No description available.

Through a comprehensive analysis of literary and documentary material from 1270–1500, this study offers insights into the history and significance of the late medieval string instrument known as the gittern in Western Europe. Source criticism and hermeneutics form the basis of the critical reading of the nearly hundred sources. Through these, a more refined history of the instrument is suggested, focusing on social, symbolic and musical change throughout the period. The gittern is shown to have been an instrument predominately used in noble and royal milieus for half a century before being more widely played among all ranks of society. When its popularity faded in the 15th century, it became a symbol of nostalgia. The sound and playing techniques of the gittern were well suited for the music of the late 14th century, and the decline in use was simultaneous to the developments of new genres and compositional techniques where other sounds were sought.

El J-pop está más presente en el día a día del fanático de anime de lo que se suele comentar y es un tema al que no se le ha dado gran importancia en investigaciones académicas relacionadas a lo otaku. Por ello, este trabajo busca servir como un acercamiento general para entender cómo funciona el J-pop hoy en día, tratando temas como su historia; contexto social, tecnológico y de industria; características musicales; y organología. La presente investigación también busca enumerar y evidenciar las distintas maneras en la que el J-pop es consumida y manifestada en la actualidad tanto en Estados Unidos como en Latinoamérica, sea a través de artistas occidentales, la comunidad otaku, o los eventos de anime en Lima. A través de manifestaciones de artistas que se inspiran en el J-pop u otros elementos de la cultura pop japonesa como el anime, podemos ampliar las vías en las que el J-pop es transmitida al público estadounidense y latinoamericano. Por el lado de la comunidad otaku, esta se apropia y recrea el J-pop a su propio estilo, con características que dependen del nuevo intérprete. En el caso de los eventos dirigidos a los fanáticos del anime, el J-pop es ofrecido junto al K-pop al mismo público, generando una oferta única. / J-pop is more present in the anime fan’s day-to-day than it is often talked about and it is a topic which have not been given great importance in academic papers related to the otaku. Thus, this paper seeks to help understand how J-pop works in the present does, dealing with topics like its history; social, technological, and industry context; musical characteristics; and organology. The present investigation also looks after enumerating and giving evidence of different ways of which J-pop is consumed today in the United States and Latin America be it through western artists, the otaku community, or Lima anime events. Through manifestations of artists who are inspired by J-pop or other elements of Japanese popular culture such as anime, we can extend the ways in which J-pop is transmitted to the American and Latin-American audience. In the case of the otaku community, it appropriates and recreates J-pop in its own style, with characteristics that depends on the new performer. In the case of the events, J-pop is offered next to K-pop to the same public, generating an unique proposal. / trabajo de investigación

Our impact on the planet's functioning has allegedly become so profound that during the last years the scientific community has been considering assuming a shift from the Holocene - our current geological epoch - to the Anthropocene, the Age of Man. According to philosopher Bernard Stiegler, this "era of Humans" is not only visible in the devastation of natural ecosystems, but also through the destruction of human skills and methods of transmitting knowledge. The Anthropocene, which was initiated by the industrial revolution, thus passed through the industrialization of culture, and has disrupted our understanding of the world. Philosopher Rosi Braidotti proposes that with the advent of this new era, we ought to be aware of not only the ever-present environmental catastrophes, but that we also ought to use it as a tool for reappraising what it means to be Human. According to her, the Western subject was created as a product of the Humanist cultural hegemony which defined it within a logic of binary opposition. In light of these ideas, this Master's thesis attempts to show that art can provide us methods for redefining our relationship to each other, as well as to the wider world, and help us navigate the contours of the ongoing crisis. The work uses Posthumanist thought and its affiliated...

The musiXplora is an interactive and multimodal tool for the domain of musicology, developed in a collaborative and interdisciplinary fashion. It serves as a research environment that, on the one hand, links large data collections on musicians, musical instruments, events and more, and, on the other hand, offers a set of visualizations which allow users to explore and analyze these data sets comprehensively. In this paper, we discuss our recent work to emphasize the relevance of geovisualizations in the musicological domain and provide detailed insights into how the musiXplora can be used to address geospatial research questions. We introduce two distinct use cases and discuss how musicologists can use the musiXplora’s geovisualizations as distant-reading tools. Thereby we demonstrate how the musiXplora can contribute to the confirmation of existing hypotheses and to the formulation of new ones.

