Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Música, Programa de Pós-Graduação Música em Contexto, 2018. / Esta pesquisa pretende compreender o pensamento de Ennio Morricone sobre a música no cinema e verificar se há correspondência prática entre suas teorias e a composição da trilha musical do filme Os Oito Odiados (The Hateful Eight, 2015), de Quentin Tarantino. Para tanto, foi utilizado, como ponto de partida, o livro Composing for the Cinema: The Theory and Praxis of Music in Film (2013), escrito pelo próprio Morricone em parceria com Sergio Miceli, musicólogo e biógrafo do compositor. Nesse livro, Morricone expõe os seus procedimentos de produção da trilha musical, tais como seu pensamento sobre a linha de produção no cinema, suas considerações sobre mixagem e edição musical, o uso de tema, uso da dissonância, uso da voz, uso de músicas pré-existentes e canções. No mesmo livro, Miceli descreve seu método de análise audiovisual, o Método dos Níveis (ou pontos de vista). Tal método será aplicado na análise do filme Os Oito Odiados para melhor compreensão das funções da música no filme e para avaliar a eficácia do método. O pensamento de Morricone foi confirmado no que se refere à mixagem e edição musical no filme, às técnicas de composição e uso de temas ou leitmotivs, o momento ao qual o compositor utiliza a dissonância no cinema e à forma como utiliza a voz. Porém, foram encontradas algumas contradições entre as teorias de Morricone sobre os procedimentos de produção musical para cinema, tais como suas sugestões sobre análise audiovisual, suas considerações sobre o uso de músicas pré-existentes e canções, e sua real aplicação na construção da trilha musical de Os Oito Odiados. E, quanto ao Método dos Níveis, embora de fácil aplicação, seus termos não são exatos, sendo um método de caráter interpretativo, portanto, subjetivo. / This research intends to understand Ennio Morricone's thinking about music in the cinema and to verify if there is practical correspondence between its theories and the composition of the musical track of the film The Hateful Eight (2015), by Quentin Tarantino. For that, the book Composing for the Cinema: The Theory and Praxis of Music in Film (2013), written by Morricone himself in partnership with Sergio Miceli, musicologist and composer biographer, was used as a starting point. In this book, Morricone exposes his musical track production procedures, such as his thinking about the production line in the cinema, his considerations on mixing and musical editing, the use of theme, use of dissonance, use of voice, use of pre-existing music and songs. In the same book, Miceli describes his method of audiovisual analysis, the Method of Levels (or points of view). Such a method will be applied in the analysis of the movie The Hateful Eight to better understand the functions of music in the film and to evaluate the effectiveness of the method. Morricone's thinking was confirmed with regard to mixing and editing music in the film, to the techniques of composition and use of themes, the moment at which the composer uses the dissonance in the cinema and the way he uses the voice. However, some contradictions were found between Morricone's theories on the procedures of musical production for cinema, such as his suggestions on audiovisual analysis, his considerations on the use of pre-existing music and songs, and his real application in the construction of the musical track of The Hateful Eight. As for the Method of Levels, although easy to apply, its terms are not exact, being a method of interpretative character, therefore, subjective.

Esta dissertação procura analisar as relações que se estabelecessem entre o território e a produção musical, explorando os diversos significados da música em diferentes contextos, com um um enfoque na música produzida durante as décadas de oitenta e noventa na região do Porto. O primeiro capítulo explora as especialidades da música, através das relações entre a música, a mobilidade e diferentes formas de identidade. A autenticidade, enquanto fenómeno em que a continuidade e a estabilidade são valorizadas em detrimento da mudança e de ciclos de moda, liga a música a lugares particulares. Por outro lado, factores como as transformações sociais resultantes dos processos de globalização, ou a dinâmica da indústria doiscográfica, têm contribuído para que a musica ocupe um lugar central na dinâmica da rearticulação das identidades culturais, promovendo novas formas de relacionamento com o espaço urbano. Por conseguinte, no segundo capítulo procura-se compreender a forma como os territórios da música e os sons se podem manifestar através das chamadas cenas musicais. Através da exploração de diferentes cenas musicais regionais, assim como os textos e as imagens da música, traçam-se as relações entre os sons e o espaço. No terceiro capítulo, partindo de entrevistas realizadas a diferentes intervenientes musicais da região do Porto, problematiza-se a existência de uma cena ou de um som do Porto. Sºão traçados alguns argumentos que podem ter contribuído para que o Porto se tenha tornado, durante as décadas de oitenta e noventa do século XX, num centro importante da produção musical Portuguesa: o factor identidade; o facto da indústria musical ter origens no Porto; a partilha de determinados espaços na cidade por alguns dos actores musicais num eixo imaginário entre a Boavista e a Foz, com posteriores reflexos na produção musical;(...)

