Les mises en scène récentes de T. Ostermeier explorent les liens entre littérature et art théâtral pour questionner, à l’aide d’un réalisme complexe qu’il réinvente, ce que les œuvres ont à dire de la réalité politique et sociale de notre présent. Il privilégie toujours pour cela des espaces entre qui permettent de briser la rigidité d’un respect littéral étouffant et de faire dialoguer le passé et le présent, l’actuel et le virtuel, le proche et le lointain. A la surface visible, son réalisme articule la profondeur invisible qui dédouble le réel en explorant sa spectralité à travers les personnages eux-mêmes, leur mémoire, leurs fantômes ; leur langue qui, entre traduction et retravail, crie le non-dit, le refoulé, l’absence ; l’espace des lieux-seuils, des (non)-lieux et des passages, des images du hors-scène, trop présent, ou de l’intime, insaisissable ; et même la musique dont les échos démultiplient les réseaux de sens. C’est dans la hantise de ces doubles que T. Ostermeier cherche à reconstruire un sens qui ne fasse pas abstraction des fêlures ni des fractures. Son travail doit être analysé comme une œuvre autonome qui convoque l’œuvre littéraire support pour la faire parler à nouveau, lui faire dire à nos oreilles d’aujourd’hui la douleur intemporelle du réel et l’espoir politique de reconstruire ce présent. La « déterritorialisation » constante du théâtre de T. Ostermeier, assumée, donne corps aux spectres qui sont l’autre nom de notre réalité pour que nous, spectateurs, puissions, finalement, nous en saisir. Refusant un théâtre et une littérature qui ne font qu’interpréter le monde, il s’agit pour T. Ostermeier de faire dialoguer l’un et l’autre pour le transformer. / In his recent productions, T. Ostermeier investigates the links between literature and drama with complex, renewed realism to question what insights the works of the past can give us into today’s political and social reality. He always favours the in-betweens which enable him to break through the stifling inflexibility of literal interpretation and initiates a dialogue between the past and the present, the actual and the virtual, what is close at hand and what is distant. His realism connects the visible surface of reality to its invisible depth – its double. He delves into this spectrality by focusing on the characters’ memory, their ghosts; on their language, hanging between translation and reworking, as their unsaid, repressed words speak loud; on space viewed as space between – thresholds, somewhere/nowhere, passages, pictures of all too present off-stage scenes or of elusive intimacy; on music too, echoing meaning in multiple layers. These ghost-like doubles are T. Ostermeier’s material to rebuild a meaningful present without ignoring its cracks and fault lines. His productions should be analysed as an autonomous oeuvre which calls on literary works to make sense afresh, to voice the painful, timeless experience of the real and the political hope to rebuild the present. His constantly ‘deterritorialising’ theatre substantiates our ghosts – the flipside of our reality – so that we, spectators, may finally get a grasp on them. T. Ostermeier will not confine theatre and literature to merely interpreting the world, he wants them to dialogue in order to transform it.

Qu’a de particulier le théâtre-témoignage de Charlotte Delbo ? L’objet de cette étude est de mettre en lumière une « écriture de la spectralité », renvoyant à l’évocation des spectres de sa mémoire que Delbo convoque sur une scène de théâtre. Les titres de deux de ses pièces, Qui rapportera ces paroles ? et Une scène jouée dans la mémoire, sont révélateurs d’un exercice d’anamnèse jamais fini, car il n’a pas de fin possible. Il se traduit par la réélaboration, la transposition théâtrale des fragments poétiques et narratifs déjà rédigés par l’auteure après son retour d’Auschwitz, – et nous avons dû parcourir ses archives pour repérer les traces de cette réécriture. Mais, et c’est un fait singulier, le caractère spectral du théâtre de Delbo provient également de la fréquentation des personnages-fantômes de sa bibliothèque théâtrale venus la visiter dans les marais d’Auschwitz, messagers d’une humanité dont l’existence même du théâtre est le garant. Secrétaire de Louis Jouvet avant et – pour quelque temps – après sa captivité, Charlotte Delbo semble ainsi converser avec le « patron » à travers les intertextes de son œuvre théâtrale et testimoniale. La dramaturgie du témoignage qui découle d’une telle écriture, par laquelle le passé ne cesse de revisiter le présent et réciproquement, pourrait se résumer ainsi : l’auteure se souvient, grâce à sa mémoire profonde, elle écrit en mémoire de ses camarades pour que nous, lecteurs et spectateurs, les gardions en mémoire ; et les spectres appellent les vivants à garder leur conscience en éveil.L’absence effective d’une étude sur le langage dramatique de Charlotte Delbo nous a convaincue de mener la présente recherche, qui traite résolument du travail dramaturgique de l’écrivaine et de son rapport, d’une extrême richesse, au théâtre. / What is so particular about Charlotte Delbo’s theatre testimony ? Goal of this study is to shed light