Par une analyse sociopragmatique du premier roman de Ken Bugul, Le baobab fou (1982), et du dernier, Mes hommes à moi (2008), il s'agira de questionner les modalités de l'énonciation de soi en regard de ce qu'elles disent du jeu postural de l'écrivaine. Nous soutiendrons que l'énonciation de soi chez Ken Bugul passe par des procédés poétiques (jeux de figuration, mises en abyme, métatextualité, rêverie) qui accentuent la mise en scène de son identité de romancière. Ciblant d'abord la figuration d'un personnage biographé et d'une narratrice autobiographe (Le baobab fou), l'œuvre se centre ensuite sur la mise en scène des modalités du récit de soi et des identités narratives diversifiées qu'une posture romanesque permet d'adopter (Mes hommes à moi). Cette figuration délibérée de l'activité d'écriture dévoilée par le dernier roman découle d'une posture créatrice de plus en plus assumée, allant de pair avec une reconnaissance grandissante dans le champ littéraire.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2014-2015 / Situé aux frontières entre les études de réception et les travaux sur l’histoire des idées, notre mémoire propose qu’en temps de crise épistémologique, la critique acquiert une fonction heuristique qui permet de se réapproprier le réel ébranlé par les changements paradigmatiques et désormais inconcevable. Nous étudierons donc comment une œuvre emblématique de la modernité – Le Sacre du printemps de Stravinsky – participe à la transformation de l’acte critique en forçant l’élaboration d’outils discursifs et épistémologiques qui pourront rendre compte de la nouveauté que représente la musique de Stravinsky, de sorte qu’elle répondra aux nouveaux besoin de l’époque et sera intégrée à l’horizon d’attente. Grâce à de nouveaux moyens critiques par eux élaborés, mais aussi par une mise au point esthétique, Jacques Rivière, Jean Cocteau et Boris de Schlœzer parviendront à ce qu’on appellera la « normalisation » esthétique de Stravinsky, à travers laquelle ils parviendront à nouveau à lire leur époque.

L'étude Koltès : zones d'ombre dans la cité contemporaine propose une lecture thématique selon laquelle dans toutes les pièces de l'auteur français contemporain Bernard-Marie Koltès (1948-1989), le plateau du théâtre met en scène une cité caractérisée par le danger, la destruction, Y animalité, le passage et la nuit. L'espace de la civilisation, dont la scène est la métaphore dans la dramaturgie de Koltès, est donc un espace de chaos. Pour sa part, le citoyen de cette cité est un étrange personnage, à l'image de la cité qu'il habite, hante, c'est-à-dire un être de destruction, de danger, d'animalité et de nuit - à moins que ce ne soit le contraire, que l'homme n'ait bâti la cité à son image. Dans ce théâtre, pour paraphraser un mot célèbre de Georges Duhamel, la civilisation ne semble pas être dans le cœur de l'homme ; peut-être est-elle nulle part - cela expliquerait les nombreuses et curieuses utopies que développent les personnages pour exprimer leur mal de la civilisation, voire leur mal de l'humanité.