Orientador: Jose Eduardo Ribeiro de Paiva / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-05T11:59:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 JaramilloArango_Julian_M.pdf: 729826 bytes, checksum: a14df9066f878c29215a6b8728bee55b (MD5) Previous issue date: 2005 / Resumo: A música eletrônica de pista apresenta-se, no começo da década de 2000, como um fenômeno portador de novos paradigmas para a música, no que respeita à criação, à difusão e à apreciação. Esta pesquisa examina o surgimento deste fenômeno, no começo da década de 1980, a partir do pensamento de Pierre Schaeffer, que fornece uma metodologia apropriada para tal empreendimento. No primeiro e segundo capítulos, estudam-se o entorno tecnológico da música no século XX, o arsenal de ferramentas fabricadas de forma industrializada e o processo social de incorporação destas tecnologias. No terceiro capítulo, disserta-se sobre os desafios estéticos da música eletrônica e as dinâmicas de trabalho que se desenvolvem. Promulga-se, aqui, a emergência de uma nova experiência musical, a que se denomina ¿discurso da reprodução¿. Por último, aprofunda-se no trabalho do grupo de música pop alemão Kraftwerk, como antecessor e elaborador da música eletrônica, assim como exemplo da incorporação da tecnologia ao trabalho em música realizado no século XX / Mestrado / Mestre em Multimeios

Este trabalho apresenta os resultados de uma pesquisa prática de investigação das potencialidades de aplicação de tecnologias web -- como HTML, JavaScript e CSS -- para o desenvolvimento de novas interfaces para produção de música experimental. Partindo do fato de que essas tecnologias permitiriam o desenvolvimento de aplicativos online acessíveis pela maioria dos computadores e dispositivos móveis, pela internet, sem a necessidade de instalação de software adicional. Desenvolvemos aqui algumas ferramentas que pudessem servir de suporte para nossa própria prática artística e profissional, principalmente no campo da improvisação livre, e que não dependessem também de um domínio de técnicas de gesto musical. Parto aqui de uma breve introdução onde apresento a problemática deste trabalho. Em seguida, apresento uma síntese do meu percurso de pesquisa do campo do design para a música. No segundo capítulo apresento algumas referências importantes para essa pesquisa no campo das interfaces para produção musical e no terceiro capítulo os resultados obtidos durante a pesquisa prática, especialmente os projetos \"Banda Aberta\" e \"Playsound.space\". Banda Aberta, uma plataforma para diálogos coletivos, é um projeto de performance participativa, onde o público pode usar o celular como forma de interação para criar música, através de uma plataforma online de chat que transforma mensagens de texto em informação sonora. A ideia era a de criar uma web ágora, onde os participantes têm liberdade de fala ao mesmo tempo que participam de uma prática de experimentação musical. Para tanto, utilizamos procedimentos de tradução intersemiótica para mapear as letras em sons. Apresentamos o projeto em uma série de eventos no Brasil e no exterior. Posteriormente, analisamos as mensagens enviadas pelos participantes para avaliar o uso da ferramenta durante algumas das sessões realizadas. Playsound.space, é uma plataforma online para prática de improvisação musical livre baseada no acervo de sons em Creative Commons Freesound.org. Funciona como um tocador de música concreta, que permite busca, loop e processamento de objetos sonoros em tempo real a partir do navegador, através de buscas semânticas textuais assessoradas por espectrogramas. Avaliamos o seu uso como ferramenta através de testes com usuários e em aplicações práticas em performances e eventos, em apresentações solo ou em grupo e contextos pedagógicos. Os processos de análise envolveram métodos quantitativos e qualitativos, que incluíram análises temáticas, estatísticas e aplicações práticas. Por fim, apresentamos algumas conclusões que tiramos deste processo e possíveis desdobramentos para pesquisas futuras nesse campo. / This work brings the results of a practice based research investigating the potentials of applying web technologies -- such as HTML, JavaScript and CSS--on developing of new interfaces for experimental music production, starting from the fact that these technologies would allow the development of online applications accessible by most of personal computers and mobile devices without the necessity of any extra software installation. We sought to develop tools that would give support for our own artistic practice and wouldn\'t depend also on the mastery of musical gesture techniques. Starting from a brief introduction where I present the problematic of this work, I then present a synthesis of my research course from the design to the music field. In the second chapter, some important references on the research field of interfaces for musical production are presented and in the third the results obtained during the practical research, especially the projects \"Open Band\" and \"Playsound.space\". \"Open Band\", a platform for collective sound dialogues, is a participatory performance project, where the public can use the cellphone as a form of interaction to create music, trough an online chat platform that transforms text messages into sound information. The idea was to create a \"web agora\", where the participants had freedom of speech while joining a practice of musical experiment. For that, we used procedures of intersemiotic translation to map letters into sound. We presented the project in series of events in Brazil and in Europe. After that, we analyze messages sent by the participants to evaluate the use of the tool on some of the performances made. Playsound.space is an online platform for free music improvisation based on Freesound.org Creative Commons content. I works as a concrete music player, which allow to search, loop and process sound objects in real time from the browser, with semantic text searches supported by spectrograms. We evaluated the use of the tool trough user tests and practical applications in performance and events, in solo and group presentations and also in pedagogical contexts. The analysis processes involved quantitative and qualitative methods, which included thematic analysis, statistics and practical applications. Finally, we present some conclusions drawn from this process and possible developments for future research in this field.