on a « writing of spectrality », sending us back to the evocation of the spectres of her memory which Delbo summons upon stage. The titles of two of her plays, Who will carry the word ? and A Scene played in the memory are revealing of an incomplete anamnesis for which no ending is possible. It translates through reelaboration, theatrical transposition and poetical and narrative fragments already written by the author following her return from Auschwitz– and we had to explore her archives in order to trace these re-writes. Nevertheless, and it is a strange fact, the spectral nature of Delbo’s theatre also comes from the visitations of ghost-like characters from her theatrical library which come to haunt her in the swamps of Auschwitz, messengers of a humanity to whom the very existence of theatre turns out to be a guarantee. Once Louis Jouvet’s secretary prior and – for a while – after her captivity, Charlotte Delbo therefore seems to talk with the « patron » within the inner lines of her theatrical and testimonial work. The dramaturgy of the testimony which arise from such a writing, through which the past never ceases to revisit the present, could be summed up as follows : the author remembers, thanks to her deep memory; she writes in memory of her friends so that we, readers and spectators, remember them ; and the spectres call to the living to keep their consciences awake. The effective absence of Charlotte Delbo’s use of dramatic language has convinced us to lead the present research which deals fundamentally with the dramatic work of the writer and her extremely rich relationship to theatre.

Howard Barker fait ses armes de dramaturge en composant en 1971 une pochade sur Henry V de Shakespeare et signe trente ans plus tard l’un de ses textes les plus aboutis avec Gertrude – The Cry, variation sur le thème d’Hamlet. À la faveur de ces réécritures et de quelques autres (notamment Seven Lears en 1989), décrire le dramaturge contemporain comme le « Shakespeare de notre époque », expression attribuée à Sarah Kane, s’est rapidement imposé comme un lieu commun, relayé tant par la presse que par la critique. Pourtant, en dépit de certaines caractéristiques communes, leurs œuvres apparaissent d’abord comme radicalement différentes, ne serait-ce qu’en raison du statut marginal que Barker occupe au sein du paysage théâtral anglais. Dès lors, si Shakespeare se manifeste dans son œuvre, ce sera sous une forme altérée, méconnaissable, transformée, autrement dit sous forme de spectres. Pourquoi l’œuvre de Barker a-t-elle suscité de façon si insistante la comparaison à celle de Shakespeare ? Et que révèle cette comparaison, non seulement de la pratique critique, mais surtout des enjeux poétiques du théâtre de Barker ? Cette étude s’efforce de répondre à ces questions en examinant d’abord les modalités d’élaboration de l’œuvre de Barker, et la manière dont celle-ci place le spectre, figure majeure du doute, au cœur de son esthétique. Elle se penche ensuite sur les critères qui ont pu justifier le rapprochement entre les deux dramaturges, notamment l’histoire et l’écriture, pour montrer que Shakespeare est toujours convoqué sur le mode paradoxal du leurre, modèle avancé pour être mieux rejeté. De la sorte, elle essaie de dégager non pas les traits que partagent les deux dramaturges, mais la manière dont Barker tente d’exorciser la présence étouffante du dramaturge élisabéthain en élaborant une poétique singulière. / From his earliest efforts to his latest and most accomplished plays, Howard Barker has often confronted Shakespeare, be it with his irreverent parody of Henry V in Henry V in Two Parts (1971) or with his variations on Hamlet in Gertrude – The Cry (2002). These rewritings, along with some others (notably Seven Lears in 1989) have prompted many, both in the media and in academia, to call him, as Sarah Kane allegedly did, “the Shakespeare of our age”. In spite of a number of common features, their works do however appear as radically different, if only because of Barker’s marginal status within the landscape of contemporary English drama. If Shakespeare manifests himself in Barker’s work, it will therefore be in an altered and possibly unrecognizable form, in other words as a spectre. Why is it that Barker’s work has been so insistently compared to that of Shakespeare? What does this comparison reveal both about critical practice and about the aesthetics of Barker’s theatre? In order to answer these questions, this dissertation first examines the overall design of Barker’s work and the way in which it endeavours to place the figure of the ghost, as an embodiment of doubt, at its core. It then moves on to consider the criteria that have been invoked to draw a parallel between both playwrights, especially their focus on history and poetic writing as the basis of drama, to show how Shakespeare is always paradoxically summoned as a lure, an empty model that both suggests and contradicts modes of interpretation. In doing so, it strives to bring out not the traits shared by both playwrights but Barker’s effort to thwart the haunting and overwhelming presence of Shakespeare by giving birth to his own original voice.

