Cette thèse, intitulée "Par-delà l'Histoire : regards sur l'identité et la mémoire dans l'œuvre d'Andreï Makine" propose une analyse originale des rapports entre Histoire, mémoire et littérature dans l'œuvre de cet écrivain français d'origine russe. La thèse dans l'ensemble tend à démontrer que l'univers makinien est marqué à la fois par une emprise et une mise à distance de l'Histoire : aux migrations géographiques et identitaires forcées par l'Histoire se juxtaposent d'autres formes de déterritorialisation, ontologique et poétique, qui projettent les personnages dans un monde différent. L'œuvre, tout en étant ancrée dans l'Histoire, défend une vision idéalisée de l'Art, de l'amour et de la nature, comme territoires du sacré. La première partie, intitulée "Du mythe au mirage : perspectives identitaires", débute par un survol des mythes fondateurs de l'imaginaire franco-russe, explorés sous l'angle de l'histoire de ses dynamiques interculturelles. Les stratégies d'appropriation de cet héritage par Makine sont ensuite analysées à travers des personnages et des symboles "limitrophes", c'est-à-dire à la croisée des mondes français et russe. L'argumentaire de la thèse tend à défendre l'idée que la richesse de l'œuvre réside non seulement dans son biculturalisme mais aussi et surtout dans le rapport à l'identitaire qu'il dévoile, exploré à travers tout un réseau de métaphores optiques ; le regard posé sur l'autre est constamment brouillé par les mirages, les effets-trompeurs, dans un style déroutant pour le lecteur qui peut, à son tour, difficilement échapper aux pièges des illusions que lui tend le narrateur. En résulte une écriture du doute qui marque de façon indélébile, dans toute l'œuvre de Makine, la rencontre de l'altérité. La deuxième partie, "De l'indicible à l'innommable : les voix de la beauté et de la violence", propose une lecture diachronique de l'œuvre et s'attarde à la notion de "surconscience linguistique" (Gauvin), qui s'exprime chez Makine par une focalisation sur la voix et renonciation. Cette analyse met en lumière les rapports de domination entre les différentes formes de discours (idéologique, individuel, collectif, etc.). L'objectif est de montrer comment, chez Makine, l'Histoire, le collectif, s'interpose dans les rapports humains et forme une entrave à l'expression des personnages, confondue avec une voix persécutrice intériorisée ou un discours hégémonique dominant. Ces voix sont des obstacles à la constitution de l'ethos discursif des personnages, qui tend à se renforcer au fil de l'œuvre jusqu'à devenir une parole forte, signifiante, résistante. Contre une pensée obstruée par les mécanismes qui la gouvernent, l'intertextualité joue le rôle de réfèrent qui occupe une large part de l'espace symbolique des premiers romans. Or, cette fonction de l'intertextualité est remise en question dans les dernières œuvres de l'écrivain, où l'on observe une confrontation entre une figure d'écrivain de plus en plus assumée et diverses formes d'autorité telles que l'institution, la loi ou l'éditeur. La troisième partie, "Histoire, mémoire, filiations" porte sur la philosophie de l'Histoire chez Makine, sur l'exercice de la mémoire et les configurations temporelles du roman. L'analyse de la représentation de l'Histoire dans le roman makinien tend à démontrer que celle-ci est tributaire d'une mémoire directe ou indirecte de la dictature et la guerre, et a comme fonction dans le roman de bouleverser les destinées humaines. Ce constat conduit à la compréhension du projet poétique de l'écrivain, qui vise à combattre l'instrumentalisation de l'Homme par les idéologies pour mettre en lumière la singularité de chaque vie humaine. On en conclut que la mémoire mythifiée constitue une narration alternative à un discours hégémonique omnipotent, et vient panser les blessures du passé et du présent. Contre une représentation de l'Histoire dont la marche semble inexorable, le personnage makinien survivra grâce à la reterritorialisation dans un espace poétique et atemporel, voire sacré. En bout de ligne, c'est l'Histoire qui est instrumentalisée par le roman, où elle est à la fois omniprésente et rejetée, et devient une véritable métaphore de la condition humaine.

