Avec le développement des appareils photos numériques et des sites de partage de photos, nous passons une part croissante de notre temps à observer, sélectionner et partager des images, parmi lesquelles figurent un grand nombre de photos de visage. Dans cette thèse, nous nous proposons de créer un premier système entièrement automatique renvoyant une estimation de la pertinence d'une photo de visage pour son utilisation dans la création d'un album de photos, la sélection de photos pour un réseau social ou professionnel, etc. Pour cela, nous créons plusieurs modèles d'estimation de la pertinence d'une photo de visage en fonction de son utilisation. Dans un premier temps, nous adaptons les modèles d'estimation de la qualité esthétique d'une photo au cas particulier des photos de visage. Nous montrons que le fait de calculer 15 caractéristiques décrivant différents aspects de l'image (texture, illumination, couleurs) dans des régions spécifiques de l'image (le visage, les yeux, la bouche) améliore significativement la précision des estimations par rapport aux modèles de l'état de l'art. La précision de ce modèle est renforcée par la sélection de caractéristiques adaptées à notre problème, ainsi que par la fusion des prédictions de 4 algorithmes d'apprentissage. Dans un second temps, nous proposons d'enrichir l'évaluation automatique d'une photo de visage en définissant des modèles d'estimation associés à des critères tels que le degré de sympathie ou de compétence dégagé par une photo de visage. Ces modèles reposent sur l'utilisation d'attributs de haut niveau (présence de sourire, ouverture des yeux, expressions faciales), qui se montrent plus efficaces que les caractéristiques de bas niveau utilisées dans l'état de l'art (filtres de Gabor, position des points de repère du visage). Enfin, nous fusionnons ces modèles afin de sélectionner automatiquement des photos de bonne qualité esthétique et appropriées à une utilisation donnée : photos inspirant de la sympathie à partager en famille, photos dégageant une impression de compétence sur un réseau professionnel. / Picture selection is a time-consuming task for humans and a real challenge for machines, which have to retrieve complex and subjective information from image pixels. An automated system that infers human feelings from digital portraits would be of great help for profile picture selection, photo album creation or photo editing. In this work, several models of facial pictures evaluation are defined. The first one predicts the overall aesthetic quality of a facial image by computing 15 features that encode low-level statistics in different image regions (face, eyes and mouth). Relevant features are automatically selected by a feature ranking technique, and the outputs of 4 learning algorithms are fused in order to make a robust and accurate prediction of the image quality. Results are compared with recent works and the proposed algorithm obtains the best performance. The same pipeline is then considered to evaluate the likability and competence induced by a facial picture, with the difference that the estimation is based on high-level attributes such as gender, age and smile. Performance of these attributes is compared with previous techniques that mostly rely on facial keypoints positions, and it is shown that it is possible to obtain predictions that are close to human perception. Finally, a combination of both models that selects a likable facial image of good aesthetic quality for a given person is described.

Cette recherche doctorale se propose de discuter des modalités de construction et d’observation des modes de consommation culturelle pluriels à partir du cas de la bande dessinée. La revue de littérature de cette thèse met en évidence l’importance de rendre compte à la fois de la dimension multi-située(synchronique) et temporelle (diachronique) des pratiques culturelles observées. La perspective dispositionnaliste et contextualiste développée par Bernard Lahire (2005, 2013) semble répondre à cette exigence. En effet, les pratiques culturelles observées n’y sont jamais déconnectées des cadres qui participent à leur construction ni de ceux qui permettent leur observation en contextes. Pour rendre compte de cette double dimension des pratiques culturelles, ce travail s’appuie sur la réalisation de six portraits sociologiques (Lahire, 2005). Ces derniers permettent non seulement d’identifier la variété des cadres à l’origine de la construction des modes de consommation observés, mais également de rendre compte de la variété de leurs effets à l’échelle individuelle : les dispositions / This doctoral research aims to discuss the construction and observation of plural cultural consumption patterns based on the case of comics. The literature review seems to highlight the importance of reporting both the present (synchronic) and temporal (diachronic) dimensions of the cultural practices observed. Lahire's (2005, 2013) dispositionalist and contextualist perspective seems to be a response to this requirement. Indeed, the cultural practices observed are never disconnected from the frameworks that participate in their construction or from those that allow them to be observed in contexts. To reflect this dual dimension of cultural practices, this work is based on the production of six sociological portraits (Lahire, 2005). They allow not only to identify the variety of frameworks behind the construction of observed consumption patterns, but also to describe the variety of their effects at the individual level: the dispositions

