A presente pesquisa contempla a teoria e a prática da música instrumental do século XVIII, sobretudo na Inglaterra, sob o ponto de vista da obra teórica do violinista, compositor e tratadista italiano Francesco Geminiani (1687-1762). O trabalho objetiva comentar e traduzir - pela primeira vez em língua portuguesa - a integral da obra teórica desse autor: Rules for Playing in a True Taste (c.1748), A Treatise of Good Taste in the Art of Musick (1749), The Art of Playing on the Violin (1751), The Art of Accompaniament (1756/7), Guida Armonica (1756/8), The Harmonical Miscellany (1758) e The Art of Playing the Guitar or Cittra (1760). A escolha de Geminiani se deve ao fato de seus sete escritos se alinharem a importantes preceptistas filosóficos, como Batteux, Montesquieu e Hume, e musicais, como Quantz, C. P. E. Bach e L. Mozart. Além disso, dissertam sobre aspectos importantes da música setecentista sob os pontos de vista prático (como a performance em instrumentos como violino, violoncelo, cravo - com ênfase no baixo contínuo -, cistre e traverso) e teórico (com discussões sobre o ensino e o aprendizado de harmonia, além de discutir, em toda sua obra, o conceito de bom gosto em música). As análises e estudos oferecidos em forma de comentários, bem como as traduções aqui presentes não só permitirão o leitor atual a observar a obra de Geminiani inserida em seu contexto histórico-filosófico-musical adequado, mas também fornecerão ferramentas importantes para pesquisas posteriores sobre o tratadista e a música do século XVIII. / The current study addresses the theory and practice of instrumental music of the eighteenth century, especially in England, from the perspective of the theoretical work of the Italian violinist, composer, and writer Francesco Geminiani (1687-1762). The aim of the present study was to comment and translate - for the first time into the Portuguese language - the complete theoretical works by this author: Rules for Playing in a True Taste (c. 1748), A Treatise of Good Taste in the Art of Musick (1749), The Art of Playing on the Violin (1751), The Art of Accompaniment (1756/7), Guida Armonica (1756/8), The Harmonical Miscellany (1758), and The Art of Playing the Guitar or Cittra (1760). Geminiani was chosen because his seven written works are aligned with important preceptists of philosophy, such as Batteux, Montesquieu, and Hume, and of music, such as Quantz, C. P. E. Bach, and L. Mozart. In addition, the discourse about important practical elements (the playing of instruments such as the violin, cello, or harpsichord - with an emphasis on basso continuo -, cittern, and traverso) and theoretical aspects (including discussions about teaching and learning harmony, and the concept of good musical taste) of eighteenth century music. The analyses and studies, provided as comments, and the translations in the present study will not only allow current readers to view Geminiani\'s work within its adequate historical-philosophical-musical context, but will also provide important tools for subsequent studies on Geminiani and the music of the eighteenth century.

A presente pesquisa contempla a teoria e a prática da música instrumental do século XVIII, sobretudo na Inglaterra, sob o ponto de vista da obra teórica do violinista, compositor e tratadista italiano Francesco Geminiani (1687-1762). O trabalho objetiva comentar e traduzir - pela primeira vez em língua portuguesa - a integral da obra teórica desse autor: Rules for Playing in a True Taste (c.1748), A Treatise of Good Taste in the Art of Musick (1749), The Art of Playing on the Violin (1751), The Art of Accompaniament (1756/7), Guida Armonica (1756/8), The Harmonical Miscellany (1758) e The Art of Playing the Guitar or Cittra (1760). A escolha de Geminiani se deve ao fato de seus sete escritos se alinharem a importantes preceptistas filosóficos, como Batteux, Montesquieu e Hume, e musicais, como Quantz, C. P. E. Bach e L. Mozart. Além disso, dissertam sobre aspectos importantes da música setecentista sob os pontos de vista prático (como a performance em instrumentos como violino, violoncelo, cravo - com ênfase no baixo contínuo -, cistre e traverso) e teórico (com discussões sobre o ensino e o aprendizado de harmonia, além de discutir, em toda sua obra, o conceito de bom gosto em música). As análises e estudos oferecidos em forma de comentários, bem como as traduções aqui presentes não só permitirão o leitor atual a observar a obra de Geminiani inserida em seu contexto histórico-filosófico-musical adequado, mas também fornecerão ferramentas importantes para pesquisas posteriores sobre o tratadista e a música do século XVIII. / The current study addresses the theory and practice of instrumental music of the eighteenth century, especially in England, from the perspective of the theoretical work of the Italian violinist, composer, and writer Francesco Geminiani (1687-1762). The aim of the present study was to comment and translate - for the first time into the Portuguese language - the complete theoretical works by this author: Rules for Playing in a True Taste (c. 1748), A Treatise of Good Taste in the Art of Musick (1749), The Art of Playing on the Violin (1751), The Art of Accompaniment (1756/7), Guida Armonica (1756/8), The Harmonical Miscellany (1758), and The Art of Playing the Guitar or Cittra (1760). Geminiani was chosen because his seven written works are aligned with important preceptists of philosophy, such as Batteux, Montesquieu, and Hume, and of music, such as Quantz, C. P. E. Bach, and L. Mozart. In addition, the discourse about important practical elements (the playing of instruments such as the violin, cello, or harpsichord - with an emphasis on basso continuo -, cittern, and traverso) and theoretical aspects (including discussions about teaching and learning harmony, and the concept of good musical taste) of eighteenth century music. The analyses and studies, provided as comments, and the translations in the present study will not only allow current readers to view Geminiani\'s work within its adequate historical-philosophical-musical context, but will also provide important tools for subsequent studies on Geminiani and the music of the eighteenth century.

Abstract The content of this thesis focuses on the musical work by José Hinojosa (fl. 1662-Valencia, 1673), preserved in the musical archive of the Real Colegio del Corpus Christi (Patriarca). After making a critical biography of the composer, updating the inventory of his 47 preserved works and studying the standards of practice of the musical chapel during the 11 years that José Hinojosa served as chapel master (1662-1673), I have selected, transcribed and studied a set of eight of his works. Through these works, it is possible to see, among other things, the treatment of polychorality, the employed technique of composition, theatrical and acoustic-space resources used and which were the vocal and sound features of the musical chapel he ruled. I have also done research on the use of rhetorical figures by Hinojosa, compared with the application of them in liturgical works of different composers belonging to the seventeenth century, in order to frame his work in the European context of the time. I have concluded the investigation with other aspects of interest, such as: a synthetic analysis of political, economic and cultural events in Valencia along the seventeenth century, the launching of the Real Colegio del Corpus Christi by Juan de Ribera, the double regulations concerning the College and the musical chapel, the liturgical ceremonial and, finally, the receiving of polyphonic choirbooks during the arrival of José Hinojosa as a chapel master in 1662. / Resumen El contenido de esta tesis se centra en la obra musical de José Hinojosa (fl. 1662-Valencia, 1673) conservada en el archivo musical del Real Colegio del Corpus Christi (Patriarca). Tras realizar una biografía crítica del compositor, actualizar el inventario de sus 47 obras conservadas y estudiar el funcionamiento de la capilla musical en los 11 años en que José Hinojosa ocupó el cargo de maestro de capilla (1662-1673), he seleccionado, transcrito y estudiado un conjunto de ocho obras del autor, a través de las cuales se puede observar, entre otros elementos, el tratamiento de la policoralidad, la técnica de composición empleada, los recursos teatrales y acústico-espaciales utilizados y cuáles eran las características vocales y tímbricas de la capilla que regía. Asimismo, he investigado sobre el uso de la retórica musical por parte de Hinojosa, en comparación con la aplicación de la misma en obras litúrgicas de diferentes compositores del siglo XVII, a fin de enmarcar su obra en el contexto europeo de la época. He completado la investigación con otros aspectos de interés, como son: un análisis sintético de los acontecimientos políticos, económicos y culturales de Valencia en el siglo XVII, la puesta en marcha del Real Colegio-Seminario del Corpus Christi por Juan de Ribera, la doble normativa concerniente al Colegio y a la capilla musical, el ceremonial litúrgico y, finalmente, la recepción de libros de polifonía disponibles a la llegada de José Hinojosa como maestro de capilla en 1662. / Resum El contingut d'esta tesi se centra en l'obra musical de Josep Hinojosa (fl. 1662-València, 1673) conservada a l'arxiu musical del Reial Col·legi del Corpus Christi (Patriarca). Després de realitzar una biografia crítica del compositor, actualitzar l'inventari de les seues 47 obres conservades i estudiar el funcionament de la capella musical en els 11 anys en què Josep Hinojosa ocupà el càrrec de mestre de capella (1662-1673), he seleccionat, transcrit i estudiat un conjunt de huit obres de l'autor, a través de les quals es pot observar, entre altres elements, el tractament de