La dernière décennie du XXe siècle s'avère une période de grande médiatisation des revendications autochtones au Québec. Cette étude propose donc de questionner la présence de nombreux personnages amérindiens dans les romans pour la jeunesse de cette époque. Afin d'interpréter la concordance entre le social et la fiction, l'approche sociocritique nous permet d'examiner les opérations textuelles qui agissent sur la matière sociale pour la mettre en littérature. Cette étude s'attarde aux personnages et à leurs actions afin de mieux comprendre l'idéologie traversant les textes. La plupart des personnages se retrouvent en conflit avec la société dominante qui ne correspond pas à leurs idéaux. Le plus souvent, les auteurs valorisent le mode de vie amérindien et, du coup, rejettent les actes non autochtones. Cette prise de position peut s'expliquer selon trois plans : la portée didactique des oeuvres pour la jeunesse, la volonté de parler de l'Autre pour mieux parler de soi et la présence d'auteurs d'origine amérindienne.

Mettant en scène deux jeunes adultes vivant un amour impossible, le roman La garçonnière, de Mylène Bouchard, nous paraît marqué par une forte tension entre la prévisibilité d’une histoire d’amour typique suggérée par de nombreuses allusions intertextuelles – notamment à Roméo et Juliette de Shakespeare – et l’impulsion de ses personnages qui refusent de se soumettre à ces schémas bien connus. Notre hypothèse est que le roman représente un rapport problématique des personnages avec leur existence. En effet, par la mise en scène de protagonistes dont la vie semble soumise à des forces extérieures, le roman soulève des questions sur l’incidence de la fatalité sur leur parcours ainsi que sur la finalité de ce dernier. Pour réaliser cette représentation, le texte opère une série de « désamorçages » diégétiques et identitaires, questionnant le statut des personnages au sein du texte, la constitution de leur identité et la téléologie romanesque.

Ce mémoire se concentre sur la réception des personnages bibliques par le lecteur du roman L’Évangile selon Jésus-Christ (ESJC), de l’écrivain portugais José Saramago. L’étude dégage d’abord les spécificités de l’univers du roman, à partir duquel le lecteur perçoit les personnages. En fait, cet univers s’avère un espace « tridimensionnel », mixte de mythe, de fiction et d’Histoire. Ensuite, le statut et le sens des figures du récit sont analysés à travers une approche du personnage en termes d’effets. À cet égard, les théories de Vincent Jouve dans L’effet-personnage dans le roman et les différentes représentations des personnages dans l’ESJC et dans le Nouveau Testament orientent l’analyse. En ce sens, ce mémoire démontre un ensemble de mécanismes démystificateurs des personnages, grâce à leur humanisation. L’étude examine également un complexe système axiologique voué, sinon à la subversion du lecteur, du moins à sa réflexion sur les personnages qui intègrent le récit fondateur de la croyance religieuse en Occident. / This work focuses on the reception of biblical characters by the readers of the novel The Gospel According to Jesus Christ, written by the Portuguese author José Saramago. Firstly, this study extracts elements from the novel’s universe, from which readers perceive the characters. In fact, such universe integrates a tridimensional world, mixing myth, fiction and History. Secondly, the status and the sense of narrative figures are analyzed through a character approach based on reading effects. In this sense, Vincent Jouve’s theories from ‘L’effet-personnage dans le roman’ [The character-effect in the novel] and the different representations of novel and biblical characters from the New Testament are also compared. In this way, this work demonstrates several mechanisms that demystify the characters, due to their humanization. The present study also investigates a complex axiological system that aims, if not at readers’ subversion, at least at their exam about the characters that integrate Western’s original narrative of religious belief.

Les deux romans de Guillaume Vigneault publiés à ce jour, Carnets de naufrage (2000) et Chercher le vent (2001), mettent en scène un personnage-narrateur-masculin confronté à une rupture amoureuse. La remise en question issue d'un tel traumatisme provoque un voyage à travers l'Amérique. Ce déplacement se veut une métaphore du cheminement intérieur du narrateur. C'est pourquoi l'étude de l'espace américain où les personnages évoluent acquiert sa pertinence. Dans le cas des romans de Vigneault, l'herméneutique des espaces fictionnels, qu'a développée Benoit Doyon-Gosselin (2008), révèle un conflit entre deux pôles mythiques que Jean Morency (1994) identifie comme moteurs du ± conflit fondateur¿ qui dynamise les fictions d'Amérique. Ce conflit entre deux systèmes de valeurs représentés par les archétypes du nomade et du sédentaire prend la forme chez Vigneault d'une oscillation. Le personnage-narrateur-masculin, rejeté par le pôle sédentaire, devenu nomade, cherche un renouvellement de son identité, un nouvel enracinement spatial afin de régler sa localité paradoxale, sa paratopie.