O objetivo deste trabalho é estudar o cenário de composição e produção de trilhas musicais no cinema brasileiro desde o período chamado de Retomada até a atualidade, analisando como as transformações tecnológicas na produção musical e cinematográfica, as renovações no elenco de profissionais e artistas do cinema e do mercado fonográfico, o restabelecimento de uma produção cinematográfica baseada nas leis de incentivo criadas na década de 1990 e outras contingências colaboraram para a solidificação de novos modelos de produção de trilhas musicais originais na contemporaneidade. O momento atual do mercado cinematográfico brasileiro é marcado por significativas reconfigurações nas cadeias de produção, com predominância de modelos organizacionais que se caracterizam pela produção \"projeto por projeto\", dentro dos quais é comum haver um enxugamento da estrutura profissional e logística. Os compositores musicais são caso a se destacar nesse cenário, pois seu perfil contemporâneo difere-se bastante da figura tradicional, que costumava se tratar de um músico alinhado às práticas da música de concerto, com o trabalho voltado para a escrita na partitura e a ausência de relação direta com o aparato técnico de gravação e edição analógicas. Os compositores e produtores musicais de hoje, por conta dos avanços tecnológicos nas ferramentas digitais de áudio, do barateamento de equipamentos e das transformações no mercado cinematográfico, fonográfico e publicitário, caracterizam-se em geral por criarem suas músicas já no ambiente de produção digital, comumente aliando composição, gravação, execução, edição, mixagem e sincronização com a imagem no mesmo processo; são em sua maioria donos de seus próprios estúdios de gravação ou empresas produtoras de áudio e são bastante autossuficientes, centralizando no próprio trabalho muitas das tarefas que antes requeriam um número maior de profissionais, bem como estruturas mais complexas de produção, muitas vezes inviáveis na realidade cinematográfica anterior do país. / This research aims at studying the setting of composition and production of musical scores for the Brazilian cinema since the period called as Retomada until nowadays, by analyzing how the technological transformations in music and film production, the renovations in the cast of professionals and artists involved in movies and in the music market, the reinstatement of movie production based on financial incentive laws created on the 1990s and other contingencies have collaborated to solidify new models of film scores production in the contemporary years. The present moment of Brazilian cinematographic market is marked by meaningful reconfigurations in the production chains, with the predominance of organization models characterized by the \"project by project\" productions, in which is common a reduction of the professional and logistic structure. Music composers are to be distinguished in this setting, for their contemporary profile is very different than the traditional figures, who used to be musicians aligned to the classical music practices, with works based in musical notation and without much direct relationship with the technical apparatus of analog recording and editing. Music composers and producers nowadays, because of the technological advances in digital audio tools, the lower costs of the equipment and the transformations in the movies, music and publicity markets, are characterized, in general, for creating their music in digital production environment, commonly allying composition, recording, execution, editing, mixing and synchronization with the image in the same process. They are, mostly, owners of their recording studios or audio producing companies and are very self-sufficient, concentrating in their own work a lot of tasks that would require a greater number of professionals and a more complex structure of production before, which were impracticable many times in the earlier cinematographic reality of the country.