Depuis la valorisation du corps comme site identitaire et comme langage autre dans la théorisation de l’écriture au féminin des années 1970, les représentations du corps, notamment du corps féminin, occupent la scène romanesque jusqu’à aujourd’hui. Dans cette perspective, le présent mémoire s’intéresse au corps fantomatique des héroïnes du Ravissement de Lol V. Stein de Marguerite Duras et de La Maison étrangère d’Élise Turcotte. Le corps se fait littéralement hantise chez Duras et Turcotte : il est marqué d’absence, d’étrangeté, de fatigue et d’errance, ne trouvant plus de lieu d’être ni de repères à la suite d’un événement « traumatique », dans le cas de Lol, ou à la suite d’une séparation, dans celui d’Élisabeth. Les protagonistes sont sous l’emprise d’un sentiment d’étrangeté qui spectralise le corps en introduisant un décalage dans le rapport à soi et à autrui. Ce sentiment est causé en partie par une mémoire défaillante qui fragmente leur identité. C’est par un travail mémoriel que Lol V. Stein et Élisabeth tenteront de résoudre la hantise de leur histoire individuelle et familiale. Le texte fait écho à la corporalité fantomatique – mise en scène selon diverses représentations du corps dématérialisé – en se spectralisant à son tour par l’inscription des « blancs » dans l’écriture. Le processus d’effacement des corps sera mis en parallèle avec une spatio-temporalité elle aussi marquée par la hantise du passé. La spectralité apparaît, dans le récit contemporain au féminin, pour témoigner d’une identité (cor)rompue par la rupture ; celle-ci devient prétexte à une réflexion sur la manière d’habiter son corps et d’un être-au-monde à repenser. / The 1970s have seen the body become a stronghold of identity and offer a new language for the theorization of women’s writing. Since then, representations of the body, especially of the female body, have taken over the novel. In that perspective, this dissertation studies the ghostly body of two heroines in Le Ravissement de Lol V. Stein by Marguerite Duras and La Maison étrangère by Élise Turcotte. Their bodies are marked by absence, eeriness, tiredness and wandering, unable to fully exist within a world that has lost its bearings following a “traumatic event” for Lol and the end of a relationship for Élisabeth. The protagonists suffer from an eerie sensation that essentially “spectralises” the body by revealing a gap in their relationship to themselves as well as to others. This sensation is caused in part by a failing memory which breaks up their sense of self. Trying to work through these memory faults, both Lol and Élisabeth aspire to solve the dread of their personal and familial history which seems to be at the root of their ghostly, uncomfortable grasp on their own body. The text echoes back to the spectral corporeality – staged by different representations of the dematerialized body – through « blanks » left within the writing. The process by which the bodies seem to vanish or disappear can be closely associated with a particular spacio-temporality, itself tainted by a haunting past. Spectrality occurs, in women’s contemporary fiction, to express an identity compromised by the ending of a relationship ; this particular event becomes the pretext for a reflection about how one inhabits not only their body, but also the world it binds them to.

Depuis la valorisation du corps comme site identitaire et comme langage autre dans la théorisation de l’écriture au féminin des années 1970, les représentations du corps, notamment du corps féminin, occupent la scène romanesque jusqu’à aujourd’hui. Dans cette perspective, le présent mémoire s’intéresse au corps fantomatique des héroïnes du Ravissement de Lol V. Stein de Marguerite Duras et de La Maison étrangère d’Élise Turcotte. Le corps se fait littéralement hantise chez Duras et Turcotte : il est marqué d’absence, d’étrangeté, de fatigue et d’errance, ne trouvant plus de lieu d’être ni de repères à la suite d’un événement « traumatique », dans le cas de Lol, ou à la suite d’une séparation, dans celui d’Élisabeth. Les protagonistes sont sous l’emprise d’un sentiment d’étrangeté qui spectralise le corps en introduisant un décalage dans le rapport à soi et à autrui. Ce sentiment est causé en partie par une mémoire défaillante qui fragmente leur identité. C’est par un travail mémoriel que Lol V. Stein et Élisabeth tenteront de résoudre la hantise de leur histoire individuelle et familiale. Le texte fait écho à la corporalité fantomatique – mise en scène selon diverses représentations du corps dématérialisé – en se spectralisant à son tour par l’inscription des « blancs » dans l’écriture. Le processus d’effacement des corps sera mis en parallèle avec une spatio-temporalité elle aussi marquée par la hantise du passé. La spectralité apparaît, dans le récit contemporain au féminin, pour témoigner d’une identité (cor)rompue par la rupture ; celle-ci devient prétexte à une réflexion sur la manière d’habiter son corps et d’un être-au-monde à repenser. / The 1970s have seen the body become a stronghold of identity and