This dissertation examines portrait production during the global Gilded Age in the United States, revealing an interplay between cosmopolitanism and revivalism. Using a transnational and multi-media framework, it broadens conventional definitions of portraiture, allowing American women to be centered within the study not only as subjects, but also as patrons of art. The project demonstrates that the apparently anti-modern strain of revivalism characteristic of late nineteenth century art emerged as a reflection of US expansionist ideologies. This goal is accomplished through a series of illustrative case studies, including a discussion of Gilded Age costume balls, organized by wealthy American women, that visualized the imperial courts of pre-industrial Europe in order to legitimize their social positions. Another investigation considers the Paris studio contents of American painter John Singer Sargent, which brought his iconic painting Madame X into exhibitionary dialogue with collected Japanese export goods, as emblems of the artist’s cosmopolitan brand of empire. An analysis of society leader Alva Vanderbilt’s Pompadour bedroom by French designer Jules Allard reveals a blend of pre-industrial style produced with modern technologies, making it a space worthy of her imperial ambitions. Finally, the study examines society matriarch Alice Vanderbilt’s paradoxical Victorianism and Modernism in the context of her portrait collection. Overall, the project illuminates new definitions of cosmopolitanism and its cultural significance during the Gilded Age and considers the collaboration between female patrons and artists, placing them within the context of media circulation and a global art market where women could curate and claim their own brand of identity, one expressive of a global reaching American empire in the late nineteenth-century. / Art History

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Prior to the removal of monumental murals from the cathedral of Pachoras (Faras), the largely unknown cultural entity of Christian Nubia figured in scholarship merely as a peripheral outpost of Byzantine and Egyptian influence. The impressive corpus of visual evidence from Pachoras, located south of the first Nile cataract and now inundated by Lake Nasser, led Kurt Weitzmann to reevaluate its significance in a seminal essay published in 1970. By tracing artistic sources of Christian Nubian art to Egypt, Palestine, and Syria, Weitzmann initiated recognition of the close ties between Nubia and Byzantium. Since that time, however, this subject has received little art historical attention, and it continues to pose interpretive challenges. I endeavor to recuperate the Nubian wall paintings from Pachoras for mainstream Byzantine studies. To that end, I explore the depictions of three of the Pachoras bishops, with particular attention to their original location, relationship with surrounding images, and epigraphic evidence. I conceive of these tenth- and eleventh-century portraits as visual constructions of Nubian episcopal authority mapped out on the cathedral's walls. I also explore the possible meanings of the indigenous elements represented in the images of the Pachoras bishops, while considering their relationships to the eastern Mediterranean textual and visual traditions. Evidence includes the paintings with accompanying inscriptions, fourteenth-century scrolls of Bishop Timotheos, Greek and Coptic epitaphs engraved on ninth- through twelfth-century funerary steles, and a list of bishops, first painted around the turn of the tenth century. / Art History

In this paper, I propose to investigate the correlation between photography and narrative, emphasizing how photographs can be a well-suited means to shape the memories that form part of our narratives. I argue that by actively incorporating photographs into the memories we preserve, we are empowered to play a more active role in how we remember our lives. Consequently, this agency may allow us to transform our narratives into something more distinct and tangible compared to what they would have been without their inclusion.

Ce mémoire a pour objet le portrait dans l'estampe diffusée au Bas-Canada entre 1825 et 1850. Pour l'analyser, nous avons examiné les différentes méthodologies de la stylistique en histoire de l'art avant de retenir une stylistique descriptive s'appuyant sur une recherche historique. Cette dernière a notamment permis de constater l'existence de relations étroites entre le milieu de l'estampe et la vie socio-politique durant le deuxième quart du XIXe siècle. Nous avons alors pu constater combien le corpus d'oeuvres étudié était éclaté et dans quelle mesure il nécessiterait une mise en perspective élargie prenant en compte les productions étrangères contemporaines de l'Angleterre, de la France et des Etats-Unis. / Montréal Trigonix inc. 2018