Václav Švadlena, thesis consists of two parts, the theoretical and the practical one. The theoretical part deals with the portrait its history, forms of portraiture and the gradual transition from painting to photography. The theoretical work contains chapters devoted to the authors: Francisco Goya and Alberto Giacometti. The practical part contains a set of sketches in the form of artist´s books exploring family genetic markers. I tis supplemented by the cycle of portraits the tetraptych of large-scale drawings. The aim is to inform about the phenomenon of a portrait, to create the artist´s books of sketches and a set of large drawings family portraits.

Orientador: Lygia Arcuri Eluf / Acompanha desenhos estruturados em séries: Série 1. cerca de 120 desenhos sem titulo em formato A5, reproduzidos sobre papel canson com caneta hidrografica com 31,4 x 21,5cm e 21,5 x 31,4cm - Série 2. 'rolos' seis faixas de desenho realizado com caneta nanquim sobre sulfite sendo quatro deles destacados: Rolo Mora com 31,5 x 517,5 cm; Rolo 3 graças medindo 30,2 x 534cm; Rolo Theda com 31,5 x 700cm; Rolo japones em nanquim sobre papel japones com 20,32 x 609,6cm - Série 3. 'deslivros' cinco livros, um em tamanho original e outro reduzido, duas versões para o fac-simile reproduzido em tamanho original cujos dados são: caneta nanquim sobre papel chines (livro aberto 74,7 x 69cm, livro fechado 25 x 35cm); original reproduzido em tamanho reduzido: caneta nanquim sobre papel japones (livro aberto 95,4 x 63,6cm, livro fechado 19,2 x 26cm) - Série 4. 'sedas' cerca de 300 desenhos sendo reproduzidos 54 deles sobre papel de seda com caneta nanquim com 50,5 x 70,3cm ou 70,3 x 50,5cm, nas ultima imagens são utilizados recortes, além da caneta - Série 5. 'rolo sombra' com tinta sumie sobre papel chines com 69,5 x 1000cm cujos recortes se encontram na caixa; japs, desenhos derivados dos deslivros realizados com caneta nanquim sobre papel japones com 95,4 x 63,6cm; japsombra realizados com tinta sumie e caneta nanquim sobre papel japones com 63,6 x 95,4 ou 95,4 x 63,6cm; fotos, colagem e imagem em oleo sobre tela medindo 100 x 82 / Dissertação (Mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-09T19:51:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Santos_DanielaMaurados_M.pdf: 20763221 bytes, checksum: 36bb95ca1af41245fc5e43151a444585 (MD5) Previous issue date: 2006 / Resumo: O trabalho apresenta uma investigação da linguagem do desenho fundamentada em dois de seus elementos basicos: a linha e a forma. A figura humana e suas relações são o tema e são os elementos que estruturam a representação do espaço. O volume foi estruturado por séries de imagens que compõem narrativas visuais que evidenciam o processo, a pesquisa e o pensamento. Minha intenção é criar através das imagens e do texto possibilidades de aproximação de um pensamento visual / Abstract: In this work I present an investigation of the language of drawing from the perspective of two structural elements: line and form. The construction of the space through the relations between different human figures is the driving force. It is organized as a serie of images which produces visual narratives and put on evidence the process, the research and the visual thinking. My intention is to create means of approximation to the visual thinking throug the drawings and the text / Mestrado / Mestre em Artes