la policoralitat, la tècnica de composició emprada, els recursos teatrals i acusticoespacials utilitzats i quines eren les característiques vocals i tímbriques de la capella que regia. Així mateix, he investigat sobre la utilització de la retòrica musical per part d'Hinojosa, en comparació amb l'aplicació de la mateixa en obres litúrgiques de diferents compositors del segle XVII, per tal d'enquadrar la seua obra en el context europeu de l'època. He completat la investigació amb altres aspectes d'interès, com ara: una anàlisi sintètica dels esdeveniments polítics, econòmics i culturals de València en el segle XVII, l'endegament del Reial Col·legi del Corpus Christi per Joan de Ribera, la doble normativa concernent al Col·legi i a la capella musical, el cerimonial litúrgic i, finalment, la recepció de llibres de polifonia disponibles a l'arribada de Josep Hinojosa com a mestre de capella en 1662. / Sánchez Mombiedro, R. (2016). La capilla musical del Real Colegio-Seminario del Corpus Christi en la segunda mitad del siglo XVII: biografía crítica, legado musical y magisterio de José Hinojosa (fl. 1662-1673) [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/75085 / TESIS

O presente trabalho investiga as seis peças religiosas de A Pilgrimes Solace (1612), último livro de ayres de John Dowland (1563-1626): In this trembling shadow, If that a sinners sighes, Thou mightie God, When Davids life by Saul, When the poor cripple e Where sinne sore wounding. Para isto, usamos uma abordagem intertextual a fim de situar esta coleção no cenário da Inglaterra dos sécs. XVI-XVII, comparando-a com outras coleções de ayres e canções polifônicas inglesas que misturam os gêneros religioso e secular. Buscamos entender quais foram os eventos que circundaram a publicação desta coleção; as possíveis conexões entre os textos dessas seis peças com o culto da salmodia neste país; as características musicais em comuns ou diferentes de outras peças da mesma época; as relações entre as canções desta coleção e seu título, assim como com o prefácio ao leitor e as relações de patronagem envolvidas nesta publicação. Diante desta perspectiva, a abordagem musicológica deste trabalho é aquela da nova musicologia, proposta por Vicent Duckles, Joseph Kerman e Jean Nattiez. Sugere-se, assim, uma perspectiva que leva em conta a inter-relação entre aspectos históricos, filosóficos, sociais e retórico-musicais. A conexão entre essas áreas foi utilizada para a análise da obra escolhida e contribuiu para situar esta coleção neste período, de modo que ela pudesse ser investigada através de materiais extramusicais: manuais de cortesania, tratados médicos, diários, livros de salmos, livros de teoria musical, entre outros. Em suma, através dessa abordagem descrevemos o cenário em que as coleções de ayres estavam inseridas, a relação entre música e devoção e a função da música nesta sociedade. Com isto, percebemos que A Pilgrimes Solace é uma mistura não só de gêneros, mas também de estilos musicais, de ambientes (canções relacionadas à privacidade ou a celebrações públicas) e de funções, já que essa coleção aborda tanto aspectos da música relacionada à função religiosa quanto à recreação do espírito. Em relação às peças religiosas, através da análise retórico-musical, foi possível perceber o lamento como elemento principal representado pela música, assim como os aspectos que se relacionam à jornada do eu-lírico nestas canções: dores, angústias, arrependimento verdadeiro, fé em Deus, paciência ao esperar o conforto divino e a remissão de seus pecados. Por fim, através das análises comparativas com obras de autores como William Byrd, Thomas Campion e John Milton, entre outros, inferimos que Dowland tende a usar lugares-comuns para representar este tipo de texto, convergindo com o estilo musical destes compositores. Contudo, ele infringe com mais frequência as regras do contraponto quando o poema exige, carrega suas peças com cromatismos e se preocupa em criar uma imagem musical mais contundente das situações que as personagens enfrentam. / This research intends to investigate the six religious songs of John Dowland\'s A Pilgrimes Solace, his last book of airs (1612): In this trembling shadow, If that a sinners sighes, Thou mighty God, When Davids life by Saul, When the poore cripple e Where sinne sore wounding. To this end, we approach this dissertation through an intertextual method in order to place this collection in the England scenario during 16th and 17th centuries, comparing it to other ayres collections and polyphonic English songs which mix religious and secular music genres. Therefore, we seek to understand which events surrounded the publication of this collection, the possible connections between the texts of these six songs and the psalm singing cult in this country, the musical characteristics in common or not with other contemporaneous works and the relation between