Esta pesquisa analisa os efeitos subjetivos resultantes das transformações sociais contemporâneas, tais como o impacto da tecnologia e o crescente poder da imagem, que resultam na problematização sobre o lugar do corpo na sociedade. Esta análise é proposta a partir da leitura de obras específicas de artistas contemporâneos identificados à arte abjeta, modalidade da arte vinculada à constituição do ser humano e à apresentação do real. / This research analyzes the subjective effects resulting from the contemporary social changes, such as the impact of technology and the increasing power of image, that lead to the problematization on the place of the body in society. This analysis is proposed anchored in the reading of specific works from contemporary artists of the abject, art style linked to the human being’s constitution and to the presentation of the real.

A tessitura deste texto tem seu início no encontro com a obra de Antonin Artaud e nas inquietações que surgem da experiência de uma leitura que se dá como se uma escuta fosse. Escuta-leitura que recolhe nas construções do poeta efeitos de testemunho acerca do momento de queda do sujeito, de desenlace da estrutura, tempo de soltura entre voz e palavra, quando o que emerge é o grito. Percorro, para isso, um caminho de leitura que se pretende um ensaio de escuta da narrativa de Antonin Artaud. Narrativa depositada nas cartas escritas por ele ao longo do seu período de internamento nos manicômios franceses entre os anos de 1937 e 1946. Leitura que toma as cartas como recorte norteador da pesquisa, mas que se mantém em interlocução com elementos de outras produções do poeta que se enlacem à escrita das correspondências. Diante do enclausuramento manicomial, das camisas de força, do eletrochoque, Artaud resistia amarrado à arte. O teatro irá compor um dos principais espaços fora da lógica manicomial. O artista, nas cartas, no teatro, nos poemas ou nos autorretratos, vive a busca por encontrar uma forma de transcrever o que é da ordem do grito. Este estudo acerca da voz e das tentativas de escritura do inominável conduz a uma pergunta auxiliar sobre o corpo. Questão que emerge na experiência clínica ao encontrar, no lugar de palavras articuladas a uma trama discursiva, algo que dá a ver a história de um sujeito através do que no corpo se cifra. Para compor essa trama entre o texto artaudiano e os interrogantes que emergem da clínica, busco nos fios da psicanálise a lalangue – articulador teórico que, em minhas elaborações, enlaça corpo e palavra, voz e escrita. É a partir de lalangue que me inclino em direção à obra de Artaud. Artaud encenou, desenhou, escreveu, gritou o grito. E assim, o grito, vestígio de real que irrompe na cadeia associativa em razão da desarticulação do discurso, pode fazer algo de uma travessia: do vazio da voz desancorada da palavra em um momento de queda do sujeito para um espaço/tempo de endereçamento e existência. Existência que se sustentará corporificada na obra de Artaud. / The woven of this text has its beginning in the work of Antonin Artaud and in the anxiety that arise from the reading-listen experience as if it were a listening. The listening-reading that gathers in the construction of the poet effects of the testimony regarding the moment of the subject fall, of the structure disconnection, of looseness time between the voice and the word, when what arise is the scream. For that, I laid a reading path that is a listening essay in the narrative of Antonin Artaud. This narrative is found in the letters which were wrote by him in his time as an intern in several French mental asylums, from 1937 to 1946. This reading makes his letters as the research compass, but maintain the connection to other work of this poet. Faced with the mental asylum enclosure, the straitjacket and the electro-shock, Artaud remained bound to the art. The theater will compose one of the spaces out of this asylum logic. In the letters, in the theater, in the poems or in the self-portraits, the artist lives to find a way to transcribe what is an scream instance. This study regarding the voice and the writing attempts of the unnamed, leads an auxiliary question about the body. This question arises in the clinical experience which finds, replacing the words from a discursive plot, something else that makes the subject history cyphered in the body. To compose this plot between the plot between the text from Artaud and the questioners that arise from the clinic, I turn to the threads of the lalanage psychoanalyses – theoretical articulator which in my reasoning, connects body and word, voice and writing. Since lalange that I tend to the work of Artaud. Artaud, played, draw, wrote and shout out the scream. With these actions the scream, trace of the real that irrupts in the association chain due to the disarticulation of the speech, can make the passage: from the voice emptiness unanchored from the word during the moment of the subject fall to a time/space of direction and existence. Existence that sustains itself embodied in the work of Artaud.

