À partir du geste de Jodelle, qui fait de sa Cléopâtre une furieuse en 1553, la tragédie des XVIe et XVIIe siècles n’a eu de cesse de reprendre le motif de la fureur qui engage tout l’ethos des personnages dans un risque de destruction intime, de dérèglement intérieur, d’emportement passionnel. Cette thèse se propose de questionner l’intérêt que les dramaturges tragiques ont trouvé à la fureur pour la conserver malgré toutes les évolutions et les transformations du genre, de la Cléopâtre captive jusqu’en 1653, date de l’échec de Pertharite. La fureur, au cœur de l’écriture tragique plutôt que de sa théorie, nous permet d’envisager une forme d’unité de ces cent ans de tragédies dans la pratique même du genre. Le travail constant du motif furieux par les auteurs éclaire ainsi la manière dont ils envisagent la représentation des passions exacerbées de la Renaissance jusqu’à la tragédie galante. Nous explorerons d’abord le cœur de l’élaboration complexe du motif, hérité de l’Antiquité mais recréé par l’écriture dramatique. Nous pourrons montrer, ensuite, que la fureur permet de relire notre large corpus pour faire émerger de nouvelles influences dramatiques et comprendre comment chacun des auteurs intègre le motif à son écriture spécifique – ou, au contraire, le refuse. Dès lors, il sera possible d’analyser les enjeux théoriques de la fureur tragique dont le contenu « vide » permet d’engager librement des questionnements esthétiques, éthiques et politiques. Enfin, c’est à la représentation problématique de la fureur que nous nous attacherons : la dimension spectaculaire du motif, dès ses origines, impose d’interroger ses modes d’expression. Comment les auteurs, puis les comédiens, parviennent-ils à faire entendre et faire voir au public la déraison incontrôlable grâce à l’écriture poétique et scénique ? / After Jodelle’s 1533 initial play, in which he made his Cleopatra a furious character, the Tragedy genre throughout the 16e and 17e centuries never stopped questioning the motif of Fury, a force which profoundly undermined the characters’ ethos, jeopardized as they were by the threat of personal destruction, innermost disorders, and outbursts of passion. My thesis endeavour to elucidate the reasons why Tragedy’s playwrights probed so enduringly into Fury, which persisted as a motif, irrespective of all the metamorphoses of the genre, from Jodelle’s ‘Cléopâtre captive’ until the fiasco of ‘Pertharite’ in 1653. Although Fury appeared peripheral to the theory of Tragedy, it was central to its writing. Thus, from the standpoint of the material, it provides a form of unity in over a century of varied production. Subsequently, the perpetual reworking of the motif of Rage by these authors sheds light on the manner in which they envisioned the representation of extreme passions, from the Renaissance to the tragédie galante. First of all, the complex elaboration of the motif is investigated, exploring how Antiquity’s legacy was being reinvented by dramatic writing. Then, through the prism of Fury, the large corpus of plays under scrutiny is given fresh insight, revealing new dramatic influences and how the motif was espoused by the authors and interwoven with their personal style – or rejected. After that, owing to the fact that Fury was devoid of any clear theoretical and moral contents, it is detailed how it became a field where authors could engage freely in aesthetical, ethical and political discussions. Eventually, the problematic rendition of Fury on stage is investigated: from the outset, the spectacular quality of the motif begs the question of its various modes of representation. By means of poetic and scenic writing, how did the authors and then the comedians appeal to the audience and bring this uncontrollable madness to life?

Inaug.-Diss.--Bonn. / Extra t.p. with thesis statement, inserted. Vita. Bibliography: p. 6-15.

Inaug.-Diss.--Bonn. / Extra t.p. with thesis statement, inserted. Vita. Bibliography: p. 6-15.

Le présent travail se propose d’écrire l’histoire de l’influence des tragédies grecques en France au XVIe et XVIIe siècles, dans la conviction qu’elle joua un rôle central, par sa présence ou son absence, dans la naissance et le développement de la tragédie française. Le fil rouge qui se dégage de notre travail est de nature religieuse et historique : les auteurs du XVIe et du XVIIe siècle alternent intérêt et désintérêt pour la tragédie grecque en fonction de la période historique et de leurs croyances religieuses, en fonction non pas de préférences littéraires mais à la suite des choix imposés par leur environnement par ce qu’il convient d’appeler la matérialité de l’Histoire : l’accès aux manuscrits, les interdictions du Concile de Trente, la diffusion du grec, etc. À travers l’analyse de plus de quarante pièces, ce fil rouge permet d’expliquer les fluctuations, autrement incompréhensibles, dans la relation à Euripide et Sophocle, le fait que les tragédies grecques monopolisent – par rapport à Sénèque – l’intérêt des traducteurs (tous évangélistes) de la première moitié du XVIe siècle, qu’elles laissent – avec une étonnante rapidité – le champ libre (en apparence du moins) à l’auteur latin pendant plus d’un siècle à partir de 1550, et qu’elles reviennent ensuite au premier plan avec Racine, dont les maîtres jansénistes partagent avec les évangélistes la dangereuse passion pour le grec. Racine se distingue des autres auteurs par sa capacité de retrouver chez Euripide le secret du personnage tragique, fondement d’une révolution dans l’art d’écrire des tragédies, à laquelle il renoncera lui-même à partir d’Andromaque, sous la pression des critiques et du goût du public. / The present work explores the history of the influence of Greek tragedies on France during the XVIth and XVIIth centuries, in order to demonstrate that this influence played a major role in French tragedy’s birth and development. Our work’s guiding thread is religion and history: XVIth- and XVIIth-century playwrights alternated between interest and lack of interest in Greek tragedy depending on the periods in which they lived and their religious beliefs. Their interest or lack thereof stemmed not from their literary preferences but from phenomena imposed on them by their environment, by what we can call the materiality of history: the access to manuscripts, the Council of Trent’s prohibitions, the spread of Greek, etc. Through the analysis of more than forty plays, this guiding thread helps to explain the fluctuations-hardly understandable otherwise-in the relationship with Euripides and Sophocles; the fact that in the first part of XVIth century, Greek tragedies, as compared with Seneca, monopolise the attention of translators (all linked to Evangelism); the fact that after 1550, with astonishing speed, the Latin author takes over (at least at first sight) for more than a century; and the fact that Greek tragedies come back on stage with Racine, whose Jansenist professors shared with Evangelists the dangerous passion for Greek. Racine stands out from the other authors because of his ability to rediscover the tragic hero’s secret, the cornerstone of his revolution in the art of writing tragedies-a revolution he will be forced by critics and audience taste to renounce, after Andromaque.