the songs of this collection and its title and preface to the reader as well as the patronage\'s relations evolved in this publication. Regarding this perspective, the musicological approach is that from the new musicology proposed by Vicent Duckles, Joseph Kerman e Jean Nattiez, suggesting, thus, an interrelation among historical, philosophical, social, and musical-rhetoric aspects. Therefore, the connection between these areas were chosen for the analysis of this collection and contributed to place it in this period of time, investigating it through extramusical aspects: conducting books, medical treatise, diaries, book of psalms, books of contemporaneous musical theory, among others. To summarize, through this approach we described the scenario in which the ayres collections were inserted, the relation between music and devotion, and the function of music in that society. Having said that, we perceived that A Pilgrimes Solace is a mix not only of musical genre, but also of musical style, environment (songs related to privacy or public celebrations) and function, since this collection deals with religious function as well as recreational purposes. Regarding the religious songs, through the musical-rhetoric analysis, we could perceive the lament as the main element to be represented through music as well as the aspects related to the versifier\'s journey in these songs: sorrows, moans, true repentance, faith in God, patience to wait for his comfort and redemption of sins. Finally, through the comparative analysis with William Byrd, Thomas Campion e John Milton, we inferred that John Dowland tend to use common places to represent this type of text, converging with the musical style of those composers; however, Dowland frequently brakes the counterpoint rules when the poem demands, fills his pieces with cromatism and creates an image of the situation in which the characters are facing.

O presente trabalho investiga as seis peças religiosas de A Pilgrimes Solace (1612), último livro de ayres de John Dowland (1563-1626): In this trembling shadow, If that a sinners sighes, Thou mightie God, When Davids life by Saul, When the poor cripple e Where sinne sore wounding. Para isto, usamos uma abordagem intertextual a fim de situar esta coleção no cenário da Inglaterra dos sécs. XVI-XVII, comparando-a com outras coleções de ayres e canções polifônicas inglesas que misturam os gêneros religioso e secular. Buscamos entender quais foram os eventos que circundaram a publicação desta coleção; as possíveis conexões entre os textos dessas seis peças com o culto da salmodia neste país; as características musicais em comuns ou diferentes de outras peças da mesma época; as relações entre as canções desta coleção e seu título, assim como com o prefácio ao leitor e as relações de patronagem envolvidas nesta publicação. Diante desta perspectiva, a abordagem musicológica deste trabalho é aquela da nova musicologia, proposta por Vicent Duckles, Joseph Kerman e Jean Nattiez. Sugere-se, assim, uma perspectiva que leva em conta a inter-relação entre aspectos históricos, filosóficos, sociais e retórico-musicais. A conexão entre essas áreas foi utilizada para a análise da obra escolhida e contribuiu para situar esta coleção neste período, de modo que ela pudesse ser investigada através de materiais extramusicais: manuais de cortesania, tratados médicos, diários, livros de salmos, livros de teoria musical, entre outros. Em suma, através dessa abordagem descrevemos o cenário em que as coleções de ayres estavam inseridas, a relação entre música e devoção e a função da música nesta sociedade. Com isto, percebemos que A Pilgrimes Solace é uma mistura não só de gêneros, mas também de estilos musicais, de ambientes (canções relacionadas à privacidade ou a celebrações públicas) e de funções, já que essa coleção aborda tanto aspectos da música relacionada à função religiosa quanto à recreação do espírito. Em relação às peças religiosas, através da análise retórico-musical, foi possível perceber o lamento como elemento principal representado pela música, assim como os aspectos que se relacionam à jornada do eu-lírico nestas canções: dores, angústias, arrependimento verdadeiro, fé em Deus, paciência ao esperar o conforto divino e a remissão de seus pecados. Por fim, através das análises comparativas com obras de autores como William Byrd, Thomas Campion e John Milton, entre outros, inferimos que Dowland tende a usar lugares-comuns para representar este tipo de texto, convergindo com o estilo musical destes compositores. Contudo, ele infringe com mais frequência as regras do contraponto quando o poema exige, carrega suas peças com cromatismos e se preocupa em criar uma imagem musical mais contundente das situações que as personagens enfrentam. / This research intends to investigate the six religious songs of John Dowland\'s A Pilgrimes Solace, his last book of airs (1612): In this trembling shadow, If that a sinners sighes, Thou mighty God, When Davids life by Saul, When the poore cripple e Where sinne sore wounding. To this end, we approach this dissertation through an intertextual method in order to place this collection in the England scenario during 16th and 17th centuries, comparing it to other ayres collections and polyphonic English songs which mix religious and secular music genres. Therefore, we seek to understand which events surrounded the publication of this collection, the possible connections between the texts of these six songs and the psalm singing cult in this country, the musical characteristics in common or not with other contemporaneous works and the relation between the songs of this collection and its title and preface to the reader as well as the patronage\'s relations evolved in this publication. Regarding this perspective, the musicological approach is that from the new musicology proposed by Vicent Duckles, Joseph Kerman e Jean Nattiez, suggesting, thus, an interrelation among historical, philosophical, social, and musical-rhetoric aspects. Therefore, the connection between these areas were chosen for the analysis of this collection and contributed to place it in this period of time, investigating it through extramusical aspects: conducting books, medical treatise, diaries, book of psalms, books of contemporaneous musical theory, among others. To summarize, through this approach we described the scenario in which the ayres collections were inserted, the relation between music and devotion, and the function of music in that society. Having said that, we perceived that A Pilgrimes Solace is a mix not only of musical genre, but also of musical style, environment (songs related to privacy or public celebrations) and function, since this collection deals with religious function as well as recreational purposes. Regarding the religious songs, through the musical-rhetoric analysis, we could perceive the lament as the main element to be represented through music as well as the aspects related to the versifier\'s journey in these songs: sorrows, moans, true repentance, faith in God, patience to wait for his comfort and redemption of sins. Finally, through the comparative analysis with William Byrd, Thomas Campion e John Milton, we inferred that John Dowland tend to use common places to represent this type of text, converging with the musical style of those composers; however, Dowland frequently brakes the counterpoint rules when the poem demands, fills his pieces with cromatism and creates an image of the situation in which the characters are facing.

Submitted by Paulo Cesar Martelli (movimentoviolao@gmail.com) on 2018-04-13T01:51:32Z No. of bitstreams: 1 TESE FINAL PAULO MARTELLI..pdf: 8173770 bytes, checksum: e47345c4eb00fdbdb398f6788eaebae4 (MD5) / Approved for entry into archive by Laura Mariane de Andrade null (laura.andrade@ia.unesp.br) on 2018-04-13T20:04:55Z (GMT) No. of bitstreams: 1 martelli_pc_dr_ia.pdf: 8173770 bytes, checksum: e47345c4eb00fdbdb398f6788eaebae4 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-04-13T20:04:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 martelli_pc_dr_ia.pdf: 8173770 bytes, checksum: e47345c4eb00fdbdb398f6788eaebae4 (MD5) Previous issue date: 2018-02-21 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / A presente tese discute as contribuições da retórica musical nos processos de transcrição do repertório solista do compositor alemão J. S. Bach (1685-1750) para o violão de onze cordas, no inglês, alto-guitar. Trata-se de uma pesquisa alinhada aos fundamentos da Musicologia Histórica, que resulta em uma série de transcrições, concertos e gravações historicamente orientadas. Entre os referenciais teóricos adotados estão os autores basilares da Musicologia Histórica, como Harnoncourt (1989), Kermann (1987), Yates (2013) e Bartel (1997), além dos autores brasileiros Nogueira (2011), Souto (2015) e Cardoso (2015). Dos aspectos metodológicos, pode-se classificar esta pesquisa como documental, de cunho bibliográfico. No segundo momento, realizou-se uma análise comparativa entre obras barrocas. Este estudo se justifica por contribuir para as discussões acerca do violão de onze cordas, até hoje pouco explorado acadêmica e artisticamente. Podemos citar também a necessidade de ampliação do repertório para este instrumento, além do incremento às possibilidades de pesquisas a respeito do violão de onze cordas. Buscamos com isso aplicar princípios da retórica musical barroca na elaboração de uma performance musical sobre o repertório alemão do século XVIII. O estudo sobre a obra de J. S. Bach, a partir dos elementos retórico-musicais, deram subsídios para melhor compreensão de seus processos composicionais, e à aquisição de ferramentas teóricas norteadoras dos processos de transcrição do repertório barroco. O concerto da defesa de