La presente investigación busca analizar cómo a través de la dirección de arte se representa la religiosidad de la sociedad limeña en el cine peruano de autor de la última década, específicamente la devoción al Señor de los Milagros. Esta área del cine, según autores como Augusto Tamayo e Inés Olmedo, es la encargada de lo físico dentro de una película, lo cual incluye distintos elementos como la escenografía, utilería, vestuario, maquillaje y color. Por medio de estos, se hace evidente dicha devoción, siendo la procesión y sus elementos la mayor muestra del fervor de sus fieles. Para realizar el análisis, se seleccionaron dos películas pertenecientes al cine peruano de autor, las cuales son “El evangelio de la carne” (2013) de Eduardo Mendoza y “Rosa Chumbe” (2017) de Jonatan Relayze. Ambas representan a la procesión del Señor de los Milagros, desde la visión de sus directores, como un elemento importante durante toda la historia de cada película. Este estudio se lleva a cabo por medio de una metodología cualitativa, a través del análisis de contenido y las entrevistas a profundidad a los directores de arte de ambas películas, Cecilia Herrera y Aaron Rojas, buscando valorizar la multiplicidad de puntos de vista representados en esta área del cine. Esta tesis permite evidenciar que la dirección de arte contribuye significativamente al objetivo general de una película, fortificando historias y visiones, desde lo físico. Asimismo, demuestra el trabajo meticuloso que hay detrás de ella y la necesidad de seguir ampliando los conocimientos sobre esta. / This research seeks to analyze how, through art direction, the religiosity of Lima society is represented in the Peruvian auteur cinema of the last decade, specifically the devotion to the Lord of Miracles. This area of cinema, according to authors such as Augusto Tamayo and Inés Olmedo, is in charge of the physical within a film, which includes different elements such as scenography, props, costumes, makeup, and color. Through these, this devotion becomes evident, being the procession and its elements the greatest sample of the fervor of its faithful. To carry out the analysis, two films belonging to Peruvian auteur cinema were selected, which are "El evangelio de la carne" (2013) by Eduardo Mendoza and "Rosa Chumbe" (2017) by Jonatan Relayze. Both represent the procession of the Lord of Miracles, from the vision of their directors, as an important element throughout the history of each film. This study is carried out through a qualitative methodology, through content analysis and in-depth interviews with the art directors of both films, Cecilia Herrera and Aaron Rojas, seeking to value the multiplicity of points of view represented in this film. cinema area. This thesis makes it possible to show that art direction contributes significantly to the general objective of a film, strengthening stories and visions, from the physical. Likewise, it demonstrates the meticulous work behind it and the need to continue expanding knowledge about it.

Diversos países del sector latinoamericano poseen un largo historial de violencia, problemáticas sociales y corrupción; he ahí que el cine ha recurrido a numerosas historias para evidenciar los constantes conflictos que cada sector ha atravesado. Ante esto, la música no ha sido ajena a participar conjuntamente con la imagen para representar diversos ambientes violentos gracias a la relación de imagen y sonido. No obstante, los estudios que evalúan la relevancia musical y su relación con los escenarios violentos son prácticamente inexistentes, pues se suele juzgar su correspondencia a través de las letras, pero no a través de su valor instrumental. Por tanto, esta investigación pretende evaluar las historias de violencia de tres filmes latinoamericanos de comienzos del siglo XXI: Ciudad de Dios, El Secreto de sus Ojos y La Teta Asustada; con el fin de identificar los elementos sonoros que expresen la violencia en la música de estas cintas. Por esta razón, se realiza un análisis de la música cinematográfica y su fusión con la imagen, aunado a la evaluación del contexto histórico, del guion y el proceso creativo de los compositores y directores. Para ello, se recurre a reconocidos investigadores del campo de la música cinematográfica como Michael Chion, Conrado Xalabarder, Philip Ball, entre otros.