Le Siècle des Lumières a produit un grand nombre de bouleversements, non seulement dans le domaine politique, mais aussi les domaines économiques et sociaux. C’est dans ce contexte qu’Olympe de Gouges marque l’histoire. Par le biais de lettres, brochures, articles ou encore affiches placardées, Olympe de Gouges a cherché à influencer non seulement les institutions mais aussi l’opinion publique. En commençant par la dramaturgie, elle s’engage aux côtés des abolitionnistes de l’esclavage et lutte pour l’évolution des mœurs. Elle se consacre ensuite à ses écrits pamphlétaires dans lesquels elle plaide pour la cause des plus démunis et pour le partage des richesses. Son avant-gardisme tient encore dans le fait qu’elle remet en question la place et le rôle des femmes dans la vie de la cité. Aujourd’hui, sa posture humaniste résonne d’une contemporanéité aiguë, alors que ne cessent de se multiplier les exemples d’un capitalisme qui accroît le fossé entre les nantis et les démunis. Dès lors, l’engagement d’Olympe de Gouges apparaît comme un support idéel envisageable de la composition archéologique de la pensée des communs. Ce courant philosophique et politique actuel prône en effet l’organisation concertée de l’usage des ressources, de sorte que la responsabilisation des individus, co-acteurs de leur présent et de leur devenir, assure l’équité et la pérennité de cet usage. Au cœur du mouvement des communs réside le souci du vivre-ensemble, ce qui implique une refonte des institutions et des modes de vie. En ce sens, la posture d’Olympe de Gouges préfigure l’éthique du care (le prendre soin, le souci de l’autre) et, de fait, la prise en compte des spécificités de chacun, le respect d’autrui et des genres, implicitement inclus dans le mouvement des communs. Malmenée par l’historiographie, Olympe de Gouges est peu mentionnée dans les ouvrages consacrés à l’histoire de la République des Lettres. Par conséquent, notre travail se situe dans une démarche d’actualité de manière à ce que la postérité de ses idées progressistes contribue à imaginer et à bâtir la société à venir. -- Mots-clés : Olympe de Gouges, Siècle des Lumières, éthique du care, philosophie des communs, abolition de l’esclavage, monarchie constitutionnelle, presse, théâtre, féminisme. / The Age of Enlightenment has produced a great deal of upheaval, not only in the political sphere, but also in the economic and social spheres. It is in this context that Olympe de Gouges marks the history. By means of letters, pamphlets, articles or placarded posters, Olympe de Gouges sought to influence not only the institutions but also the public opinion. Beginning with dramaturgy, she engages herself with the abolitionists of slavery and struggle for the evolution of morals. Then, she devoted herself to her lampooned writings in which she pleaded for the cause of the most bereft persons and for the sharing of wealth. Its avant-gardism is still due to the fact that it questions the place and the role of women in the city life. Today, its humanist posture echoes with an acute contemporaneity, while the examples of a capitalism which increases the gap between the haves and others multiply. Henceforth, the commitment of Olympe de Gouges appears as an ideal support for the archaeological composition of the thinking of commons. This philosophical and political current advocates the concerted organization of the use of resources, so that the responsibility of individuals, co-actors of their present and their future, ensures the fairness and durability of this use. At the heart of the movement of commons lies the concern for living together, which implies an overhaul of institutions and ways of life. In this sense, the Olympe de Gouges ‘posture prefigures the ethics of care (caring, care for the other) and, in fact, taking into account the specificities of each one, respect for others and genders, implicitly included in the movement of the thinking of commons. Criticized by historiography, Olympe de Gouges is little mentioned in the Republic of Letters ‘history. Consequently, our work is based on a topical approach so that the posterity of its progressive ideas helps to imagine and build the society to come. Key-words: Olympe de Gouges, Age of Enlightenment, ethic of care, commons ‘philosophy, abolition of slavery, constitutional monarchy, press, theater, feminism.

Se fondant sur un corpus de huit romans de Calixthe Beyala (C'est le soleil qui m'a brûlée, Le petit prince de Belleville, Maman a un amant, Les honneurs perdus, La petite fille du réverbère, Comment cuisiner son mari à l'africaine, L'homme qui m'offrait le ciel et Le roman de Pauline) publiés entre 1987 et 2009, notre recherche a voulu interroger la disqualification de l'homme au-delà des clichés et des stéréotypes de lecture, en relation avec les enjeux symboliques de l'institution. Écrivaine polymorphe, Beyala, à travers ruses, dénégations, marque son entrée fracassante dans le champ par le meurtre de l'homme. Et, d'un roman à l'autre, la romancière accentue sa singularité par le rabaissement de l'homme. Celui-ci déserte généralement le couple conjugal, abandonne les enfants, ou alors il est pris en charge par la femme qui le soumet. La femme, quant à elle, est pleine de belles initiatives, mène une vie enviable et c'est elle qui pourvoit aux besoins des enfants. Mais ces thématiques sociales permettent à Beyala d'observer de préférence les petites circonscriptions de la vie quotidienne et à les traiter en données immédiates de la conscience sociale au niveau des rapports, à s'attacher à peindre la condition des gens de peu (les minorités, les démunis, les banlieues, l'Afrique) et celle des marginaux ou de ceux qu'on peut prendre pour tels, comme les relations mixtes sur le plan social, la polygamie, les enfants issus de ces relations. Ces sociologies qu'on appellerait de terrain sont, pour Beyala, fort instructives, pour autant qu'on veuille bien en dépasser le particularisme. En effet, la romancière ne saurait penser la réalité globale que construite, en dépit des contingences et incongruités dont elle fait son miel à l'ordinaire, et qui lui a valu une farouche levée de boucliers. Ainsi elle verra dans des formes très excentriques de positionnement de soi des occurrences très banales des stratégies distinctives inhérentes à tout groupement humain. Mais ces formes ne la retiennent que si elle peut s'élever à une conception plus générale des rapports sociaux entre dominants et dominés.