Ce mémoire a pour sujet d’étude Le surréalisme et la peinture d’André Breton. Nous cherchons à montrer de quelle manière Breton redéfinit le mouvement surréaliste à la lumière des arts visuels. Nous avons pour postulat qu’il s’agit du texte central de Breton pour comprendre la peinture surréaliste, et qu’il pourrait même s’agir là d’un manifeste de la peinture surréaliste. Nous étudions de quelle manière Breton s’inscrit dans une lignée d’écrivains qui abordent les arts visuels dans leurs textes, et qu’il fait cela tout en se détachant des critiques d’art de son époque. Nous croyons que Le surréalisme et la peinture est un texte qui allie à la fois un discours critique et poétique. De plus, en nous penchant sur d’autres textes sur l’art de Breton, nous montrons l’évolution de ses idées sur les arts visuels. Nous nous penchons aussi sur des concepts comme le modèle intérieur et l’automatisme pour comprendre avec quels paramètres Breton tente de définir la peinture surréaliste.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2008-2009 / De Michel Houellebecq est généralement mis en exergue le caractère fracassant. Objet de débats moraux et idéologiques, l'oeuvre tend à s'éclipser derrière les polémiques qu'elle suscite, mais l'auteur est-il résumable à une dimension subversive ? Dès lors que nous retournons à la dynamique des textes, cette voix avance en fait dans le paradoxe, ne pouvant abdiquer sa soif d'une fusion sublime malgré l'évidence, voulant rejoindre un univers à la Mary Poppins tout en sachant sa pesanteur. À l'antienne de l'écrivain sulfureux, nous nous proposons donc ici de substituer une logique de la déchirure. Plus précisément, en explorant le rapport contradictoire au lyrisme qui fracture et irrigue tout à la fois cette parole, nous désirons la rendre à ses tensions et fragilités. Quand tant ont cru voir dans les romans et poèmes des sujets ne tenant qu'à l'âpreté de leur critique, ne découvrons-nous pas plutôt des personnages tiraillés, indélivrés ? Autour de cette question se déploiera notre pensée suivant deux grands mouvements : la déconstruction concertée de l'être et la volonté de transcendance qui anime pourtant ce dernier. D'abord, nous cernerons ce qu'implique le théorème central de l'extension du domaine de lutte, qui définit l'individu selon des critères qui ne disent rien de son intériorité. La narration participant de ce processus de réduction, nous nous arrêterons à la manière dont, à la croisée des savoirs, elle dissèque l'illusion du Moi, en expose les conditionnements. Subsistent bien des personnages, mais leurs actes sans résonance et leurs relations crépusculaires dessinent un continuum de dissolution qui redit leur peu d'envergure. De cette entreprise de déconsidération naît un sentiment de pénurie existentielle, d'où le second terme de notre réflexion : ces glissements étranges du texte vers l'utopie religieuse ou scientifique. Que la parole bifurque vers une ontologie retrouvée (Dieu comme gage de plénitude) ou renouvelée (la génétique contre la limitation physique et mentale), elle porte bien en elle le rêve d'une échappée belle qui relativise une dureté réputée sans appel. Vacillant entre défervescence et désir d'infini, l'oeuvre de Houellebecq dévoile alors ce qui est peut-être sa vérité : Pindécidable.

L'objet de ce mémoire de maîtrise porte sur l'analyse iconographique d'une série d'estampes religieuses réalisée par le peintre et graveur anglais John Martin (1789-1854). Dans une optique d'abord historique, nous nous intéresserons au contexte social entourant sa production, située au plus fort de la crise protestante qui sévit entre les années 1820 jusqu'à la fin des années 1830. À l'aide de la fortune critique de l'artiste, nous tenterons de mettre en lumière l'interprétation contemporaine de son oeuvre. Nous analyserons également le propos herméneutique de Martin et son interprétation millénariste des récits bibliques en corrélation avec la pensée de plus en plus rationaliste du XIXe siècle. Par extension, nous mettrons en relation son illustration de la colère divine et l'occurrence de catastrophes naturelles et divers bouleversements sociaux dans l'Angleterre romantique. Le double objectif de cette recherche consiste, d'une part, à reconstituer le contexte de production du cycle biblique et, d'autre part, à mettre en lumière les divers discours moralisants insinués dans les images de Martin, notamment celui concernant la chute de l'homme, celui du rapport entre l'homme et le divin puis celui de la manifestation de Dieu dans le monde matériel.