tese apresenta a transcrição para violão de onze cordas da Suite II para Violoncelo de J. S. Bach. A presente pesquisa teve como resultado final a gravação de um CD e de um DVD, nos quais apresento diversas obras barrocas transcritas para violão de onze cordas, sob a perspectiva da performance historicamente orientada. / This thesis discusses the contributions o f musical rhetoric in the transcription processes of the solo repertoire composed by J. S. Bach (1685- 1750) for the eleven-string guitar, or alto- guitar. It is a research based on the grounds of Hi storical Musicology, which results in a series of historically oriented transcriptions, concerts and recordings. Among the theoretical references adopted, we utilized the fundamental authors of His torical Musicology, such as Harnoncourt (1989), Kermann (1987), Yates (2013) and Bartel (1997), bes ides Brazilian authors Nogueira (2011), Souto (2015) and Cardoso (2015). In terms of methodology, one can classify this research as documentary, of bibliographic character. In a secon d moment, we realized a comparative analysis between baroque works. This study is justified by i ts contribution to the discussions about the alto-guitar, until now insufficiently explored acad emically and artistically. We can also cite the nee d to expand the repertoire for this instrument, as we ll as to increase the possibilities for research on alto-guitar. We seek to apply principles of baroque musical rhetoric in the elaboration of a musical performance on the German repertoire of the eightee nth century. The study of the work of J. S. Bach, from the rhetoric-musical elements, gave subs idies for a better understanding of its compositional processes, and the acquisition of the oretical tools guiding the processes of transcription of the baroque repertoire. The thesis defense concert features the transcription for alto-guitar from Cello Suite II by J. S. Bach. The present research resulted in the recording of a CD and a DVD, in which I present several Baroque works transcribed for the alto-guitar, from the perspective of historically oriented performance.

O debate humanista das práticas artísticas no Renascimento italiano fomentou especialmente no século XVI uma das mais complexas e profícuas elaborações textuais da produção tratadística da música. A contextualização teórica daquela prática musical bem como a investigação do papel dos seus artífices profissionais e diletantes, objetivos dessa pesquisa, pretende situar analiticamente a partir das publicações quinhentistas impressas em língua italiana e latina o exercício e a formação epistêmica do antigo músico. Fundamental ferramenta para a compreensão dos tratados tanto escritos por músicos profissionais quanto por diletantes cortesãos, a Retórica é chave de leitura do \"texto além do texto\" e conhecimento também comum àqueles autores que, apresentavam em suas publicações, além do domínio técnico esperado, extenso aparelho humanista. Ao confrontar as disciplinas e habilidades fomentadas pelo estudo da musica prattica italiana com a studia humanitatis comum a cortesãos e músicos durante o Renascimento, pretendemos demonstrar bibliograficamente o alto grau de importância dos conhecimentos extrínsecos à pura ação do instrumentista ou cantor, explicitando os elementos retóricos, poéticos e científicos contidos naquelas edições musicais italianas. Uma vez que o próprio entendimento de música e músico é complexamente diverso e amplo naquele contexto, é coerente recuperar tal horizonte de sentido - conceitos e ideias - através dos documentos musicais artísticos e inartísticos que expõem, além das sede argumentorum filosóficas, as emendas e os tópicos visitados e empreendidos na redação dos tratados. Literariamente, o tratadista humanista, também referido à época como perfetto musico, age como um gentil-homem que transita discursivamente entre os nobres cortesãos de seu tempo, elaborando e amplificando o discurso técnico com vistas ao decoro de seus leitores e ao fim do seu ofício. Por essa razão, é oportuno considerar as disciplinas práticas do exercício do músico no Renascimento como parte de uma complexa rede de conhecimentos, na qual é proeminente o discurso e suas poéticas, empreendendo a recuperação das preceptivas e do arrazoado quinhentista daquele exercício artístico. / The humanistic debate of artistic practices in the Italian Renaissance, especially in the sixteenth century, fostered one of the most complex and fruitful textual elaborations of music treatises. The theoretical contextualization of that musical practice, as well as an investigation on the role of their professional and dilettante musicians, which are the goals of this research, aim at analytically contextualizing the epistemic formation of Renaissance musicians based on 16th century publications printed in Italian and Latin. An essential tool for understanding the treatises in