto por autores como Kostka e Francolí. No terceiro movimento, observamos uma estrutura que é engendrada a partir de coleções simétricas como a coleção eneatônica e a escala octatônica paradigmática, além de outras formatações simétricas que ocorrem a partir de sobreposições entre camadas, procedimento que também é encontrado na obra de Villa-Lobos. Nesse sentido, a Primeira Sinfonia para duas orquestras de cordas de Cláudio Santoro, foi engendrada através de procedimentos pós tonais considerados livres e sistêmicos, sendo possível observar hibridismos estilísticos nesta obra. / Cláudio Santoro (1919-1989) composed, in all, fourteen symphonies throughout his life. The First Symphony for two stringed orchestras (1940), in addition to possessing a curious instrumental formation, also represents one of the inaugural works of his first stage as composer, looking alongside Koellreutter, new paradigms for the musical composition of his time, having influenced a generation of Brazilian composers. This work developed a complete, attentive and unpublished analysis of the First Symphony of Claudio Santoro, trying to demonstrate on which atonal aesthetic, being it dodecaphonic or free, had written the work in question. Besides the suggested identification, it is also proposed the investigation of possible aesthetic hybridity that may have occurred in the First Symphony of Santoro. The careful analysis of the movements that constitute this work, using methods such as the Theory of Sets developed by Allen Forte, Robert Morris\'s Theory of Musical Constraints and the parsimonious relation between different collections as proposed by Dmitri Tymoczko allowed us to identify some post Which indicate influences by authors like Claude Debussy, Paul Hindemith and Heitor Villa-Lobos in the first Allegro Majestic movement of the First Symphony of Santoro. The maintenance of some sonorities such as the pentatonic collection, the whole-tone scale and the acoustic collection are some of the indications that allowed us to identify such influences in Santoro\'s work. In the second Andante quasi adagio movement, we can observe a traditional serial process, which developed from two series that relate, such an approach was possible from the method of serial identification and counting, as proposed by authors such as Kostka and Francolí. In the third movement, we observe a structure that is generated from symmetrical collections such as the eneatonic collection and the paradigmatic octatonic scale, as well as other symmetrical formations that occur from overlaps between layers, a procedure that is also found in the work of Villa-Lobos. In this sense, the First Symphony for two chord orchestras by Claudio Santoro was conceived through postural procedures considered free and systemic, being possible to observe stylistic hybrids in this work.

Como um dos compositores mais profícuos do século XX no contexto mundial, Heitor Villa-Lobos (1887-1959) produziu uma coletânea de obras que primam pela variedade de linguagens e uso de um ecletismo que tornou-se a regra em sua obra. Entretanto, mesmo em meio a tanta pluralidade, podemos notar uma macrodivisão em sua obra que separa as obras baseadas em padrões tonais clássico-românticos em diálogo com suas apropriações da música popular urbana daquelas de experimentação e caráter modernista. Dentro do primeiro grupo temos como epítome a série Bachianas Brasileiras; do segundo, a série Choros que marcou a entrada de Villa-Lobos no cenário de compositores célebres internacionalmente. Historicamente, a obra villalobiana de cunho modernista foi taxada por muitos músicos e biógrafos como irracional, caótica, selvagem, não sendo enfrentada, até recentemente, pelas ferramentas de análise de música pós-tonal utilizadas pelos teóricos para lidar com a música de seus contemporâneos. A falta da análise atuando em conjunto com os juízos de valor supracitados impediu a geração de uma tradição crítica a respeito da música de Villa-Lobos nas primeiras décadas após sua morte. Recentemente, trabalhos analíticos sobre o \'Villa-Lobos Modernista\' tem sido escritos no Brasil e em outras partes do mundo. Contudo, a grande maioria desses escritos que se baseiam em ferramentas tradicionais (teoria dos conjuntos, estudo de simetrias, análise textural) tem trazido uma visão pouco elucidativa a respeito dos processos de composição, da historicidade da música villalobiana, e de procedimentos gerais para a obtenção da sonoridade modernista pelo compositor em um número significativo de obras. Tais resultados testemunham a própria insuficiência de recursos analíticos rígidos aplicados à dinâmica particular da obra de Villa-Lobos. Nesse contexto, o presente trabalho propõe aprofundar o entendimento da escrita modernista de Villa-Lobos tendo como chave heurística os conceitos de Interação e Bricolagem - o último no sentido antropológico - na manipulação das escolhas harmônicas, na procura por um gesto composicional comum nas peças analisadas. Para tal, diversos métodos analíticos foram combinados, numa espécie de metanálise que procura abarcar às principais percepções da análise. Dentro da série Choros foram escolhidos os Choros nº2,3,5,10 e a primeira parte do Choros Bis, pela clareza com que os tópicos fundamentais dessa tese são apresentados nessas representações analíticas. Outras obras foram analisadas transversalmente e servirão para a generalização de alguns procedimentos encontrados nas análises das principais obras. / As one of the most prolific composers of the twentieth century in the global context , Heitor Villa- Lobos (1887-1959) produced a collection of works that searchs for varietyusing an eclecticism that has become the norm in his work . However, even in the midst of such plurality , we can notice a macrodivision in his work that separates works based on classic - romantic tonal patterns in dialogue with its appropriations of urban popular music from those of modernist experimentation and character. Within the first group we have the epitome of the Bachianas Brasileiras series, the second , the Choros series, which marked the entrance of Villa-Lobos in the internationally renowned composers scenario . Historically, villalobian works of modernist intention was branded by many musicians and biographers as irrational , chaotic , wild , not being faced , until recently , by the analytical tools used by theorists to deal with the music of his contemporaries. The lack of analytical studies acting together with those judgments prevented the generation of a critical tradition about the music of Villa -Lobos in the first decades after his death. Recently, analytical works on the \'Modernist Villa -Lobos \' have been written in Brazil and other parts of the world . However , most of these writings that are based on traditional tools (set theory , the study of symmetries , textural analysis ) has brought a less informative overview about the processes of composition, the historicity of villalobian music, and the general procedures that the composer developed to obtain his characteristic modernist sound in a significant number of works. These results testify to the very failure of rigid analytic methods applied to the particular dynamic of the work of Villa- Lobos . In this context , this paper proposes to deepen the understanding of the Villa- Lobos modernist writing, having as heuristic key,the concept of interaction and bricolage - the latter in the antropological sense - in the manipulation of the harmonic choices, in the search for a common compositional gesture in the analyzed parts . To this end , several analytical methods were combined in a sort of meta-analysis that tries to cover the main insights of this thesis. Within the Choros series, the Choros No. 2,3,5,10 and the first part of the Choros Bis were chosen , for the clarity with which the fundamental topics of this thesis are presented in those analytical representations. Other pieces were analyzed across and are used in this work for the generalization of some procedures found in the analyzes of the major works.