Le rapport de Brodeck de Philippe Claudel, paru en 2007 et dont l’histoire se déroule à une époque semblable à celle de la Seconde Guerre mondiale et de l’après-guerre en Europe, soulève le problème de la conciliation de la mémoire et de la culpabilité. Ce mémoire, centré sur le narrateur et personnage principal du roman, s’intéresse d’une part à sa représentation comme victime caractérisée à la fois par une marginalisation sociale, par une assimilation à la figure de rescapé de la littérature concentrationnaire ainsi que par une difficulté manifeste à raconter qui régit la mise en ordre du récit. D’autre part sera traitée la question de la culpabilité qui prend de plus en plus de place à mesure que progresse le roman et que se fait sentir, sur l’ensemble des personnages, la pression d’un passé considéré encombrant par plusieurs d’entre eux. Cette étude vise en somme à démontrer que la représentation ambiguë du narrateur et personnage principal du Rapport de Brodeck, entre victime et coupable, et plus précisément son évolution au cours du roman, refuse la simplification et met de l’avant des préoccupations importantes, en cette ère de « l’après-témoignage », quant à la nécessité et au rôle de la mémoire dans toute société : vaut-il mieux se souvenir d’un passé déchirant ou bien l’oublier ? Et à quel prix ?

Intervalle : Roman autofictif composé de courts chapitres qui alternent entre le présent et le passé de la narratrice. Le lecteur est convié à suivre le fil des questionnements identitaires et des péripéties qui surviennent sur le chemin du personnage de Maude, alors qu’elle tente de trouver sa place dans un monde qu’elle ne comprend pas toujours. Elle veut sortir de sa torpeur, causée notamment par un emploi aliénant en restauration ainsi que par l’angoisse et l’appréhension d’entamer des études aux cycles supérieurs en littérature. Sa quête identitaire commence par un voyage dans le Maine lors duquel elle rencontre un humoriste connu. Mais le fil conducteur du récit tient surtout aux questionnements de Maude – comment se retrouver soi-même, comment continuer seule, après son histoire avortée avec Antoine. Si les nouvelles connaissances ou les amis.es de longue date de Maude traversent le texte pour la conseiller et changer, à leur façon, sa vision du monde et de sa personne, c’est le personnage du grandpère, appelé affectueusement Papi, qui revient sans cesse appuyer la narratrice, que ce soit par des souvenirs d’enfance ou par une visite à sa maison sur le bord de la grève, à Saint- Jean-Port-Joli. Filiations et ruptures chez Catherine Mavrikakis : le cas de Ça va aller : Publié en 2002, Ça va aller de Catherine Mavrikakis est un curieux roman aux allures de pamphlet. L’auteure nous y présente la quête identitaire d’un personnage féminin, inscrite dans les profondeurs de la psyché québécoise. Elle y expose la relation que l’improbable et explosive narratrice, Sappho-Didon Apostasias, entretient avec la littérature, ambiguë s’il en est du fait qu’elle s’en réclame autant qu’elle la rejette. L’auteure fait de Réjean Ducharme un personnage mythique du récit, et Hubert Aquin y est apparenté à un spectre aux allures de prophète. Ces auteurs sont ici dépeints comme des figures paternelles, même s’ils y demeurent absents et fantomatiques, ce qui place la narratrice dans une posture d’héritière de ces deux grandes figures de la littérature québécoise. Cet essai s’intéresse au fait que, malgré une première lecture qui tend vers une rupture nette avec le monde littéraire, il y aurait, dans l’écriture de Mavrikakis, des traces d’une probante filiation, que ce soit par des marqueurs généalogiques, institutionnels, sociologiques, narratifs, stylistiques ou littéraires. Puisque Ça va aller pose la question de l’héritage, cherchant à distinguer ce qu’il faut conserver de ce qu’il faut, au contraire, évacuer, la posture d’héritière mélancolique de l’auteure et de sa narratrice peut être associée à un deuil irrésolu qui permettrait de préserver les liens avec les disparus, mais qui offrirait aussi la possibilité de faire advenir de nouvelles formes littéraires et identitaires.