Ce mémoire vise à examiner les stratégies grâce auxquelles Patrick Chamoiseau exprime l’indicible dans son roman Un dimanche au cachot. En effet, restituant l’univers esclavagiste aux Antilles, en mettant en scène son processus de déshumanisation, Chamoiseau associe l’écrivain et le lecteur à une difficile activité de figuration de l’Histoire, renouvelant ainsi le pacte entre eux. Le mémoire s’efforce de montrer que le roman témoigne de l’horreur par la construction d’une « poétique de l’indicible » qui opère par la figure de la compensation. Elle parvient à donner voix à une « mémoire silencieuse » en contrebalançant le tragique par le comique, le réel par l’imaginaire, la transparence par l’opacité, le dit par le non-dit, le texte par le métatexte et la laideur par la beauté.

La connaissance de Séraphine Louis (1864-1942) est principalement basée sur des mythes entretenus depuis la fin des années 1920. L'essentiel de l'information existante sur cette artiste porte sur sa vie plutôt que sur sa production artistique. Il existe peu d'études sur ses peintures et les quelques tableaux connus de l'artiste sont perçus à travers une trame biographique subjective : celle de l'artiste mystique. La production artistique de Louis s'étend de 1905 à 1930. Entre 1927 et 1930, alors que la peintre réalise principalement des natures mortes, elle entreprend la production de dix peintures d'arbres dont les formats, tous similaires, excèdent le mètre. Nous estimons qu'il s'agit d'une série et que celle-ci est particulière. Ces tableaux, construits en parallèle aux natures mortes, représentent l'essence de la démarche plastique et artistique de la peintre. C'est par l'analyse détaillée de ces dix oeuvres que nous étudierons la production artistique picturale de Séraphine Louis, peintre française méconnue de l'histoire de l'art.

Le projet de création Le chasseur inconnu est un roman dont la narration problématique – au nous – constitue la principale particularité. Campé dans un village non identifié dont les habitants se réunissent chaque semaine pour débattre de leurs problèmes et pour potiner, ce texte de fiction se déploie grâce aux voix de narrateurs mystérieux et à leur ton parfois aux limites de l’absurde. L’essai réflexif qui suit le roman propose une étude des enjeux et des effets de la narration au nous dans la nouvelle Une rose pour Emily de William Faulkner. / The novel Le chasseur inconnu’s most defining characteristic is its narration ;  an unnatural we narration. The story takes place in an unknown town where villagers meet every week to discuss their problems and to gossip. As the plot unfolds, the mysterious narrators and their absurd voices become increasingly important and stress the narrative peculiarity of the novel. The essay following Le chasseur inconnu offers a study of we narration in William Faulkner’s short story A Rose for Emily.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2009-2010 / Dans Le ventre de l'Atlantique, la parole foisonne et se fait tour à tour récit, dénonciation, souvenir ou rumeur. Cette observation de départ est à la source de ce mémoire. Selon l'emploi qu'en font les locuteurs du roman, la parole apparaît sous forme de figures diverses que la narratrice donne à voir. Celle-ci met en place un système de tensions entre différentes façons de prendre en charge la parole. Chaque fois, elle s'emploie à valoriser un pôle au détriment d'un autre, construisant au passage sa propre légitimité de locutrice. Au terme du roman, il apparaît que la narratrice, par l'organisation qu'elle fait de la parole, traverse un parcours d'individuation et se construit comme sujet tout en alimentant une réflexion sur les possibilités du dire. La légitimité qu'elle acquiert en tant que locutrice lui permet alors de mettre en place un discours persuasif en faveur de tout ce qui relève du processus d'individuation.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2019-2020 / À la lumière de l’anthropologie historique de Marcel Gauchet, nous examinons dans ce mémoire le rapport de Balzac à la religion à partir de ses trois romans les plus religieux : Le médecin de campagne (1833), Le curé de village (1841) et L’envers de l’histoire contemporaine (1848). Publiés à des moments différents de la carrière de Balzac, ces romans ont en commun d’illustrer l’autonomisation de la sphère humaine vis-à-vis de celle de Dieu en rendant la religion tributaire de la volonté humaine. Coupant court à tout providentialisme, réinterprétant le dogme du péché originel lorsqu’ils ne l’omettent pas tout simplement, ces romans à thèse présentent un monde plus désenchanté qu’il n’y parait de prime abord. Désormais le mal s’explique par une « pathologie » et la vie bonne consiste à panser activement les plaies du monde social. Investissant radicalement l’ici-bas humain, les bienfaiteurs balzaciens, qui ont tout de saints laïcs, semblent s’émanciper de toute métaphysique contraignante. Dans cette comédie du monde qui n’a plus rien de divin, la religion s’impose comme moyen, jamais comme fin. / In light of Marcel Gauchet’s works on disenchantment, we intent in this dissertation to analyze Honoré de Balzac’s views about religion and Christianity, especially in three of his most apologetics novels: Le Médecin de Campagne (The Country Doctor, 1833), Le Curé de Village (The Village Priest, 1841) et L’Envers de l’Histoire Contemporaine (The Seamy Side of History, 1848). Published at different points of Balzac’s career, those novels have in common to illustrate the move toward autonomy of human condition by making religion dependent on human will. Withdrawing Providence, reinterpreting original sin dogma, those thesis novels depict a disenchanted world. From now on, evil can be explained by pathology and religion can be reduced to the treatment of social wounds. Investing all their energy in life here below, Balzac’s characters appear to be freed from any metaphysical ties. In this human comedy that is no longer divine, religion is a mean, never an end.