Cette thèse s’attache à étudier les représentations de la vie intime, réalisées dans des techniques et sur des supports variés (peinture, dessin, gravure), entre 1780 et 1815. À cette période, l’intimité connaît une évolution sémantique et une utilisation plus développée : d’une acception limitée à la définition des liens entre deux individus, progressivement sa signification prend une tournure secrète, et s’étend à tout ce que nous ne dévoilons qu’à un cercle réduit d’individus – qu’il s’agisse du for intérieur, des sentiments affectifs ou encore de la sexualité. Ces changements sémantiques sont accompagnés d’une évolution des pratiques domestiques, culturelles et littéraires qui corroborent l’idée d’une période décisive dans l’histoire de l’intimité. Ce travail analyse ainsi les différentes manières de figurer l’intimité, et interroge en outre la destination et la réception des œuvres, afin de comprendre ce que nous révèle la démonstration de l’intimité sur les mœurs de la société française au tournant du XIXe siècle. L’examen de différents modes de diffusion et d’exposition des images, ainsi que le dépouillement des témoignages écrits offerts par la critique permettent de cerner les goûts du public et d’avoir une idée sur la place qui était accordée à ces images, dans les expositions publiques et dans les collections privées. / This thesis examines the representations of private life, made with diverse technics and mediums (painting, drawing, engraving), between 1780 and 1815. At this time, intimacy shows an evolution in its semantic and its usage : from a limited meaning to the definition of the relationship between two individuals, gradually its signification approaches the notion of secrecy, and extends to everything we reveal only to small cercles of persons, to our heart of hearts, our emotional feelings, or sexuality. These semantic shifts come along a domestic, cultural and literary evolution, which support the idea of a decisive time period in the history of privacy. Therefore this work analyses the different ways of representing intimacy and questions whom those works of art were destined to and how they were received, in order to understand the habits and customs of the french society at the turning point of the 19th century. The study of the various methods of exhibiting the pictures as well as the analyse of the writing accounts of the art critics help to more fully understand the taste of the audience and the place the pictures had in the public expositions and in the private collections.

Cette thèse est le fruit d’une étude comparative de la peinture et de la poésie des XVIe et XVIIe siècles. Dans ce document, la poésie et la peinture se répondent, s’entrecroisent, s’éclairent à tour de rôle, grâce à une analyse comparée des similitudes et différences qu’elles expriment sur le même thème, qui est le portrait satirique baroque. Notre étude est ancrée dans une approche esthétique de l’univers visuel baroque, et met l’accent sur la réception des œuvres d’art par le spectateur. Quant à la poésie, nous nous éloignerons du modèle classique de la satire, pour pénétrer la littérature satirique, riche d’une langue imagée, et bien souvent obscène. Notre thèse est composée de cinq chapitres. Nous donnerons tout d’abord une définition du portrait en poésie et en peinture. Dans un deuxième temps, nous montrerons qu’en représentant un individu, l’artiste dévoile également son âme, et que, dans cette époque tourmentée, l’âme apparaît à travers laideur et difformité dans les portraits sociaux et misogynes. Le troisième chapitre sera consacré à la notion d’esthétique paradoxale, qui montre l’homme et l’univers de façon renversée, comme un écho au monde bouleversé du tournant de XVIème siècle, avec les conséquences que cela implique sur le récepteur de l’œuvre d’art. Nous analyserons ensuite plus particulièrement la poésie misogyne de Sigogne, avant de conclure notre travail sur l’étude du monde fantastique et surnaturel qui s’empare de sa poésie, et de la poésie baroque de manière générale. / This thesis results of a comparative study of painting and poetry of the XVIth and XVIIth centuries. In this document, painting and poetry throw light on each other, thanks to an analysis of discrepancies and similarities about a same theme, which is the baroque satirical portrait. Our study sets out an aesthetical approach of the baroque visual universe, while it puts an emphasis on the reception of the work of art. The poetry we are about to analyse is straying from classical satire as it is to be found in satirical writing, which uses a colourful and often obsene language. Our thesis is divided into five chapters. First, we will give a definition of the portrait in painting and poetry. We will then show that depicting a human being also means revealing his soul, and that, in these tormented times, the souls appear through ugliness and deformity in social and misogynist portraits. The third chapter will be dedicated to the notion of paradoxical aesthetic, that is to say showing the man and the universe in a reversed way- like an echo to the shattered world at the turn on the XVIth century- with the consequences it implies on the reader. We will then analyse more deeply the misogynist poetry of Sigogne, before ending with the study of the fantasy world of his poetry and of the baroque poetry in general.