Le propos de ce mémoire est issu d'une première observation : le rapport particulier à la mémoire présent dans bon nombre de romans contemporains. L'émergence remarquée des récits de filiation, fictions biographiques, autofîctions et autres formes d'exploration du fait mémoriel démontre à quel point le passé est un matériau fécond sur le plan littéraire, toujours à mi-chemin entre l'Histoire et la fiction. Les romans de Patrick Chamoiseau et de Bessora, soit Texaco et Petroleum, exploitent eux aussi cette isotopie et présentent plusieurs similarités en termes de récurrences thématiques et stratégies textuelles. Outre les titres des oeuvres annonçant d'emblée le propos tournant autour de l'exploitation pétrolière et du capitalisme, les romans réunissent des traces de la mémoire, pour montrer à quel point la relation au passé est une notion toujours complexe, souvent insaisissable. Ce mémoire questionne donc la place du mémoriel, confronté à l'Histoire, ses déroutes et ses silences.

Cette thèse a une double vocation: elle présente une lecture des Divers portraits de Mademoiselle de Montpensier et fournit la première édition critique complète de ce recueil de portraits littéraires publié à un tirage limité en 1659. Notre étude porte sur l'ambiguïté fondatrice des Divers portraits: oeuvre témoin d'une mode du portrait littéraire qui dura moins de trois ans (1656-1659) et livre d'apparat à prétention historique dédié à la mémoire d'Anne-Marie-Louise de Montpensier. De la genèse des Divers portraits jusqu'à l'histoire de sa réception, les enjeux du recueil sont évalués sous l'angle de ce double statut de production mondaine et d'archive aristocratique. Afin de retracer les lignes de force qui accusent de la singularité des Divers portraits, notre enquête fait dialoguer l'histoire littéraire et l'histoire du livre. Aussi accorde-t-elle une place centrale à l'histoire de la représentation de Mademoiselle de Montpensier dont la place est déterminante dans la constitution du recueil. L'appartenance des Divers portraits à la mode du portrait. littéraire ayant déjà été attestée, nous consacrons une bonne part de notre recherche à l'analyse de son statut de galerie aristocratique dans sa dimension autant symbolique que matérielle. La genèse du recueil est d'abord éclairée par les portraits d'hommes illustres de cette période. L'examen spécifique du recueil s'établit ensuite à partir d'une typologie de.1a société représentée dans l'ouvrage collectif, ce qui nous permet de témoigner de la position d'autorité de la princesse de Montpensier dans l'économie d'ensemble de l'oeuvre. La réception des Divers portraits comme objet patrimonial boucle notre enquête : nous montrons que les prétentions mémorielles à l'origine de la création du livre coïncident avec la fortune des Divers portraits que consacrent les historiens et bibliophiles au XIXe siècle. L'édition critique des Divers portraits complète notre étude à plus d'un titre. Les nombreuses notes historiques, littéraires et linguistiques ancrent l'ouvrage dans son contexte social et culturel. Quant aux notices annexées à chaque portrait, elles fournissent non seulement un éclairage biographique sur la communauté représentée dans le volume, mais apportent également des précisions sur l'architecture et la cohérence symbolique de l' oeuvre collective.