Made available in DSpace on 2016-08-16T18:10:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 dissertacao marcos ramon.pdf: 4142149 bytes, checksum: b64ee9d763382604306cb7199e4fb1fa (MD5) Previous issue date: 2011-12-09 / Analysis of musical production and its dissemination strategies from the use of social networking. The proposal is to investigate the actions of artists-producers that are within the scope of cyberculture. For this, I analyze relevant concepts to cyberspace and its relationship with the music produced from the use of digital technology. I also investigate the issue of consumption and identities on the Internet, in search of a mapping of the interests that prevail in cyberspace. I define social networks on the internet and point out its essential elements. I use in this research, as a priority, the ethnographic method adapted to the online environment, together with the analysis of social networks. Investigate and analyze the speeches of musicians who have appropriated, in the course of their work with music, the particular circumstances of digital technology and the online environment as a way of acting. Evaluate the speeches and try to draw viable conclusions that enable a understanding of the phenomenon of musical production in the Internet age. / Análise da produção musical e suas estratégias de divulgação a partir da utilização das redes sociais virtuais. A proposta é investigar as ações dos artistas-produtores que estão inseridos no âmbito da cibercultura. Para tanto, analiso os conceitos pertinentes ao ciberespaço e sua relação com a música produzida a partir da utilização da tecnologia digital. Investigo também a questão do consumo e das identidades na internet, na procura de um mapeamento dos interesses que prevalecem no ciberespaço. Defino as redes sociais na internet e aponto seus elementos essenciais. Utilizo nesta pesquisa, prioritariamente, o método etnográfico adaptado ao ambiente online, juntamente com a análise das redes sociais. Investigo e analiso os discursos de músicos que se apropriaram, em suas trajetórias de trabalho com a música, das circunstâncias específicas da tecnologia digital e do ambiente online como forma de atuação. Avalio os discursos e procuro extrair conclusões viáveis que possibilitem uma compreensão do fenômeno da produção musical na era da internet.

O objetivo deste trabalho é estudar o cenário de composição e produção de trilhas musicais no cinema brasileiro desde o período chamado de Retomada até a atualidade, analisando como as transformações tecnológicas na produção musical e cinematográfica, as renovações no elenco de profissionais e artistas do cinema e do mercado fonográfico, o restabelecimento de uma produção cinematográfica baseada nas leis de incentivo criadas na década de 1990 e outras contingências colaboraram para a solidificação de novos modelos de produção de trilhas musicais originais na contemporaneidade. O momento atual do mercado cinematográfico brasileiro é marcado por significativas reconfigurações nas cadeias de produção, com predominância de modelos organizacionais que se caracterizam pela produção \"projeto por projeto\", dentro dos quais é comum haver um enxugamento da estrutura profissional e logística. Os compositores musicais são caso a se destacar nesse cenário, pois seu perfil contemporâneo difere-se bastante da figura tradicional, que costumava se tratar de um músico alinhado às práticas da música de concerto, com o trabalho voltado para a escrita na partitura e a ausência de relação direta com o aparato técnico de gravação e edição analógicas. Os compositores e produtores musicais de hoje, por conta dos avanços tecnológicos nas ferramentas digitais de áudio, do barateamento de equipamentos e das transformações no mercado cinematográfico, fonográfico e publicitário, caracterizam-se em geral por criarem suas músicas já no ambiente de produção digital, comumente aliando composição, gravação, execução, edição, mixagem e sincronização com a imagem no mesmo processo; são em sua maioria donos de seus próprios estúdios de gravação ou empresas produtoras de áudio e são bastante autossuficientes, centralizando no próprio trabalho muitas das tarefas que antes requeriam um número maior de profissionais, bem como estruturas mais complexas de produção, muitas vezes inviáveis na realidade cinematográfica anterior do país. / This research aims at studying the setting of composition and production of musical scores for the Brazilian cinema since the period called as Retomada until nowadays, by analyzing how the technological transformations in music and film production, the renovations in the cast of professionals and artists involved in movies and in the music market, the reinstatement of movie production based on financial incentive laws created on the 1990s and other contingencies have collaborated to solidify new models of film scores production in the contemporary years. The present moment of Brazilian cinematographic market is marked by meaningful reconfigurations in the production chains, with the predominance of organization models characterized by the \"project by project\" productions, in which is common a reduction of the professional and logistic structure. Music composers are to be distinguished in this setting, for their contemporary profile is very different than the traditional figures, who used to be musicians aligned to the classical music practices, with works based in musical notation and without much direct relationship with the technical apparatus of analog recording and editing. Music composers and producers nowadays, because of the technological advances in digital audio tools, the lower costs of the equipment and the transformations in the movies, music and publicity markets, are characterized, in general, for creating their music in digital production environment, commonly allying composition, recording, execution, editing, mixing and synchronization with the image in the same process. They are, mostly, owners of their recording studios or audio producing companies and are very self-sufficient, concentrating in their own work a lot of tasks that would require a greater number of professionals and a more complex structure of production before, which were impracticable many times in the earlier cinematographic reality of the country.