offer a new language for the theorization of women’s writing. Since then, representations of the body, especially of the female body, have taken over the novel. In that perspective, this dissertation studies the ghostly body of two heroines in Le Ravissement de Lol V. Stein by Marguerite Duras and La Maison étrangère by Élise Turcotte. Their bodies are marked by absence, eeriness, tiredness and wandering, unable to fully exist within a world that has lost its bearings following a “traumatic event” for Lol and the end of a relationship for Élisabeth. The protagonists suffer from an eerie sensation that essentially “spectralises” the body by revealing a gap in their relationship to themselves as well as to others. This sensation is caused in part by a failing memory which breaks up their sense of self. Trying to work through these memory faults, both Lol and Élisabeth aspire to solve the dread of their personal and familial history which seems to be at the root of their ghostly, uncomfortable grasp on their own body. The text echoes back to the spectral corporeality – staged by different representations of the dematerialized body – through « blanks » left within the writing. The process by which the bodies seem to vanish or disappear can be closely associated with a particular spacio-temporality, itself tainted by a haunting past. Spectrality occurs, in women’s contemporary fiction, to express an identity compromised by the ending of a relationship ; this particular event becomes the pretext for a reflection about how one inhabits not only their body, but also the world it binds them to.

Les trois premiers récits de Nelly Arcan présentent des narratrices (Putain, 2001 ; Folle, 2004) et des protagonistes (À ciel ouvert, 2007) habitées par un état d’absence à soi et au monde. Paraissant n’être jamais tout à fait là, elles ont en commun une présence au monde spectrale ainsi qu’un sentiment de vacuité dont émerge le désir de pousser à son paroxysme l’effacement de soi. C’est à ces personnages féminins dont la subjectivité paraît rompue d’emblée que s’intéresse ce mémoire, en proposant de qualifier cet état trouble de « dépersonne », terme employé par Marguerite Duras pour décrire l’héroïne de son roman Le ravissement de Lol V. Stein (1964) avec qui les personnages d’Arcan partagent plusieurs ressemblances mais aussi certaines divergences. Il s’agira d’interroger, dans une perspective féministe et à la lumière des concepts psychanalytiques de l’inquiétante étrangeté et du stade du miroir, les manifestations et conséquences de la « dépersonne » en postulant qu’elles s’articulent principalement autour du rapport qu’entretiennent ces figures féminines à leur corps-objet et à l’altérité. Il sera question du décalage entre la conscience et le corps que produit « l’acharnement esthétique » qui cristallise l’image d’un vide intérieur et inscrit sur le corps et dans la psyché le paradoxe spectral d’une présence/absence. De cette obsession du corps naît également une difficulté à se différencier de l’autre féminin, de sorte que se profilent l’inquiétante figure du double ainsi qu’une conception sérielle de la féminité, lesquelles compliquent un rapport à autrui déjà fragilisé par un besoin désespéré, chez ces personnages, d’être vues et désirées, comme pour éprouver leur propre réalité sans cesse remise en doute. / Nelly Arcan’s first three publications feature narrators (Putain, 2001; Folle, 2004) and characters (À ciel ouvert, 2007) afflicted by a state of absence from themselves and the world. Seemingly never quite there, they share a spectral presence, and a sense of emptiness from which emerges a desire to bring their self-effacement to its completion. This dissertation focuses on these female characters whose subjectivity seems fractured from the outset, proposing to name this troubled state “dépersonne”, a term used by Marguerite Duras to describe the protagonist of her novel Le ravissement de Lol V. Stein (1964), with whom Arcan’s characters share many similarities but also some divergences. From a feminist perspective, and in light of the psychoanalytical concepts of the uncanny and the mirror stage, this research will examine the manifestations and consequences of this “dépersonne”, postulating that they mainly revolve around these female figures’ relationship to their bodies and to others. It will analyse the offset between the conscience and the body that is produced by the relentless work the characters operate on their physical appearance, which is called by Arcan “l’acharnement esthétique” and which crystallizes the image of an inner void and inscribes on the body and psyche the spectral paradox of a presence/absence. This obsession also creates a difficulty in differentiating oneself from the feminine Other: this evokes the troubling figure of the double and a serial conception of femininity, both of which complicate a relationship to alterity that is already fragilized by a desperate need in Arcan’s characters to be seen and desired, as to test their own reality constantly called into question.