Mémoire en recherche d'ethnomusicologie / L’emblématique ville de San Basilio de Palenque est connue comme le premier village afro-colombien libre du continent américain. Depuis sa création, les habitants de Palenque ont transmis de générations en générations leurs nombreuses pratiques culturelles, sociales, religieuses et économiques. En 2005, Palenque a été proclamé Chef-d'œuvre du Patrimoine Oral et Immatériel de l'Humanité par l'UNESCO. La langue, les recettes culinaires, les coiffures, la danse, la religion et surtout la musique ont conservé beaucoup d’éléments spécifiques à leur histoire africaine et à celle relative à l’esclavage vécu par les fondateurs de Palenque. La musique tient une place particulièrement importante dans la vie des habitant.es de Palenque. Elle comporte des éléments liés à cet héritage africain que l’on retrouve dans d’autres musiques des Caraïbes et d’Afrique sub-saharienne, ainsi que des éléments empruntés aux communautés autochtones du nord de la Colombie. Néanmoins, par manque de fonds financiers et d’intérêt au niveau national, les recherches anthropologiques à Palenque n’ont commencé qu’à partir de la deuxième moitié du XXème siècle. Très peu d’entre elles sont consacrées à la musique de Palenque. De ce constat est né la motivation de cette recherche, laquelle explore la musique sous divers aspects. Nous avons mené une étude organologique des instruments qui existent physiquement au moment de ma recherche sur le terrain, mais aussi des instruments dont les musiciens et musiciennes de Palenque se souviennent à l’heure d’aujourd’hui. Les origines de chaque instrument, les techniques et styles de fabrication et de jeu seront décrits en détail dans ce mémoire. Une étude des répertoires traditionnels et modernes sera également présentée. Pour chaque répertoire, il sera fait mention de leurs danses respectives, des bases rythmiques principales afin de situer ces pratiques parfois métissées entre tradition et modernité. Nous finirons cet état des lieux par une description de la scène musicale locale de Palenque et des acteurs et actrices culturels que l’on y rencontre, lesquels ont un rôle actif dans la transmission et la transformation des traditions. / The emblematic city of San Basilio de Palenque is known as the first free Afro-Colombian village in the American continent. The preservation of several cultural, social, religious and economic traits since its creation, made this town a Masterpiece of the Oral and Intangible Heritage of Humanity in 2005 by UNESCO. The language, food, hairstyles, dance, religion and especially the music have preserved many elements of the African history and slavery lived by the founders of Palenque and transmitted transgenerational way. Music, being a particularly important element in the life of the inhabitants of Palenque, includes elements linked to the African heritage that can also be recognized in other Caribbean and sub-Saharan African music, as well as elements from the indigenous communities of northern Colombia. However, due to lack of funds and national interest, anthropological research in Palenque only began in the second half of the twentieth century. There are even less studies focused on the music of Palenque. This observation is what motivated our research, which studies many aspects of Palenque’s music. We have carried out an organological work of the instruments that physically exist during my field research and those that Palenque’s musicians still remember. The origins of each instrument, the way they are made and played are described in detail in this thesis. A study of traditional and modern repertoires is also presented. For each repertoire, we will mention their respective dances and the main rhythmic bases to situate these practices, sometimes mixed between tradition and modernity. We will finish this overview with a description of the local musical scene of Palenque and the cultural actors that we met there, who have an active role in the transmission and transformation of traditions. / El emblemático pueblo de San Basilio de Palenque es conocido como el primer pueblo afrocolombiano libre del continente americano. La conservación de varios rasgos culturales, sociales, religiosos y económicos desde su creación ha hecho que este pueblo sea proclamado Obra Maestra del Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad en 2005 por la UNESCO. La lengua, la comida, los peinados, la danza, la religión y, sobre todo, la música ha conservado muchos elementos de la historia africana y de la esclavitud que vivieron los fundadores y fundadoras de Palenque, y que se han transmitido de forma transgeneracional. La música, al ser un elemento es especialmente importante en la vida de los habitantes de Palenque, incluye elementos de la herencia africana, que también pueden reconocerse en otras músicas caribeñas y subsaharianas, así como elementos de las comunidades indígenas del norte de Colombia. Sin embargo, debido a la falta de fondos y al interés nacional, la investigación antropológica en Palenque no comenzó hasta la segunda mitad del siglo XX. Los estudios centrados en la música de Palenque son incluso mucho menos. De esta observación surge la motivación de nuestra investigación, que estudia varios de sus aspectos. Hemos conllevado un estudio de organología de los instrumentos que existen físicamente durante mi trabajo de campo, y también de aquellos instrumentos de los cuales ya no se encuentran en Palenque, pero que los músicos y músicas todavía los recuerdan. Los orígenes de cada instrumento, las técnicas y estilos de fabricación y de interpretación se describen en detalle en esta tesis. También presentamos un estudio de repertorios tradicionales y modernos. Por cada repertorio describimos sus bailes respectivos y las principales bases rítmicas con el fin de situar estas prácticas, que a veces se mezclan entre la tradición y la modernidad. Finalizamos esta panorámica con una descripción de la escena musical local de Palenque y de los actores y actrices culturales, que desempeñan un papel activo en la transmisión y transformación de las tradiciones.