La photographie est mon médium artistique et l'image apporte une fonction relationnelle. En effet, ma démarche est guidée au départ par la rencontre de personnes. Lors de la recherche de maîtrise j’ai voulu explorer différentes représentations de la femme. En collaboration avec des personnes que je nommerai modèles, j’ai créé cinq portraits, pour tenter de saisir une part de leur identité. Les rencontres ont permis de développer leurs récits. Au fur et à mesure des rendez-vous, un dialogue s'est établi tissant des liens entre nous afin de coconstruire le projet, de le préciser et de le transformer : un jeu entre ce qu’elles ont bien voulu montrer, ce que j'ai perçu, ce qu’elles désiraient et ce que j’ai imaginé et construit. En plus des matrices photographiques, j’ai utilisé plusieurs moyens de création : la vidéo, l’écriture, la programmation de rythmes lumineux, etc. Les oeuvres ont pris alors la forme d’environnement se déployant dans l’espace utilisant certains phénomènes d’illusion. Les réunir dans un même lieu leur a donné sens.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2012-2013. / Le mémoire de maîtrise en recherche-création résulte de l’union entre une exposition et d’un texte d’accompagnement. Ainsi, le présent document décrit la réalisation du projet artistique Miroirs et merveilles, lequel sera en exposition du 14 octobre au 11 novembre 2012 à la salle d’exposition de la bibliothèque Francine-McKenzie (Lévis). Débutant par la démarche artistique de l’artiste, il présente le processus de création des quatorze photographies du corpus à travers une réflexion sur l’autoportrait, de la mise en scène ainsi que de la narration, l’objectif de cette recherche étant de mettre en lumière les relations établies entre ces notions dans ma production artistique. Pour ce faire sont analysés les concepts suivants : l’autofiction, le double, la distanciation, les références, les citations, les images dialectiques, les oppositions, les jeux de temporalité, le montage et la métaphore. En conclusion, un retour sur l’exposition et sur sa réception est proposé.