question, Rhetoric is the appropriate tool for reading the \"text beyond the text,\" in addition to being common knowledge to those authors who showed a broad humanistic baggage in their publications, as well the expected technical mastering. By paragoning disciplines and skills fostered by the study of Italian musica prattica and the studia humanitatis among courtiers and musicians in Renaissance, we intend to bibliographically point out the high degree of importance of extrinsic knowledge to the pure action of players or singers, explaining the rhetorical, poetic, and scientific elements contained in those Italian musical editions. Since the very understanding of music and musicians is intricately diverse and broad in that context, it is fair to recover that horizon of meaning--concepts and ideas--through artistic and non-artistic musical documents that outline, beyond the philosophical sedes argumentorum, amendments and topics dealt with in those treatises. Literarily speaking, the humanistic musician, also referred to, at the time, as a perfetto musico, acts as a gentilhuomo who moves, discursively speaking, amongst the nobles and courtiers of his time, developing and broadening technical discourse in view of the decorum of his readers and for the sake of his craft. Therefore, it is appropriate to consider the practical disciplines of Renaissance musicians\' exercise as part of a complex network of knowledge that highlights the poetic speech, recovering preceptives and 16th-century reasoning behind that artistic exercise.

Inserido na linha de pesquisa que se dispõe a examinar os processos discursivos (estruturas retóricas e tópicas) da música religiosa no período colonial, desenvolvida pelo Laboratório de Musicologia do Departamento de Música da FFCLRP, sob a coordenação do Prof. Dr. Diósnio Machado Neto, e como consequência natural de minhas atividades acadêmicas, das quais, em 2008, sob os auspícios da Pró Reitoria de Graduação da Universidade de São Paulo, realizei Iniciação Científica sob o título: \"Retórica Musical na Obra de André da Silva Gomes\", este trabalho visa contribuir com o conjunto de pesquisas que tratam de estudos recentes acerca da retórica musical, inserida no campo da musicologia e análise, dando continuidade às pesquisas já realizadas, procurando, entretanto, aprofundar e solidificar as teorias sobre o uso da retórica na obra do compositor luso-brasileiro através de uma maior sistematização analítica em sua obra. Para tanto, buscar-se-á observar modus operandi de Silva Gomes acerca da relação Música e Sintaxe em sua obra através do esquadrinhamento de figuras e elementos discursivos relacionados entre texto e música, na obra do quarto Mestre de Capela da Sé de São Paulo. O corpus deste trabalho é constituído pela obra sacra do compositor, sobretudo os seus Ofertórios, que se insere dentro de da linha de pesquisa desenvolvida pelo LAMUS - DM/FFCLRP, sob a coordenação do Prof. Dr. Diósnio Machado Neto. Além disso, serão consultados tratados e artigos sobre o período em questão, bem como novos referenciais teóricos, fundamentados na cognição musical, teoria das tópicas, dentro outras, no sentido de aprofundar nas teorias acerca da retórica musical do compositor luso-brasileiro. / Inserted into the line of research that is willing to examine the discursive processes (rhetorical and topical structures) of religious music in the colonial period, developed by Musicology Laboratory of the Department of Music (LAMSU- DM/FFCLRP), under the direction of Prof. Dr. Diósnio Machado Neto, and as a natural consequence of my academic activities, which, in 2008, under the auspices of Pro Dean of Graduate University of São Paulo, accomplished Scientific Initiation under the title, \"Musical Rhetoric in Andrew\'s Society of Silva Gomes \", this work aims to contribute to the body of research dealing with recent studies of musical rhetoric, inserted in musicology and analysis, continuing the research already carried out, looking for, however, deepen and solidify theories about the use the rhetoric in the work of the Luso-Brazilian composer through greater analytical systematic in his work. To this end, we will seek to observe modus operandi of Silva Gomes on the relationship Music and syntax in their work by scrutinizing figures and discursive elements related between text and music in the work of the Master bedroom Chapel of the Cathedral of São Paulo. The corpus of this work is constituted by the sacred work of the composer, especially their Offertories, which falls within the line of research developed by LAMUS - DM / FFCLRP, under the coordination of Prof. Dr. Diósnio Machado Neto. There will also be consulted treaties and articles on the period in question as well as new theoretical framework, based on music cognition, theory of point, in others, to deepen the theories of musical rhetoric of the Luso-Brazilian composer.