L'édition critique du Nouveau Voyage s'inscrit dans un travail plus vaste d'édition critique de l'œuvre complète de Louis Hennepin. Elle offre au lecteur moderne un texte fiable, établi à partir d'un protocole respectueux du texte de base et de la dernière volonté probable de l'auteur. Par son annotation encyclopédique (historique, ethnologique, linguistique), elle rend accessible au lecteur moderne le contexte général de production de l'œuvre. Une introduction analyse plus en détail la structure polémique du texte. Le Nouveau Voyage est d'abord un exercice complexe de rédaction : il reprend plusieurs parties de Premier Etablissement de la foy, attribué à Chrestien Leclercq, et l'intégralité des Mœurs des Sauvages, une œuvre de Hennepin parue en 1683. Suppressions, ajouts et modifications créent un nouvel ensemble auquel on peut supposer une logique propre. L'étude de l'écriture et de la réécriture met au jour les figures de découvreur, de missionnaire, d'ethnologue et d'auteur qui sont construites par Hennepin au fil du discours.

Ce mémoire de maîtrise en études littéraires analyse la métaphore de la blessure dans les quatre essais esthétiques de Jean Genêt : L'atelier d'Alberto Giacometti (1957), Le funambule (1958), Le secret de Rembrandt (1958), Ce qui est resté d'un Rembrandt déchiré en petits carrés bien réguliers, et foutu aux chiottes (1967). Cette étude combine deux approches théoriques : la thématique bachelardienne et la sociologie de l'art théorisée par Pierre Bourdieu, Alain Darbel et Jean Dubuffet. Les concepts bachelardiens qui font l'objet de cette étude sont les motifs thématiques liés à l'espace et au processus de la rêverie créatrice. Cette approche dévoile les images qui structurent l'évocation littéraire des arts plastiques. Ces images sont ensuite analysées dans le cadre de l'institutionnalisation de l'art. Les concepts esthétiques de Genêt s'avèrent extrêmement importants dans la réflexion sur l'art menée au cours de la seconde moitié du vingtième siècle. Plusieurs critiques littéraires ont occulté la place de la pensée esthétique dans l'œuvre de Genêt. Ce mémoire a pour but de rétablir une juste perspective quant à cette pensée

There is a conceptual resonance between the rhizomatic habit in the world of plants and the perennial errancy in the (meta)physical world of man traversed by Mohammed Dib’s writing. In so far as reflective research and the practice of translation can ‘mirror’ the surface of their object, this project is a rhizomatic endeavour. It is a fragmentary journey into the desert, in search of the mysterious at’lāl, the trace of the sign, drawn and effaced and redrawn again by Mohammed Dib to reveal ephemeral truths about the self and its others. Dib’s focus migrates from early realist ‘socio-ethnographic’ novels in the 1950s to metaphysical explorations described by critics as ‘hermetic’, ‘mystical’ or ‘surreal’. The historical and the mystical, however, are two facets of the same inexorable acts of deterritorialization and reterritorialization in a precarious, often oneiric, universe. The ‘visions’ expressed in his poetics are couched in the elemental vocabularies of light and shadow, fire and water, space and duration and draw their substance from Sufi mystical scholars and poets. I posit that Dib’s nomadic contemporary writing arises from the place that lies between the sensible and the intelligible in Sufi mysticism, in a secular transposition of the Sufi Imagination: Dib neither constructs nor deconstructs. Rather, his singular style serves to hone an acutely experiential expression. Further, there is a sense in which each ouvrage is a heterotrope whereby his poetry and prose collections are inextricably embedded in each other, thus one is always in the middle of his universe. The ubiquitous entry point to this universe lies in the middle of his metaphorical desert, an aesthetic landscape stripped of idiocultural signification. Central to its lines of flight is the sign, both ephemeral and enduring, and what is enveloped in the sign is the non-signifying impact of its expression. I argue that Dib’s perennial re-assembling of ‘ces chaînes aux mailles d’acier qui sont mots’ (those chains with links of steel that are words) doesn’t so much ‘give rise to thought’ as ‘give rise to affect’.