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Les nombreux écrits théoriques d’Antoine Reicha sont bien connus de la musicologie, qui voit dans le théoricien un personnage central du XIXe siècle. Sa production musicale reste cependant encore largement ignorée. Ainsi, les 20 quatuors à cordes de Reicha édités de son vivant n’ont encore fait l’objet d’aucune étude approfondie : les 8 premiers sont publiés en 1804-1805 lors du séjour viennois de Reicha, les 12 suivants paraissent dans les années 1820, après son installation définitive à Paris. Leur publication entre deux grandes capitales de la musique s’étend des derniers quatuors de Haydn aux derniers quatuors de Beethoven : ces quatuors constituent donc un corpus d’étude privilégié pour la connaissance de l’œuvre musicale de Reicha, mais aussi pour celle du genre du quatuor à l’époque. Cette thèse s’appuie sur l’établissement d’une édition critique des quatuors de Reicha ; leur étude se poursuit par la mise au jour des présupposés esthétiques qui sous-tendent les écrits théoriques de Reicha et se clôt par l’analyse des phénomènes d’intertextualité entre ses quatuors et des œuvres de Haydn et Mozart ainsi que par l’observation de leur écriture à travers le prisme des écrits théoriques de la fin du XVIIIe siècle. L’étude proprement analytique révèle les constantes et les variantes stylistiques entre les « Quatuors viennois » du début du siècle et les « Quatuors parisiens » des années 1820. La comparaison systématique avec un large contre-corpus formé de quatuors contemporains permet de situer les quatuors de Reicha par rapport à l’héritage viennois revendiqué, mais aussi par rapport aux musiciens français actifs sous la Restauration. / Anton Reicha’s numerous theoretical writings are well-known in musicology today. Though Reicha is seen as a central theorist of the 19th century, his proper music nevertheless remains largely unknown. This PhD dissertation studies Reicha’s twenty string quartets published during his lifetime – which up to now have not been investigated in depth. The first eight quartets were published in 1804-1805 during Reicha’s stay in Vienna, whereas the last twelve were published in the 1820’s, after the composer settled in Paris: that is, they were published during a period lasting from Haydn’s last quartets to Beethoven’s last quartets. As a consequence, these quartets represent a corpus of particular relevance of knowledge of Reicha’s musical work, as well as for the history of this genre in the 19th century. This PhD dissertation, based on both an aesthetic and an analytical approach, creates a critical edition of Reicha’s quartets. This study starts by shedding light on the aesthetic premises of Reicha’s theoretical work and then analyses intertextual phenomena between his quartets and some of Haydn’s and Mozart’s works. Eventually it examines the composition process of Reicha’s quartets in the light of late 18th-century theoretical writings. The study of the constants and the variations of style between the early 19th-century “Vienna quartets” and the 1820’s “Paris quartets” is at the core of this study. The systematic comparison between the Reicha’s corpus and a counter-corpus made of quartets by Haydn, Mozart, Beethoven, Onslow and Cherubini helps situating Reicha as regarding his claimed Vienna legacy, but also as regarding French musician from the “Restauration” era.

La question de l’ontologie s’est cristallisée en philosophie de la musique autour de la notion d’œuvre, mais il est possible de centrer le raisonnement sur d’autres objets, tels que la formation instrumentale ou le genre musical. Il est ainsi possible de construire une ontologie du quatuor à cordes. Le quatuor est à la fois une formation, un genre né à l’époque classique et un ensemble de quatre musiciens, ces trois niveaux sémantiques constituent les éléments fondamentaux de ce système. La formation est une instrumentation cristallisée, plus techniquement, elle est une structure des moyens d’exécution devenue autonome, potentiellement séparable de la structure sonore pure qui lui était adjointe dans les premières œuvres pour ces instruments. Il s’est formé, au fil des ans et des œuvres, une réalité quatuor à cordes ontologiquement dense. Cette densité ontologique s’explique en partie parce qu’un genre a découlé de cette formation. Le genre « quatuor à cordes » a un fonctionnement historique qui peut être comparé à celui des autres grands genres de la musique savante occidentale, grâce à deux concepts : la cristallisation et la plasticité. Tout genre oscille en effet entre ces deux tendances antagonistes : la cristallisation qui transforme l’inédit, le nouveau et l’occasionnel en norme, règle et tradition et la plasticité qui, elle, pousse à l’innovation, à l’exploration et à la recherche compositionnelle. Le quatuor à cordes n’est pas un genre paradigmatique, il est exceptionnel, puisque son histoire montre un équilibre spécifique entre une forte plasticité et une forte cristallisation. Si la formation peut être définie en termes d’autonomisation d’une structure des moyens d’exécution, le genre, lui, gagne à être pensé comme une réunion d’archi-structures. Une dernière partie est consacrée au corps et au geste musicien. Il s’agit alors de voir si les outils conceptuels platonistes permettent de penser les réalités plus concrètes, physiques et matérielles, du quatuor. Tout comme l’équilibre dialogique des quatre voix est une caractéristique essentielle du quatuor à cordes, le dialogue entre les analyses conceptuelles, les développements historiques, les observations esthétiques et les études musicologiques constitue la spécificité de ce travail. / The aim of this thesis is to build an ontology of the string quartet. The designation ‘string quartet’ can refer to three different meanings: a group of four musical instruments (formation), a genre, or a group of four musicians who play together. In musicology, a string quartet is distinguished by the homogeneity of the timbres, the individuality of voices, the quaternity and the specific dialogism of the voices. This work proposes to describe these three semantic levels and their essential characteristics, hence a wide selected corpus: Haydn, Mozart, Beethoven, Reicha, Bartók, Schönberg, Feldman, F.Baschet amongst others. The first part consists of an ontology of the instrument formation and shows that a quartet is a “structure of performing means” which became autonomous with regard to the “pure structure” as defined by Jerrold Levinson. From that point of view, the string quartet is a reliable paradigm to think of the birth of other formations and their historical developments. The second part consists in constructing an ontology of the genre and demonstrates that the historical evolution of the string quartet is not paradigmatic but exemplary; and that its development is determined by a balance between plasticity and crystallisation. The final part examines the ontological limits of the string quartet: on the one hand, the timbre, and on the other, the musicians’ bodies through specific physical gestures. This thesis, therefore, aims to develop an ontological system that is characterised by its different essential elements, its specific rules (plasticity versus crystallisation), and its limits. These philosophical analyses not only relate to existing musicological research, but also involve a consideration of dance performance, film and various other artistic works.