This study examines the object biographies of musical instruments and the function of age in the cultural and material history of the lute. It follows the central question of why old instruments were valued more greatly than new ones and what measures had to be executed to adapt the objects to the ever-changing musical style. It traces the lute in its several cultural functions from the 17th to the 19th century: as a musical instrument, as a symbol, as a commodity, and as an object that had to be adapted, repaired, and altered by several generations of lute makers. This interdisciplinary approach uses a broad spectrum of sources from treatises, lute manuals, forewords in printed lute music, and depictions of lutes in literature, poetry, and visual arts to construct a narrative of the appreciation of old musical instruments. It investigates the material changes that were necessary to ensure their continued use by a profound study of more than 100 instruments in public and private collections. The different business models and prices in the trade of lutes are compared and connected to the common knowledge about old instruments and their brand characteristics among lute players. This study employs methods from musicology, organology, material culture studies, acoustics, economics, art history, technology, and digital humanities. This multivalent approach enhances the understanding of the general dynamics of commodities as status symbols, object biographies, and functional objects and connects them to the material and cultural history of objects using the lute as a case study. / Die Studie untersucht die Objektbiografien von Musikinstrumenten und die Funktion des Alters für die kulturelle und materielle Geschichte von Lauteninstrumenten. Sie geht der zentralen Frage nach, warum alte Instrumente höher geschätzt wurden als neue und welche Maßnahmen ergriffen werden mussten, um die Objekte an den sich ständig verändernden Musikstil anzupassen. Sie verfolgt die Laute in ihren verschiedenen kulturellen Funktionen vom 17. bis zum 19. Jahrhundert: als Musikinstrument, als Symbol, als Gebrauchsgegenstand und als Objekt, das von mehreren Generationen von Lautenbauern angepasst, repariert und verändert werden musste. Der interdisziplinäre Ansatz nutzt ein breites Spektrum von Quellen wie Traktate, Lautenhandbücher, Vorworte in gedruckter Lautenmusik und Darstellungen von Lauten in Literatur, Poesie und bildender Kunst, um die Geschichte der Wertschätzung alter Musikinstrumente nachzuverfolgen. Anhand einer eingehenden Untersuchung von mehr als 100 Instrumenten in öffentlichen und privaten Sammlungen werden die Eingriffe untersucht, die notwendig waren, um ihre weitere Nutzung zu gewährleisten. Die unterschiedlichen Geschäftsmodelle und Preise im Handel mit Lauten werden verglichen und mit dem Wissensvorrat unter Lautenisten über alte Instrumente und deren Markencharakteristiken in Verbindung gebracht. Die Studie verwendet Methoden aus der Musikwissenschaft, der Organologie, der materiellen Kulturwissenschaft, der Akustik, der Ökonomie, der Kunstgeschichte, der Instrumentenbautechnologie und der Digital Humanities. Der multivalente Ansatz verbessert das Verständnis der allgemeinen Dynamik von Waren als Statussymbole, von Objektbiografien funktionaler Objekte und verbindet sie mit der materiellen und kulturellen Geschichte der Objekte am Beispiel der Laute.