A presente dissertação busca compor possíveis interlocuções entre o campo psicanalítico e musical a partir da temática da voz. Para tanto, explora, primeiramente, as referências à voz e à musicalidade encontradas nas teorizações psicanalíticas, dando especial ênfase à concepção lacaniana de voz como objeto a e à pulsão invocante. Em seguida, a pesquisa se aproxima do campo musical, buscando situar transformações sofridas no emprego da voz ao longo da história da música. Finalmente, através das obras do compositor Gilberto Mendes, possíveis articulações e tensionamentos entre as áreas psicanalítica e musical são tecidos, buscando ainda, pontos de encontro entre sua arte de vanguarda e os potentes estudos utópicos. / The possibility of Interlocution between music and psychoanalysis through the theme voice is the focus of the present dissertation. Towards this goal references to voice and musicality as found in psychoanalytical theory are explored with emphasis on the Lacanian concept of voice as object a as well as on vocal drive. Changes in voice use along the history of music, and Brazilian composer Gilberto Mendes’ works are analyzed in view of probable interfaces with psychoanalysis, and of points of contact between his vanguard art work and today’s promising utopian studies.

Esta pesquisa analisa os efeitos subjetivos resultantes das transformações sociais contemporâneas, tais como o impacto da tecnologia e o crescente poder da imagem, que resultam na problematização sobre o lugar do corpo na sociedade. Esta análise é proposta a partir da leitura de obras específicas de artistas contemporâneos identificados à arte abjeta, modalidade da arte vinculada à constituição do ser humano e à apresentação do real. / This research analyzes the subjective effects resulting from the contemporary social changes, such as the impact of technology and the increasing power of image, that lead to the problematization on the place of the body in society. This analysis is proposed anchored in the reading of specific works from contemporary artists of the abject, art style linked to the human being’s constitution and to the presentation of the real.

Esse trabalho versa sobre a questão do olhar nos terrenos da psicanálise e da arte, partindo dos efeitos produzidos no encontro com obra do pintor italiano Amedeo Modigliani. Ao buscar sentido para a representação no buraco dos olhos, presente nas pinturas do artista, tece reflexões acerca da imagem, no tocante à sua relação com o sujeito. Através da proposição utópica de interdição da imagem, sublinha a importância dessas criações que implicam outro modo de acesso à imaginação, destacando a sua função de corte, função de rasgadura que faz emergir a experiência do avesso. Ao despir a imagem do véu que lhe recobre, a angústia inquietante que irrompe nesse ato de contemplação com a imagem traz a dimensão do horror proposta por Freud (1919/2006b), desvelando a nudez do olhar. Algo da morte faz rasura na imagem, na direção do que Barthes (1980/2015) desenvolve ao situar a noção de punctum nas fotografias. Por fim, a reflexão sobre a máscara mortuária de Modigliani aponta a possibilidade de inserção da imagem na morte, reverso daquilo que o artista convoca ao se fazer a travessia das suas imagens em que algo da morte emerge lhes fazendo marca, recolocando, com isso, a questão dos limites da imagem no seu limiar com o real. / This paper approaches the matter of look in the fields of psychoanalysis and art, starting from the effects produced by the work of the Italian painter Amedeo Modigliani. Seeking meaning for the socket´s representation in the eye, present in the artist's paintings, it makes reflections about the image in the question to its relation with the subject. Through the utopian proposition of image interdiction, this work underlines the importance of these creations that imply another way of accessing the imagination, highlighting its function of cut, a function of ripeness that makes the experience of the reverse emerge. By undressing the image of the veil that covers it, the distressing anguish that breaks out in this act of imagery contemplation, it brings the dimension of horror proposed by Freud (1919/2006b), revealing the nakedness of the look. Something of death shears the image, in the direction of what Barthes (1980/2015) develops by situating the notion of punctum in photographs. Lastly, the reflection over the mortuary mask of Modigliani points to the possibility of insertion of the image into death, in reverse of what the artist convokes when crossing his images in which something of death emerges, marking them, thereby bringing about the limits of the image on its threshold with the real.