Esta tesis analiza la representación del empoderamiento de los personajes femeninos en Bollywood, a través de tres películas: The Dirty Picture (2011), Queen (2014) y Pink (2016). El marco teórico recoge conceptos sobre la mujer como género, la India, las mujeres de la India, la cinematografía hindi y sus personajes femeninos, y la realización audiovisual. Metodológicamente, se trabaja con análisis de contenido a las películas y a los personajes femeninos escogidos, análisis crítico del discurso y entrevistas a profundidad. Lo cual nos permite concluir lo siguiente, en estas películas se encuentran aspectos en los personajes femeninos que antes no eran mencionados y que rompen con la narrativa clásica de Bollywood: el uso del capital erótico, géneros audiovisuales que van más allá del romance y el enfrentamiento contra el sistema patriarcal que todavía existe en su sociedad. La estética visual de los personajes femeninos tiene una proyección más occidental, moderna o posmoderna, tanto en el vestuario, maquillaje, así como en los espacios y la atmósfera que se representa. Silk, Rani y Minal comparten los arquetipos clásicos de la heroína y la vampiresa de Bollywood, separados y opuestos inicialmente, para representar y crear una nueva Heroína, empoderada y activa, que lucha por sus propios objetivos. / This thesis analyzes the representation of female characters’ empowerment in Bollywood in three films: The Dirty Picture (2011), Queen (2014) and Pink (2016). The theoretical framework includes concepts regarding women such as genre, India, women in India, Hindi cinema and its female characters as well as audiovisual production. The methodology used for the selected films and female characters is content analysis, critical discourse analysis and in-depth interviews which leads to the following conclusion: in these films there are aspects of female characters that are completely new and that break the classic Bollywood narrative: the use of erotic capital, audiovisual genres that go beyond romance, and confrontation against the patriarchal system that still exists in their society. The visual aesthetics of the female characters has a more occidental, modern or postmodern portrayal, not only about costume design or makeup but also in the places and the atmosphere that are represented. Silk, Rani and Minal share the classic archetypes of Bollywood’s heroine and vamp, separated and opposed initially, to represent and create a new heroine, empowered and active, who fights for her own objectives.

Si con menos de doscientos años el séptimo arte es todavía uno de las más jóvenes representantes de las beaux-arts, podría decirse que su reflejo en el Perú todavía va consolidándose. En las últimas décadas, la industria del cine peruano ha florecido bajo distintos géneros y coyunturas, y de una forma u otra, el personaje del periodista siempre ha estado presente. El periodista encarna un rol esencial en la sociedad, acaso junto a otros trabajos modélicos incondicionales como los profesores, policías, doctores, enfermeras o bomberos, el periodista siempre está allí. Valiéndonos del comentario de Francesco Casetti al explicar el trabajo de Pierre Sorlin, quien contempla al cine como retratista de aquello que la sociedad considera representable, es decir, el cine como espejo de lo que la sociedad misma concibe como tal (Casetti 1994:150-151), este trabajo buscará indagar en la representación de los personajes periodistas de tres géneros periodísticos distintos en tres películas peruanas.

En el 2016, en la ciudad de Chimbote, se crea el Cineclub Cinequanom como espacio alternativo de exhibición para las producciones independientes y peruanas que apenas tienen cabida dentro de la cartelera comercial y para los nuevos cineastas regionales que tienen escasas oportunidades de presentar sus producciones en espacios de óptimas condiciones. Hasta que en el 2020, por la pandemia de la Covid-19, cierra sus puertas al público. El objetivo de este proyecto es desarrollar una estrategia de adaptación digital que permita a Cinequanom continuar con el fomento de producciones cinematográficas nacionales, regionales y locales; además, generar un espacio de diálogo para convertir al espectador en un sujeto más activo y democratizar el acceso cinematográfico. Se plantea como ventajas comparativas del proyecto: la promoción del cine regional, una metodología para llevar cine a diferentes partes del país y alianzas estratégicas para hacer sostenible la iniciativa. Para ello, en primer lugar, se desarrolló un proceso de diagnóstico que tuvo como objetivos explorar los conocimientos y actitudes del equipo de Cinequanom, los procesos de cineclubes nacionales, el potencial tecnológico disponible, así como el perfil y las nuevas formas de consumos de los espectadores-participantes. Luego, con la información y conocimientos organizados se plantea las siguientes estrategias: diseñar la metodología para la propuesta digital, fortalecer la comunidad digital de Cinequanom, generar contenido vinculado a las producciones cinematográficas y elaborar métodos de recaudación de fondos económicos. Se desarrolló también un plan presupuestal, una prueba piloto y el diseño de un plan de monitoreo y retroalimentación para garantizar la sostenibilidad del proyecto. / In 2016, in the city of Chimbote, the Cineclub Cinequanom is created as an alternative exhibition venue for independent peruvian productions that have hardly any place within the commercial billboard and for new regional filmmakers who had few opportunities to present their productions in venues with optimal conditions. In 2020, due to the Covid-19 pandemic, it closed its doors to the public. The purpose of this project is to develop a digital adaptation strategy that will allow Cinequanom to continue promoting national, regional and local film productions; furthermore, to generate a platform for dialogue to transform the viewer into a more active agent and democratize access to films. The comparative advantages of the project are the promotion of regional cinema; a methodology to take cinema to different parts of the country and the creation of strategic alliances to make the initiative sustainable. First, a diagnostic process was developed to explore the knowledge and attributes of the Cinequanom team, the procedures of national film clubs, the available technological potential available, as well as the profile and new forms of consumption of the viewer-participants. Then, after the information and knowledge was analyzed, the following strategies were proposed: the methodology design for the digital proposal, the strengthening of the Cinequanom's digital community, the generation of content linked to the film productions and the development of fundraising methods. A budget plan, a pilot test and the design of a monitoring and feedback plan were also elaborated to guarantee the continuity of the project.