O presente trabalho constitui a completa tradução em língua portuguesa do tratado italiano Il Transilvano de Girolamo Diruta publicado em Veneza, em dois volumes distintos, no ano de 1593 e 1609. Sob a forma retórica do Diálogo, esta obra versa sobre a maneira correta de tocar o órgão e outros antigos instrumentos de teclado e sobre os mais importantes assuntos da música italiana do século XVI. Objeto de interesse de músicos e cortesãos, Il Transilvano é ao mesmo tempo tratado de música dedicado ao ensino da arte do teclado aos nobres e também importante documento da escola tecladística veneziana, especialmente das preceptivas técnicas de Claudio Merulo, e da tradição polifônica de A. Willaert e G. Zarlino. Rico em exemplos da didática musical antiga, \"O Transilvano\" registra a formação do antigo músico e apresenta diversas peças do repertório quinhentista abordadas segundo as regras daquele período. A presente tradução é acompanhada de uma introdução sobre as suas tópicas fundamentais e pretende favorecer os estudiosos da música interessados naquela antiga. / This work constitutes the complete English translation of the Italian treatise \"Il Transilvano\" from Girolamo Diruta, published in Venice in two separate volumes, in 1593 and 1609. Rhetorically written in the form of the Dialogue, this historical work focuses on the true way to play the organ and others early Keyboard\'s instruments and on the most important issues of Italian music in the sixteenth century. Object of interest to musicians and courtiers, \"Il Transilvano\" is both Music Treatise dedicated to the art of the keyboard for the nobles but, also, important document of the Venetian music tradition, especially the precepts of Claudio Merulo, and the counterpoint from A. Willaert and G. Zarlino. Rich in examples of ancient musical didactic, The Transylvanian describes the formation of the old musician and has several of the sixteenth music\'s repertory analyzed under the rules of that period. This translation is accompanied by an introduction to their fundamental topics and aims to be useful for music scholars interested in early music.

O presente trabalho constitui a completa tradução em língua portuguesa do tratado italiano Il Transilvano de Girolamo Diruta publicado em Veneza, em dois volumes distintos, no ano de 1593 e 1609. Sob a forma retórica do Diálogo, esta obra versa sobre a maneira correta de tocar o órgão e outros antigos instrumentos de teclado e sobre os mais importantes assuntos da música italiana do século XVI. Objeto de interesse de músicos e cortesãos, Il Transilvano é ao mesmo tempo tratado de música dedicado ao ensino da arte do teclado aos nobres e também importante documento da escola tecladística veneziana, especialmente das preceptivas técnicas de Claudio Merulo, e da tradição polifônica de A. Willaert e G. Zarlino. Rico em exemplos da didática musical antiga, \"O Transilvano\" registra a formação do antigo músico e apresenta diversas peças do repertório quinhentista abordadas segundo as regras daquele período. A presente tradução é acompanhada de uma introdução sobre as suas tópicas fundamentais e pretende favorecer os estudiosos da música interessados naquela antiga. / This work constitutes the complete English translation of the Italian treatise \"Il Transilvano\" from Girolamo Diruta, published in Venice in two separate volumes, in 1593 and 1609. Rhetorically written in the form of the Dialogue, this historical work focuses on the true way to play the organ and others early Keyboard\'s instruments and on the most important issues of Italian music in the sixteenth century. Object of interest to musicians and courtiers, \"Il Transilvano\" is both Music Treatise dedicated to the art of the keyboard for the nobles but, also, important document of the Venetian music tradition, especially the precepts of Claudio Merulo, and the counterpoint from A. Willaert and G. Zarlino. Rich in examples of ancient musical didactic, The Transylvanian describes the formation of the old musician and has several of the sixteenth music\'s repertory analyzed under the rules of that period. This translation is accompanied by an introduction to their fundamental topics and aims to be useful for music scholars interested in early music.