Dans cette dissertation, je présente trois pièces sur des thèmes religieux composées au cours de ma maîtrise, ainsi que leur analyse : Psalmus 150 pour chœur de jeunes à trois voix, chœur d'adultes à huit voix et orgue ou piano ; Quatuor à Cordes sur la vie de Saint Jean-Paul II ; et la Symphonie « La Rédemption » pour orchestre et chœur. Malgré les particularités de chacune, elles présentent des aspects communs. L'idée principale des compositions fut d'éviter la rupture avec la tradition tout en apportant des nouvelles idées aux pièces, et de souligner l'importance de ma recherche sur la beauté. À cet égard, certaines techniques contemporaines, ainsi que les sonorités médiévales des quintes et octaves parallèles, furent utilisées en accord avec un langage tonal / modal qui demeure la base des trois compositions. Le chant Grégorien fut aussi une importante caractéristique de ces compositions. Pour mieux comprendre les analyses des œuvres, deux techniques seront expliquées, la douce toile de dissonances linéaires et l'harmonie d'accords parfaits majeurs. L'analyse de chaque pièce est divisée en deux parties. La première est une vision générale et la deuxième est plus détaillée. À la fin, les connaissances acquises par la composition des ces œuvres seront résumées et l'importance intemporelle de la beauté sera réaffirmée. / In this dissertation, I present three pieces on religious themes composed during my master’s degree as well as their analysis: Psalmus 150 for three-voice youth choir, eight-voice adult choir and organ or piano; String Quartet on the life of Saint John Paul II; and Symphony “The Redemption” for orchestra and choir. Despite the particularities of each one, they present common aspects. The main compositional idea was to avoid rupture with tradition, whilst bringing new ideas into the pieces, as well as to highlight the importance of my research on beauty. For this purpose, some contemporary techniques as well the medieval sonorities of parallel fifths and octaves were used in consonance with a modal/tonal language, which remains the framework of the three pieces. Gregorian chant is also an important characteristic of these compositions. In order to better understand the analysis of the pieces, two techniques are explained, the soft web of linear dissonances and the perfect major chord harmony. The analysis of each piece is divided into two parts. The first is an overview and the second a more detailed analysis. At the end, the knowledge obtained from composing these pieces will be summarized, and the timeless importance of beauty will be reaffirmed.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU). / Ce mémoire propose une analyse des dimensions formelle et mélodique du Quatuor à cordes no 2 (1928) du compositeur tchèque Leoš Janáček (1854-1928). Ces paramètres et leurs liens mutuels sont étudiés au moyen de la notion de « personnage musical », qui s’inspire du concept de «personnage rythmique» d’Olivier Messiaen. L’analyse de l’organisation mélodique dans l’ensemble du quatuor permet ainsi de démontrer comment des phrases mélodiques fortement caractérisées (les personnages musicaux) sont réitérées et articulées principalement par la juxtaposition à l’intérieur de chaque mouvement, donnant lieu à une forme originale et hautement répétitive. L’analyse paradigmatique de certaines sections formelles, ainsi que la mise en série de tous les personnages d’un même type, confirment l’importance de la répétition mélodique dans l’élaboration structurelle de l’œuvre. Par ailleurs, l’étude de la structure interne des personnages musicaux révèle que cette dernière résulte de la réitération de cellules mélodico-rythmiques. Ainsi, le même procédé de construction formelle par répétition et juxtaposition s’applique aussi bien au niveau de la succession des phrases mélodiques qu’à celui de leur structure interne. Les reprises des personnages musicaux s’élaborent comme le réaménagement de leurs cellules constitutives, donnant lieu à des structures mélodiques variées qui participent au renouvellement constant du discours musical, malgré son haut degré de répétitivité. / This thesis proposes an analysis of form and melody in Czech composer Leoš Janáček's (1854-1928) String Quarter No. 2 (1928). These parameters and their interconnectedness are studied using the notion of “musical character,” inspired by Olivier Messiaen's concept of “rhythmic character.” The analysis of the melodic organization within the entirety of the quartet allows us to demonstrate how strongly characterized melodic lines (the musical characters) are reiterated and predominantly articulated through juxtaposition within each movement, giving rise to an original and highly repetitive form. The paradigmatic analysis of certain formal sections, as well as the seriation of the same type of characters, confirms the importance of melodic repetition in the structural elaboration of a work. Furthermore, the study of the musical characters shows that their internal structure is itself based on the reiteration of melodico-rhythmic cells. Therefore, the same procedure of formal construction through repetition and juxtaposition applies just as well to the level of succession of melodic lines as to the construction of their internal structure. The recurrence of musical characters builds up like the rearrangement of their constituent cells, giving rise to varied melodic structures that take part in the constant renewal of the musical discourse, despite its high degree of repetitiveness.