L’autonomisation de l’art instrumental arabe et, plus particulièrement, l’éclosion de l’art improvisatif du taqsīm au ‘ūd, sont concomitants à l’avènement de l’ère discographique et du 78 tours (1903) en Égypte, notamment avec les enregistrements de Sayyid a-s-Suwaysī, tandis que l’apogée de cet art attendra les années 1920, avec les développements apportés à cette pratique par Muḥammad al-Qaṣabgī, surnommé Sultan du ‘ūd. L’émergence du 78 tours est anticipée par une véritable renaissance musicale, menée par des musiciens de génie attachés à la cour d’Ismaël Pacha et ses successeurs. Le développement du pendant instrumental de cette école (nommée la Nahḏa), qui est inhérent au ‘ūd, est lié notamment à l’apparition au cours du dernier tiers du XIXe siècle d’un nouveau modèle de cet instrument. Les caractéristiques géométriques de ce nouveau model (taille, rapport entre longueur de corde vibrante et longueur du manche etc.) le distinguent nettement de son prédécesseur tel qu’il est décrit par les auteurs occidentaux (Villoteau, Lane, Fétis) et orientaux (Maššāqa et al-Jundī). Aussi, sur la période 1902-1904, plusieurs théoriciens égyptiens ont-ils rendu hommage à cet instrument par une actualisation de la théorie modale arabe abbasside, conçue en fonction des doigtés du ‘ūd, et son application au grand ‘ūd égyptien. Ce faisant, ils affirment l’importance de l’instrument dans la théorie, la performance et la transmission. Cette thèse a pour but d’étudier l’évolution de la virtuosité traditionnelle inhérente à la notion médiévale du haḍaq (liée à la perfection artistique) au sein de la tradition musicale arabe, et ce, par le biais de l’analyse de l’évolution des formes jouées, de l’accordage, et des modes de jeu. Cet examen commence par une étude organologique et acoustique des modèles d’instruments employés dans les enregistrements du début de l’ère discographique, en tant que critères externes. Il se poursuit par la segmentation des énoncés enregistrés, à partir de critères internes, liés à la métrique poétique arabe, au mode de jeu et à la configuration du discours musical. Il se termine par une modélisation sémiotique modale de deux extraits et débouche sur une mise en exergue des apports de Qaṣabgī à l’art improvisatif du taqsīm. / The autonomy of Arabic instrumental art and, in particular, the development of improvisational from (taqsīm) on the 'ūd, were concomitant with the advent of 78 rpm recordings in Egypt (1903), as represented by the recordings of Sayyid as-Suwaysī. Yet, the apogee of this art will wait until the 1920s, with the novelties brought to its practice by Muḥammad al-Qaṣabgī, dubbed Sultan of 'Ūd. The emergence of 78 rpm recordings is anticipated by a real musical renaissance, led by genius musicians attached to the court of Ismā‘īl Pasha and his successors. The development of the instrumental counterpart of this school (called the Nahḏa) which is closely related to 'ūd, is linked in particular to the appearance during the last third of the 19th century of a new model of this instrument. The geometric characteristics of this innovative model (size, ratio between length of the vibrating string and the neck length) clearly distinguish it from its predecessor as described by both Western (Villoteau, Lane, Fetis) and Oriental authors (Maššāqa et al-Jundī). Moreover, during the period 1902-1904, several Egyptian theorists expressed explicitly their appreciation of this instrument and presented it as an update of the Abbasid Arab modal theory, conceived according to the ūd's fingering, and its application to the large Egyptian ‘ūd. In so doing, they affirmed the importance of the instrument in theory, performance and education. This thesis aims at studying the evolution of traditional virtuosity related to the medieval notion of haḍaq (linked to artistic perfection) within the Arab musical legacy through the analysis of development of musical forms, tuning, and techniques. This examination begins with an organological and acoustic study of the different models used in the recordings of the early era (1904-1937) as an external criterion. It continues with the segmentation of performed sentences, based on internal criteria, related to Arabic poetic metrics, instrumental technique and the configuration of musical discourse. The study ends with a modal semiotic medialization