A tessitura deste texto tem seu início no encontro com a obra de Antonin Artaud e nas inquietações que surgem da experiência de uma leitura que se dá como se uma escuta fosse. Escuta-leitura que recolhe nas construções do poeta efeitos de testemunho acerca do momento de queda do sujeito, de desenlace da estrutura, tempo de soltura entre voz e palavra, quando o que emerge é o grito. Percorro, para isso, um caminho de leitura que se pretende um ensaio de escuta da narrativa de Antonin Artaud. Narrativa depositada nas cartas escritas por ele ao longo do seu período de internamento nos manicômios franceses entre os anos de 1937 e 1946. Leitura que toma as cartas como recorte norteador da pesquisa, mas que se mantém em interlocução com elementos de outras produções do poeta que se enlacem à escrita das correspondências. Diante do enclausuramento manicomial, das camisas de força, do eletrochoque, Artaud resistia amarrado à arte. O teatro irá compor um dos principais espaços fora da lógica manicomial. O artista, nas cartas, no teatro, nos poemas ou nos autorretratos, vive a busca por encontrar uma forma de transcrever o que é da ordem do grito. Este estudo acerca da voz e das tentativas de escritura do inominável conduz a uma pergunta auxiliar sobre o corpo. Questão que emerge na experiência clínica ao encontrar, no lugar de palavras articuladas a uma trama discursiva, algo que dá a ver a história de um sujeito através do que no corpo se cifra. Para compor essa trama entre o texto artaudiano e os interrogantes que emergem da clínica, busco nos fios da psicanálise a lalangue – articulador teórico que, em minhas elaborações, enlaça corpo e palavra, voz e escrita. É a partir de lalangue que me inclino em direção à obra de Artaud. Artaud encenou, desenhou, escreveu, gritou o grito. E assim, o grito, vestígio de real que irrompe na cadeia associativa em razão da desarticulação do discurso, pode fazer algo de uma travessia: do vazio da voz desancorada da palavra em um momento de queda do sujeito para um espaço/tempo de endereçamento e existência. Existência que se sustentará corporificada na obra de Artaud. / The woven of this text has its beginning in the work of Antonin Artaud and in the anxiety that arise from the reading-listen experience as if it were a listening. The listening-reading that gathers in the construction of the poet effects of the testimony regarding the moment of the subject fall, of the structure disconnection, of looseness time between the voice and the word, when what arise is the scream. For that, I laid a reading path that is a listening essay in the narrative of Antonin Artaud. This narrative is found in the letters which were wrote by him in his time as an intern in several French mental asylums, from 1937 to 1946. This reading makes his letters as the research compass, but maintain the connection to other work of this poet. Faced with the mental asylum enclosure, the straitjacket and the electro-shock, Artaud remained bound to the art. The theater will compose one of the spaces out of this asylum logic. In the letters, in the theater, in the poems or in the self-portraits, the artist lives to find a way to transcribe what is an scream instance. This study regarding the voice and the writing attempts of the unnamed, leads an auxiliary question about the body. This question arises in the clinical experience which finds, replacing the words from a discursive plot, something else that makes the subject history cyphered in the body. To compose this plot between the plot between the text from Artaud and the questioners that arise from the clinic, I turn to the threads of the lalanage psychoanalyses – theoretical articulator which in my reasoning, connects body and word, voice and writing. Since lalange that I tend to the work of Artaud. Artaud, played, draw, wrote and shout out the scream. With these actions the scream, trace of the real that irrupts in the association chain due to the disarticulation of the speech, can make the passage: from the voice emptiness unanchored from the word during the moment of the subject fall to a time/space of direction and existence. Existence that sustains itself embodied in the work of Artaud.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Psicologia, Departamento de Psicologia Clínica, Programa de Pós-Graduação em Psicologia Clínica e Cultura, 2017. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2017-07-14T15:15:42Z No. of bitstreams: 1 2017_AndreLuizPicollidaSilva​.pdf: 4546873 bytes, checksum: 9ea279306555d064e3fbef91d72bc1d3 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2017-09-19T15:06:30Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2017_AndreLuizPicollidaSilva​.pdf: 4546873 bytes, checksum: 9ea279306555d064e3fbef91d72bc1d3 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-09-19T15:06:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2017_AndreLuizPicollidaSilva​.pdf: 4546873 bytes, checksum: 9ea279306555d064e3fbef91d72bc1d3 (MD5) Previous issue date: 2017-09-19 / De todas as construções humanas, a arte, talvez seja a que mais contribuiu para nos tornar humanos. No centro de toda cultura encontramos o impulso para criar objetos, interpretar cenas, produzir imagens, sons e movimentos, sendo os artistas, vistos como seres especiais, quase míticos. Um exemplo desse sentimento é o que encontramos em relação ao pintor espanhol Pablo Picasso (1881-1973), considerado como um dos principais artistas do período moderno e influenciador da estética contemporânea. Suas pinturas causaram um grande impacto na Europa e muita repercussão no resto do mundo, porém, a razão pela qual tantas pessoas ficaram fascinadas com as imagens por ele produzidas ainda é uma incógnita. Buscando compreender essa questão a partir de uma perspectiva psicanalítica, levanta-se a hipótese de que isso ocorreu devido a intensa manifestação de Eros sobre o artista, que produziu obras com fortes marcas dessa manifestação facilitando assim o processo de sublimação do público identificado com suas obras. Baseado nisso, o presente trabalho constitui-se em uma narrativa sobre a estética do desejo em Pablo Picasso, tendo por objetivo investigar a dinâmica inconsciente do artista por meio de sua produção, bem como, identificar de que modo sua obra se caracterizou também como um sintoma da cultura. Para tanto, foram realizadas observações de pinturas gravuras e desenhos do pintor que se encontram no acervo de museus da Espanha e do Brasil, bem como de obras que se encontram publicadas em literaturas específicas sobre a arte de Pablo Picasso. A partir disso, foram selecionadas algumas obras que, devido suas características, permitiam uma melhor observação da manifestação de Eros sobre o artista e, em seguida, foi realizada uma análise relacionando-se os elementos existentes nestas obras, a biografia do artista e conceitos da teoria psicanalítica. Posteriormente, visando uma melhor contextualização do fenômeno estudado, foram identificadas as principais características psicológicas da sociedade da época em que Picasso viveu, de modo a compreender em que medida ocorreram identificações entre a cultura e as produções do artista. Ao discutir os dados produzidos nesse processo constatou-se que a obra de Picasso apresentou uma grande mutabilidade ao longo do tempo devido as diversas formas de manifestação das pulsões do artista visando garantir a realização de desejos como: o desejo de liberdade, de querer mudar a realidade, de ser um objeto de amor e de querer controlar o outro. Tais manifestações, aliado ao alto grau de narcisismo encontrado na obra de Picasso, vão de encontro as principais características identificadas na sociedade em que que Picasso viveu, o que, dentro da narrativa produzida, confirma a ideia de que arte produzida por ele se configura em um sintoma da cultura. Por fim, concluiu-se o presente trabalho constatando que Picasso deu livre vazão as manifestações de Eros que sentia em si e, desse modo, construiu uma estética que reflete a realização de seus desejos narcisistas. Tal estética serviu como meio ideal para que indivíduos da sociedade moderna e contemporânea, identificados com sua obra, pudessem sublimar seus desejos com características semelhantes, razão pela qual entendemos, que tantas pessoas se fascinaram e ainda se fascinam pela obra de Pablo Picasso. / Of all human constructions, art may be the one that most contributed to make us human. At the center of every culture is the impulse to create objects, to interpret scenes, to produce images, sounds and movements, and the artists are seen as special beings, almost mythical. An example of this feeling is what we find in relation to the Spanish painter Pablo Picasso (1881-1973), considered as one of the main artists of the modern period and influential of contemporary aesthetics. His paintings have had a great impact on Europe and much repercussion in the rest of the world. However, the reason why so many people were fascinated with the images produced by him is still unknown. Seeking to understand this question from a psychoanalytical perspective, the hypothesis arises that this happened due to the intense manifestation of Eros on the artist, who produced works with strong marks of this manifestation facilitating the process of sublimation of the public identified with his works. Based on this, the present research constitutes a narrative about the aesthetics of the desire in Pablo Picasso, aiming to investigate the artist's unconscious dynamics through his production, as well as to identify in what way his work was also characterized as a symptom of the culture. To that end, observations were made of paintings of the painter's drawings and drawings found in the collection of museums in Spain and Brazil, as well as works that are published in specific literatures on the art of Pablo Picasso. From this, some works were selected which, due to their characteristics, allowed a better observation of the manifestation