La presente investigación da voz a seis mujeres audiovisuales inmersas en la industria cinematográfica peruana, contando qué implica ser una mujer audiovisual; sus experiencias, procesos, retos, expectativas y lo complicado que es trabajar en el cine siendo mujer en el Perú. Para ello, se realiza esta investigación de carácter empírica y alcance descriptivo con una metodología de orden cualitativo que recoge información académica relevante sobre el tema para, posteriormente, a través de entrevistas a profundidad, lograr identificar las condiciones que enfrentan y las alternativas que toman las mujeres audiovisuales en su trabajo. Como resultado, las entrevistadas señalan diversas experiencias en torno al machismo, falta de oportunidades, acoso y discriminación a las que fueron expuestas directa e indirectamente. Además, muestran alternativas y respuestas de carácter emocional, cognitivo y comportamental; como la fortaleza, el enfrentamiento y el apoyo entre colegas. De esta forma, es como se comprueba la hipótesis de que el camino de la mujer en la industria es complicado, debido a que está condicionado por el contexto histórico y social en el que viven. Es por estas razones que la mujer enfrenta diversos retos y busca soluciones para poder desarrollarse profesionalmente como cualquier hombre en la industria. / This research gives voice to six audiovisual women immersed in the Peruvian film industry, telling what it means to be an audiovisual woman; their experiences, their process, their challenges, expectations and how complicated it is to work in film as a woman in Peru. For this purpose, this empirical and descriptive research was carried out with a qualitative methodology that gathers relevant academic information on the subject and then, through indepth interviews, identify the conditions and alternatives for audiovisual women in their work. As a result, interviewees point to several experiences of sexism, lack of opportunity, harassment, and discrimination to which they were exposed directly and indirectly. In addition, they show alternatives and responses of an emotional, cognitive, and behavioral nature, such as strength, confrontation, and support between colleagues. In this way, the hypothesis that the path of women in the industry is complicated, since it is conditioned by the historical and social context in which they live, is proven. It is for these reasons that women face various challenges and seek solutions to be able to develop professionally as any man in the industry.