Dans leurs préfaces et essais critiques, les romanciers de la seconde génération romantique expriment le désir de « créer des types ». C’est en effet selon eux le propre d’un chef-d’œuvre que de faire entrer dans le patrimoine littéraire commun de nouveaux types, comme Cervantès avec don Quichotte ou Molière avec Tartuffe. Notre thèse étudie la signification de ce terme apparu sous la monarchie de Juillet et les procédés stylistiques de caractérisation des personnages employés par les romanciers pour constituer des types. Notre corpus comprend les romans de Stendhal, Alfred de Vigny, Victor Hugo, George Sand, Honoré de Balzac, Alexandre Dumas, Eugène Sue et Théophile Gautier. Parce que le terme de type apparaît au même moment dans le vocabulaire de la caricature et de l’illustration, notre travail a également pour but de souligner les liens entre les procédés littéraires de typification et les dessins de types dans la presse satirique et la littérature panoramique. L’enjeu de notre thèse est de distinguer l’acception romantique du type d’une compréhension exclusivement sociologique tout en montrant les liens étroits entre types romanesques et types sociologiques. / During the July Monarchy, French romantic writers used critical essays to express their desire to create new typical characters, or « types ». According to them, the ability of a novel to create new « types » is a sign of literary value. This work studies the esthetical meaning of the word « type » and the way novels written by Stendhal, Vigny, Hugo, Sand, Musset, Balzac, Dumas, Eugène Sue and Théophile Gautier make a character into a « type ». This term appears in satirical newspapers and « Physiologies » at the same time and this dissertation aims at explaining the links between visual « types » in caricature and litterary « types » in novels. This work also tries to underline the differences and similarities between romantic and sociological « types ».

Ce travail explore la présence de l’Antiquité dans l’œuvre d’André Suarès et interroge le sens d’une création littéraire profondément marquée par l’héritage gréco-romain. Dans le domaine poétique et théâtral sont traités les grandes figures de l’histoire, mais plus encore les mythes grecs. Suarès les aborde avec boulimie dans le premier élan de sa carrière, mais connaît vite l’impasse d’une suractivité littéraire ennemie de la création. Avec la maturité viennent la maîtrise de l’inspiration antique et l’invention de formes plus ouvertes à la modernité. La culture classique de Suarès s’épanouit tout autant dans les textes critiques. Dans ses portraits, Suarès célèbre de grandes figures du passé ; dans ses chroniques et ses essais, dans ses livres de pensées fragmentaires, il interroge son identité à travers des doubles mythologiques, médite sur l’amour et la femme, sur les rapports complexes entre Antiquité et Modernité ; dans ses textes de combat, il exprime son antigermanisme à travers les concepts de latinité et de romanité. Omniprésente, multiforme, incontournable, la culture classique inspire et alimente donc toute l’œuvre de l’auteur. Animé du désir d’être l’universel génie de la Modernité, Suarès cherche dans la conciliation des héritages antique et chrétien la recette du classique créateur. L’imitation des Anciens ne crée que des œuvres mortes : seule confère la vie l’appropriation personnelle et originale d’un héritage que le génie chrétien a fécondé.À défaut d’avoir vraiment réussi à incarner la grandeur poétique et dramatique à laquelle il rêvait pour lui-même, Suarès s’illustre dans l’inlassable commentaire de la création universelle. / This thesis explores the presence of Antiquity in the work of André Suarès and questions the meaning of a literary creation which was profoundly marked by the Graeco-Roman legacy. Suarès’s poetry and drama were dominated by the great figures of history and by Greek myths. In the first part of his career, he took them up compulsively, but he soon faced the deadlock of literary superactivity which is an enemy of literary creation. With maturity, he came to master antique inspiration and to invent forms which were more open to modernity. Suarès’s classical culture also bloomed in his critical texts. In his portraits, Suarès celebrated the great figures of the past ; in his chronicles and essays, and in his books of fragmentary thoughts, he questioned his identity through mythological doubles, meditated on love and woman, and on the complex relationships between Antiquity and Modernity ; in his combat texts, he expressed his antigermanism through the concepts of Latinity and Romanity. Classical culture is omnipresent, many-sided and it can’t be ignored. It did inspire and feed the whole work of the author. Driven on by the desire to be the universal genius of Modernity, Suarès sought the formula of the classical creator in the conciliation of the Ancient and Christian heritage. He understood that imitating the Ancients only led to the creation of dead works : life would only spring thanks to the personal and original appropriation of a heritage enriched by the Christian genius. Though he did not really manage to embody the poetical and drama greatness he dreamt of for himself, Suarès has won fame in his tireless commentary of universal creation.

Diploma work contains procesual autoportrait created in the form of videodocument with expressive selfreferential strategies. Du Du is pouring itself a tea.