of Eros on the artist, and then an analysis was made relating the elements existing in these works, the artist's biography and psychoanalytic theory. Later, in order to better contextualize the studied phenomenon, the main psychological characteristics of the society of the time in which Picasso lived were identified, in order to understand to what extent identifications occurred between the culture and the artist 's productions. In discussing the data produced in this process it was found that the work of Picasso showed a great mutability over time due to the various forms of manifestation of the artist's drives in order to guarantee the fulfillment of desires such as: the desire for freedom, reality, of being an object of love and of wanting to control the other. These manifestations, together with the high degree of narcissism found in Picasso's work, go against the main characteristics identified in the society in which Picasso lived, which, within the narrative produced, confirms the idea that art produced by him is shaped by A symptom of culture. Finally, the present work was concluded, stating that Picasso gave free flow to the manifestations of Eros that he felt in himself and, in this way, constructed an aesthetic that reflects the fulfillment of his narcissistic desires. Such aesthetics served as an ideal means for individuals of modern and contemporary society, identified with their work, to sublimate their desires with similar characteristics, which is why we understand that so many people were fascinated and still fascinated by the work of Pablo Picasso.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Psicologia, Departamento de Psicologia Clínica, Programa de Pós-Graduação em Psicologia Clínica e Cultura, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-09-01T20:00:32Z No. of bitstreams: 1 2016_FabíolaVieiraBertotti.pdf: 861147 bytes, checksum: 1326953b8d8c32996eeb46749de3d2b8 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-10-20T19:21:39Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_FabíolaVieiraBertotti.pdf: 861147 bytes, checksum: 1326953b8d8c32996eeb46749de3d2b8 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-10-20T19:21:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_FabíolaVieiraBertotti.pdf: 861147 bytes, checksum: 1326953b8d8c32996eeb46749de3d2b8 (MD5) / A presente dissertação propõe uma discussão acerca do corpo contando com os passos da dançarina Pina Bausch, em sua obra Cafe Müller (1978), e com a teoria psicanalítica de Sigmund Freud e Jacques Lacan. Estabelecida há algum tempo, essa proposta avança ao ritmo de encontros e desencontros com a psicanálise. A dança, desde um tempo primordial, expõe o que no corpo aparece enquanto presença de uma ausência, alheia e íntima num só e mesmo passo. Por entre aspectos históricos entre dança e psicanálise, a dissertação indica o que se contorna a cada passo, a cada volta, que limita o movimento numa inquietante estranheza paradoxalmente familiar. Tal limitação interroga o laço do corpo com a linguagem desde os impasses freudianos, ante suas analisandas, a situar a construção do conceito de pulsão e a irredutibilidade de das Ding. A partir desses impasses, a dissertação avança com Lacan para enfatizar o conceito de olhar no que tange ao que escapa ao referido laço, cuja exibição viabiliza a comemoração do passo primordial. Comemora-se o passo doado no balanço entre sentido e não-sentido, essencial para a criação das passadas. Estas tornam novo o mesmo passo, expondo um potencial criador na dança desde o qual se arriscariam novos olhares sobre o corpo. ________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The present dissertation proposes a discussion about the body accounting with the steps of the dancer Pina Bausch, in her work Cafe Muller (1978), and with the psychoanalytic theory of Sigmund Freud and Jacques Lacan. Established for some time, this proposal advances by the rhythm of agreements and disagreements with the psychoanalysis. The dance, from a primordial time, exposes what in the body appears while presence of an absence, alien and intimate in a single and same step. Among historical aspects of dance and psychoanalysis, the dissertation indicates what circumvents every step, every round, which limits the movement in a disquieting strangeness paradoxically familiar. Such limitation interrogates the bond of the body with the language from the Freud’s impasses, at his analysands, to place the construction of the concept of impulse and the irreducibility of das Ding. From these impasses, the dissertation advances with Lacan to emphasize the concept of gaze in relation to what escapes the said bond, whose display enables the commemoration of the primordial step. The donated step in the balance between sense and non-sense is celebrated, essential for the creation of the paces. These paces became new the same step, exposing a potential creator in the dance from which would risk new looks about the body.