Essa tese propõe uma leitura da música, enquanto recurso didático, a partir da análise do embate metodológico entre a educação jesuíta e a educação pombalina, imediatamente após a reforma educacional proposta pelo Marquês de Pombal. O período de transição da educação no Brasil colônia foi enfocado a partir de dois métodos norteadores das diretrizes conceituais e educacionais, são eles: o Ratio Studiorum, da educação jesuíta e O Verdadeiro Método de Estudar de Verney, da educação laica. Fundada por Inácio de Loyola, em 1534, a Companhia de Jesus estabeleceu prioridades pedagógicas basicamente voltadas à educação de novas gerações e à ação missionária de difusão dos valores religiosos, sendo que, nessas duas instâncias a música teve papel relevante na perspectiva da relação ensino-aprendizagem da educação religiosa. Verney, conforme relata a historiografia, teve um papel central para compreensão do movimento iluminista português, norteador da reforma pombalina, pois através de sua obra, mobilizou novos rumos para educação de Portugal e suas colônias, compatíveis com o pensamento vigente na Europa do século XVIII. Com a reforma pombalina a música foi minimizada no ambiente escolar, ocupando outros espaços e criando estilos diferenciados, tanto no que diz respeito à produção musical sacra quanto à profana. O Brasil Colônia obteve representatividade musical na Europa, pela qualidade de seus músicos-compositores mulatos, em especial os de Minas Gerais, Bahia, Pernambuco e sacros em Mogi das Cruzes. / This thesis proposes reading music as a resource for teaching, from the analysis of the methodological clash between the Jesuit Education and the Pombal Education, immediately following the educational reform proposed by the Marquis of Pombal. The educational transition in Colonial Brazil was focused on two guiding methods of conceptual and educational guidelines, they are: the Jesuit Ratio Studiorum and Verney\'s True Method of Studying, of secular education. Founded by Ignatius of Loyola in 1534, the Society of Jesus establishes educational priorities primarily focused on education of new generations and the missionary work of infusing religious values, being that in these two instances music has played a significant role in the perspective in teaching or having a religious education. Verney, as reported by historians, played a central role in understanding Portuguese Age of Enlightenment, leading the reform of Pombal, because it was with his work that new directions for education were mobilized in Portugal and its colonies, befitting of the prevailing thought in eighteenth-century Europe. With the Pombal Reform the music was oppressed in school environments, occupying other spaces and creating differentiated styles, with regard to music production being sacred as well as profane. Colonial Brazil won musical acknowledgement in Europe for its mulatto musician-composers predicate, especially those of Minas Gerais, Bahia, Pernambucco and Mogi das Cruzez.

Essa tese propõe uma leitura da música, enquanto recurso didático, a partir da análise do embate metodológico entre a educação jesuíta e a educação pombalina, imediatamente após a reforma educacional proposta pelo Marquês de Pombal. O período de transição da educação no Brasil colônia foi enfocado a partir de dois métodos norteadores das diretrizes conceituais e educacionais, são eles: o Ratio Studiorum, da educação jesuíta e O Verdadeiro Método de Estudar de Verney, da educação laica. Fundada por Inácio de Loyola, em 1534, a Companhia de Jesus estabeleceu prioridades pedagógicas basicamente voltadas à educação de novas gerações e à ação missionária de difusão dos valores religiosos, sendo que, nessas duas instâncias a música teve papel relevante na perspectiva da relação ensino-aprendizagem da educação religiosa. Verney, conforme relata a historiografia, teve um papel central para compreensão do movimento iluminista português, norteador da reforma pombalina, pois através de sua obra, mobilizou novos rumos para educação de Portugal e suas colônias, compatíveis com o pensamento vigente na Europa do século XVIII. Com a reforma pombalina a música foi minimizada no ambiente escolar, ocupando outros espaços e criando estilos diferenciados, tanto no que diz respeito à produção musical sacra quanto à profana. O Brasil Colônia obteve representatividade musical na Europa, pela qualidade de seus músicos-compositores mulatos, em especial os de Minas Gerais, Bahia, Pernambuco e sacros em Mogi das Cruzes. / This thesis proposes reading music as a resource for teaching, from the analysis of the methodological clash between the Jesuit Education and the Pombal Education, immediately following the educational reform proposed by the Marquis of Pombal. The educational transition in Colonial Brazil was focused on two guiding methods of conceptual and educational guidelines, they are: the Jesuit Ratio Studiorum and Verney\'s True Method of Studying, of secular education. Founded by Ignatius of Loyola in 1534, the Society of Jesus establishes educational priorities primarily focused on education of new generations and the missionary work of infusing religious values, being that in these two instances music has played a significant role in the perspective in teaching or having a religious education. Verney, as reported by historians, played a central role in understanding Portuguese Age of Enlightenment, leading the reform of Pombal, because it was with his work that new directions for education were mobilized in Portugal and its colonies, befitting of the prevailing thought in eighteenth-century Europe. With the Pombal Reform the music was oppressed in school environments, occupying other spaces and creating differentiated styles, with regard to music production being sacred as well as profane. Colonial Brazil won musical acknowledgement in Europe for its mulatto musician-composers predicate, especially those of Minas Gerais, Bahia, Pernambucco and Mogi das Cruzez.