Le traumatisme de la Déportation a résisté au temps et demeure toujours un important repère identitaire pour l'Acadie moderne. Il est le motif et l'obsession de l'écriture romanesque chez Claude LeBouthillier. Le récit cherche à remplir une fonction testimoniale malgré la distance temporelle qui sépare le trauma de récriture. Il lui faut alors concilier fiction, historiographie et discours transgénérationnel. Pour ce faire, la figure auctoriale adopte trois postures : celle du romancier, de l'historien et du descendant de survivant. Cela dit, l'écriture qui témoigne que l'on a survécu à la tentative d'extermination de sa culture et de son peuple est un acte qui déstabilise l'ordre normal des rapports entre soi et l'Autre. Dans ce cas, écrire devient transgression, violence, voire terrorisme symbolique. Or, l'écriture ne saurait être une victoire satisfaisante. Le récit de survivance tient du paradoxe parce qu'il est non seulement la démonstration d'un certain contrôle sur l'événement traumatique, mais il révèle également i'emprise que l'événement continu d'exercer sur le survivant.

Ce mémoire explore la relation entre la littérature et le deuil. La première partie, « La nuit comme un visage », constitue un récit de deuil à caractère autofictionnel. Il met en scène une femme qui écrit à son amoureux après que celui-ci l’ait quittée en posant un geste suicidaire. Il lui laisse en héritage un petit paquet contenant des oeuvres de Friedrich Nietzsche, d’Henry-David Thoreau, d’Albert Camus, d’Herman Melville et de Lou-Andréas Salomé. À travers ces lectures, la narratrice entreprend une sorte de pèlerinage pour retracer l’origine de l’insaisissable fissure qui lui avait échappé. Un impératif d’écriture s’impose à elle, envahissant l’espace laissé vacant par la perte. Le récit pose la question des raisons qui enjoignent le sujet à mettre en récit son expérience. La problématique qui sous-tend ce projet est celle des interactions entre l’écriture du deuil et sa résolution. Nous nous attarderons à cette question dans la partie critique : « Les paradoxes de l’écriture du deuil dans La plus que vive et Noireclaire ». L’écriture favorise-t-elle la résolution du deuil ou, au contraire, en révèle-t-elle l’impossibilité ? La poétique du deuil de Christian Bobin sera analysée à partir de cette interrogation.

Ce mémoire met à jour le schéma de l'aliénation identitaire dans l'œuvre Celle-là, du dramaturge québécois Daniel Danis. Il cerne, dans un premier temps, les caractéristiques du système familial au centre du texte afin de saisir le fonctionnement de la dynamique communicationnelle qui définit les interactions entre les trois personnages. Cette étude, qui prend appui sur la pragmatique de la communication, permet par la suite d'analyser les répercussions sociales et identitaires qui découlent de cette dynamique conflictuelle particulière et complexe où il y a ponctuation discordante entre les individus. Il démontre finalement de quelle façon l'aliénation sociale des personnages est à la fois la cause et le résultat d'un système qui emprisonne l'identité des individus qui en activent les composantes. De façon globale, il peut témoigner du glissement qui s'opère dans le traitement de la question identitaire au sein de la dramaturgie québécoise des années 1990 en établissant des parallèles entre l'art et la vie, considérant que le théâtre est toujours une représentation, parfois déformante, de la « réalité » du lecteur-spectateur. Son souci est donc d'observer la complexité de l'œuvre et, dans une certaine mesure, questionner la société au sein de laquelle elle a pu prendre forme. La question sociohistorique demeure somme toute partielle puisque l'étude d'une seule œuvre du corpus québécois récent ne peut permettre un point de vue exhaustif sur ce dernier. Cette analyse permet néanmoins de questionner les grandes lignes des tendances actuelles sur le sujet abordé.

Ce mémoire porte sur trois œuvres de l'auteur québécois contemporain Nicolas Dickner : son recueil de nouvelles, L'encyclopédie du petit cercle, ainsi que ses deux romans Nikolski et Tarmac. Nous nous intéressons aux personnages féminins de ces œuvres, puisqu'elles présentent des similitudes propres à l'écriture de leur auteur. Pour le démontrer, nous analysons la manière par laquelle ces protagonistes sont mises en scène et comment elles agissent dans le texte. Ceci nous permet d'identifier les caractéristiques physiques, psychologiques et actionnelles que partagent les trois protagonistes féminines de Dickner et qui en font des personnages typiques de ses œuvres. Puis, nous cherchons à établir ce qui rend chaque protagoniste originale et unique en observant l'influence réciproque de celles-ci et de l'organisation textuelle des œuvres à l'étude. Nous pouvons ainsi proposer de nouvelles pistes interprétatives et poser un regard nouveau sur l'écriture de Dickner.

"En s’intéressant à la représentation du XIXe siècle véhiculée à travers Châteaux de la colère d’Alessandro Baricco, cette étude vise à mettre en lumière le rapport de la société du texte à l’innovation pour montrer comment l'activité de la révolution industrielle engendre des tiraillements sociaux. Plus particulièrement, il sera question d’analyser la quête de M. Reihl, de Pekisch et d’Hector Horeau, trois protagonistes de l’oeuvre qui désirent innover. À nos yeux, ce sont leurs quêtes, auxquelles nous attribuons une portée symbolique et signifiante, qui révèlent de manière plus distincte les bouleversements de la société romanesque. L’étude de ces personnages et de certaines scènes du roman nous permettra ensuite de poser des constats plus larges grâce auxquels nous pourrons saisir dans quelle mesure cette représentation sociale propose une lecture critique du XIXe siècle en Occident."