Corneille et Racine sont deux auteurs emblématiques de la tragédie classique du XVIIe siècle.L’objectif de ce mémoire a consisté en une analyse et une réflexion à travers des personnages féminins et masculins sur un corpus de quatre de leurs oeuvres en matière de libre arbitre et de conscience. Ces personnages représentent le héros tragique, issus de l’aristocratie et/ou de sang royal. Notre choix des oeuvres s’est porté pour Corneille sur - Polyeucte et Le Cid - et pour Racine sur - Andromaque et Polyeucte. La méthode est basée sur le livre Le dieu caché de Goldmann plus particulièrement sur son concept des trois sphères : du divin, du monde et de l’homme. L’analyse, a porté sur la capacité des protagonistes à utiliser le libre arbitre, à faire usage de la volonté et sur la notion de conscience.La complexité de cette étude a résidé dans la complexité des personnages et dans la coexistence des trois sphères du divin, du monde et de l’homme, à l’intérieur desquelles il y a différentes subtilités, d’autant plus que les sphères interagissent entre elles.De ce fait, cela génère la complexité de mesurer le degré de volonté, le libre arbitre des personnages. Par ailleurs, à travers les tragédies étudiées, nous pouvons voir la place centrale de la femme, la différence de l’homme et de la femme en ce qui concerne le libre arbitre, la place des émotions chez les personnages. / Corneille and Racine are two emblematic authors of the 17th century classic tragedy. It features characters of high rank from the nobility and/or from royal blood. The aim of this thesis is an analysis and a reflection, through female and male characters on a corpus of four of their works, in the field of free will and consciousness. These characters represent the tragic hero, coming from the aristocracy and/or of royal blood. Our choice is for Corneille, Polyeucte and Le Cid and for Racine, it is Andromaque and Britannicus. The method is based mainly on Goldmann’s book Le dieu caché and mainly the concept of three spheres: of the divine, the world and mankind. The analysis is focused on the protagonists’ ability to use free will, to make use of the will and on the notion of consciousness.The complexity of this study has been in the complexity of the characters and in the coexistence of the three spheres of the divine, of the world and of mankind, in which there are various subtleties especially since the spheres interact between them.By the same ways, it is complex to measure the will, free will of the characters. Through the studied tragedies, we can see the central place of women, the difference between man and woman in the matter of their free will, the place of emotions in characters.

Ce mémoire est consacré à l'étude du ± caractère ¿ du personnage éponyme de la première tragédie de Pierre Corneille, Médée, créée en 1635. L'analyse montre comment et combien Médée revêt, au fil de l'intrigue, certains traits qui deviendront des caractéristiques de l'héroïsme cornélien - notamment la volonté et le souci de dépassement de soi. Le texte est abordé sous les angles de la magie et de la monstruosité, deux motifs couramment associés à la figure de Médée : la perspective rhétorique permet de recenser leurs manifestations et de circonscrire leur fonction. La comparaison de cette pièce avec d'autres tragédies du même auteur permet d'établir la singularité et l'ambiguïté de Médée comme son importance et son incidence dans le développement de la vision héroïque cornélienne.

Reproduction de : Thèse de doctorat : Arts : Paris 8 : 2006. / Titre provenant de l'écran-titre. Bibliogr. f. 317-339.

Thèse 3e cycle--Histoire--Rouen, 1980. / N° spécial des :". Cahiers d'histoire de l'enseignement ". 1980. Bibliogr. p. 285-289.

Thesis (Ph. D.)--Rheinische Friedrich Wilhelms-Universität Bonn, 1924. / Includes bibliographical references (p. 6-12).

Thesis (Ph. D.)--Rheinische Friedrich Wilhelms-Universität Bonn, 1924. / Includes bibliographical references (p. 6-12).