Cette thèse est une réflexion sur le ‘ūd (lutharabo-oriental) de concert. Celui-ci est étudié en tant que concept mettant en valeur une corrélation entre son évolution historique et organologique, le développement de la pensée compositionnelle des‘ūdistes (luthistes) et l’essai d’une représentation de cette pensée à travers une modélisation sémiotique. L’approche historique s’est focalisée sur la facture de l’instrument et a permis de relever la primauté des ‘ūds irakien et turque comme modèles privilégiés de ‘ūd de concert. Cette préférence est liée avec le développement de la pensée musicale des ‘ūdistes contemporains et leur pratique compositionnelle et interprétative. À travers une étude analytique de cinq œuvres pour ‘ūdde concert, cette pratique est conçue comme étant un espace compositionnel émergeant d’une interrelation entre trois espaces : un espace d’écoute, un espace formel et un espace sémantique. L’approche « spatiale » de la musique du ‘ūd deconcert, l’évolution de ses formes et les variations interprétatives des ‘ūdistes ont nécessité la réflexion sur la représentation de cette musique. La modélisation sémiotique d’un extrait analysé (2ème mouvement de l’Amiriyya de Naseer Shamma)est posée ici comme une alternative à la transcription traditionnelle, en créant un espace graphique inspiré des modèles de notation dans la musique contemporaine et accordé aux critères de l’espace compositionnel du ‘ūdiste. / This thesis is a reflection on the concert ‘ūd (Arab-easternlute). It is designed as a concept emphasizing a correlation betweenits historical and organological evolution, the compositional thought development of ‘ūdists (lutenists) on the one hand, andthe testing of a representation of that thought through a semiotic model, on the other hand. The historical approach focusedon the construction of the instrument and revealed the primacy of the Iraqi and Turkish ‘ūds as preferred models of theconcert ‘ūd. This preference is linked to the development of contemporary ‘ūdist’s musical thought and their compositionaland interpretative practice. Through ananalytical study of five musical works for this instrument, this practice is regarded as acompositional space of an emerging inter-relationship between three spaces : a listening space, a formal space and a semanticone. The spatial approach to music of the concert ‘ūd, the evolution of its forms and ‘ūd players interpretative variations havecalled for reflection on the performance of this music. The semiotic modeling of an analysed excerpt (2nd movement ofNaseer Shamma’s composition, l’Amiriyya) is placed here as an alternative to traditional transcription by creating a graphic”area” inspired by notation models in contemporary music and provided for the criteria of the ‘ūdist’s compositional space.

Au croisement de la sinologie, de la philologie, de l’histoire, de la musicologie, de l’organologie et de la pratique instrumentale, cette recherche se donne pour objet d’approfondir notre connaissance de la facture et des techniques de jeu de la cithare chinoise qin sous la dynastie des Tang (618-907) en traduisant et analysant des sources peu exploitées de cette période, à savoir le traité Tang Chen Zhuo zhifa 唐陳拙指法 (Techniques de jeu [du qin] par Chen Zhuo des Tang) et 1468 poèmes évoquant cet instrument. En complément d’autres sources anciennes, l’étude du corpus des poèmes précise notamment l’origine des matériaux utilisés pour le qin, l’usage d’accessoires, l’identification de luthiers amateurs et professionnels, la constitution du répertoire, l’emploi et l’évolution des partitions.La traduction et édition critique du Tang Chen Zhuo zhifa sert de support à un travail d’inventaire et d’analyse typologique des gestes décrits dans ce traité. Les techniques de jeu de l’époque s’y révèlent dans leur étendue et leur diversité.Afin d’en faciliter leur compréhension, plusieurs doigtés font l’objet des reconstitutions filmées, conservées sur le DVD en annexe. Des analyses d’acoustique musicale effectuées sur une sélection de techniques se sont également avérées riches d’enseignements en révélant les fondements concrets et subtils sous-jacents au jeu du qin à l’époque des Tang. / At the intersection of sinology, philology, history, musicology, organology and instrument playing, this research aims at broadening our knowledge of how the qin Chinese zither was made and played throughout the Tang dynasty (618-907). The research draws on often overlooked or untapped sources of information from this period such as the Tang Chen Zhuo zhifa 唐陳拙指法 treatise (Qin Playing techniques by Chen Zhuo) and 1468 poems in which the instrument is referred to.Study of the body of poems and ancient texts sheds light on the origin of the materials used to make the instrument and how accessories were used, drawing a distinction between amateur and professional instrument makers and explaining how a repertoire is built and how sheet music was read and evolved over time.The translation and critical edition of Tang Chen Zhuo zhifa serve as a basis for an inventory and typological analysis of the techniques described in the treatise, which illustrates the wide range and different styles of playing. Some of the fingerings were filmed and recorded on a DVD included here in appendix. Analyses of the musical acoustics of a selection of techniques provide valuable insights into both the groundings and the subtlety of qin playing during the Tang period