Quinze femmes artistes seront admises à l’Académie royale de peinture et de sculpture entre 1663 et 1793. Depuis laRenaissance, en Europe et en France, un petit nombre de femmes bénéficie d’une certaine renommée aussi biennationale qu’internationale, dans les arts, la littérature et les sciences, ouvrant ainsi la voie à de nouveaux talents. Cesfemmes sont notamment encouragées par les thèses philosophiques de François Poulain de la Barre (1647-1723) quivont leur permettre d’occuper une place de plus en plus privilégiée au sein d’une société qui se cristallise autour dessalons. Ce sont de petites réunions où savantes et artistes invitent chez elles hommes et femmes pour discuter delittérature, de philosophie, d’art mais aussi de politique. Ces lieux très courus connaissent un grand succès à la fin duXVIIe siècle et tout au long du XVIIIe siècle. La réception des premières femmes à l’Académie se fait dans ce climattout à fait favorable aux femmes tant sur le plan social et culturel, que politique.Mais cette admission n’en reste pas moins précaire. Effectivement après l’entrée de Catherine Perrot, le 31 janvier 1682,il faudra attendre près de quarante ans, soit le 26 octobre 1720, pour que soit à nouveau admise une peintre : RosalbaCarriera. Certes, elles ouvrent les portes de cette institution, mais elles ne restent pas moins exclues de nombreusesactivités et de plusieurs privilèges. Elles n’ont pas le droit d’assister aux cours d’après le modèle vivant – lequel pose nu– leçons pourtant fondamentales dans l’enseignement promu par l’Académie, ni de concourir aux grands prix, pourtantau coeur du système d’émulation, en fait les académiciennes n’auront jamais accès aux postes à responsabilité. Pourtantelles ont contribué à réinventer le paysage artistique français et plus particulièrement le genre du portrait. Prônant lenaturel, elles contribuèrent à renouveler le vestiaire féminin avec des tenues plus légères et vaporeuses. Mal perçues parla critique, ces nouvelles chemises appelées gaules, participèrent à la simplification des portraits officiels. En mêmetemps, la féminisation des portraitistes de cour offre de plus grandes possibilités aux femmes peintres. Poussant leslimites toujours plus loin, elles réussirent par le biais des portraits historiés à investir la peinture d’histoire, genre réservéaux peintres les plus aboutis et qui maîtrisent bien l’anatomie.Leurs contemporains à travers leurs écrits ou leurs oeuvres artistiques proposèrent une image idéalisée, truquée parfoistrompée de ces académiciennes. Femmes de talent, femmes ambitieuses, les académiciennes réussirent malgré tout àimposer une nouvelle vision de la femme peintre. / Fifteen women artists will be admitted to the Royal Academy of Painting and Sculpture between 1663 and 1793. Sincethe Renaissance, Europe and France, a small number of women enjoys a certain reputation both nationally andinternationally, in arts, literature and science, thus opening the way for new talent. These women are particularlyencouraged by the philosophical theses of Francois Poulain de la Barre (1647-1723) which will enable them to occupy amore privileged in a society that crystallizes around lounges. They are small and scholarly meetings where artists invitehome men and women to discuss literature, philosophy, art but also politics. These very popular places with greatsuccess in the late seventeenth century and throughout the eighteenth century. The reception of the first women to theAcademy is in this climate quite favorable to women both socially and culturally, and politically.But this admission only remains precarious. Indeed after the entry of Catherine Perrot, January 31, 1682, it will takealmost forty years, October 26, 1720, that is again admitted a painter Rosalba Carriera. Certainly, they open the doors ofthis institution, but they are nonetheless excluded from many activities and many privileges. They do not have the rightto attend classes of the living model - which poses naked - yet fundamental lessons in teaching promoted by theAcademy, nor to compete with great prices, yet in the heart of the system emulation in fact the academicians will neverhave access to positions of responsibility. Yet they have helped to reinvent the French artistic landscape and especiallythe portrait genre. Advocating natural, they helped to renew the female locker room with more light and gauzy outfits.Badly perceived by critics, these new shirts called saplings, took part in the simplification of official portraits. At thesame time, the feminization of court portraitists offer greater opportunities to women painters. Pushing the limits stillfurther, they succeeded through portraits to invest storied history painting, genre reserved for the most accomplishedpainters and good command of anatomy.Their contemporaries through their writings or artistic works proposed an idealized image, faked sometimes deceivedthese academicians. talented women, ambitious women, academicians still managed to impose a new vision of thewoman painter.