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Anne d’Autriche occupe une place importante, longtemps négligée, dans le développement de l’iconographie royale en France au XVIIe siècle. Ecartée du pouvoir sous le règne de son mari Louis XIII, elle est pourtant le sujet de très nombreuses représentations. Sa présence dans le champ des images connaît un net développement lorsqu’elle accède aux responsabilités du gouvernement à la mort du roi, en 1643, en devenant régente au nom de son fils mineur, Louis XIV. Au-delà de sa majorité en 1651, elle conserve un rôle éminent, jusqu’à la mort de Mazarin en 1661. Ces deux décennies sont marquées par une profonde crise politique qui culmine dans l’épisode de la Fronde. Dans ce contexte, l’image d’Anne d’Autriche devient le support d’un discours sur l’autorité monarchique et sur la défense du pouvoir royal. A partir d’un corpus constitué des représentations de la régente, et en les croisant avec des sources textuelles, cette thèse analyse la construction visuelle de ce discours, et ses effets sur l’évolution de l’image de la royauté en France après le règne de Louis XIII. La « majesté », qui constitue dans le corpus des textes, juridiques, politiques et symboliques, la qualité essentielle du souverain et la marque de son identité, doit ainsi être traduite visuellement dans une incarnation féminine, dans un pays où les lois fondamentales, notamment la loi salique, écartent pourtant les femmes du pouvoir. La richesse du corpus rassemblé pour cette thèse, près de cinq cent images, offre une source essentielle pour comprendre de quelle manière la reine a su dépasser cette contrainte et contribuer, en renouvelant ses modèles, à la représentation de l’autorité monarchique. Cette étude permet ainsi de reconsidérer le rapport des femmes au pouvoir. Pour analyser ces différentes questions, la thèse s’organise en quatre parties. La première partie s’attache à comprendre l’image de la reine régnante, en analysant dans un premier chapitre la définition juridique de la reine, pour montrer de quelle manière l’ordre juridique détermine l’ordre symbolique. On peut ainsi expliquer en quoi le mariage de la reine en 1615 et son introduction à la cour constitue une « naissance iconographique ». Le second chapitre explore les différents aspects de ce portrait de la reine en montrant qu’il relève à la fois de caractères propres et de réactions à la situation – politique et civile – de la reine. La deuxième partie soulève la question des moyens mis en œuvre pour opérer la transformation de cette image, qui permet à la reine d’apparaître en régente du royaume. Le troisième chapitre analyse plus particulièrement les étapes chronologiques de cette transformation, tandis que le quatrième chapitre étudie, sur un plan pratique, la « fabrication » de cette image. La troisième partie envisage ensuite le contenu des images, en dressant une analyse en trois temps de son iconographie. Le cinquième chapitre aborde ainsi le corps de la reine comme support des dimensions morales de son portrait. Le sixième chapitre approfondit cette question dans la perspective religieuse, en étudiant de quelle manière la régente parvient à produire l’image d’une reine « très chrétienne ». Le septième chapitre conclut cette analyse iconographique sur la dimension politique de l’image d’Anne d’Autriche. La quatrième et dernière partie est enfin l’occasion d’analyser le « fonctionnement » de ces images. Le huitième chapitre montre combien la situation des représentations de la reine dans les décors est déterminante pour leur interprétation, en envisageant les cas des résidences royales puis des intérieurs privés. Enfin, le neuvième chapitre propose une étude de la performance des images, en étendant l’analyse aux usages publics des représentations de la reine, dans les monuments ou au cours des cérémonies. / Anne of Austria offers an important part, yet neglected, in the the development of royal iconography in seventeenth century France. Devoided from management of power under the reign of her husband Louis XIII, she is however the subject of many representations. The number of her images increases when she accedes to the responsibilities of the government at the death of the king, in 1643, becoming regent in the name of her minor son, Louis XIV. Beyond its majority in 1651, she maintains herself at a prominent place, until the death of Mazarin in 1661. During these two decades, a deep political crisis in France culminates in the so-called Fronde. In this context, the image of Anne of Austria becomes the instrument of a visual narrative on monarchical authority and for the defense of the royal power. Crossing a large corpus of representations of the regent with textual sources, this thesis analyzes the visual construction of this narrative, and its effects on the evolution of the image of power in France after the reign of Louis XIII. In contemporary legal and symbolic literature, "majesty" is presented as he essential quality of the sovereign and the mark of his identity. It must then be visually translated in a female incarnation, despite the fundamental laws, in particular the Salic law, which however exclude women from power. The abundance of the images collected for this thesis, nearly five hundred items, offers an essential source to understand how the queen was able to overcome this constraint and contribute, by renewing its models, to the representation of the monarchical authority. This thesis allows us to reconsider the relationship between women and power. To analyze these different issues, the thesis is organized in four parts. The first part attempts to understand the image of the reigning queen, analyzing in a first chapter the legal definition of the queen, to show how the legal order determines the symbolic one. One can thus understand how the marriage of the queen in 1615 and her arrival at the court can be apprehended as an "iconographic birth". The second chapter explores the different features of this portrait of the queen, showing that it is at the same time a revelation of personal characteristics of the queen and a reaction to the queen's political and civil situation. The second part raises the question of the means implemented to operate the transformation of this image, which allows the queen to appear as regent of the kingdom. The third chapter analyzes in particular the chronological stages of this transformation, while the fourth chapter studies, from a practical point of view, the "fabrication" of this image. The third part then considers the content of the images, drawing up a three-step analysis of its iconography. The fifth chapter addresses the body of the queen as a support for the moral dimensions of her portrait. The sixth chapter deepens this question in the religious perspective, studying how the regent manages to produce the image of a queen "très chrétienne". The seventh chapter concludes this iconographic analysis by studying the political dimension of Anne of Austria's image. The fourth and last part gives finally an analysis of the way these images "operate". The eighth chapter shows how the situation of the queen's representations in decor is decisive for their interpretation, considering the cases of the royal residences and the private interiors. Finally, the ninth chapter proposes a study of the performance of images, extending the analysis to the public uses of representations of the queen, in monuments or during ceremonies.

Dado um sistema diferencial no plano, muito se questiona sobre o comportamento de suas soluções. Nas vizinhanças dos pontos singulares existem ferramentas que nos indicam o tipo e a estabilidade estrutural de cada um deles; são as chamadas formas normais. No entanto, o interesse vai mais além do conhecimento local das soluções em cada singularidade. Nesse trabalho apresentamos algumas ferramentas clássicas da teoria qualitativa das equações diferenciais ordinárias empregadas na investigação global dos campos de vetores polinomiais planares e as empregamos na investigação de duas famílias paramétricas de campos quadráticos encontradas no estudo dos campos com hipérboles invariantes. Dentre as ferramentas estudadas destacamos a classificação local das soluções em pontos singulares elementares e semi-elementares e a técnica de compactificação de Poincaré. / Given a planar differential system, many questions are raised about the behavior of their solutions. In the neighborhood of singular points there exist many tools which indicate their type and their structural stability; they are known as normal forms. However, the interest goes beyond the local behavior in the neighborhood of each singularity. In this dissertation we present some classical tools from the qualitative theory of ordinary differential equations which are usually applied to the global investigation of planar polinomial vector fields and we apply them to the investigation of two parametric families of quadratic fields from the study of the vector fields with invariant hyperbolas. Among the studied tools we highlight the local classification of the solutions around elementary and semi-elementary singular points and the technique known as Poincarés compactification.