La presente disertación analiza cómo el pliegue, forma operatoria de la función barroca, se manifiesta en diversas manifestaciones de la narrativa latinoamericana comprendida entre el siglo XX y el XXI. Las obras escogidas incluyen cuentos, novelas y filmes. El pliegue como rasgo fundamental de las narrativas analizadas al interior del presente trabajo, es el resultado de una apropiación metafísica del universo que ve el mundo como una continuidad que se pliega y despliega de acuerdo con las fuerzas monádicas a los extremos de la alegoría. Esta función barroca se manifiesta a través del narrador quien se ubica en el punto de inflexión de la narración; de esta manera permite abarcar instancias, que incluyen lo físico y lo metafísico, que estructuran las obras. De esta manera, la narración deviene en multiplicidad y el lector u observador es testigo de la continuidad del universo representado, su dinamismo y fluidez. El primer capítulo de esta disertación hace un seguimiento al término barroco y neobarroco en Latinoamérica a partir de José Lezama Lima, Severo Sarduy y Alejo Carpentier. Además, se discute sobre la dicotomía Psomodernidad-neobarroco a partir de Omar Calabrese. La parte final del capítulo se enfoca en la explicación del pliegue como manifestación de la función barroca. Para ello se utilizan los conceptos del filósofo francés Guilles Deleuze quien reelabora el concepto de pliegue a partir de la monadología de Leibniz. El segundo capítulo aplica lo discutido a cuatro cuentos del Argentino Jorge Luis Borges. Estos son: "El Aleph", "El inmortal", "Las ruinas circulares" y "El jardín de senderos que se bifurcan" de los libros El Aleph y Ficciones, respectivamente. El tercer capítulo se centra en la Nueva Novela Histórica Latinoamericana. Se estudian los conceptos de Seymour Menton, María Cristina Pons y Noé Jitrik. Además, se analizan las novelas Maluco,la novela de los descrbridores de Napoleón Baccino Ponce de León, Noticias del imperio de Fernando del Paso y el Naranjo de Carlos Fuentes. El cuarto capítulo estudia las películas Quanto vale ou é por quilo? de Sergio Bianchi, Cenizas del paraíso de Marcelo Pyñeiro y La vendedora de rosas de Víctor Gaviria.

Informe de Seminario para optar al grado de Licenciado en Lengua y Literatura Hispánica

Arquitecto / Valdivia cuenta con un gran potencial para ser denominada ‘Ciudad del Cine’, ya que en ella están puestos los intereses de una gran cantidad de personas pertenecientes a la industria audiovisual. Para que Valdivia sea ‘Ciudad del Cine’, primero que todo se necesita que sus propios habitantes lo valoren y se sientan identificados con el. Se requiere un espacio pensado para el cine que sirva para dar a conocer el potencial de la zona en este ámbito. Se propone entonces la formación de un ‘Clúster’ este concepto surge en la década de los noventa y se refiere a un sistema al que pertenecen diferentes empresas, organizaciones y entidades ubicadas dentro de una zona geográfica limitada y que buscan una meta en común, invitando a la integración y cooperación, lo que con ayuda de una administración, puede mejorar la competitividad de las partes que lo conforman. Para que un Clúster sea exitoso, lo primero es situar las instituciones que lo componen en un buen lugar y que la actividad a desarrollar tenga potencial y futuro en la zona escogida. Este tipo de agrupaciones puede formarse para valorizar cualquier tipo de actividad, existiendo clusters mineros, pesqueros, empresariales o audiovisuales y cinematográficos, todos buscando potenciar su quehacer en una zona específica. Se presenta entonces como una infraestructura hito en la ciudad de Valdivia y su región, siendo un polo de atracción cultural en el sur de Chile, y reuniendo las principales entidades que busquen promover y desarrollar una tradición audiovisual en la zona. El ‘Clúster Audiovisual de los Ríos’ servirá como sede principal del Festival Internacional de Cine de Valdivia, el más importante del país, y también de diversos eventos audiovisuales a lo largo del año, teniendo una parrilla de actividades permanentes y diversas. Esto se complementará con un programa estable que asegure su funcionamiento el resto del año, ofreciendo servicios para cineastas y profesionales relacionados a la industria, como el arriendo de oficinas o el préstamo de servicios, y atractivos para cinéfilos, turistas e interesados en aprender sobre cine.

Magíster en teoría e historia del arte / Tesis no autorizada para ser publicada a texto completo / La particularidad de esta tesis es propiciar una investigación que no se centre particularmente en lo formal, ni en descifrar el discurso teórico. Sino más bien, se enfoca en la interpretación de estos en su conjunto, con el objetivo de trascender el mecanismo para interrogarse sobre el sentido de la obra. Es por esto que la hipótesis derivada corresponde a la siguiente pregunta: ¿La representación realista de la cinematografía de Cristián Sánchez nos sirve como estrategia para introducirnos, rastrear, organizar y develar las realidades que coexisten en el campo de lo real de la representación?