Submitted by Renan Branco Ruiz null (renan@guerrilhagig.com) on 2017-09-05T13:01:07Z No. of bitstreams: 1 RUIZ,R.dissertacao(revmaisfinal).pdf: 1515542 bytes, checksum: 83decdc838aa502202e32feac7ff021f (MD5) / Approved for entry into archive by Luiz Galeffi (luizgaleffi@gmail.com) on 2017-09-06T15:49:52Z (GMT) No. of bitstreams: 1 ruiz_rb_me_fran.pdf: 1515542 bytes, checksum: 83decdc838aa502202e32feac7ff021f (MD5) / Made available in DSpace on 2017-09-06T15:49:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ruiz_rb_me_fran.pdf: 1515542 bytes, checksum: 83decdc838aa502202e32feac7ff021f (MD5) Previous issue date: 2017-08-16 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) / Esta dissertação teve como objetivo reconstruir e analisar a trajetória artística do Grupo Um (1976 - 1984) a partir de duas perspectivas complementares. Pela primeira delas, foram interpretados os impasses encontrados pelo conjunto para possibilitar a gravação, a prensagem e a distribuição de seus três álbuns lançados entre 1979 e 1982, à luz das intensas transformações da indústria fonográfica brasileira desse período. Na busca por apoio para a viabilização de seus trabalhos, os integrantes do conjunto potencializaram a retórica de produção musical independente, que ganhava força nesse mesmo período. Mantiveram, também, intensas aproximações com o Centro de Promoções Artísticas Lira Paulistana, e uma relação nuançada com a construção da ideia de vanguarda paulista. A segunda perspectiva de análise recai sobre as proximidades e distanciamentos entre a música produzida pelo Grupo Um e a fricção de musicalidades presente no jazz brasileiro. Para tanto, foi realizado um panorama da evolução jazzística durante o século XX, situando o cenário da virada dos anos 1970 para os anos 1980 no Brasil e no mundo. Além disso, alguns aspectos da obra discográfica do conjunto foram assinalados no intuito de refletir e discorrer sobre os possíveis sentidos de sua utilização naquele momento, a partir dos elos com o estilo fusion de jazz. / This dissertacion intended to rebuild and to analyse the artistic trajectory of the ensemble Grupo Um (1976 - 1984) following two complementary perspectives. The first one has interpreted the standoffs founded by the group in order to make it viable the recording, pressing and selling, of its three albuns between 1979 and 1982, surrounded by the intense transformation of the brazilian phonographic industry at the time. At the searching for supporting to make it viable, they have potentialized the rhetorics of independent musical production, that was gaining force at the same period. They manteined, also, intense aproximations with the Centro de Promoções Artísticas Lira Paulistana and nuances with the construction of the very idea of the vanguarda paulista. The second perspective of analyses lies in the approximation and distancing of the music produced by Grupo Um and the friction of musicalities that were present in the brazilian jazz. Therefore, a panoram of the jazz evolution in the 20th century was made, situating the turning point scenario of the 1970's in Brazil and in the world. Besides that, some aspects of the ensemble discography are pointed out in the will to reflect and punctuate about its possible meanings of utilisation at that moment, regardening its ties with the jazz fusion style. / FAPESP: 2015/09829-3