Esse trabalho versa sobre a questão do olhar nos terrenos da psicanálise e da arte, partindo dos efeitos produzidos no encontro com obra do pintor italiano Amedeo Modigliani. Ao buscar sentido para a representação no buraco dos olhos, presente nas pinturas do artista, tece reflexões acerca da imagem, no tocante à sua relação com o sujeito. Através da proposição utópica de interdição da imagem, sublinha a importância dessas criações que implicam outro modo de acesso à imaginação, destacando a sua função de corte, função de rasgadura que faz emergir a experiência do avesso. Ao despir a imagem do véu que lhe recobre, a angústia inquietante que irrompe nesse ato de contemplação com a imagem traz a dimensão do horror proposta por Freud (1919/2006b), desvelando a nudez do olhar. Algo da morte faz rasura na imagem, na direção do que Barthes (1980/2015) desenvolve ao situar a noção de punctum nas fotografias. Por fim, a reflexão sobre a máscara mortuária de Modigliani aponta a possibilidade de inserção da imagem na morte, reverso daquilo que o artista convoca ao se fazer a travessia das suas imagens em que algo da morte emerge lhes fazendo marca, recolocando, com isso, a questão dos limites da imagem no seu limiar com o real. / This paper approaches the matter of look in the fields of psychoanalysis and art, starting from the effects produced by the work of the Italian painter Amedeo Modigliani. Seeking meaning for the socket´s representation in the eye, present in the artist's paintings, it makes reflections about the image in the question to its relation with the subject. Through the utopian proposition of image interdiction, this work underlines the importance of these creations that imply another way of accessing the imagination, highlighting its function of cut, a function of ripeness that makes the experience of the reverse emerge. By undressing the image of the veil that covers it, the distressing anguish that breaks out in this act of imagery contemplation, it brings the dimension of horror proposed by Freud (1919/2006b), revealing the nakedness of the look. Something of death shears the image, in the direction of what Barthes (1980/2015) develops by situating the notion of punctum in photographs. Lastly, the reflection over the mortuary mask of Modigliani points to the possibility of insertion of the image into death, in reverse of what the artist convokes when crossing his images in which something of death emerges, marking them, thereby bringing about the limits of the image on its threshold with the real.

A presente dissertação busca compor possíveis interlocuções entre o campo psicanalítico e musical a partir da temática da voz. Para tanto, explora, primeiramente, as referências à voz e à musicalidade encontradas nas teorizações psicanalíticas, dando especial ênfase à concepção lacaniana de voz como objeto a e à pulsão invocante. Em seguida, a pesquisa se aproxima do campo musical, buscando situar transformações sofridas no emprego da voz ao longo da história da música. Finalmente, através das obras do compositor Gilberto Mendes, possíveis articulações e tensionamentos entre as áreas psicanalítica e musical são tecidos, buscando ainda, pontos de encontro entre sua arte de vanguarda e os potentes estudos utópicos. / The possibility of Interlocution between music and psychoanalysis through the theme voice is the focus of the present dissertation. Towards this goal references to voice and musicality as found in psychoanalytical theory are explored with emphasis on the Lacanian concept of voice as object a as well as on vocal drive. Changes in voice use along the history of music, and Brazilian composer Gilberto Mendes’ works are analyzed in view of probable interfaces with psychoanalysis, and of points of contact between his vanguard art work and today’s promising utopian studies.